Compilação de Paulo Victorino Traduzido da Wikipedia em francês, inglês, espanhol e italiano, com apoio de outras fontes

“Mindinho, seu vizinho, pai de todos”

Paul Cézanne (pronúncia: “poul-cezãne”), nascido em Aix-en-Provence

(pronúncia: “aicsan-provance), no extremo sul da França no dia 19 de janeiro

de 1839 e falecido na mesma cidade em 22 de outubro de 1906, foi um pintor

impressionista francês, cujo trabalho é considerado a ponte entre o

Impressionismo do final do século XIX e o Cubismo do início do século XX.

Por esta razão, a frase atribuída a Picasso, de que “Cézanne é o pai de

todos nós" ganha um significado especial, pela influência que sua obra teve nos

movimentos que se sucederam ao impressionismo, especialmente sobre o

cubismo de Georges Braque (1882-1963) e Pablo Picasso ((1881-1973).

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À medida que ganhava maturidade profissional, Paul Cézanne criava

também um estilo próprio, influenciado que foi pelo pintor Eugène Delacroix

(1798-1863), introduzindo nas suas obras distorções formais e alterações de

perspectiva em benefício da composição, ou para ressaltar o volume e peso dos

objetos. Concebeu a cor de um modo sem precedentes, definindo diferentes

volumes que foram essenciais para suas composições únicas.

Cézanne não se subordinava às leis da perspectiva, mas, ao contrário, as

modificava. A sua concepção da composição era arquitetônica; segundo as suas

próprias palavras; o seu próprio estilo consistia em ver a natureza segundo as

suas formas fundamentais: a esfera, o cilindro e o cone. Cézanne preocupava-

se mais com a captação destas formas do que com a representação do ambiente

propriamente dito.

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Mais do que buscar a impressão e a luminosidade, como faziam seus

contemporâneos, sua pintura era essencialmente técnica, estudando e

analisando os valores plásticos dos objetos, conformando-os aos planos

geométricos mais comuns e dando às árvores, casas e demais elementos da

paisagem, assim como às naturezas mortas e às figuras, uma unidade de

precisão matemática.

Cézanne teve uma vida de contradições. Ao contrário da média dos artistas,

ele nunca sofreu problemas financeiros, herdeiro que era de grande fortuna

deixada pelo pai, um próspero banqueiro. Foi reconhecido em vida, pela crítica

e pelos colegas de profissão, mas, ainda assim, manteve-se afastado do

convívio, permanecendo solitário, não frequentando os cafés que se tornaram

pontos de encontro da classe artística, e cuidando apenas de seu trabalho.

Desconfiava dos críticos, ainda que estes, de certo modo, o privilegiassem, ao

contrário de outros pintores, que sofriam a pressão da mídia em ácidos artigos

publicados na imprensa.

Numa coisa, os pintores de seu tempo e os das gerações futuras sempre

concordaram: Cézanne era o “pintor dos pintores”, referência para os

movimentos modernistas que sucederam ao impressionismo em que ele se

achava imerso, e sua pintura balizou o trabalho dos jovens vanguardistas que,

com olhos no futuro, tiraram a pintura do marasmo em que se encontrava, em

séculos de obediência cega aos cânones do classicismo.

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Ao menos, um amigo certo ele teve desde a infância e guardou por muitos

anos, e este amigo foi o escritor Emile Zola (pronúncia: “emílzolá”). Foram

colegas do ensino básico, reencontraram-se em Paris e, mais tarde, viriam a

reencontrar-se na cidade natal dos dois, Aix-en-Provence, no extremo sul da

França.

E foi em Aux-en-Provence que Cézanne manteve seu último atelier, cuja

casa é até hoje conservada e admirada pelos turistas que passam por aquela

região balneária.

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A luminosidade da cidade é tão forte que faz

uma fotografia parecer pintura de verdade

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Em Aux-em-Provence, há cor em toda parte

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De dia ou de noite, sempre

há o que fazer

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Suíça e limonada

Pode-se dizer que a infância de Paul Cézanne foi um tanto quanto tortuosa.

Nasceu de uma relação fora do casamento entre Louis Auguste Cézane, (1839-

1906), que tinha, então, 40 anos, e a modista Anne Elisabeth Honorine Aubert

(1814–1897), com apenas 24 anos, vinda de uma família extremamente pobre,

pois seu pai era um humilde chapeleiro e a família dela, geração após geração,

colecionara apenas uma vida de miséria e de aflições.

Ainda assim, não ficaram desamparados pois o pai, que era banqueiro,

reconheceu o menino como filho e contribuiu para que ele tivesse uma razoável

educação desde o ensino elementar. A criança nasceu em 19 de janeiro de

1839 e, logo em seguida, foi batizado na Église de Sainte-Madeleine, tendo

como padrinhos sua avó e um dos tios. Dois anos depois, em 4 de julho de 1841,

nasceu sua irmã Marie, depois sua irmã Rose e, em 1844, Louis-Auguste

resolveu efetivar a relação, casando-se com Anne Aubert.

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Não se pode atribuir aos pais a falta de senso, pelo contrário, um e outro

assumiram com zelo suas responsabilidades. De tradição católica e fervorosos

em sua fé, Paul Cézanne, após um tempo na escola de ensino fundamental da

comunidade, foi matriculado na escola católica de Saint Joseph para prosseguir

seus estudos. E como seu pai era um dos fundadores do Banque Cézanne et

Cabassol, isso trouxe-lhe uma segurança financeira, pouco comum aos artistas

de sua época, permitindo o prosseguimento de estudos e a realização de seus

sonhos.

Em 1852, com 13 anos, ele entra para o Collège Bourbon (depois

nomeado como Collège Mignet), ainda em Aix-en-Provence, onde conhece

Émile Zola (1840-1902), da mesma idade, o qual se tornaria mais tarde um

proeminente jornalista e escritor, um amigo fiel por quase toda a vida. Conhece

também o futuro professor de óptica e acústica Jean-Baptiste Baille (1841-

1918). Os três, além de colegas de escola, ainda que em classes separadas, se

uniram por uma longa amizade. A eles se junta, mais tarde, outro nativo da

cidade, Paul Alexis (1847-1901) que se tornaria um famoso novelista, jornalista,

dramaturgo e, por fim, biógrafo de Zola.

Paul Cézanne fez uma tela retratando Paul Alex

lendo um manuscrito para seu amigo Émile Zola

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Como todo pai, naquela época, também Louis-Auguste temia que a

dedicação à pintura como profissão traria a Paul uma vida de intranquilidade,

pelas incertezas do mercado de arte e, embora consentindo que o filho

estudasse desenho na escola municipal (e o fez por 6 anos seguidos sob a

orientação do monge espanhol Joseph Gilbert), também deveria fazer o curso

de direito na Universidade de sua cidade natal, Aix-en-Provence.

Contudo, essa harmonia não iria durar eternamente pois, entre escolher a

profissão de advogado e a de pintor, Paul optou pelo segundo caminho e,

contrariando, pela primeira vez, os desejos de seu pai, aos 22 anos, mudou-se

para Paris, seguindo os “maus conselhos” de Zola que, a esta altura, já se

achava instalado na capital francesa. O amor de pai era maior e, em breve, os

dois se reconciliaram e Louis-Auguste não só reatou relações com o filho como

lhe deu suporte financeiro permitindo o prosseguimento de suas pesquisas na

arte e seu estabelecimento com um ateliê adequado.

Logo que instalado em Paris, Cezanne conheceu o pintor Camille Pissarro

(Jacob Abraham Camille Pissarro, 1830-1903) impressionista, mais velho e

experiente, que o orientou no desenvolvimento da arte e, quando os dois

estavam equiparados como artistas, saíram juntos em busca de temas para

pintar, influindo um ao outro, indistintamente, num trabalho colaborativo.

Cézanne e Pissarro, em uma foto de aparência meio desleixada

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O que diferenciou Cézane de Pissarro e dos demais artistas

contemporâneos é que ele não se fixou apenas na emoção mas buscou montar

uma base sólida e bem estruturada em conceitos técnicos e sua pintura, cada

vez mais, se distanciava do impressionismo, ganhando contornos geométricos

definidos e cuidadosamente estudados, trabalhando diretamente a partir da

observação, não só da luminosidade, como da forma regular dos espaços,

naquilo que ele viria chamar de estilo arquitetônico de pintura.

Ele mesmo declarou: “Eu quero fazer do impressionismo algo sólido e

duradouro como a arte dos museus”, e manifestou o desejo de recriar

Poussin (Nicolas Poussin, 1594-1665), com a observação criteriosa da natureza

para produzir uma composição moderna, mas próxima da visão clássica da arte.

E, entre as referências de Poussin se coloca sua obra Os Pastores de

Arcádia (Et in Arcadia ego), pintado por volta de 1630 e reproduzido abaixo.

Não havia, pois, o objetivo de renegar o passado, mas trazê-lo de volta,

revigorando-o com os conceitos mais modernos da arte pictórica.

Nicolas Poussin, “Os Pastores de Arcádia”, 1630(circa)

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Cézanne sempre procurou se balizar na experiência de seus colegas

parisienses, reconhecendo-lhes a experiência, mas, longe de se tornar um

autodidata, cuidou de se respaldar nas melhores escolas de arte de Paris.

Nesse propósito, logo em sua chegada, inscreveu-se na Academie Suisse,

onde teve oportunidade de trabalhar com modelos ao natural, com a vantagem

de que não havia lições exaustivas nem exames, mas apenas o exercício prático

da pintura e, com essa prática, esperava estar na altura de ingressar na cobiçada

Escola de Belas Artes de Paris. Como a maioria de seus colegas, começou a

frequentar também o Museu do Louvre, tomando contato com a obra de

Caravaggio e de Velazquez, que marcaram profundamente sua evolução

artística.

Mas nem tudo eram rosas e os espinhos o atingiram quando foi

peremptoriamente recusado na Escola de Belas Artes. Desgostoso, retornou à

sua cidade natal, desanimado da vida, e aceitou um emprego no Banco de seu

pai. Porém, não era sua sina passar os dias em uma mesa de escritório e, meses

depois, estava de volta a Paris, a fim de consagrar-se exclusivamente à pintura,

para o que seu pai lhe reservou uma pensão mensal de 125 francos.

Foi por esta época que, ao matricular-se, outra vez, na Academia Suíça,

estabeleceu amizade com Guilhaumin (Jean-Baptiste Armand Guillaumin,

1841-1927) e com Pissaro, a quem já nos referimos atrás.

Pintura de Arrmand Guillaumin, um novo amigo de Cezanne

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Pode-se dizer que este foi o período de ressureição de Cézanne, abrindo-

se para um mundo novo e romântico. Voltou sua atenção para o trabalho de

Eugène Delacroix e, entre os artistas mais jovens, manifestou sua admiração

por Gustave Courbet e Édouard Manet, vanguardistas de primeira linha, que

expunham obras capazes de escandalizar seus contemporâneos.

Foi por essa época que se estabeleceu uma guerra entre o Salão de Paris,

mais conservador, e os artistas de Vanguarda, cujas obras eram

sistematicamente recusadas para exposição. Isso levou o imperador Napoleão

III a criar o Salão dos Recusados que, a partir de então, passou a exibir as

obras dessa nova geração, as quais tinham seu valor específico, mas não se

enquadravam nos padrões rígidos do Salon.

Foi também por esta época que conheceu a modelo Marie-Hortense Fiquet

(1850-1922), onze anos mais nova, com a qual se casaria em 28 de abril de

1886, com a concordância materna, mas sem que o pai fosse comunicado do

acontecimento.

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E havia razões para manter reservas quanto ao enlace. Embora o

casamento jamais tenha sido desfeito, Marie-Hortense tinha uma vida

independente da qual não desejava se despregar e, durante toda vida de

casados, os dois viveram meio que separados e independentes. Como disse

Paul: “Minha esposa só quer saber de Suiça e de limonada...” Essa

separação física e emocional entre os dois se reflete nos retratos dela, pintados

pelo marido, onde se percebe um ar de distanciamento.

Se é verdade que ela continuou posando para o pintor ainda durante a

década de 1890, também é fato que o casamento não passou de uma

conveniência formal e Hortense foi por ele deserdada. Seu único filho, também

chamado de Paul 1872-1947) herdou a propriedade inteira do pai. Por outro lado,

o filho não desamparou a mãe, mas o dinheiro que dava a ela era desperdiçado

em jogos de azar. Como bem o disse Cezanne, ela era só “Suíça e limonada...”

Madame. Cezanne retratada pelo marido

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Por este mundo de Deus

Se seu atribulado casamento não deu certo, também não foi por culpa de

Cézanne que sempre se esforçou para estabelecer uma vida conjugal

harmoniosa e, mesmo não contando com a cooperação da esposa, fez tudo o

que pode para manter uma aproximação possível entre os dois.

Quando eclodiu a guerra franco-prussiana, em 1870, Cézanne e Hortense

deixaram Paris para ir a L’Estaque, no extremo sul da França, evitando o

alistamento militar, e ele foi considerado um desertor. A guerra acabou em

fevereiro de 1971, houve uma anistia aos desertores, E o casal voltou a Paris.

Em janeiro do ano seguinte, nasceu o único filho, Paul, concebido no

período de exílio em L’Estaque. Mudaram-se então para Auvers-sur-Oise,

próxima de Paris, o que permitiu o restabelecimento da parceria com Pissarro,

que morava em Pontoise, a 10 quilômetro dali. Cézanne tinha admiração pelo

amigo, a quem chamava de “Mon Dieu Père” (Deus Pai), e cunhou a frase

“todos nós proviemos de Pissarro”.

Se há exagero, não sabemos, mas certo é que, a partir daí, Cézanne

abandonou os tons escuros que usava, em troca de cores brilhantes,

características do impressionismo e passou a concentrar-se em cenas da vida

rural.

Estabeleceu-se entre os dois uma valiosa parceria e ambos realizavam

excursões juntos, numa profícua relação de trabalho e mútua admiração. Vem

dessa época a releitura de “Olympia”, que Edouard Manet pintara em 1863,

bem como a obra “A casa do enforcado”, feita em Auvers-sur-Oise. Ambas as

obras figuraram na primeira exposição impressionista realizada na casa do

fotógrafo, caricaturista e jornalista Felix Nadar, o primeiro a acolher aquele grupo

de impressionistas que batalhava por um espaço para viver a arte.

Nadar, sempre próximo dos impressionistas, era também amigo de Júlio

Verne e juntos pesquisavam os princípios de aerodinâmica. Aliás, Nadar foi a

inspiração para o livro “Cinco Semanas em um Balão”, em que Verne colocou

em romance o resultado desses estudos.

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Edouard Manet, “Olympia”, 1863

Paul Cezanne, “Olympia”, 1873

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Deixando Hortense em Marselha, na região mediterrânea, o pintor passou

a oscilar entre Paris e Provença, conhecendo, nessa época o “Pai Tanguy”,

marchand já nosso conhecido, que se dedicava a promover as pinturas dos

impressionistas, fornecendo material de pintura em troca de telas já prontas para

exposição e venda. Cézanne participou, assim, da primeira mostra

impressionista em 1874 e da terceira, em 1877. Da segunda, passou ao largo.

Nessas andanças, fez novas e importantes amizades. Frequentou a casa

de seu amigo Zola, às margens do Sena, onde conheceu o escritor e crítico de

arte Joris-Karl Huysmans (1848-1907). Em L’Estaque, recebeu a visita de

Renoir, no ano de 1882, que ficou maravilhado com a paisagem da região. E,

numa onda favorável, conseguiu pela primeira e única vez, expor no refratário

Salon de Paris, por interferência de seu amigo e artista Antoine Guillemet.

Também reencontrou o pintor Monticelli (Adolphe Joseph Thomas

Monticelli, 1824-1886), que conheceu anos 1860, e os dois pintaram juntos entre

1878 e 1884. Em 1883, morre o Édouard Manet e o grupo impressionista se

desfaz. Em dezembro do mesmo ano, Monet e Renoir se reúnem com Cézanne

em L’Estaque para uma temporada de pintura.

Em certo sentido, todo pintor tem um instinto gregário. Se, de um lado,

precisa da solidão criativa para produzir suas obras, por outro, sente a

necessidade de trocar ideias com companheiros, compartilhando inovações e

trocando informações que são importantes para todo o grupo.

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O futuro, a Deus pertence

Se é certo que Cézanne sempre foi contemplado com uma vida sem

preocupações financeiras, rodeado de amigos e com sucesso profissional,

também é certo que, a partir de um determinado momento, nuvens ameaçadoras

começaram a se formar, marcando a última fase de sua vida com atribulações

sem fim.

Em abril de 1886, casa-se ele com Hortense, ele pintor, ela modelo,

resultando em uma união por conveniência que teve de ser administrada pelo

resto da vida, para salvar as aparências junto à sociedade. Em outubro, morre

seu pai, deixando-lhe como herança uma propriedade que havia adquirido anos

atrás, e mais uma pequena fortuna, que, se lhe trouxe a independência

econômica, levou-o a um isolamento cada vez maior do ambiente social.

Nesse mesmo ano, tem fim sua amizade com o escritor Émile Zola e o

motivo foi aparentemente trivial. Zola acabara de publicar seu novo romance,

L’Œuvre (A Obra), o quarto volume da série “Les Rougon-Macquart” usando

como personagem central um artista fracassado, de nome Claude Lantier.

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Até aí, nada a ver com Cézanne, a não ser pelo fato de que a obra

encaminha o leitor justamente para o mundo da arte e dos artistas, com base em

um retrato de Lantier, evocando, no texto, nomes de proa e, entre eles o nome

de Cezanne. Este considerou o texto indecoroso e, a menção ao seu nome seria,

em seu entender, uma traição por parte do amigo da infância. Rompeu-se a

amizade e os dois não voltaram a se comunicar.

Deste 1890, até sua morte, em 1906, sucederam-se acontecimentos

perturbadores que transformaram Cezanne numa personalidade amarga,

distanciado de todos e refugiando-se apenas na pintura. Com muito custo,

alguns entre os mais íntimos, conseguiam chegar até ele e, entre estes, os

marchands “Pai Tanguy” e Ambroise Vollard (1866-1939), ainda assim, só

para tratar de negócios, sem se permitir uma conversa mais ampla ou qualquer

tipo de aconselhamento.

Já em 1890, começaram a surgir problemas com a saúde, especialmente

com o diabetes, para os quais a medicina ainda não tinha uma farmacopeia

eficiente. A doença afetou mais a personalidade, afastando-o dos amigos.

Sem descuidar-se da vida familiar e honrando o sacramento do matrimônio,

Cézanne permanecia administrando o fracassado casamento, mantendo a

companhia da esposa e do filho Paul, a esta altura um jovem de 18 anos. Não

conseguiu, porém, seguir com esse relacionamento e os dois passaram a viver

em casas independentes, ele garantindo o sustento de Hortense, mas, agora,

vivendo apenas em companhia da mãe viúva e da irmã solteira.

Extravasando seu estado de espírito, o quadro “Jarra com cortina, 1895”

(abaixo), ilustra a tendência de Cézanne pela compressão suave de formas,

acompanhada de uma tensão dinâmica entre as figuras geométricas.

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Isolado e sem rumo, em 1891, retornou ao catolicismo, como tábua de

salvação, ainda que não tenha usado as figuras religiosas como tema de sua

pintura. Conquanto profana, sua arte mantinha uma conotação religiosa, como

ele explica: “Quando julgo a arte, faço meu quadro colocando nele um

objeto que seja obra de Deus, como uma árvore, uma flor, uma fruta. Se

não houver harmonia entre a obra de Deus e o restante, então não é arte.”

Ou para conservar a amizade, a despeito da “retranca”, ou por seu interesse

como marchant, ou, mais provavelmente pelas duas razões, Vollard cuidou até

o fim em promover os trabalhos de Cézanne. Em 1895, organizou uma exposição

individual reunindo 100 telas, a qual teve grande êxito. Após essa mostra, os

quadros de revenda no mercado passaram a alcançar cotações mais altas.

Em 1897, morre seu último ponto de apoio, a própria mãe, e isso o levou a

reconciliar-se com sua mulher Hortense. Vendeu a propriedade onde estava e

alugou outra, em Aix-en-Provence, que passou a servir de abrigo para a família

e estúdio para seguir pintando. Em 1900, três de suas telas são incluídas na

Exposição Universal organizada pelo marchand Paul Cassirer em Berlim. Em

1901, expõe, outra vez, no Salão dos Independentes. Nesse mesmo ano (1901),

Maurice Denis pinta um quadro retratando vários artistas (Redon, Vuillard,

Bonnard e Denis) segurando uma obra de Cézanne, numa significativa

homenagem ao pintor.

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Se sua relação com Hortense não conseguiu seguir adiante, também não

foi por falta de esforço. Para ter um pouco de tranquilidade, em 1901, comprou

uma propriedade no alto de uma vistosa colina em Chemin des Lauves

(Caminho de Lauves) e mandou construir um ateliê, que hoje está aberto aos

turistas, com todos os móveis e apetrechos usados por Cezanne, na mesma

posição em que ele os deixou. Pressentindo a morte próxima, fez um rascunho

de testamento, deserdando a esposa Hortense e deixando todos seus bens

ao filho Paul. A gota final se deu porque ela, por raiva ou por desprezo, queimou

todas as recordações deixadas pela mãe de Cezanne.

Em 1903, sela-se o reconhecimento do artista, em diversas exposições e só

o Salão de Outono exibiu 33 obras suas, com homenagem idêntica nas

exposições de Veneza e de Berlim.

As exposições se sucediam e várias retrospectivas foram montadas,

atraindo muitos pintores emergentes de outras partes da França, que viajavam

até Aix-em-Provence só para vê-lo pintar.e pedir seus ajuizados conselhos.

Não obstante o inequívoco sucesso, suas teorias continuavam sendo para

os críticos um mistério criptografado. Uns o classificavam com um pintor ingênuo

(naïf), outros o entendiam como um complicado mestre com procedimentos

técnicos intangíveis. Qualquer que seja a classificação, ninguém consegue

ignorar a atração exercida por seu trabalho, através das gerações de artistas.

Representações do crânio humano são temas de várias obras de

Cézanne. Para ele, o crânio representava os conflitos existenciais que

culminavam em uma angústia sentida pelo artista.

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Um dia, em 1906, o pintor foi colhido por uma tormenta enquanto trabalhava

ao ar livre e, ainda assim, debaixo da chuva, prosseguiu até o término do quadro.

Só depois de horas debaixo do aguaceiro é que decidiu regressar à casa, mas,

no caminho de volta, desmaiou e foi levado para casa por um transeunte que o

encontrou no chão. Sua governanta tentou reanima-lo e conseguiu que ele

recuperasse a consciência e, no dia seguinte, Cézanne decidiu voltar ao

trabalho, mas desmaiou outra vez.

Desta feita, foi levado à cama e de lá não mais saiu. Morreu poucos dias

depois, em 22 de outubro de 1906, em consequência de uma pneumonia, sendo

sepultado no cemitério de sua cidade natal, em Aix-en-Provence.

Seu último estúdio se transformou em monumento, aberto à visitação

pública e, qualquer um que visite Aix-en-Provence hoje, vai encontrar, a cada

passo, vestígios da passagem de Paul Cézanne, cuja figura conseguiu suplantar

em fama até seu colega de infância, o escritor Emile Zola. A memória é

preservada por todos os cantos da cidade e o turismo, por sua vez, agradece.

Nunca o lugar foi tão frequentado por ávidos visitantes que buscam encontrar lá

vestígios da passagem de seu ilustre cidadão.

- 025 –

Bom hoje, melhor amanhã

Se é verdade que, desde o primeiro momento, Cézanne demonstrou seu

talento para a arte, foi a forja do tempo que se encarregou de moldá-lo, trazendo-

lhe a experiência, num longo caminho em que, passo a passo, ele foi ajustando

sua paleta até se transformar no mestre reconhecido por seus contemporâneos

e pela posteridade. Costuma-se dividir sua obra em quatro períodos distintos:

1861 – 1870 –

Período escuro, em que a paleta é mais carregada.

- 026 -

1870 – 1878 –

Impressionismo, quando o artista, na companhia dos jovens

vanguardistas, faz experiências com a luminosidade das cores.

1878 – 1890 –

Maturidade, em que Cézanne revela sua própria personalidade, não

dependendo de fatores externos para balizar sua arte.

- 027 -

1890 – 1906 –

Ocaso, sob a pressão de uma série de reveses que põe o artista em

confronto consigo mesmo, em tensões ambientais que o fazem

questionar o mundo em redor. Não se trata de uma queda na qualidade

técnica da pintura, mas, ao contrário, o reflexo de suas atribulações no

trabalho realizado neste período.

- 028 -

- 1904 – 1906 -

“Le jardinier Vallier” é um dos

últimos trabalhos de Cezanne

- 029 –

CRONOLOGIA

ILUSTRADA

- 030 -

-1862 - 1864 -

“O julgamento de Páris”

15 x 21 cm

Pela mitologia grega, “O julgamento de Páris”, também conhecido como

“O julgamento do Monte Ida”, é um episódio importante que coloca em

confronto Héra, Athéna e Aphrodite, prefigurando outro acontecimento de

destaque, que foi a Guerra de Tróia. Foi do julgamento de Páris que surgiu a

conhecida expressão “Pomo da discórdia” (a maçã da discórdia). Durante o

casamento de Peleu e Tétis, no Olimpo, Éris, a deusa da discórdia, que não tinha

sido convidada, resolveu acabar com a alegria reinante e entregou

anonimamente aos olímpicos uma linda maçã, toda de ouro, com a inscrição:

"Para a mais bela". O tema do julgamento de Páris é recorrente e foi objeto de

vários pintores, através dos tempos.

- 031 –

- 1865 -

“O negro Scipião” - 107 x 103 cm

Museu de Arte de São Paulo

Cipião, o Africano, foi um político da República Romana eleito cônsul por

duas vezes, em 205 e 194 a.C.. Um dos maiores generais romanos de toda a

história, derrotou Aníbal na Batalha de Zama, encerrando a Segunda Guerra

Púnica. O quadro pertenceu ao acervo de Claude Monet, que possuía outras 13

pinturas de Cézanne. Esta, ele a conservava em seus próprios aposentos,

considerando-a como uma obra de força extraordinária (“Um morceau de

première force”)

- 032 –

- 1866 –

“Meu tio Dominique como monge”

64,8 x 54 cm – Metropolitan – NY

O jovem e incipiente pintor, ainda em sua fase romântica, mais conhecida

como “Período Escuro”, era um católico fervoroso e, ao colocar seu tio em um

manto de monge dominicano, reflete o desejo de solidão que o perseguiu por

toda a vida.

A juventude romântica, como um todo, se espelhava, na época, em Jean-

Baptiste-Henri Dominique Lacordaire (1802-1861), misto de profeta e político,

precursor do catolicismo moderno e restaurador da Ordem dos Pregadores, que,

anos antes, agitaria a juventude da França em sua tentativa de ganhar a Igreja

Católica pelos ideais republicanos. Cézanne seguiu a onda.

- 033 –

- 1866 -

“Pai Rouvel em Bennecourt”

(Cabeça de um velho)

51 x 48 cm – Museu d’Orsay – Paris

- 034 –

-1867 -

“Cristo no limbo” – 170 x 97 cm

Museu d’Orsay, Paris

“Jas de Bouftan” era o nome da mansão da família Cézanne em Aix-em-

Provence, no extremo sul da França, onde o pintor montou seu primeiro estúdio

e, ato contínuo, começou a decorar o interior da casa com uma série de murais.

Mais tarde, passou essas figuras para as telas e tentou vende-las, em bloco, ao

Museu de Luxemburgo, sem que a negociação chegasse a bom termo, pelo que,

os quadros tornaram-se posse de vários colecionadores, fragmentando o

conjunto. Conforme documentação do período, “Cristo no Limbo” é um desses

fragmentos e, portanto, uma parte de uma obra maior e mais complexa.

- 035 –

- 1867-1869 -

“A tentação de Santo Antônio”

Cézanne pintou, em sequência, três telas sob o mesmo tema, duas das quais

vão aqui reproduzidas e todas elas parecem caracterizar uma representação do

domínio dos conflitos sexuais que afligem o pintor neste momento.

- 036 –

- 1868 –

Abertura da ópera “Tannhauser”

(Mulher ao piano) – 57 x 92 cm

Hermitage Museum, São Petersburgo

A mulher sentada na poltrona é Anne Elizabeth Cezanne, a mãe do artista,

enquanto que a moça ao piano é a sua irmã Marie. Óbvio que não se sabe qual

música a jovem estava tocando no momento. Assim, o título “Abertura da ópera

Tannhauser” foi apenas uma homenagem ao compositor Richard Wagner

(1813-1883). Abaixo, uma cena da ópera.

- 037 –

- 1869 -

“Madeleine” (La douleur))

165 x 124 cm - < Museu d’Orsay, Paris

Faz parte dos afrescos que o pintor realizou na casa da família em Aix-em-

Provence, mais tarde transpostos separadamente para as telas, em óleo.

- 038 –

- 1869 – 1871 -

“O relógio preto, de mármore”

54 x 73 cm – Coleção particular

Nesta primeira fase de sua carreira, conhecida como “Período Escuro”, o

pai de Cézanne lhe permitia pintar, e até montou um estúdio na casa da família,

propriedade conhecida como Jas de Bouffan, mas sempre com a condição de

que a pintura seria um hobby e, assim, em troca do consentimento, o jovem

artista tinha que, paralelamente, seguir o curso de direito.

Sem liberdade artística, não havia ânimo para buscar temas na bela cidade

onde moravam e, assim, nas poucas horas em que se dedicava à pintura,

Cézanne pintava as pessoas e objetos da própria casa, ou fazia a releitura de

estampas, o que era um entrave para seu desenvolvimento artístico. A sequência

de pinturas do “Periodo Escuro” reflete esse marasmo.

- 039 –

- 1866-1870 -

“Retrato de Antony Valabrègue”

60,4 x 50,2 cm – J. Paul Guetty Museum, L.A.

Antony Valabrègue (1844-1900) também nasceu em Aix-em-Provence e

era colega tanto de Cézanne quanto de Émile Zola, fazendo parte do restrito

grupo de amigos dos dois. Tornou-se um conhecido poeta e fez sucesso como

crítico de arte para várias publicações.

- 040 –

- 1870 -

“The Railway Cutting”

(A Estrada de Ferro)

80 x 129 cm – Neue Pinakothek, Munique

Afinal, o pai do artista, convencido de que ele não se interessava pelo direito,

desistiu de fazê-lo advogado e Cézanne partiu para Paris, onde tomou contato

com a nova safra de pintores, experimentando pela primeira vez o estilo

impressionista em voga na capital, em especial na comuna de Montmartre e na

região de Pontoise e Ouvers-sur Oise, onde o dr. Gachet mantinha seu hospital.

Surge, então, este primeiro estudo, com uma guinada de 180 graus nos

conceitos admitidos até então e inaugura-se a segunda fase do artista,

conhecida como Período Impressionista.

- 041 –

- 1872 – 1873 -

“La Maison du Pendu”

(A casa do enforcado)

55 x 66 cm –

Museu d’Orsay, Paris

Esta é uma das três telas que Cézanne inscreveu na primeira exposição

impressionista, em 1874, tornando-se evidente a influência de seu amigo

Camille Pissarro, de quem ele assimilou o novo estilo de pintura, trabalhando

juntos em Pontoise e em Auvers-sur-Oise, nas proximidades de Paris. Cézanne

adota não só as cores brilhantes, como também o toque fragmentado usado

pelos impressionistas, que mais tarde seria caricaturado pelos Pontilhistas.

Há também mudança na conceituação da arte, já que ele abandona os

temas dramáticos ou literários, buscando tão somente a emoção, sem qualquer

preocupação didática. Mas se é uma obra de arte impressionista, também não

alcança, ainda, o estilo adotado por seus demais colegas e revela um

impressionismo muito pessoal, revisado por ele próprio e ninguém mais.

- 042 -

- 1873 (circa) -

Paysage d’Auvers-sur-Oise

Ashmolean Museum, Oxford, Inglaterra

Este quadro foi pintado quando Cézanne, conheceu o dr. Paul Gachet,

médico dos artistas e diretor do hospital de Auvers-sur-Oise, onde Van Gogh

esteve internado nos últimos meses de vida. Nesta época, Cezanne já estava

vivendo com sua amante e futura esposa Hortense e os dois tinham seu primeiro

e único filho, Paul.

Gachet que, além de médico, era pintor nas horas vagas e também um

colecionador, admirava as obras de Cézanne, reconhecendo seu potencial. Foi

do médico que partiu o convite para que Cézanne se hospedasse em sua própria

residência e, nesse meio tempo, o artista aproveitou para pintar os arredores,

surgindo, entre outros, o quadro acima.

- 043 –

- 1873 -

La Maison du Docteur Gachet

41 x 27 cm – Museu d’Orsay, Paris

- 044 –

- 1873 -

“Ramalhete em um vaso”

74 x 93 cm – Museu d’Orsay, Paris

- 045 –

- 1873 -

“Vista de Auvers-sur-Oise”

65 x 80 cm – Art Institute of Chicago

- 046 –

- 1873 -

“Le Buffet” - 65 x 81 cm

Museu de Belas Artes de Budapest

- 047 –

- 1874 – 1875 -

“Avenida em Jas de Bouffan”

38 x 46 cm – Tate Gallery - Inglaterra

Jas de Bouffan, recordemos, era a propriedade da família Cezanne nos

arredores de Aix-em-Provence, cidade natal do pintor, no sul da França e bem

distante de Paris, com um bosque cercando a mansão, que fora construída no

Século XVII. A avenida, cercada de castanheiras, era a entrada para a

residência.

Não se sabe exatamente quando o quadro foi pintado, mas ele faz parte de

uma série de obras sobre o mesmo tema, provavelmente executadas de

memória, a partir de ligeiros esboços feitos quando de sua visita à família.

- 048 -

- 1874 – 1875 -

“Banhistas” – (Les Baigneurs)

38,1 x 46 cm – Metropolitan Museum (N.Y.)

“Vivre la France”! Influenciado pelos jovens impressionistas, o artista deixa

de lado os temas religiosos e mitológicos e adere aos nus sem qualquer

restrição. A pintura é leve e o tema é tratado com suavidade, bom gosto e beleza.

- 049 –

- 1875 -

“Après-midi à Naples”

(Uma tarde em Nápoles)

37 x 45 – National Gallery of Austrália

- 050 –

- 1875 – 1877 -

“Auto-Retrato com turbante”

55 x 47 cm - Neue Pinakothek, Munich

- 051 –

- 1877 -

“Retrato de Victor Chocquet, sentado”

46 x 38 cm – Columbus Museum, Ohio (USA)

Victor Chocquet (1821-1891) era um colecionador e entusiasta do

impressionismo. Tinha uma imensa coleção de arte que foi dispersa após sua

morte, achando-se, a maioria dos quadros, em museus americanos.

- 052 –

Além do quadro da página anterior, pintado por Cézanne, o

colecionador e amigo e defensor dos impressionistas Victor

Chocquet, foi alvo de seguidas pinturas também de Pierre-Auguste

Renoir, conforme exemplos abaixo.

- 053 –

- 1877 -

“Natureza-Morta, com terrina de sopa”

65 x 83 – Museu d’Orsay, Paris

- 054 –

- 1877 – 1879 -

“Natureza-Morta, com gaveta aberta”

22 x 41 cm – Coleção Particular

- 055 –

- 1879 -

“A ponte de Maincy”

60 x 73 – Museu d’Orsay, Paris

Maincy é uma comuna francesa a 60 quilômetros de Paris, mais

precisamente na Íle de France, às margens do Rio Sena. É um local bastante

visitado por turistas, principalmente por causa de seus castelos. Entre eles, o

mais famoso é o Palácio de Fontainebleau (Fonte Azul) com magníficos

jardins, declarado Património Mundial da humanidade pela UNESCO em 1981.

Usado desde o século XII pelos reis da França, Fontainebleau era o lugar onde

reis e nobres se reuniam para caçar, uma vez que fica no meio da grande

floresta. A região, no século XIX, era muito frequentada por pintores, conhecidos

como os “artistas de Fontainebleau”. Parte deles foi contratada para ornamentar

o castelo, mas a maioria fazia parte de um grupo de “ar-livristas”.

- 056 –

- 1879 – 1880 -

Les Peupliers (Os choupos)

Desconhecidos no Brasil e em países tropicais, os choupos são árvores

típicas de florestas nórdicas e se encontram em regiões mais temperadas.

Cezzane, em suas pinturas, usava quase que exclusivamente o óleo sobre tela

mas neste caso, excepcionalmente, realizou um trabalho aquarelado.

- 057 –

- 1879 – 1882 -

“Floresta no interior de Fontainebleau”

64 x 80 cm – Coleção Particular

- 058 -

- 1880 -

“Retrato de Paul - 15,2 x 17,1 cm”

Princeton Universit Art Museum

Paul é o único filho do artista, resultado de seu relacionamento com a

modelo Marie-Hortense Fiquet, em 1872. Mais tarde, os dois se casariam,

regularizando a união. Cézanne realizou uma série de retratos do filho e esta

pintura se deu quando o menino tinha já 8 anos. Embora o garoto não se mostre

muito animado em posar como modelo, ainda assim, o pai procurou capturar um

pouco de sua aparência e personalidade, fazendo-o parecer espontâneo.

- 059 –

- 1880 -1882 -

“Madame Cézanne no jardim”

63 x 80 cm – Musée de l’Orangerie, Paris

Católico fervoroso que era, Cezanne sempre lutou para preservar o sacramento

do matrimônio e salvar as aparências, ainda que Hortense não colaborasse em

nada para essa harmonia.

- 060 –

- 1882 -

“Gehöft in der Normandie”

(Fazenda na Normandia)

47 x 65,7 cm – Galeria Albertina, Viena

A Normandia é uma região histórica ao noroeste da França, na divisa com

a Alemanha, colonizada pelos normandos, e onde, em 1945 ocorreria uma

batalha decisiva que selaria os destinos da Segunda Guerra Mundial. Em suas

férias de Verão, Cezane aproveitou para pintar vários quadros.

- 061 –

- 1882 – 1883 -

“L'Estaque, Blick durch die Kiefern”

(L’Estaque vista através dos pinheiros)

72,5 x 90 cm – Reader’s Digest Collection, N.Y.

L’Estaque é uma vila de Pescadores em Marselha, 780 quilômetros ao sul

de Paris, local bastante procurado por impressionistas. Entre 1870 e 1914, as

suas paisagens foram uma fonte de inspiração, por exemplo, para Paul Cézanne,

Georges Braque, ou Auguste Renoir.

- 062 –

- 1882 – 1885 -

“Rochedos em l’Estaque”

72 x 91 cm – Museu de Arte de São Paulo

- 063 –

- 1883 – 1885 -

Baía de Marselha, vista de l’Estaque”

64 x 81 cm – Coleção Particular

Será difícil encontrar uma outra pintura tão simples como esta, o máximo de

economia nos traços, nos planos e nas cores, assemelhando-se à arte

minimalista, em que se procura dizer o máximo, usando o mínimo de recursos.

A linha do oceano é completamente horizontal, as casas são apenas insinuadas,

assim como as árvores ao redor.

- 064 –

- 1883 – 1885 -

“A Baía de Marselha vista de l’Estaque”

65 x 54 cm – Musée d’Orsay, Paris

As cores fortes usadas nesta tela contrariam a paleta usual de Cezane e

nos encaminham para a pintura pós-impressionista, de que seriam mestres

Van Gogh e Gauguin, entre outros, e que abriria as portas, no Século 20, para

o surgimento do fauvismo. O Museu d’Orsay, onde este quadro se encontra,

é, por conveniência, um tributário do grande Museu do Louvre, abrigando as

obras impressionistas pertencentes ao Louvre.

- 065 -

- 1883 – 1885 -

“O mar em “l’Estaque” - 71 x 57 cm -

Fitzwilliam Museum, Cambridge (Inglaterra)

- 066 –

- 1885 -

“A baía de Marselha, vista de l’Estaque”

80 x 99,6 cm – Art Institute of Chicago

Tema recorrente de Cézanne em Marselha, este quadro é uma variação de

outro, feito dois anos antes, que se acha reproduzido na página 064, só que aqui

a pintura volta a ser clara e brilhante, própria do estilo de Cézanne.

- 067 –

- 1883 – 1885 -

“Banhistas fora da tenda”

63,5 x 81 cm -

Staatsgalerie Stuttgart, Alemanha

Cézanne retorna às experiências nos anos de 1874 e 1875, sob o

tema “banhistas”. Não será por muito tempo.

- 068 -

- 1883 – 1887 -

“Retrato de Madame Cézanne” (Hortense)

62 x 51 cm – Coleção particular

- 069 –

- 1884 -

“Der Teich des Jas de Bouffan im Winter”

(A lagoa de Jas de Bouffan no inverno)

92 x 73,5 – Norton Simon Museun

Pasadena, Califórnia (USA)

- 070 –

- 1885 – 1887 -

“A mansão da família Cézanne em

Jas de Boufan” (Aix-em-Provence)

60 x 71 cm, National Gallery, Praga

“Jas de Boufan”, sempre é bom relembrar, é a propriedade familiar onde

Paul Cézanne passou a infância e a adolescência e onde teve seu primeiro

estúdio, no chamado “Período Escuro” . O bom filho, à casa torna e, vez por

outra, lá estava ele para relembrar o passado, reencontrar velhos amigos e, é

claro, pintar. Mas a pintura de agora, quanta diferença!

- 071 –

- 1885 -

“Kastanienbäume im Jas de Bouffan”

(Castanheiras em Jas de Boufan)

65 x 81 cm - Kunstmuseum Winterthur (Suiça)

- 072 –

- 1885 -

“Bastide Provençal” 48,3 × 33 cm

Princeton University Art Museum

Técnica: “wet-on-wet” (alla prima)

Este trabalho foge completamente aos padrões de Cézanne, a começar da

técnica utilizada de “wet-on-wet” (literalmente, “molhado sobre molhado”,

nomeado pelos italianos como “alla prima” (à primeira), que consiste em aplicar

uma camada de tinta a óleo bem diluída e sobrepor a ela outra camada, antes

que a primeira tenha secado. O resultado final pode confundir-se com um afresco

ou, mais precisamente, como uma pintura aquarelada. Exige-se muita atenção

e grande habilidade por parte do pintor, pois se ele perder o “timing” na aplicação

da segunda camada, todo trabalho se ficará prejudicado.

- 073 –

- 1885 – 1887 -

“Castanheiras em Jas de Buffon”

73 x 92 cm – Mineapolis Institute of Arts

(Minnesota – USA)

- 074 –

- 1885 – 1887 -

“Castanheiras em Jas de Buffon”

65 x 81cm – Coleção Particular

Cézanne repete aqui o tema da página anterior, só que muda a paleta,

voltando a admitir cores fortes e agressivas, estilo que começara a ser

experimentado por alguns artistas a partir de 1885. Nada a ver com a rotina do

artista, que não aderiu ao Pós-Impressionismo.

- 075 –

- 1885 – 1887 -

“A vizinhança de Jas de Bouffan”

Solomon R. Guggenheim Museum,

New York - 61 x 81 cm

Repete-se aqui a paleta carregada que, nem de longe, é o estilo de

Cézanne. Em breve, ele abandonaria essas experiências, voltando à

luminosidade dos tempos anteriores.

- 076 –

- 1885 – 1887 -

“Madame Cézanne” (Hortense)

Solomon R. Guggenheim Museum,

New York – 55,6 x 45,7 cm

Enquanto Cézanne e Hortense apenas viviam juntos, ela era mais sua

companheira do que sua modelo e até tiveram um filho juntos. Após celebrado o

casamento, a situação se inverteu, apagou-se a vida conjugal, mas ela seguiu

posando como modelo do pintor. Coisas da vida...

- 077 –

- 1885 – 1887 -

“Große Bäume im Jas de Bouffan”

(Grandes árvores no Jas de Bouffan”

65 x 81 cm – Courtlant Institute

of Art (Londres, Inglaterra)

- 078 –

- 1885 -

“O aqueduto” – 72 x 91 cm

Pushkin Museum, Moscou (Rússia)

- 079 –

- 1890 -

“O aqueduto” (Segunda versão)

Na primeira versão, pintada cinco anos atrás, o aqueduto fica quase que

perdido entre as árvores, mas nesta nova pintura, ele ganha o primeiro plano.

Este quadro é um dos últimos em sua fase classificada como “Maturidade”.

- 080 –

- 1882 – 1885 -

“Mont Sainte-Victoire and the

Viaduct of the Arc River Valley”

65,4 x 81,6 cm

Metropolitam Museum – Nova York

- 081 –

- 1885 -

“Ebene mit dem Mont Sainte Victoire”

(Planície junto ao Monte Santa Vitória)

58 x 72 cm - Pushkin Museum, Moscou

- 082 –

- 1885 -

“Montagne Sainte-Victoire vue de Bellevue”

73 × 92 cm Barnes Foundation, Merion,

Pennsylvania

O Monte de Santa Victória, juntamente com o Monte Ventoux e o Maciço

de Saint-Baume, é um dos símbolos de Aix-em-Provence, um dos marcos da

cidade. Atinge até 1.100 metros de altitude e foi alvo de várias pinturas de

Cézanne.

- 083 –

- 1885 – 1887 -

“Mont Sainte-Victoire” - 67 × 92 cm

Courtauld Institute of Art, London

- 084 –

- 1885 – 1887 -

“Mont Sainte-Victoire” - 55 × 65 cm

National Gallery of Scotland, Edinburgh

- 085 –

- 1886 – 1887 -

Mont Sainte-Victoire

The Phillips Collection,

Washington, D.C.

- 086 –

- 1885 – 1886 -

“Retrato de Madame Cézanne” (Hortense)

47 x 39 cm - Musée d'Orsay, Paris

- 087 –

- 1886 -

“Madame Cézanne” (Hortense)

100.6 x 81.3 cm - Detroit Institute of Arts

- 088 –

- 1885 -

Retrato de Madame Cézanne (Hortense)

46 x 38 cm – Coleção particular

- 089 –

- 1886 -

“Gardanne” – 65 x 100

Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania

Gardane é uma pequena vila, bastante visitada por turistas, por estar

próxima a Aix-en-Provence. Acima, a pintura; abaixo, uma foto atual da vila.

- 090 –

- 1887 -

“Sich ausruhender Jüngling”

(Menino em repouso)

Hammer Museum, Los Angeles

- 091 –

- 1888 – 1890 -

“Garoto com colete vermelho”

79,5 × 64 cm

Foundation E.G. Bührle, Zurich

- 092 –

- 1888 – 1890 -

“Garoto com colete vermelho”

81 x 85 cm - Museum of Modern Art, N.Y.

- 093 –

- 1888 – 1890 -

“Garoto com colete vermelho”

92 x 73 cm National Gallery, Washington

- 094 –

- 1888 – 1890 -

“Garoto com colete vermelho”

65,7 x 54,7 cm

Barnes Foundation, Marion, Pennsylvania

- 095 –

- 1890 -

“L'Enfant dans une veste rouge”

(Aquarela) - 46 x 30 cm

Coleção particular

- 096 –

- 1888 – 1890 -

“Retrato de Paul” (filho do artista)

64,5 × 54 cm National Gallery - Washington

- 097 -

- 1888 – 1890 -

Paisagens de Marne (Nordeste da França)

(A paleta volta a escurecer)

- 098 –

- 1888 – 1890 -

“Mount Sainte-Victoire”

65 × 81 cm - Coleção Particular

- 099 –

- 1888 – 1890 -

“O lago em Jas de Bouffan”

64.8 x 81 cm - Metropolitan Museum (N.Y.)

- 100 –

- 1888 -

“Ufer der Oise”

Bancos (de areia) em Oise

49 × 60 cm – Coleção Particular

Auvers-sur-Oise, 45 quilômetros ao norte de Paris é a cidade onde o dr.

Gachet mantinha seu hospital e onde Van Gogh passou os últimos meses de

vida. Fica bem próximo de Pontoise, e ambos locais eram pitorescos e

bastante procurados pelos jovens impressionistas

- 101 –

- 1888 – 1890 -

“Stilleben mit Früchtekorb”

(Natureza morta, com cesta de frutas)

64 × 80 cm Musée d’Orsay, Paris

A partir deste momento, começam a aparecer, com mais frequência. as telas

com frutas, que, em português, são nomeadas equivocadamente como

“Naturezas Mortas”. Em inglês, usa-se, mas apropriadamente, o termo “Still

Life” (ainda viva) e, em alemão. Stilleben, com o mesmo significado. É o

absolutamente certo, já que frutas e flores, depois de colhidas, ainda conservam

suas propriedades: um botão de flor, depois de apanhado, pode desabrochar e

uma fruta tirada da árvore ainda verde, tem condições de amadurecer. Nem um

nem outro estão literalmente mortos. Natureza morta só se encontra no açougue.

- 102 –

- 1889 – 1890 -

“Stilleben mit blauer Vase”

(Natureza-morta, com vaso azul)

61 × 51 cm Musée d’Orsay, París

- 103 –

- 1888 – 1890 -

“Stilleben mit Zuckerdose”

(Natureza morta, com pote de açúcar)

61 x 90 cm - Pushkin Museum, Moscow

- 104 –

- 1888 -

“Pierrô e Arlequim”

102 x 81 cm - Pushkin Museum, Moscow

Pierrô, Arlequim e Colombina são personagens de um estilo teatral

conhecido como Commedia dell Arte, nascido na Itália do século XVI,

integrando uma trama cheia de sátira social, pois os três personagens

representam serviçais envolvidos em um triângulo amoroso: Pierrô ama

Colombina, que ama Arlequim, que, por sua vez, também deseja Colombina.

Nós os conhecemos, todos eles, de outros carnavais...

- 105 –

- 1888 – 1890 -

“Arlequim”

91 x 65 cm – Coleção particular

- 106 –

- 1890 – 1892 -

“Les joueurs de cartes”

(Os jogadores de cartas)

134 x 181 cm –

Barnes Fondation, Merion, Pennsylvania

Começa aqui a quarta e última fase da carreira de Cezanne, conhecida

como “Ocaso”, ou “Decadência”. Os problemas começaram com a crise de

diabetes em 1890, desestabilizando sua personalidade. Ele viajou para a Suíça,

com Hortense e seu filho Paul, talvez na esperança de restaurar as suas relações

com a esposa. Cézanne, porém, retornou à Provença para continuar a vida,

enquanto que Hortense e Paul seguiram a Paris. As necessidades financeiras

fizeram com que Hortense retornasse a Provença, mas vivendo em quartos

separados. Cézanne, então, foi morar com sua mãe e com sua irmã. O mundo,

para ele, nunca mais seria o mesmo e os últimos seis anos de vida foram

tormentosos. As pinturas de frutas e flores permaneceram belas, mas a natureza

humana passou a ser expressa com um amargor que jamais desapareceria. E o

ser humano é retratado agora segundo esse estado de espírito. Desapareceu,

para sempre, o artista que amava a vida e os seres humanos.

- 107 –

- 1892 – 1893 -

“Les joueurs de cartes”

(Os jogadores de cartas)

65 x 61 cm – Metropolitan Museum, N. Y.

- 108 –

- 1892 – 1893 -

“Les joueurs de cartes”

(Os jogadores de cartas)

97 x 130 cm – Royal Family of Qatar

Deste tema, incluindo apenas dois jogadores, Cezanne fez vários quadros,

com variações quase imperceptíveis. Esta é apenas uma delas.

- 109 –

- 1890 -

“Mann mit der Pfeife”

(Homem com cachimbo) - 91 x 72 cm –

Hermitage Museum, Saint Petersburg

- 110 –

- 1890 – 1892 -

Pfeife rauchender Mann

(Homem fumador de cachimbo)

72 x 91 cm - Pushkin Museum, Moscow

- 111 –

- 1892 -

“Mann mit Pfeife”

(Homem com cachimbo)

73 x 60 cm - Courtauld Institute of Art, London

- 112 –

- 1890 – 1894 -

“Badende” ((Les Baigneurs)

Os banhistas (The bathers)

60 × 81 cm Musée d’Orsay, París

- 113 –

- 1890 – 1894 -

“Badende” ((Les Baigneurs)

Os banhistas (The bathers)

26 × 40 cm

Hermitage Museum, Saint Petersburg

- 114 –

- 1890 -

“Natureza-morta, com maçãs e um

vaso de prímulas (primaveras)”

58 x 91 cm - Metropolitan Museum (N. Y.)

- 115 –

- 1890 – 1894 -

“Le Panier de pommes”

(A cesta de maçãs)

65 x 80 cm - Art Institute of Chicago

- 116 –

- 1890 – 1894 -

“Stilleben, Tulpen und Äpfel”

(Natureza-morta, com tulipas e maçãs)

58,5 × 42 cm - Art Institute of Chicago

- 117 –

- 1890 -

“Selbstporträt mit Palette”

(Auto-retrato com paleta)

92 × 73 cm - Foundation E.G. Bührle, Zürich

- 118 –

- 1890 – 1895 -

“Self-portrait in a Felt Hat”

(Auto-retrato com chapéu de feltro)

61,2 × 50,1 cm

Bridgestone Museum of Art, Tokyo

- 119 –

- 1890 -

“Portrait de Madame Cézanne”

Retrato de Madame Cézanne (Hortense)

81 x 65 cm - Musée de l’Orangerie, Paris

Se Hortense não cumpria seus deveres conjugais, ela continuava a ser, mas

do que nunca, uma excelente modelo e jamais se recusou a posar para os

retratos de Cézanne, permitindo a produção de uma série deles.

- 120 –

- 1890 – 1894 -

“Madame Cézanne im Rot”

(Madame Cézanne em vermelho)

89 x 70 cm - Museu de Arte de São Paulo

- 121 –

- 1890 – 1895 -

“Frau mit Kaffeekanne”

(La femme à la cafetière)

Mulher na cafeteria

130 × 97 cm - Musée d’Orsay, Paris

- 122 –

- 1891 -

Madame Cézanne no Conservatório

92 × 73 cm Metropolitan Museum of Art – N.Y.

- 123 –

- 1892 – 1894 -

“The house with cracked walls”

(Casa em ruínas) - 80 x 64,1 cm

Metropolitan Museum of Art, New York

- 124 –

- 1892 – 1896 -

“Sitzender Bauer” (Seated Peasant)

(Camponês sentado) 54,6 x 45,1 cm

Metropolitan Museum of Art, N. Y.

- 125 –

- 1893 – 1894 -

“Stilleben, Draperie, Krug und Obstschale”

(Natureza-morta, cortina, jarra

e bacia com frutas) - 59 × 72.4 cm

Whitney Museum of American Art, N. Y.

- 126 –

- 1893 – 1895 -

“Rideau, Cruchon et Compotier”

(Cortina, jarro e fruteira)

59.7 x 73 cm – Coleção particular

- 127 –

- 1895 -

“Natureza-morta, com cortina”

55 × 74.5 cm - Hermitage Museum,

São Petersburgo – Rússia

- 128 –

- 1895 -

Casa no caminho para o “Château-Noir”

65 x 81 cm - Kimbell Art Museum, Texas

Em 1889, voltando a morar em Aix-en-Provence, Cézanne saiu a busca de

temas para pintura e ficou fascinado ao descobrir, a alguns quilômetros, o

Château-Noir, recentemente construído, mas em estilo medieval e inacabado,

dando a aparência de ruínas seculares, o qual deu origem a vários quadros seus.

O caminho era de formado por estrada rústica, com uma floresta intermitente,

pontuada de casas perdidas. Esta é uma delas.

- 129 –

- 1895 – 1898 -

“Stilleben mit Zwiebeln”

“Natureza-Morta, com cebolas”

66 x 81 cm - Musée d’Orsay, París

- 130 –

- 1895 -

“Auto-retrato em aquarela”

26 × 22 cm – Coleção particular

A aquarela é leve e graciosa, mas a fisionomia é sombria, revelando

os males físicos e psicológicos do artista. No mesmo ano, ele faria outro

retrato, mas em óleo sobre tela, usando uma paleta escura, o que nos remete à

lembrança da primeira fase, o “Período Escuro”.

- 131 -

- 1895 – 1896 -

“Greisin mit Rosenkranz”

(Senhora idosa com rosário)

80 × 64 cm - National Gallery, Londres

A paleta escura, como uma mensagem, volta a predominar. Cézanne retornara

ao catolicismo mas sua abordagem da morte continuava indecisa.

- 132 -

- 1896 – 1897 -

“Homem com roupão azul”

81.5 x 64.8 cm Kimbell Art Museum, Texas

- 133 –

- 1896 -

“Annecy Lake” - 64 × 79 cm

Courtauld Institute of Art, London

Situado ao leste da França, na divisa com a Suíça, o

Annecy Lake é o terceiro maior lago do país.

- 134 –

- 1898 -

“Straßenkurve in Montgeroult”

(Curva da estrada em Montgeroult)

81.2 × 66 cm - Museum of Modern Art, N. Y.

- 135 –

- 1898 – 1899 -

“Im Wald” (Na floresta)

61 x 81,3 cm - Fine Arts Museums

(Museu de Belas Artes de São Francisco)

- 136 –

- 1898 – 1900 -

“Selbstporträt mit Barett”

(Auto-retrato com boina)

63,5 × 50,8 cm - Museum of Fine Arts, Boston

- 137 –

- 1900 – 1904 -

“Ruínas do Castelo de Château-Noir”

74 × 96,5 cm -

National Gallery of Art,Washington, DC

Bibémus é um subúrbio de Aix-em-Provence e, ao tempo de Cezanne, era

ligado à cidade por uma estrada estreita e sinuosa. Ele pintou as ruínas da

mansão usando paleta escura e contrastante, utilizando diversos tons de azul e

roxo para formar o céu. O tom taciturno, os galhos das árvores e o isolamento

da casa transmitem um ar de melancolia para a obra, feita no período em que

Cézanne vivia atormentado pela doença e por problemas familiares,

relembrando o seu “Período Escuro”.

- 138 –

- 1900 – 1904 -

“Wald bei den Felsenhöhlen

oberhalb des Château Noir”

Floresta e cavernas de Château Noir

90,7 × 71,4 cm National Gallery, London

- 139 –

- 1900 -

“Citerne au Parc du Château Noir”

(Cisterna no parque de Château Noir)

61 × 74,3 cm - Princeton University Art Museum

Entre 1899 e 1902, Cézanne se deslocou com frequência até a vila vizinha a

Aix-en-Provence para pintar o “Château Noir” e circunvizinhanças. O castelo

inacabado, apesar de sua aparência medieval, era de poucos anos atrás, mas

seu abandono lhe dava a aparência de ruínas de uma velha mansão, o que atraiu

a atenção do pintor.

- 140 –

Nas páginas 140 e 141, 4 cenas com banhistas, esboçadas em

1900 e completadas nos anos seguintes. Cezanne mantinha em

execução vários quadros ao mesmo tempo, o que explica a razão

de, alguns deles, levarem anos a terminar

- 141 –

Aparentemente, trata-se dos mesmos modelos, o que leva a crer

que todos os esboços foram realizados na mesma ocasião.

- 142 –

O que, até então, era taciturno, agora virou macabro, e surge a

série de pinturas de Cézane com variações estranhas usando como

tema as caveiras humanas.

Picasso experimentaria o mesmo tema, muitos anos depois, mas

sem a fixação, quase doentia, de Cezanne

- 143 –

- 1902 – 1904 -

“Mädchen mit Puppe”

(Menina com boneca)

73 × 60 cm – Coleção particular

- 144 –

- 1904 -

“Porträt einer Dame in Blau”

(Retrato de uma dama em azul)

88,5 x 72 cm -

Hermitage Museum, Saint Petersburg

- 145 –

Nos dois últimos anos de vida, Cézanne voltou a focalizar o Monte

Vitória e as ruínas do “Château Noir”

- 146 –

Fazendo uma releitura dos esboços realizados anos atrás, Cézane

volta ao tema “Banhistas” (Die großen Badenden), com novos

quadros pintados entre 1904 e 1906, ano de sua morte. A nudez,

agora, deixa de representar “la joie de vivre”, para se tornar

“Miserere”, a miséria da condição humana

- 147 –

- 1904 – 1906 -

“Porträt des Vallier” (Retrato de Vallier)

107,4 × 74,5 cm - National Gallery-Washington

- 148 -

Fluß bei der Brücke der drei Quellen

Pont des Trois Sautets (watercolour)

(A ponte das três fontes)

Esta é uma das últimas pinturas de Cézanne, feita excepcionalmente em

aquarela, e foge completamente ao seu estilo pictórico.

Em outubro de 1906, Cézanne trabalhava em campo aberto quando foi

surpreendido por uma tempestade. Só foi para casa após trabalhar duas horas

na chuva. No caminho caiu, foi socorrido por um motorista que passava, o qual

o ajudou a ir para casa. Cézanne recuperou a consciência após ser tratado.

No dia seguinte, pretendia continuar o seu trabalho, mas estava muito fraco

e acabou por desfalecer outra vez. Foi colocado numa cama, de onde nunca

mais se levantou. Morreu alguns dias após o incidente, em 22 de outubro de

1906, de pneumonia. Foi enterrado num antigo cemitério de sua amada cidade

natal, Aix-en-Provence.

- 149 –

Alguns de seus auto-retratos

- 150 –