COLÉGIO INTEGRADO DE CAMPO MOURÃO

APOSTILA DE ARTE – M1

Parte I

(conteúdos das cinco primeiras aulas da disciplina)

PROF. THIAGO VERONEZZI

Definições de Arte e suas funções ao longo da História .

“Arte é conhecimento, e partindo deste princípio, pode-se dizer que é uma das primeiras manifestações da humanidade, pois serve como forma do ser humano marcar sua presença criando objetos e formas que representam sua vivência no mundo, o seu expressar de ideias, sensações e sentimentos e uma forma de comunicação.” (AZEVEDO JÚNIOR, 2007).

O homem, desde os primórdios da humanidade, através de seu trabalho e da

modificação da natureza a partir de suas necessidades e anseios, utilizando por demasiado a criatividade, racionalidade e habilidades manuais, vêm produzindo arte.

Não consideremos aqui arte apenas como obras plásticas de reconhecimento mundial, mas também o resultado da modificação da natureza e a produção de utensílios para a sobrevivência humana. Ademais, as pinturas rupestres, que caracterizavam as suas

primeiras ações e realizações, demonstram que o homem da caverna, já naquele tempo, se interessava em expressar-se de maneira diferente que não apenas a gestualização e

sons. Portanto, dentre seus possíveis conceitos, a “arte” é uma experiência humana de

conhecimento estético que transmite e expressam ideias e emoções. Deste modo, para a

apreciação da arte é necessário aprender a observar, a analisar, a refletir, a criticar e a emitir opiniões fundamentadas sobre gostos, estilos, materiais e modos diferentes de fazer arte.

Partindo desse princípio, a arte existe para decorar o mundo, para ajudar no dia-a-dia (utilitária), para explicar e descrever a história, para expressar ideias, desejos e

sentimentos. Baseado nisto, a função da arte e o seu valor estão na representação simbólica do mundo humano.

Neste sentido, nos cabe, a seguir, apresentar, sobre a arte, a origem, seu conceito

e sua função ao longo da história.

Origem da arte

A arte é quase tão antiga quanto o homem, pois é uma forma de trabalho, e este é

uma propriedade do homem, sendo-o executado através da transformação da natureza. Deste modo, o homem cria a arte como uma forma de sobreviver no meio, expressar o

que pensa, divulgar suas crenças (ou a de outros), para estimular e distrair a si mesmo e aos outros, para explorar novas formas de olhar e interpretar objetos e cenas.

Segundo AZEVEDO JÚNIOR (2007) para que a arte exista é necessário a

existência de três elementos: o artista, o observador e a obra de arte. O artista é aquele que tem o conhecimento concreto, abstrato e individual sobre determinado assunto e

transmite esse conhecimento através de um objeto artístico (pintura, escultura, dentre outros) que represente suas ideias. O segundo, o observador, é aquele que faz parte do público que observa a obra e que ainda terá que ter algum conhecimento do contexto

que envolve o momento de produção, as intenções do artista ao produzir, seus interesses e quais as suas pretensões, para então poder compreender melhor sobre a representação

artística visualizada. O terceiro, a obra de arte, é a criação do objeto artístico que vai até o entendimento do observador, pois todas as artes tem um fim em si, ou seja, uma tradução.

Conceito de arte

A arte, além de conhecimento, é uma das primeiras manifestações da

humanidade para marcar sua presença em determinado espaço. Ademais, através da arte o homem ainda expressa suas ideias, sentimentos e emoções sobre determinado assunto,

sendo, portanto, uma representação simbólica do mundo humano. De modo mais sintético, pode-se dizer que a arte é uma forma de transmissão de

ideias, pensamentos e emoções através de um objeto artístico.

Função da arte

Em cada sociedade existe um modo diferente de se ver a arte. Em sociedades indígenas, por exemplo, podemos nota-la no seu dia-a-dia através de suas vestimentas,

pinturas, artefatos, etc. Segundo FISCHER (1983), o homem só se desenvolveu através do conhecimento que a arte proporciona, pois é da utilização deste conhecimento que os

homens primitivos obtiveram suas ferramentas para atenderem suas necessidades, como, por exemplo, o arco e a flecha.

Para AZEVEDO JÚNIOR (2007) a arte, de uma forma mais artística, apresenta

três funções principais: a pragmática ou utilitária, a naturalista e a formalista. A arte como função pragmática serve como uma alternativa para alcançar um

fim não artístico e sim uma finalidade, baseado nesta ideia, a arte pode estar a serviço para finalidades religiosas políticas ou sociais, neste caso não é interessante sua qualidade estética, mas a finalidade que se prestou alcançar.

A arte como função naturalista tem como objetivo representar algo ao observador de forma mais natural possível, o que interessa aqui é a representação da

realidade e da imaginação do conteúdo de tal arte para o observador, de uma maneira que este possa compreender.

Como função formalista, preocupa-se com significados e motivos estéticos, se

preocupa em transmitir e expressar ideias e emoções através de objetos artísticos. Portanto, a arte é um meio pelo qual o homem transforma o mundo através do

conhecimento, pois quando algum artista pratica a arte ele pretende passar algo novo, suas ideias e seus pensamentos.

As diferentes técnicas artísticas empregadas na pintura e na

escultura.

Nas artes visuais quase todo material e técnica podem ser utilizados para

criar uma obra, mas existem aqueles que são mais conhecidos, considerados como tradicionais ou convencionais e os modernos ou contemporâneos.

Entre os meios artísticos tradicionais ou convencionais, três deles manifestam-se

em duas dimensões (bidimensional – altura e comprimento): o desenho, a gravura e a

pintura. Embora o resultado formal de cada um deles seja bastante diferente (embora o

desenho e a gravura sejam similares), a grande diferença entre eles se encontra na técnica envolvida. Os outros meios tradicionais – a escultura e a arquitetura – manifestam-se nas três dimensões do espaço (tridimensional – altura, comprimento e

largura ou (profundidade).

Desenho

É o processo pelo qual uma superfície é marcada aplicando-se sobre ela a

pressão de uma ferramenta (em geral, um lápis, carvão, nanquim, grafite, pastel,

caneta, pincel etc.) e movendo-a, de forma a surgirem pontos, linhas e formas

planas. O resultado deste processo (a imagem obtida) também pode ser chamado de desenho. Desta forma, um desenho manifesta-se essencialmente como uma composição bidimensional. Quando esta composição possui uma certa intenção

estética, o desenho passa a ser considerado uma expressão artística. A escolha dos meios e materiais está intimamente relacionada à técnica

escolhida para o desenho. Um mesmo objeto desenhado a bico de pena e a grafite produz resultados absolutamente diferentes. As ferramentas de desenho mais comuns são o lápis, o carvão, os pastéis, crayons e pena e tinta. Muitos materiais de desenho são

à base de água ou óleo e são aplicados secos, sem nenhuma preparação. Existem meios de desenho à base d'água (o "lápis-aquarela", por exemplo), que

podem ser desenhados como os lápis normais, e então umedecidos com um pincel molhado para produzir vários efeitos. Há também pastéis oleosos e lápis de cera.

Desde a invenção do papel, no século XIV, ele se torna o suporte dominante

para a realização de desenhos. É possível classificar o desenho em função dos instrumentos utilizados para a sua execução, ou da ausência deles. Pode-se pensar

ainda em modalidades distintas do registro de acordo com as finalidades almejadas. Entre as várias modalidades de desenho, incluem-se:

• Desenho técnico ou industrial: uma forma padronizada e normatizada de

desenho, voltado à representação de peças, objetos e projetos inseridos em um processo de produção. • Desenho arquitetônico: desenho voltado especialmente ao projeto de

arquitetura realizado, de modo geral, com o auxílio de réguas, compassos, esquadros e outros instrumentos.

• Desenho científico: empregado na zoologia, na botânica e anatomia (fartamente empregados como ilustrações de manuais didáticos). • Ilustração: um tipo de desenho que pretende expressar alguma informação,

normalmente acompanhado de outras mídias, como o texto. • Croqui ou esboço: um desenho rápido, normalmente feito à mão sem a ajuda

de demais instrumentos que não propriamente os de traçado e o papel, feito com a intenção de discutir determinadas idéias gráficas ou de simplesmente registrá-las. Normalmente são os primeiros desenhos feitos dentro de um processo para

se chegar a uma pintura ou ilustração mais detalhada.

Gravura

Difere do desenho na medida em que ela é produzida pensando-se na sua

impressão e reprodução. Uma gravura é produzida a partir de uma matriz que pode

ser feita de metal (calcografia), pedra (litografia), madeira (xilogravura) ou seda

(serigrafia).

O artista trabalha nesses suportes fazendo uma gravação da imagem de acordo com as ferramentas que utiliza com o propósito de imprimir uma tiragem de exemplares

idênticos podendo ser feita pelo próprio artista ou orientando um impressor especializado.

Uma gravura é considerada original quando é assinada e numerada pelo artista

dentro de conceitos estabelecidos internacionalmente. Após aprovar uma gravura o artista tira várias provas que são chamadas p. a. (prova do artista). Ao chegar ao

resultado desejado é feita uma cópia "bonne à tirer" (boa para imprimir – b.p.i.). A

tiragem final deve ser aprovada pelo artista, que, então, assina a lápis, coloca a data, o título da obra e numera a série. Finda a edição, a matriz deve ser destruída ou

inutilizada. Cada imagem impressa é um exemplar original de gravura e o conjunto destes exemplares é denominado tiragem ou edição. Em uma tiragem de 100 gravuras, as obras são numeradas em frações: 1/100, 2/100 etc.

Conheça um pouco mais sobre as quatro técnicas de gravura:

• Litografia (matriz de pedra): a litografia (lithos = pedra e graphein = escrever) foi criada no ano de 1796 por Alois Senefelder. • Xilogravura (matriz de madeira): surgiu como conseqüência da demanda cada

vez maior de consumo de imagens e livros sacros a partir da invenção da imprensa por Gutenberg, quando as iluminuras e códigos manuscritos passaram

a ser um luxo de poucos. A gravura em madeira seria um meio econômico de substituir o desenho manual, imitando-o de forma ilusória e permitindo a reprodução mecânica de originais consagrados.

• Calcografia (matriz de metal): surgiu nos ateliês de ourivesaria e de armaduras, no século XV, onde era usual imprimir-se os desenhos das joias e

brasões em papel para melhor visualização das imagens. • Serigrafia (matriz de seda ou náilon): também conhecida como silk-screen (tela de seda) é um processo de impressão no qual a tinta é vazada - pela pressão

de um rodo ou puxador - através de uma tela preparada. É utilizada na impressão em variados tipos de materiais (papel, plástico, borracha, madeira, vidro, tecido, etc.), superfícies (cilíndrica, esférica, irregular, clara, escura, opaca, brilhante,

etc.) espessuras ou tamanhos, com diversos tipos de tintas ou cores. Também pode ser feita de forma mecânica (por pessoas) ou automática (por máquinas).

Pintura

Refere-se genericamente à técnica de aplicar pigmento em forma líquida a

uma superfície bidimensional, a fim de colori-la, atribuindo-lhe matizes, tons e

texturas. Em um sentido mais específico, é a arte de pintar uma superfície, tais como papel, tela, ou uma parede (pintura mural ou de afrescos). A pintura é considerada por muitos como uma das expressões artísticas tradicionais mais importantes; muitas das

obras de arte mais importantes do mundo, tais como a Mona Lisa, são pinturas. Diferencia-se do desenho pelo uso dos pigmentos líquidos e do uso constante da

cor, enquanto aquele apropria-se principalmente de materiais secos . Enquanto técnica, a pintura envolve um determinado meio de manifestação (a superfície onde ela será produzida) e um material para lidar com os pigmentos (os vários tipos de pincéis e

tintas). A pintura se difere das outras artes por se tratar de uma expressão que se

apresenta num espaço bidimensional, que propõe a mente humana uma leitura dos seus elementos estéticos, como a figura, a forma, a textura, a cor.

A escolha dos materiais e técnicas adequadas está diretamente ligada ao

resultado final desejado para o trabalho como se pretende que ele seja entendido. Desta forma, a análise de qualquer obra artística passa pela identificação do suporte e da

técnica utilizadas. Enquanto técnica, a pintura envolve um determinado meio de

manifestação (a superfície onde ela será produzida) e um material para lidar com os

pigmentos (os vários tipos de pincéis e tintas).

O suporte mais comum é a tela (normalmente uma superfície de

madeira coberta por algum tipo de tecido), embora durante a Idade Média e o Renascimento o afresco tenha tido mais importância. É possível também usar o papel (embora seja muito pouco adequado à maior parte das tintas). Quanto aos materiais, a

escolha é mais demorada e, normalmente, envolve uma preferência pessoal do pintor e sua disponibilidade. Materiais comuns são: a tinta a óleo, a tinta acrílica, o guache e a

aquarela. É também possível lidar com pastéis e crayons, embora estes materiais estejam

mais identificados com o desenho.

No entanto, há controvérsias sobre essa definição de pintura. Com a variedade de experiências entre diferentes meios e o uso da tecnologia digital, há a ideia de que

pintura não precisa se limitar à aplicação do "pigmento em forma líquida". Atualmente

o conceito de pintura pode ser ampliado para a representação visual através das

cores. Mesmo assim, a definição tradicional de pintura não deve ser ignorada.

O elemento fundamental da pintura é a cor. A relação formal entre as massas coloridas presentes em uma obra constitui sua estrutura fundamental, guiando o olhar do

espectador e propondo-lhe sensações de calor, frio, profundidade, sombra, entre outros. Estas relações estão implícitas na maior parte das obras da História da Arte e sua explicitação foi uma bandeira dos pintores abstratos.

Conheça as principais técnicas da pintura:

• Aquarela:

É uma técnica de pintura na qual os pigmentos se encontram

suspensos ou dissolvidos em água. Os suportes utilizados na aquarela são muito variados, embora o mais comum seja o papel com elevada

gramatura (espessura do papel). São também utilizados como suporte o papiro, casca de árvore, plástico, couro, tecido, madeira e tela.

A aquarela é uma técnica muito antiga cujo aparecimento se

supõe esteja relacionado com a invenção do papel e dos pincéis de pelo de coelho, ambos surgidos na China há mais de 2000 anos.

No ocidente, há vários exemplos do emprego desta técnica desde a Idade Média, como Tadeo Gaddi, discípulo de Giotto. Ele viveu até 1366, e teria produzido uma série de desenhos aquarelados, feitos

sobre papel tipo pergaminho. O método foi utilizado por artistas flamengos, e amplamente empregado em Florença e Veneza. Foi

com Albert Dürer que a aquarela pode resistir ao tempo, já que ele deixou pelo menos 120 obras suas.

Aerografia:

É uma técnica de pintura onde se utiliza uma pequena pistola ligada a um compressor de ar para produzir jatos de tinta. Antes da computação gráfica, o aerógrafo era ferramenta fundamental para

retoques, e logo o instrumento foi relacionado à arte comercial. Com o florescimento da cultura de massa, e principalmente seu auge na

publicidade, este equipamento foi introduzido no campo das belas artes. Atualmente existem trabalhos feitos com aerógrafo em todas as galerias

do mundo, e seus preços são comparados a trabalhos feitos com pincel.

Sua aceitação em certos círculos de artistas foi muito lenta, pois era considerada uma arte mecânica. As objeções não se referiam tanto à

qualidade alcançada em seus trabalhos, mas a razões mais teóricas. Estudiosos da arte dizem que a aerografia surgiu na pré-história,

quando homens da caverna assopravam pigmentos (tinta) através de

tubos derivados de osso de animais e bambus. Contemporaneamente, foi utilizada na indústria fotográfica do século XVIII como equipamento de

retocagem de fotografias, posteriormente, sua utilização se deu a nível industrial para pintura de peças e acessórios. Hoje em dia, é utilizado em diversas áreas como modelismo, artes gráficas, personalização

de motocicletas, capacetes, aplicação de bronzeamento a jato, carros e seus acessórios, aplicações em funilarias diversas, para aplicação de

tatuagem, aplicação de maquiagem, pinturas em MDF, grafite, pinturas e pulverizações em geral.

Colagem: É a composição feita a partir do uso de matérias de diversas

texturas, ou não, superpostas ou colocadas lado a lado, na criação de um motivo ou imagem. Foi utilizada por Picasso e Georges Braque, entre outros. Ela é uma técnica não muito antiga, criativa e bem divertida, que

tem por procedimento juntar numa mesma imagem outras imagens de origens diferentes.

A colagem já era conhecida antes do Século XX, mas era considerada uma brincadeira de crianças. O cubismo foi o primeiro movimento artístico a utilizar colagem. Os cubistas colavam pedaços

de jornal ou impressos em suas pinturas. A colagem como procedimento técnico tem uma história antiga, mas sua incorporação na arte do século

XX, com o cubismo, representa um ponto de inflexão na medida em que liberta o artista do jugo da superfície. Ao abrigar no espaço do quadro elementos retirados da realidade - pedaços de jornal e papéis de todo tipo,

tecido, madeira, objeto e outros -, a pintura passa a ser concebida como construção sobre um suporte, o que dificulta o estabelecimento de

fronteiras rígidas entre pintura e escultura.

Encaústica:

Encáustica (deriva do grego enkausticos, gravar a fogo) é uma técnica de pintura que se caracteriza pelo uso da cera como aglutinante

dos pigmentos e pela mistura densa e cremosa. A pintura é aplicada com pincel ou com uma espátula quente. É uma técnica muito resistente, bastando ver a quantidade de pinturas que resistiram ao tempo.

A encáustica é uma técnica conhecida e utilizada desde a Antiguidade. Os romanos e os gregos usavam-na muito. Plínio o Velho,

descreve o uso da encáustica sobre o marfim, técnica que já então era considerada antiga. Ele também conta como é uma boa técnica para rematar a fabricação de um barco por ser muito dura e resistente ao sal e

às intempéries. Na região de Fayum, norte do Egito, descobriram-se retratos de

grande força expressiva, em sarcófagos de madeira, realizados em

encáustica, com datação dos séculos I e II. Também alguns murais

descobertos em Pompeia são feitos com essa técnica. No começo da Idade Média também é usada, e, mais tarde, no

Oriente e no âmbito cristão, é o procedimento mais utilizado para elaborar os ícones. Um bom exemplo de ícone em encáustica é o da Virgem entronizada com o Menino Jesus do Mosteiro Ortodoxo de Santa

Catarina do monte Sinai, no Egito. Durante os séculos seguintes e a partir do VIII e do IX esta técnica cai em desuso até que reaparece nos séculos

XVIII e XIX, especialmente na Inglaterra e França. O pintor francês Eugène Delacroix utiliza em muitas de suas obras algumas cores previamente misturadas com cera.

A encáustica também é usada por artistas do século XX, como Jasper Johns, Mauricio Toussaint, Diego Rivera, Georges

Rouault e João Queiroz.

Figurativismo:

Tipo de arte que se desenvolve principalmente na pintura pela representação, de seres e objetos em suas formas reconhecíveis para

aqueles que as olham. Na arte ocidental, a prática da arte figurativa só se transforma, perdendo sua soberania, a partir do início do século XX, com o surgimento da arte abstrata, que busca expressar o mundo interior, o

mundo dos sentidos, bem como relações concretas usando como referência apenas os recursos da própria pintura, como a cor, as linhas e a

superfície bidimensional da tela. O Renascimento, o barroco, e o realismo, são exemplos de estilos artísticos onde o figurativo realista, a capacidade de mimese do pintor contava muito. Estilos mais recentes

como o impressionismo é o expressionismo também são figurativos, porém menos preocupados com o que podemos chamar de fotorrealismo

ou a representação "correta" dos objetos.

Frottage:

Na arte, frottage é um método surrealista e "automático" de produção criativa desenvolvido por Max Ernst.

No frottage o artista utiliza um lápis ou outra ferramenta de desenho e faz uma "fricção" sobre uma superfície texturizada. O desenho pode ser deixado como está, ou pode ser utilizado como base para

aperfeiçoamento. Embora superficialmente similar à fricção em latão e a outras formas de "esfregar", visando reproduzir um objeto já existente, a

técnica do frottage difere por ser aleatória. Foi desenvolvida pelo pintor, escultor e artista gráfico alemão,

Max Ernst, em 1925. Aconteceu após Ernst ter a ideia de colocar uma

folha (papel) no chão de madeira de seu ateliê e copiar a sua textura. Assim, acabou desenvolvendo a técnica de frottage.

Guache:

O guache é uma aquarela opaca, porém elaborado numa consistência mais líquida por ser utilizado uma quantidade maior de

aglutinante. Seu grau de opacidade varia com a quantidade de pigmento branco adicionado à cor, geralmente o suficiente para evitar que a textura

do papel apareça através da pintura, fazendo com que não tenha

a luminosidade das aquarelas transparentes. Na Idade Média já se usavam guaches nas iluminuras. Muitos

artistas o usaram desde aí até aos nossos dias. Existem habitualmente em tubos e também em pastilha. Embora o guache seja principalmente uma técnica de pintura é também usado muitas vezes

para desenho e ilustrações ou trabalhar em conjunto com materiais variados de desenho.

Luminismo:

Modo pictórico que dedica especial atenção à luz e seus efeitos.

Luminismo é o nome de uma técnica pictórica e de uma Escola de pintura dos Estados Unidos que floresceu durante o fim do século

XIX. O termo foi cunhado por John Baur em seu estudo de 1954 sobre

a pintura norte-americana do século XIX, American Luminism, sendo

usado na descrição de uma característica especial no tratamento da luz com fins expressivos e de revelação espiritual, junto com uma técnica de

acabamento que eliminava a evidência da pincelada e oferecia uma superfície lisa e acetinada, que realçava o efeito impessoal do panorama pintado. Com esses recursos os pintores buscavam criar atmosferas de

tranquilidade que convidassem à contemplação. Os paisagistas do século XIX não se definiam como luministas, pois o termo não existia, nem as

características que são identificadas em suas obras como luministas compunham uma filosofia independente dos princípios gerais da Escola do Rio Hudson, à qual pertencia a maioria deles. Mais tarde o nome foi

aplicado a outros pintores, inclusive europeus, e hoje é usado frequentemente para designar uma Escola de pintura autônoma dos

Estados Unidos.

• Muralismo, pintura mural ou parietal:

É a pintura executada sobre uma parede, quer diretamente na sua superfície, como num afresco, quer num painel montado numa exposição

permanente. Ela difere de todas as outras formas de arte pictórica por estar profundamente vinculada à arquitetura, podendo explorar o caráter plano de uma parede ou criar o efeito de uma nova área de espaço. A

técnica tradicional de uso mais generalizado é a do afresco, que consiste na aplicação de pigmentos de cores diferentes, diluídos em água, sobre

argamassa ainda úmida.

Pastel:

O Pastel é um material artístico

para pintura e/ou desenho existente em uma barra, bastões cilíndricos ou até em um lápis. Existem dois tipos de Pastel: O Pastel Seco e o Pastel de Óleo. Estes dois tipos de pastel apresentam características diferentes,

tanto na sua composição como na sua parte visual. É um material antigo, referido pela primeira vez por Leonardo Da

Vinci como um material elegante para "pintar a seco". Este material pode ser utilizado em quase todas as superfícies de papel, mas apresenta um

inconveniente na sua utilização, pois uma vez utilizado no suporte pode-

se tornar um desafio apagar parcialmente o Pastel Seco sem deixar vestígios.

Esse tipo de pastel existe desde da década de 60 do século XX e a sua fabricação é semelhante ao do pastel seco, tendo como diferença o óleo, componente que acabará por dar nome a este material. O Pastel de

Óleo pode ser diluído no suporte usando um pincel e, ao contrário do Pastel Seco, é um material que em excesso pode ser facilmente removido.

Pintura a óleo:

A pintura a óleo é uma técnica de pintura das artes plásticas que

utiliza tintas à base de óleo de papoula ou linhaça, aplicadas com pincéis ou espátulas sobre o suporte desejado, podendo ser tela de tecido ou

madeira. A principal revolução da pintura a partir da tinta a óleo foi o

emprego de uma substância secativa que permitia a secagem satisfatória

da obra à sombra. A pintura a óleo oferece uma versatilidade ao artista que nenhuma outra técnica dispõe. A tinta pode ser uma massa espessa e

de secagem demorada, pode ser diluída e permitir um traço mais raso, ou pode ser espessa e ter uma secagem rápida, com o uso de substâncias secativas. No entanto, há também desvantagens na pintura a óleo, as

obras tendem a escurecer com o tempo, e acontece também o fenômeno denominado craquellure, que é a aparência craquelada que a tinta

apresenta na tela de acordo com seu envelhecimento. Há várias formas de utilizar a tinta a óleo. Pode ser aplicada pura,

criando uma pincelada intensa, pode ser diluída, aproximando-se da

textura das aquarelas ou pode ser aplicada com um pedaço de pano, para produzir um suave laivo. Há também a possibilidade de compor a

pintura, criando várias camadas, utilizando do recurso de sobreposição de tintas, que se dá da seguinte forma: aplica-se uma camada, espera-se a secagem e aplica-se a segunda camada. Desta maneira, é possível

produzir efeitos de cor exclusivos da pintura a óleo. A pintura a óleo é um dos suportes mais importantes da

manifestação artística mundial. A técnica, que começou a ser usada no Renascimento, surgiu na Itália em meados do século XV, e foi usada para retratar importantes momentos históricos e produzir obras de suma

importância cultural. A pintura a óleo foi inovadora por permitir mudanças na produção da pintura, sendo o óleo um novo pigmento

aglutinante, que permitia uma grande inovação na gama de cores das tintas. Inclusive, os grandes pintores medievais produziam suas próprias tintas a óleo.

As principais obras de pintura a óleo foram Mona Lisa e A Última Ceia, de Leonardo Da Vinci; As Meninas e Retrato do Papa Inocêncio X,

de Diego Velázquez; Os Camponeses Comendo Batatas, Doze Girassóis numa jarra, A Noite Estrelada, Retrato de Dr. Gachet, de Vincent van Gogh; e O Grito, de Edvard Munch.

Como é possível observar, estas obras localizam-se em diferentes momentos da história, e em diferentes contextos literário-artísticos, o que

coloca a pintura a óleo como uma técnica extremamente presente e influente na cultura universal. As manifestações artísticas relacionam-se

geralmente com o momento político-histórico vivido pela sociedade em

que vive o artista, logo, ao refletir que a pintura a óleo surgiu no Renascimento, compreende-se sua irrevogável importância histórico-

cultural nas manifestações artísticas mundiais.

Pintura corporal: Pintura corporal é uma das formas de pintura arte indígena onde

os corpos são pintados com tinturas extraídas de plantas. Materiais: Jenipapo, Urucum, Babaçu, etc. A pintura corporal é uma forma de expressão. Muitos usam como forma de demonstrar seus

sentimentos por algo ou alguém. Geralmente quando escutamos falar de pintura corporal temos em mente sempre os índios, mas a pintura

corporal está presente nos dias de hoje. A tatuagem e a maquiagem são grandes exemplos de pintura corporal que é usada por pessoas de diversas partes do mundo.

Pintura digital:

Pintura digital é uma técnica de ilustração, ou pintura, que em vez de usar os meios tradicionais, utiliza um ambiente computacional. As ferramentas digitais estão disponíveis em um software, um programa

gráfico que oferece uma tela virtual e caixas de pintura com grande quantidade de pincéis, cores e outros suprimentos. Essas "caixas" contém

muitos instrumentos que não existem fora do computador, e que dão à arte-final características diferentes das obras feitas da maneira tradicional.

Considera-se o software SuperPaint o marco da pintura digital, em 1972. Ele que foi o primeiro programa a possuir um sistema de anti-

aliasing. Este tipo de ilustração foi rapidamente utilizada pela publicidade e pelos produtores de videogames, devido a versatilidade desta técnica. Desde a década dos noventas ela tem sido

utilizada na arte conceitual, no cinema, nos jogos e no design de objetos.

Têmpera: A têmpera é uma técnica de pintura na qual os pigmentos ou os

corantes podem ser misturados com um aglutinante. Esse aglutinante

pode ser uma emulsão de água e gema de ovo, o ovo inteiro, ou somente a clara.

Referida na obra de Cennino Cennini, Il Libro dell Arte, do final do século XIV, a técnica de pintura a têmpera foi largamente utilizada na arte italiana nos séculos XIV e XV, tanto em afrescos como em painéis

de madeira preparados com gesso ou cré . Dadas as limitações da técnica na gradação das tonalidades de uma cor, ela viria a ser substituída, por

pintores e artesãos, pela pintura a óleo. Do ponto de vista tecnológico, a gradação de tonalidades e a

fusão de cores são difíceis por causa da secagem muito rápida. Daí, a

técnica utilizada para esse fim ser de sobreposição de pinceladas com a pintura seca, com pontos ou linhas claras ou escuras, e com cruzamento

de traços. Pode-se também trabalhar com o verniz resinoso ou com uma goma sobre a tinta, realçando o brilho e os matizes. Quanto ao resultado

final, as cores da têmpera são brilhantes e translúcidas, no entanto, é

possível criar cores opacas e fortes, desde que o pigmento seja menos diluído no aglutinante.

Conheça os principais materiais da pintura :

• Acrílico: é uma tinta sintética solúvel em água que pode ser usada em camadas espessas ou finas, permitindo ao artista combinar as técnicas da pintura a óleo e

da aquarela. Se você quiser fazer tinta acrílica, você pode misturar tinta guache com cola. • Guache: é um tipo de aquarela opaca. Seu grau de opacidade varia com a

quantidade de pigmento branco adicionado à cor, geralmente o suficiente para evitar que a textura do papel apareça através da pintura, fazendo com que não

tenha a luminosidade das aquarelas transparentes. • Tinta a óleo: é uma mistura de pigmento pulverizado e óleo de linhaça ou papoula. É uma massa espessa, da consistência da manteiga, e já vem pronta

para o uso, embalada em tubos ou em pequenas latas. Dissolve-se com óleo de linhaça ou terebintina para torná-la mais diluída e fácil de espalhar. O óleo

acrescenta brilho à tinta; o solvente tende a torná-la opaca. A grande vantagem da pintura a óleo é a flexibilidade, pois a secagem lenta da tinta permite ao pintor alterar e corrigir o seu trabalho.

Conheça os principais gêneros da pintura :

Autorretrato:

Muitas vezes é definido em História da Arte, como

um retrato (imagem, representação), que o artista faz de si mesmo, independente do suporte escolhido. Reconhece-se, em geral, a partir

da renascença italiana, que este tipo de auto representação passou a ser cada vez mais frequente, chegando à obsessão de um Rembrandt - quase uma centena - ou de uma Vigée-Lebrun.

Seja ou não este produto, reconhecido no campo artístico como inserido nesta categoria. O autorretrato é uma forma de estudo

anatômico, embora alguns deles apresentem alegorias, caricaturas e também expressem condições emocionais específicas a exemplo de Frida Kahlo (1907 - 1954) com seus autorretratos com macacos ou Goya, 1820

que incluiu em seu autorretrato o seu amigo Arrieta lhe auxiliando durante a enfermidade que padeceu no ano anterior ao da pintura, quando

possuía 73 anos de idade. Para Novaes 1 o autorretrato é um instantâneo do momento em que o sujeito se encontra, mas não por muito tempo. Em última análise, pode-se traduzi-lo como uma metáfora da

contemporaneidade e suas identidades nômades.

Ícone: Identifica uma representação sacra pintada sobre um painel de

madeira. No Ocidente, ícone pode também ser qualquer imagem (seja

estátua ou pintura) de representação religiosa, e não pode ser confundida com o ídolo.

O ícone é a representação da mensagem cristã descrita por palavras nos Evangelhos. Trata-se de uma criação bizantina do século V,

quando da oferta de uma representação da Virgem, atribuída pela

tradição a São Lucas. Quando da queda de Constantinopla em 1453, foi a população dos Bálcãs que contribuiu para difundir e incrementar a

produção desta representação sacra, sendo na Rússia o local onde assume um significado particular e de grande importância. O simbolismo e a tradição não englobam somente o aspecto pictórico, mas também aquele

relativo à preparação espiritual e aos materiais utilizados.

Natureza morta:

É um tipo da pintura e fotografia em que se vê seres inanimados, como frutas, louças, instrumentos musicais, flores, livros, taças de vidro,

garrafas, jarras de metal, porcelanas, dentre outros objetos. Esse gênero de representação surgiu da Grécia antiga, e também

se fez presente em afrescos encontrados nas ruínas de Pompeia. Foi depois condenada por teólogos católicos durante a Idade Média. A denominação Natureza morta, conforme o alemão Norbert Schneider ,

surgiu na Holanda no século XVII, nos inventários de obras de arte. A expressão competiu durante algum tempo com natureza imóvel e

com representação de objetos imóveis no século XVIII. O ícone era pintado sobre um painel de madeira. Sobre a

superfície aplainada era feito o desenho e começava-se a pintura pela

aplicação do dourado, geralmente nas bordas, detalhes das roupas, fundo e resplendores ou coroas. Então se pintavam as roupas, construções e a

paisagem de fundo. A última etapa era a aplicação do branco puro na face e mãos. O efeito tridimensional era alcançado misturando ocre ao branco e aplicando essa tinta mais escura nas maçãs do rosto, nariz e

testa. Uma fina camada de verniz avermelhado dava o sutil acabamento final a lábios, face e ponta do nariz. Um verniz marrom era usado no

cabelo, barbas e detalhes dos olhos. A produção de ícones religiosos era considerada uma arte nobre,

que necessitava grande preparação técnica e espiritual. O pintor precisava

se purificar de corpo e alma para conseguir a perfeição, achava-se que o divino operava pela mão do pintor, então era inoportuno assinar a obra.

Como na maioria das representações sacras, a cor no ícone assume uma importância fundamental para expressar a intenção do pintor. O azul é a cor da transcendência, mistério divino. O vermelho,

sem dúvida a cor mais viva presente nos ícones, é a cor do humano e do sangue dos mártires. O verde é usado como símbolo da natureza,

da fertilidade e da abundância. O marrom simboliza o terrestre, o humilde e pobre. Branco é a harmonia, a paz, a cor do divino que representa a luz que se avizinha. E o preto, decepção e tristeza.

Paisagem: Considera-se paisagem a imagem resultante da síntese de todos os

elementos presentes em determinado local. Uma outra definição,

tradicional, de paisagem é a de um espaço territorial abrangido pelo olhar. Pode ser definida como o domínio do visível, aquilo que a

vista abarca. É formada não apenas por volumes mas também por cores,

movimento, odores, sons etc/. A paisagem não é espaço, pois se tirarmos

a paisagem de um determinado lugar, o espaço não deixará de existir. O termo é normalmente usado para se referir

às perspectivas visuais existentes em cada ambiente, sendo inclusive uma categoria da pintura. A paisagem é um resultado natural ou humanizado. A paisagem natural é aquilo que vem de origem da natureza, sem

interferência da mão humana, como a vegetação e formações geológicas. A paisagem humanizada é aquela que sofreu transformações em

resultado da intervenção humana. São exemplos de ambiente construído as obras de arquitetura e de paisagismo.

Para alguns autores, a paisagem é a apreensão do mundo de uma

forma individual. Um olhar individual que pode retransmitir para o conceito de paisagem na arte. É o fenômeno espacial no tempo do

indivíduo.

Pintura de gênero:

A pintura de gênero (ou género, em Portugal) desenvolveu-se a meio do florescimento do Barroco na Europa Católica (século XVII)

nos Países Baixos, sobretudo nos Países Baixos do Norte (a porção que hoje corresponde à Holanda). Trata-se de um estilo sóbrio, realista, comprometido com a descrição de cenas rotineiras, temas da vida diária

como homens dedicados ao seu ofício, mulheres cuidando dos afazeres domésticos, ou até mesmo paisagens. Nasce então a pintura de

genre (ou petit genre) como uma resposta nacionalista, glorificadora da cultura neerlandesa, ao processo de libertação dos Países Baixos da dominação espanhola.

Retrato:

Um retrato é uma pintura, fotografia ou outra representação artística de uma pessoa. O mais famoso exemplo de um retrato é a La Gioconda de Leonardo da Vinci.

Escultura

É uma arte que representa imagens plásticas em relevo total ou parcial usando a tridimensionalidade do espaço.

Os processos da arte em escultura datam da Antiguidade e sofreram poucas variações até o século XX. Estes processos podem ser classificados segundo o material

empregado: pedra, metal, argila, gesso ou madeira (As madeiras comumente utilizadas são o cedro e o mogno, por serem fáceis de trabalhar e mais leves).

A técnica da modelagem consiste em elaborar esculturas inéditas através desta

técnica. São utilizados materiais macios e flexíveis, facilmente modeláveis, como a cera, o gesso e a argila.

No caso da argila, a escultura será posteriormente cozida, tornando-se resistente. A modelagem é, também, o primeiro passo para a confecção de esculturas através de outras técnicas, como a fundição e a moldagem.

Demais técnicas de escultura:

Entalhe:

Entalhe é a arte de cortar ou entalhar a madeira. A grande

variedade disponível de cores da madeira, desde o branco quase tão claro quanto o marfim, até o negro acetinado da castanheira e do ébano, pode

ser explorada com resultados formidáveis. O entalhe é uma arte amplamente conhecida, tendo atualmente

sua melhor expressão na África e Oceania. Na Europa pouco sobrou das

obras da Antigüidade, mas no final da Idade Média foi grande o florescimento dessa arte. No interior das igrejas medievais, a habilidade

dos entalhadores era apresentada nas belíssimas cadeiras de coro, bancos, telas, púlpitos e estantes para leitura.

Fundição de metal: Outra técnica utilizada para a escultura é fundição de metal (ferro,

cobre, bronze etc) em que se faz um processo complexo que começa com um modelo em argila, passando por um molde que será preenchido com cera, obtendo-se outra peça idêntica neste material, que poderá ser

retocada, para corrigir algumas imperfeições derivadas do molde. Depois de modelada em cera.

Em seguida, o metal líquido é vazado dentro de um molde, ocupando o lugar deixado pela cera. O gesso é dissolvido em uma lavagem a jato de água, revelando a peça com seus contornos. A

escultura de metal passa, então, por um processo final de recorte e de acabamento.

Móbile:

Na escultura, o móbile é um modelo abstrato que

tem peças móveis, impulsionadas por motores ou pela força natural das correntes de ar.

Suas partes giratórias criam uma experiência visual de dimensões e formas em constante equilíbrio. O móbile foi inicialmente sugerido por Marcel Duchamp para uma exibição de 1932,

em Paris, sobre certas obras de Alexander Calder, que se converteu no maior exponente da escultura móbile. A origem latina do termo móbile

remete à ideia de "móbil", "movimento".

Talha Dourada:

É uma técnica escultórica em que madeira é talhada (esculpida) e posteriormente dourado, ou seja, revestida por uma película de ouro. Esta

técnica, principalmente associada à arquitetura, teve um período de grande aplicação na Península Ibérica e suas respectivas colónias durante o barroco onde se dá destaque ao jogo de volumes. Tornou-se num dos principais

cunhos do barroco do norte de Portugal, a par do azulejo, nos séculos XVII e XVIII, especialmente no interior de igrejas e capela sem altares e retábulos.

Para uma encomenda de talha dourada era necessário o trabalho de vários artesãos sob a orientação de um mestre.

Arquitetura

Entre muitas outras coisas, a Arquitetura é a organização do espaço tridimensional. É uma atividade humana existente desde que o homem passou a se

abrigar das intempéries do clima. Uma definição mais precisa da área envolve todo o

design do ambiente construído pelo homem, o que engloba desde o desenho de mobiliário (desenho industrial) até o desenho da paisagem (paisagismo) e da cidade

(urbanismo), passando pelo desenho dos edifícios e construções (considerada a atividade mais comum dos arquitetos). O trabalho do arquiteto envolve, portanto, toda a escala da vida do homem, desde a manual até a urbana.

A arquitetura se manifesta de dois modos diferentes: a atividade (a arte, o campo de trabalho do arquiteto) e o resultado físico (o conjunto construído de um

arquiteto, de um povo e da humanidade como um todo). A Arquitetura depende ainda, necessariamente, da época da sua ocorrência, do

meio físico e social a que pertence, da técnica decorrente dos materiais empregados e,

finalmente, dos objetivos e dos recursos financeiros disponíveis para a realização da obra, ou seja, do programa proposto.

Bem mais do que planejar uma construção ou dividir espaços para sua melhor ocupação, a Arquitetura fascina, intriga e, muitas vezes, revolta as pessoas envolvidas pelas paredes. Isso porque ela não é apenas uma habilidade prática para solucionar os

espaços habitáveis, mas encarna valores. A Arquitetura desenha a realidade urbana que acomoda os seres humanos no presente. É o pensamento transformado em pedra, mas

também a criação do pensamento.

O desenvolvimento histórico da linguagem e da expressão

musical.

Primeiramente, cabe a nós respondermos a uma questão muito peculiar e

demasiadamente pertinente: O QUE É MÚSICA? Bem, as respostas certamente variam, contudo, de forma geral, podemos considerar que música é a combinação de

ritmo, harmonia e melodia, de maneira agradável ao ouvido. No sentido amplo, é a

organização temporal de sons e silêncios (pausas). No sentido restrito, é a arte de

coordenar e transmitir efeitos sonoros, harmoniosos e esteticamente válidos,

podendo ser transmitida através da voz ou de instrumentos musicais. Ademais, a música pode e deve ser considerada como uma manifestação artística e cultural de um

povo, em determinada época ou região, também sendo um veículo usado para expressar os sentimentos.

E O QUE É RITMO? Ritmo é um substantivo masculino com origem no grego

rhythmos e que designa a sucessão regular dos tempos fortes e fracos em uma frase musical. Indica o valor das notas, de acordo com a intensidade e o tempo. Pode ser

sinônimo de cadência (sons cadenciados) em intervalos de tempo periódicos. E O QUE É HARMONIA? A harmonia musical indica a concordância ou

combinação de vários sons simultâneos ou de acordes que são agradáveis ao ouvido.

Isto é, enquanto a harmonia é a combinação de sons simultâneos, a MELODIA é a combinação de sons sucessivos.

E QUANDO NASCEU A MÚSICA? Como as primeiras manifestações musicais não deixaram vestígios, é praticamente impossível responder. Ao que parece, o

homem das cavernas dava à sua música um sentido religioso. Considerava-a um

presente dos deuses e atribuía-lhe funções mágicas. Associada à dança, ela assumia um caráter de ritual, pelo qual as tribos reverenciavam o “Desconhecido”, agradecendo-lhe

a abundancia da caça, a fertilidade da terra e dos homens. Com o ritmo criado – batendo mãos e pés – eles buscavam também celebrar

fatos da sua realidade. Mais tarde, em vez de usar só as mãos e os pés, passaram a

ritmar suas danças com pancadas na madeira, primeiro simples e depois trabalhadas para soarem de formas diferentes. Surgia, assim, o instrumento de percussão.

Os barulhos da natureza deviam fascinar o homem desses tempos, dando-lhe vontade de imitar o sopro do vento, o ruído das águas, o canto dos pássaros. Mas, para isto, o ritmo não bastava, e o artesanato ainda não permitia a invenção de instrumentos

melódicos. De modo que estranhos sons tirados da garganta devem ter constituído uma forma rudimentar de canto, que, junto com o ritmo, resultou da mistura de palmas e

roncos, pulos e uivos, batidas e berros. Era o que estava ao alcance do homem primitivo. E terá sido um estilo que resistiu a séculos.

Contudo, segundo os atuais conceitos de música, essas tentativas foram muito

pobres para se enquadrarem na categoria de arte musical. Mas, do ponto de vista histórico, elas tiveram uma importância enorme. Porque a sua rítmica elementar

acompanhou o homem à medida que este se espalhava sobre a Terra, formando culturas e civilizações e evoluiu com ele, refletindo todas as transformações que a humanidade viveu até chegar a ser como é agora.

A música na Grécia

Indiscutivelmente, foram os gregos que estabeleceram as bases para a

cultura musical do Ocidente . A música na Grécia Antiga fazia parte da rotina diária das pessoas, estando presente em eventos privados e festividades abertas ao público. Há relatos históricos mostrando a forte presença musical desde o Período Arcaico, havendo

mesmo competições musicais em muitas partes da Grécia Antiga. Havia, por exemplo, a Karnea, realizada em Esparta, onde a música aparecia conectada ao treinamento e

educação dos jovens. No século 6 a.C. a música também era parte importante em duas grandes festividades realizadas em Atenas, a primeira delas era a Megala Panathinea e a segunda a Megala Dionysia. Foi nessas festividades que Atenas despontou como

grande expoente cultural, pois além das competições musicais, cresceram a arte poética e o drama antigo. Além das festividades, a música também estava conectada a eventos

cotidianos como casamentos, banquetes, encontros sociais diversos e competições esportivas, dentro das quais também havia competições musicais. Convém destacar, ainda, que estudos apontam que obras grandiosas da literatura como os épicos de

Homero (Ilíada e Odisseia) e as tragédias gregas não teriam sobrevivido ao tempo sem a contribuição da música.

Ademais, a própria palavra música nasceu na Grécia, onde “Mousikê”

significa “A arte das Musas”, abrangendo também a poesia e a dança. O ritmo era o denominador comum das três artes, fundindo-as numa só. Dessa forma a Lírica era um

gênero poético, mas seu traço principal era a melodia e até seu nome deriva de um instrumento musical – a Lira. Como os demais povos antigos, os gregos atribuíam aos

deuses sua música, definindo-a como uma criação integral do espírito, um meio de alcançar a perfeição.

Do ponto de vista histórico, a música na Grécia é importante em três momentos:

no intuitivo dos aedos arcaicos, no teórico de Damão e no legislativo em Platão e

Aristóteles. Isto é, na Grécia havia a necessidade da música na educação da

primeira infância para manter os costumes (éthos) dos cidadãos de acordo com os

valores da cidade. A educação dos aedos arcaicos é dependente da memória auditiva dos gregos, o único elemento eficiente para a manutenção de um saber em uma época

anterior à escrita. Essa “inteligência” auditiva é o paradigma para a reflexão que Platão e Aristóteles fazem sobre o início e os fundamentos da educação. Eles levantam a hipótese de que o éthos de uma comunidade gera, pela música, disposições morais nos

indivíduos. Além disso, os filósofos afirma que se deve prestar atenção nos tons predominantes que caracterizam a música e em como essas tonalidades dos modos

gregos se ligam ao conteúdo do discurso que é transmitido. Essas aplicações

específicas, dentre inúmeras outras, tornam a música essencial para a cidade, visto

que ela tranquiliza os bebês, dá vigor aos jovens e robustez aos adultos . De acordo

com os filósofos, os efeitos da música sobre o comportamento humano podem ocorrer de quatro maneiras distintas: primeiro, pode induzir á ação, ethos praktikón; segundo,

pode manifestar a força, o ânimo, ethikón; terceiro, pode provocar a fraqueza no equilíbrio moral, ethos malakón; ou threnôdes, que segundo Platão resulta dos cantos trenódicos baseados nas harmonias plangentes como lídia mista e lídia tensa; e quarto,

pode induzir temporariamente, à ausência das faculdades volitivas produzindo um estado de inconsciência, ethos enthousiastikón.

Seu sistema musical apoiava-se numa escala elementar de quatro sons – o Tetracorde. Da união de dois Tetracordes formaram-se escalas de oito notas, cuja riqueza sonora já permitia traçar linhas melódicas. Estas escalas mais amplas – Os

modos – tornaram o sistema musical grego conhecido posteriormente como Modal. O canto prendia-se a uma melodia simples, a Monodia, pois os músicos da

Grécia ignoravam as combinações simultâneas de sons (harmonias). Mas nem por isso deixavam de caracterizar com seus Modos um sentido moral – o Ethos -, tornando os ritmos sensuais, religiosos, guerreiros e etc.

Uma vez que os ritos religiosos quase não mudavam, conservando a tradição, com o tempo criaram-se melodias- padrão, muito fáceis e conhecidas de todos. Eram os

Nomoi, cujo acompanhamento se fazia com a Cítara e o Aulos. A cítara descendia da lira e, como ela, tinha cordas. O aulos era um instrumento de sopro, ancestral do nosso oboé.

E em relacao ao sentido ético grego, como esses nomoi da música representam e afetam “eticamente” a alma? A tese de que a música afeta o psiquismo humano está

pautada na possibilidade de ela ser oriunda da própria alma, assim como, para Platão, a própria cidade é um reflexo similar da alma de seus governantes. A música promove uma intermediação da alma à cidade e da cidade à alma dos jovens. A música representa

o éthos das pessoas de uma comunidade e corrobora para que os ethé sejam mantidos na cidade. Desse modo, foi por intermédio de uma fala rítmica e carregada dos nomói que

os aedos encontraram a primeira forma de manutenção e transmissão de seus costumes. A partir disso, estudiosos concluíram que a poesia foi a primeira forma de “legislar”, pois, embora ela não tenha criado o conjunto de valores que permitiu o surgimento da

vida em sociedade, ela criou o meio para preservá-los e transmiti-los em uma época anterior à escrita. É com o advento da escrita que os filósofos gregos passaram a legislar

sob bases mais estáveis a respeito dos costumes religiosos até os musicais. Nesse sentido, a educação inicial que Platão concebe para os jovens guardiões

não é original, pois assume a forma de ensinar já utilizada pelo aedos arcaicos. O

aparecimento das Musas – as deusas da musicalidade - na Teogonia mostra que o papel primordial da música é o alegrar Zeus, e não o de aconselhar ou instruir o gênero

humano. Mesmo assim, a instrução do homem e a formação de um hábito por

intermédio da música adquiriram grande relevância nas leituras que a filosofia fez da

cultura musical grega.

A música e a cidade grega

Os filósofos, ao aceitarem o modo arcaico de educar a alma, tornam-se herdeiros

da racionalidade e da escolha que as musas fazem de não narrar tudo: eles também escolheram algumas músicas e conteúdos e se esqueceram de outros. Nem todos os

hábitos e conteúdos inspirados pelas Musas são aceitos por Platão e sua recusa da lamentação de Aquiles, por exemplo, tem a seguinte justificativa: deve-se evitar mostrar

as lamentações de um herói com o vigor e a coragem de Aquiles, assim como se deve evitar a música lamentosa, pois ela incentiva um hábito indesejável nos guerreiros e no guardião da constituição da cidade. A imoralidade de partes dos textos de Homero,

como daqueles deuses e filhos em guerra exilando os próprios pais, também é recusada pelas disposições que geram nos jovens quando ouvem isso. Eles poderiam achar que é

comum o desrespeito e a agressão ao pai ou ao próprio filho, como quando Zeus expulsou Hefésto do Olimpo por ele ter tentado defender sua mãe da ira de Zeus.

O poeta é o executante do canto por ser o intermediário entre as Musas e a

sua audiência, mas não é o autor.

Aristóteles é quem formula com mais clareza a importância de se legislar

sobre a música. No livro VIII da Política, ele detalha as melodias éticas e harmonias a serem usadas na educação.

A reflexão sobre éthos da música também depende do estudo sobre seu páthos.

O primeiro pensador grego que estudou como os ritmos e as melodias afetavam a alma foi Damão, uma figura respeitada e citada tanto por Platão, na República, quanto por Aristóteles, na Política.

Primeiramente, no período pré-damoniano, o canto com ritmo e sem qualquer palavra, entoado para amansar a cólera de um bebê ou acalmar seu sofrimento, delimita

a origem da crença no tocante a influencia da música sobre a alma, que se desdobra em uma influência da música sobre a comunidade, com os aedos.

Em segundo lugar, no período pré-damoniano, Damão explora uma nova teoria

do éthos musical. Ele aprimora as antigas crenças sobre a formação da alma pela música e de detém naquela alma que se encontra entre a produção e a recepção da mensagem

sonora. No domínio da pedagogia, tanto ele quanto Platão depois “ensaiaram a elaboração de um sistema positivo fundado sobre a concepção de reciprocidade entre a ação da educação moral e aquela da educação musical, assegurando o desenvolvimento

dos cidadãos e a perenidade das cidades.” Por meio de um refinamento dos estudos dos efeitos da música e da atividade dos aedos, Damão conclui que na música cantada para

as crianças é construído o caráter da futura cidade onde elas irão habitar. Trata-se de

uma relação profunda entre a música das crianças e a saúde das cidades. Com isso,

ele esboçou a teoria que mais tarde iria aparecer na legislação sobre a educação

musical. Em terceiro lugar, no período pós-damoniano, surge a legislação efetiva sobre a

educação musical. O próprio Aristóteles salienta, no livro VIII da Política, que ninguém questiona a importância de se legislar sobre a música na educação, sobretudo por que os efeitos da educação musical devem estar de acordo com o regime político de

determinada comunidade e qualquer alteração na música é logo sentida na cidade. O Estagirita salienta que foi Sólon quem prescreveu o ensinamento obrigatório da música

nas cidades. Ele criou a ideia de que as leis da cidade deveriam ser apresentadas com preâmbulos musicais e sob a forma de poemas. Em linhas gerais, o período pós-

damoniano está vinculado ao pré-damoniano por ser um aprimoramento legislativo

deste, e por colocar na escrita a sabedoria musical descoberta pela oralidade.

Lei sobre a educação musical

Há, contudo, um limite para a educação moral por meio da música, o que pode

ter um efeito contrário ao da harmonização da alma, tornando o jovem fraco e frágil. Assim, para Aristóteles, faz-se necessário determinar até que ponto os jovens devem

estudar música, pois eles não precisam se tornar profissionais, nem competir em concursos, devem apenas saber ouvir bem.

A música é importante para as cidades, para a manutenção e para a mudança de

certos sistemas políticos. Invariavelmente, todo movimento político tem seu canto de guerra, de vitória, de batalha e seu hino. Vive-se, na prática, aquilo que Platão e

Aristóteles afirmaram em seus estudos políticos: qualquer alteração na música

significa uma alteração na cidade . O que importa é que alguém que seja chamado para divertir os festins – os aedos no caso dos antigos e os profissionais de hoje reconhecidos

socialmente – domine não só a prática da produção, mas os efeitos psicológicos e políticos daquilo que produz, tendo consciência de sua parte na formação dos homens e

das cidades. Pensando na virtude da alma dos guardiões, Platão, na República, fez “o

conjunto de músicas passar por uma seleção, e permanecem aquelas que possam melhor

contribuir para a formação da conduta moral do cidadão”. Isso ocorre para formar a harmonia da alma do guardião, fazendo com que a virtude exerça sua influência entre o

prazer e a razão. Aristóteles defende algo parecido: se “a música conduz de algum modo à virtude, tal como ginástica confere ao corpo determinados atributos, também a música pode conferir outros ao caráter, se for capaz de o habituar [o homem] a um uso correto”.

Dentre todas as artes imitativas, a que mais se aproxima de um ensino da virtude é

a música.

Culturalmente falando, em sentido amplo, é a musicalidade que permite o exercício da política, tanto que os reis precisam, na Teogonia, dos dons das musas para guiar a cidade. A política grega arcaica depende da retórica fornecida pelas musas. O

próprio rei (basiléu) possui no tom e ritmo de sua própria voz algo herdado da sedução que somente as Musas possuíam. Como ocorre também em Platão, os guardiões sem

música não terão a beleza e a sedução da eloquência necessárias a um hábil “político” que deve preservar as leis da cidade.

Filósofo legislador

Portanto, seja qual for o modelo de maestria, o político ou o pedagógico, a ação de reorientar é um bem de quem possui uma arte musical. Quando Platão fala do médico verdadeiro e, também, do artista verdadeiro, deve-se lembrar que o músico, já sendo um

artista, poderia ser também um médico. O objetivo do filósofo é se tornar um artista que, mesmo sem ser um exímio músico, seja capaz de recorrer a quem domina essa arte,

como Damão, para legislar sobre ela, ou melhor, como Sólon que colocava melodias nos proêmios de sua lei.

Papel dos instrumentos na educação musical

A cítara era o meio ideal para expressar principalmente o ethos dos hinos litúrgicos, dedicados à Apolo. A música instrumental da cítara, veicula um caráter ético

viril, grave e majestoso. Associada ao ethos da cítara está a harmonia dórica, a

verdadeiramente helênica. A harmonia dórica e austera, firme, capaz de manter o espírito firme diante de qualquer desafio.

O aulos é o instrumento associado aos cultos dionisíacos, utilizado nas composições ditirâmbicas para acompanhar os coros dramáticos e as elegias. O ditirambo representava, para os gregos, uma das mais importantes realizações na poesia

coral. A harmonia própria das composições para o aulos é a frígia, e seu caráter é entusiasta e agitado.

A harmonia lídia era plangente, favorecia as situações trágicas, e era adequada para expressar os trenos e lamentos.

A formação de cada uma das harmonias dependia fundamentalmente das

relações tetracordais, assim como de suas respectivas relações intervalares.

Partindo dos Nomoi, a música da Grécia evoluiu para a lírica solista, o canto

conjunto e o solo instrumental. Depois, vieram as grandes tragédias inteiramente

cantadas, que marcaram o apogeu da civilização helênica. Daí por diante, a decadência do povo encaminhou a música da Grécia para o

individualismo e o culto às aparências . Parecendo prever a dominação que lhes seria imposta pelos romanos, os gregos ironizavam a sua própria destruição.

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