Modalidad Semiescolar del Sistema de Bachillerato del Gobierno del D. F.

Artes Plásticas 2

Apreciación Artística

Expresión Plástica y Manifestaciones Plásticas

Técnicas y Materiales de la Pintura

Autores: Ma. de las Nieves Delfín Madariaga

Juan Carlos González Hernández

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INDICE Introducción 5

Unidad 1.- Apreciación Plástica.

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Sesión 1.- Repaso de los conocimientos adquiridos en Artes Plásticas 1 9

Sesión 2.-Introducción al análisis de una obra plástica. 11

Sesión 3.- Realización del Portafolio de Trabajo. 16

Unidad 2. Expresión Plástica y Manifestaciones Plásticas.

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Sesión 1 22

● Introducción a la Arquitectura. ● Características de la Arquitectura. ● Elementos formales de las Artes Plásticas en la Arquitectura. Sesión 2.- Introducción a la Pintura 26

● Características de la pintura. ● ¿Qué es una pintura? ● Construcción cromática. Sesión 3.- Técnicas y materiales de la Pintura 36

Introducción al Arte Moderno (breve análisis antecedentes, precursores, características principales, ruptura de la mimesis)

Sesión 4.- Análisis de las vanguardias del arte moderno. 50 Ruptura del tratamiento formal y técnico. Características y aplicación de algunas de las vanguardias del siglo XX. Sesión 5.- Análisis Vanguardias Arte Moderno. 65

● Observación de los elementos formales plásticos en las vanguardias. ● Proceso bocetaje y selección definitiva. ● Actividad de clase. ● Actividad para casa. ● Ejercicio de autoevaluación.

Sesión 6.- Aplicación de los elementos formales en una obra plástica.

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Sesión 7.- Realización de una obra plástica, aplicando un medio de las artes plásticas.

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● Análisis de una obra plástica relacionando los elementos formales y el contenido de la obra plástica.

● Análisis del proceso de trabajo realizado hasta este momento.

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Unidad 3 Expresión y manifestaciones plásticas

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Sesión 1 76

● Repaso de los conocimientos adquiridos en el curso de Artes plásticas 1 y de algunos del curso Artes Plásticas 2 referentes a Composición, forma, color así como al Arte Moderno y Vanguardias Artísticas.

● Análisis y comparación de dos pinturas de épocas distintas: Monet y Pollock

Sesión 2 87

● Identificación de los principales medios plásticos y procesos de construcción de la obra artística en el Arte Contemporáneo.

● Desglose de contenidos de la lectura: Exposición del docente Sesión 3. 96

● (Para portafolio o carpeta) Planeación para la aplicación de medios alternativos y procesos de producción artística, en la construcción de una obra plástica personal, dentro de las características del Arte Contemporáneo.

● Propuesta y selección de un tema de impacto social desde la perspectiva del estudiante.

● Propuesta y selección del soporte, los materiales, las dimensiones y los objetos prediseñados, en función del tema.

● Propuesta y selección del o los procesos revisados a utilizar, en función del tema.

● Proceso de bocetaje y análisis preliminar de la propuesta plástica a desarrollar.

Sesión 4. 101

● (Para portafolio o carpeta) Aplicación de medios alternativos y procesos de producción artística en la construcción de una obra personal, dentro de las características del Arte Contemporáneo.

● Establecimiento del boceto, los medios plásticos y los procesos definitivos a realizar.

● El boceto final. ● Los medios plásticos a utilizar. ● Construcción de la obra plástica.

Sesión 5. 103

● (Para portafolio o carpeta) Finalización del proceso de construcción de la obra plástica personal y realización de procesos de análisis de Forma-Contenido en torno a la misma.

● Observación, lectura e interpretación de una obra plástica: Lo que vemos y lo que nos dice.

● Análisis de Forma-Contenido y valoración de la obra como sistema comunicacional.

● Ejemplo de Análisis de Forma-Contenido. ● Funcionalidad, estética y eficacia de la obra como sistema narrativo y

comunicacional.

● Evaluación del proceso de producción realizado: Los “pros y contras”, carencias y excesos; aciertos y desaciertos.

● Cuadro evaluativo de la obra personal realizada.

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Introducción La finalidad de este material de apoyo es la de darte las herramientas necesarias traducidas en conocimientos, habilidades y actitudes, para que conozcas, analices y apliques estos nuevos conocimientos en procesos prácticos y teóricos, los cuales te permitirán emitir juicios de valor con respecto a una obra plástica, diferenciando el gusto personal de la diversidad de manifestaciones, apoyándose de igual manera en los conocimientos anteriores que obtuviste (Artes Plásticas 1). Al manejar los aspectos que se incluyen en este material podrás apreciar aún más las expresiones plásticas y si lo decides utilizarlas como un medio de comunicación visual. Esta obra también se realizó tomando en cuenta los aspectos característicos del Sistema Semiescolarizado del Instituto de Educación Media Superior del D. F. El texto está dividido en tres Unidades, la primera se refiere a la Apreciación Plástica, en donde verás los principales elementos que integran una obra plástica y las dos siguientes de Expresión Plástica, en las que aprenderás a usar estos elementos de comunicación. Cada una de las Unidades contiene:

Objetivos de trabajo, éstos nos informan de los contenidos que se espera obtengas al final del proceso. Introducción, por medio de ésta se te mencionan de forma concreta los aspectos a trabajar.

Ejercicios para la clase, en ellos se te indica el tipo de actividades que debes realizar para concretar conocimientos específicos.

Ejercicios para Casa, ahí se te menciona el tipo de actividad que debes realizar de forma independiente y que forma parte integral de tu proceso de trabajo.

Ejercicios de Autoevaluación, por medio de los cuales podrás corroborar el avance en la comprensión de tu aprendizaje.

Productos a Evaluar que deberás realizar a lo largo del proceso y que por medio de los cuales se refleja tu desarrollo dentro del mismo.

Glosario: Este apartado te servirá para que puedas conocer el significado de términos específicos de las Artes Plásticas y con los cuales tendrás un constante acercamiento.

Guía de Museos de la ciudad de México, ésta es para facilitarte la pronta ubicación y horarios de los mismos, para que en el momento en que los necesites, tu acceso sea más fácil.

Índice, por medio del cual ubicarás de forma más rápida y fácil la sesión, el tema o la actividad que necesites consultar.

Esperamos esta obra te sea de ayuda y logres obtener los conocimientos, habilidades y actitudes que se pretende obtengas.

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Max Ernst. Flores de conchas

ARTES PLÁSTICAS II

Unidad 1 Apreciación Artística Objetivos: Valoración de las manifestaciones plásticas y su utilidad como medio de conocimiento.

Competencias que desarrollarás al concluir el proceso de trabajo:

Serás capaz de entender que a partir de las manifestaciones artísticas se pueden conocer diferentes momentos de la historia, tanto en sus aspectos artísticos como modos de pensar, vestirse, relacionarse, etc., al conocer esto entenderás más lo que te rodea y a ti mismo, lo que se refleja a través de las imágenes.

En el proceso de trabajo se irán desarrollando competencias más específicas que se desprenden de la anterior y logran la integración de los conocimientos, habilidades y actitudes necesarias para concretar tu proceso de trabajo. Estas competencias específicas son:

Serás capaz de valorar, reflexionar y cuestionar las diferentes manifestaciones de las Artes Plásticas, de esta manera lograrás entender la importancia y la utilidad que tienen como medio de conocimiento, de ti mismo y de lo que te rodea.

A través de la práctica artística y el conocimiento histórico te darás cuenta que son 2 campos de trabajo conectados que favorecen la comprensión de tu cultura visual. Te darás cuenta cómo las representaciones reflejan formas de vida y cómo pueden afectar las mismas. Verás al final que las Artes Plásticas pueden ser un vehículo para conocer, interpretar y representar al mundo que te rodea.

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MANIFESTACIONES PLÁSTICAS

UTILIDAD COMO MEDIO DE CONOCIMIENTO

VALORACIÓN DE LAS MANIFESTACIONES PLÁSTICAS

HISTORIA DEL ARTE

ÉPOCA, ARTISTAS

PLÁSTICOS, ESTILOS,

INFLUENCIAS

FORMAS DE

PENSAR SIGNOS,

SÍMBOLOS

INTERPRETACIONES

PRÁCTICAS DE

TALLER.

MEDIOS, TÉCNICAS

Y MATERIALES

CONOCER, ANALIZAR,

COMPARAR,

ENTENDER.

CONOCER,

SELECCIONAR

APLICAR

CONOCER,

REFLEXIONAR,

RELACIONAR.

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Figura 2. Salvador Dalí. El torero alucinógeno

Introducción

La idea fundamental de este proceso es que reconozcas tu identidad y tus gustos personales a partir de la observación y la realización de diferentes manifestaciones plásticas, así mismo que seas capaz de reconocer las cualidades expresivas de éstas, que sepas aceptar las diferencias entre ellas, y al final puedas emitir un juicio de valor. Este proceso se desarrollará a lo largo del semestre, por lo que este primer objetivo, que va unido de forma integral con los siguientes, quedará cubierto al final de tu proceso, puesto que cada uno te dará las herramientas necesarias para lograrlo.

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Sesión 1

Repaso de conocimientos adquiridos en Artes Plásticas 1

¿Qué es Arte? ¿Qué son las Artes Plásticas?

Conceptos de Creatividad e Imaginación. Elementos formales de las Artes Plásticas.

Historia del Arte.

Ejercicio de autoevaluación. Este nuevo proceso lo utilizaremos para que aprecies las diferentes manifestaciones plásticas, entiendas la diferencia entre ellas, y que puedas emitir un juicio de valor sobre éstas. Retomarás algunos de los conocimientos anteriores (Artes Plásticas 1) donde comprendiste lo que era el Arte, y en este caso el Arte Plástico. También recordarás que partes muy importantes de él son la Creatividad y la Imaginación. Si recordamos lo que significan estos dos grandes conceptos podemos afirmar que el crear nos da resultados, éstos nos dan la capacidad para desestructurar la realidad y reestructurarla de otra manera, es decir a partir de algo conocido podemos producir algo nuevo y valioso para nosotros o la sociedad donde vivimos (por ejemplo: la televisión, los videojuegos, etc.) y esto incide en el conocimiento. Esta definición es un ejemplo de muchas que se pueden hacer, piensa cuál es la tuya. Ahora recordemos también la de imaginación ¿Cuál seria la tuya? Ambas se van desarrollando conforme conocemos y entendemos más. Por ejemplo, si has estado en la situación de querer ir a una fiesta y no te dan permiso en tu casa ¿qué es lo que haces? primero te imaginas que la fiesta va a ser la mejor de tu vida porque va a tocar tu grupo preferido, luego piensas cómo hacer para poder ir, y el resultado es que a través de la imaginación y la creatividad logras convencer a tus papás que te dejen , ¿No es así? Como éste podríamos poner más ejemplos. Después conociste los elementos formales de una obra, las formas de composición y su aplicación por medio de la práctica ¿Te acuerdas de ellos?

El punto: se considera el elemento gráfico más elemental; tiene posición, dirección, etc. La línea: es la sucesión de puntos; tiene trayectoria y diferentes posiciones, etc. El plano: es la sucesión de líneas; es bidimensional; es decir tiene un largo y un ancho. El volumen: es la sucesión de planos; es tridimensional, es decir tiene un largo, un ancho y un grosor.

Tenemos más aspectos que descubriste el semestre anterior sobre la forma de expresión de la obra plástica. Se te recomienda tengas siempre a la mano el material de apoyo que se te proporcionó en esa ocasión para que cuando tengas dudas sobre alguno de ellos puedas consultarlo y así seguir bien tu proceso.

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Otro aspecto que conociste es que a través de la Historia del Arte hiciste un viaje en el tiempo en el que aprendiste que el Arte Prehispánico, que tiene sus formas de expresión mediante la pintura, la escultura, la arquitectura. Entendiste la característica del Muralismo Mexicano, y su función social, el Arte Occidental en dos grandes momentos, como son el Arte Gótico y el Renacimiento, así como la forma de interpretar la cultura de estos países europeos. En este semestre continuaremos haciendo el viaje en la historia, pero este será a partir de finales del siglo XIX. Ahora nos toca conocer nuevas formas de expresión del arte plástico, por lo que analizaremos cómo surgen esas nuevas expresiones en momentos muy importantes que determinan esa forma de expresarse. También veremos la manera como se aplican a estas nuevas formas los elementos plásticos; conoceremos otros medios: Pintura y Arquitectura, y los aplicaremos en ejercicios prácticos. Al hacer este breve examen nos damos cuenta de que es necesario conocer, analizar, sintetizar todos estos aspectos para poder emitir un juicio de valor respecto a las diferentes manifestaciones, y así también decidir si son útiles como medios de comunicación. Por estas razones es necesario te quede clara la importancia de recuperar los conocimientos previos que has adquirido en las experiencias anteriores, y que te sirven para incursionar en un nuevo saber. Posteriormente entrarás de lleno en las temáticas que vas a aprender.

Ejercicio de Autoevaluación

1.- Menciona tu definición de Arte y Artes Plásticas. 2.- Elabora tu propio concepto de creatividad, a partir de los conocimientos obtenidos a través del proceso realizado en el semestre anterior. 3.-De igual manera escribe el concepto de imaginación que has construido. 4.-Describe los elementos formales de una obra; hazlo con tus palabras. 5.- Menciona los aspectos de la Historia del Arte que conociste, los que consideras más importantes y la razón de ello.

Actividad en Clase

En el análisis grupal sobre el resultado del ejercicio de autoevaluación deberás registrar las observaciones definitivas.

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Productos para evaluar:

1.- Ejercicio de autoevaluación. 2.-Conclusiones finales a través de la discusión grupal.

Sesión 2

Introducción al análisis de una obra plástica. Aspectos que determinan la construcción de una obra plástica. La importancia de saber hacer un análisis plástico. Elementos a trabajar:

a) Autor

b) Título

c) Técnica

d) Fecha

e) Descripción de la estructura: composición, color, forma, elementos conceptuales

f) Elementos visuales.

Ejercicio de autoevaluación

Actividad en Casa

Lee la información de la introducción al análisis de una obra. Es importante hagas la lectura que se te recomienda y que escribas todas las dudas que tengas al respecto para que se trabajen en la siguiente sesión. Realiza un ejercicio práctico en donde trates de representar un momento importante para ti. Tu asesor te dirá que técnica y que materiales son los más idóneos para que la elabores.

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Figura 3 Pablo Picasso Guernica

Al entender que las Artes Plásticas son un medio de comunicación visual podemos tener claro que se consideran como una forma de representar significados, y debido a esta manera de verlas sabemos que no hay verdades totales, sino que dependen del tiempo (época) en que se crearon, el lugar en donde estuvieron (geografía) y el contexto (social y cultural). Así vemos como se reflejan las culturas en que se realizaron. Estas representaciones (interpretaciones) de la realidad se han elaborado a través de diferentes medios plásticos: la pintura, la escultura, la estampa, utilizando a su vez los materiales, herramientas y técnicas específicas de cada una de ellas. Es importante que tengamos presente que para lograr valorar las manifestaciones plásticas debemos tener claros los elementos que integran su concepción:

¿Quien la hizo? ¿Cuándo la hizo (época, contexto social y cultural)

¿Cómo la hizo? (cómo manejo los elementos plásticos) ¿Qué utilizó para hacerla? (técnicas y materiales) ¿Para qué la hizo? (¿Cuál fue la intención? Es decir, la idea o el concepto).

El conocer desarrolla en nosotros la capacidad de darle forma a las ideas que tenemos; es poder dar un argumento tanto oral como escrito de lo que se está observando.

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Cuando vamos a analizar una obra plástica tomamos en cuenta los siguientes puntos:

Autor.- Nombre del artista que creó la obra. Título.- El que le asignó el artista, éste tiene relación con la temática o con lo que trataba

de decir (conceptos, ideas, etc.). Técnica.- Es la manera en que realizó la obra, esto implica la utilización de ciertos materiales y herramientas. Fecha.- Ésta nos sirve para ubicar el momento en que fue creada la obra. Composición.- Nos indica la manera en que fue estructurada la obra. Color.- Es la descripción de los colores que integran la obra. Forma.- Describe el tipo de formas que la integran; figurativas o abstractas. Elementos conceptuales que integran la obra: punto, línea, plano. Elementos visuales manejados: forma, tamaño, textura.

Más adelante iremos insertando otros elementos que te servirán para hacer un análisis más amplio, lo que te permitirá emitir criterios de valor de las manifestaciones plásticas de forma analítica y por lo tanto más acertada. Ejemplo:

Figura 4 Edgar Degas Esperando la entrada

Autor: Edgar Degas. Título: Esperando la entrada

Técnica: Pastel sobre papel. Fecha: 1879. Medida: 99.8 x119.9 cm. Color: Trabajo de juego de luces y sombras, escala tonal Elementos conceptuales: líneas, planos y volúmenes Elementos visuales: manejo de diferentes tamaños, insinuación de textura y volúmenes por contraste de luz y sombra.

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Actividad en Clase

Análisis de la composición realizada en casa tomando en cuenta los aspectos que integran la estructura de un análisis de este tipo.

Actividad en Casa

Análisis de una obra: Busca dos ilustraciones de obras de momentos diferentes en el tiempo. Por ejemplo, una obra del arte gótico y una del arte prehispánico que te hallan gustado de lo que viste el semestre pasado y realiza los análisis pertinentes. Describe las obras con tus propias palabras, y trata de ubicar algunos de los elementos formales y estructurales (líneas, puntos, volúmenes, etc.) en esas imágenes. Busca el tema y menciónalo. Comenta sobre el significado que crees tuvieron en el momento en que fueron creadas. Si conoces al autor menciona su nombre, de dónde era, de qué época. Describe qué es lo que representan para ti, si te gustan o no y la razón. Compara las observaciones que has hecho de las dos obras y menciona los resultados que obtuviste. Explica si crees que en esta época de nuestra historia la gente las ve de igual forma que en el momento en que fueron creadas. Da tus conclusiones con respecto a los resultados que obtuviste.

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ESQUEMA DE ANÁLISIS COMPARATIVO

Elementos de análisis Obra 1 Obra 2

Autor

Título

Técnica

Fecha

Composición

Color

Elementos conceptuales: punto,

línea, plano.

Elementos visuales: tamaño,

textura, volumen.

¿Qué representa para ti?

¿Te gusta o no te gusta?

¿Por qué?

Significados.

Descripciones.

Conclusiones

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Ejercicio de Autoevaluación:

1. ¿Cuáles son los elementos que debemos tomar en cuenta para poder llegar a emitir un juicio

de valor respecto a una obra plástica? 2. ¿Para que nos sirve hacer el análisis de una obra? 3. ¿Piensas que una obra plástica hecha en un momento histórico específico tiene el mismo

significado en un tiempo diferente del original? 4. ¿Los elementos plásticos de una obra (composición, color, formas, etc.) son diferentes en

cada época o son los mismos, pero se trabajan de forma distinta? 5. Análisis grupal respecto a los resultados obtenidos, registro de las observaciones finales.

Productos para evaluar:

Composición de libre creación realizada en casa. Análisis composición realizada en casa y presentado esta sesión. Análisis de dos obras de momentos históricos diferentes. Ejercicio de autoevaluación.

Sesión 3

Portafolio de trabajo.

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Para mayor explicación:

Manejarás el proceso a partir de los propósitos establecidos por el asesor de lo que se espera que aprendas y cómo hacerlo. En este espacio hay que tener claro que a partir de los propósitos que establezca el asesor, es importante escribas cuáles son tus propósitos, cómo pretendes lograrlos, y en diferentes momentos de tu proceso los retomaras, los analizarás y describirás cómo han cambiado, si se están desarrollando y qué tienes que hacer para concretar algún aspecto de ellos. La descripción de tus experiencias con los temas de clase se harán de forma reflexiva más que descriptiva. Seleccionarás trabajos de los diferentes momentos de desarrollo que reflejen los avances respecto al conocimiento y la práctica realizados. Llevarás el registro de las fuentes que en algún momento de tu proceso utilizaste.

Este portafolio será de tu pertenencia y lo entregarás a tu asesor al final del proceso para que evalúe tus productos, que son representativos del proceso de trabajo realizado, y se colocarán en un contenedor abierto al público (tu grupo) para que juntos, y con otras evidencias que tendrá registradas tu asesor, se realice el balance definitivo, y así obtener tu evaluación final. Por este motivo es importante que ya hecho tu portafolio coloques en él los ejercicios que ya has realizado y los que vas a hacer.

Ejercicio de Autoevaluación:

1.- ¿Qué es y para qué sirve el portafolio de trabajo? 2.- Describe el proceso de elaboración de tu portafolio. 3.- ¿Cuáles son tus expectativas de trabajo, cómo esperas aprender, qué esperas aprender, para qué, etc.?

Actividad en Clase

Realización de un Portafolio de Trabajo. Realización de un portafolio en el que registrarás y guardarás tus procesos de trabajo. Este portafolio te servirá como una especie de diario, en el que irás seleccionando y ordenando los productos que realices, y que van a servir como muestra del desarrollo de tu proceso de aprendizaje. En el ubicarás tus reflexiones con respecto a los temas de clase, comentarios personales, etc. No se trata de que sea un espacio de transcripción de notas, sino de analizar los aspectos fundamentales que tú mismo detectes en tu proceso. Integrarás todas las evidencias posibles, tanto de tus experiencias en el aspecto práctico como en el conceptual. También mencionarás las fuentes de información que tomaras en cuenta en tu proceso: libros de consulta, videos, etc.

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Productos para evaluar:

Realización del portafolio de trabajo. Ejercicio de autoevaluación. Redacción de las expectativas de trabajo: qué esperas aprender, cómo y para qué.

Orientaciones para el estudio

Es importante que tengas a la mano el material que se te proporcionó el semestre pasado para que te sirva de apoyo en el proceso de trabajo que se va a realizar este semestre. Puedes acudir a la biblioteca de tu plantel, en ella encontrarás material de apoyo: libros, folletos, DVD, etc. Bibliografía sugerida: El arte para comprender el mundo de Antoine Anderson Veronique, Edit Serres, México, 2005. Arte y percepción visual de Arnheim Rudolf. Edit. Alianza, España, 2005. Los conceptos básicos de las Artes Plásticas de Acha Juan, Edit Coyoacán, México, 2002. Consideraciones sobre la Educación Artística de Arnheim Rudolf. Edit. Paidos, España, 1993. Expresión y apreciación Artística de Contreras Elsa y Romo Gabriela, Edit. Trillas, 1995. En el área de video: Vides Arte ¿Qué es y para que existe? Grandes obras maestras del mundo del arte, Enciclopedia

Britanica, México, Películas Ebesa (Distribuidor), 1962? video cassete de 30 minutos, serie arte, autor

personal: Barnes, John. dir. Formato VHS.

Glosario de Terminología Plástica.

Este glosario lo utilizarás a lo largo del semestre, por lo que es importante lo

consultes constantemente.

Acromático: que no tiene color. Área: espacio determinado que tiene un color, una textura, etc. Armonía: principio estético relacionado con la unidad, el equilibrio. Atmósfera: tiene que ver con el fenómeno de la percepción cuando los valores y la forma modifican por la perspectiva, la distancia y la luz. Bidimensional: que tiene dos dimensiones. Brillo: sensación de mayor o menor claridad que reflejan las superficies coloreadas.

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Cálido: se relaciona con las sensaciones que experimentamos al percibir un color, rojo, naranja, amarillo, etc. Campo: ámbito de toda Composición. Campo visual: espacio donde se desarrolla la percepción visual. Cercanía: la posición de un elemento en el campo visual. Círculo de color: es la organización de los colores, partiendo de los primarios y sus derivados. Claro-oscuro: es la forma como se distribuyen los valores tonales en una obra, son las diferencias entre luz y sombra. Color: sensación percibida por las radiaciones luminosas al reflejarse en los cuerpos o sustancias. Color complementario: son los colores opuestos en el círculo cromático, cuando los juntamos se anulan y originan un gris. Composición: es la organización de los elementos que intervienen en la creación de una obra. Contenido: es la cualidad que está contenida en una obra plástica; refleja los valores formales, filosóficos y conceptuales. Contorno: es la línea que delimita una figura del fondo que la rodea. Contraste: es la combinación de cualidades opuestas, relacionadas. Gracias al contraste podemos percibir las diferentes formas; se da por el color, la textura, la luz, etc. Cromático: que tiene color. Dinámica: es cuando en la obra percibimos el movimiento, esto lo podemos reflejar por medio de líneas quebradas, diagonales, etc. Diseño: bosquejo de algo que vamos a hacer, es el trazo de las formas. Ejes: son las líneas imaginarias o reales que se trazan en una Composición para ver el sentido de las direcciones y posiciones de las formas. Elementos: son los componentes que integran una obra: líneas, volúmenes, colores, texturas, etc. Equilibrio: es la forma como se distribuyen las formas en la Composición. Espectro: así se le llama al fenómeno que se produce cuando atraviesa un haz lumínico un prisma transparente, y se descompone en su banda coloreada. Estilo: es la forma de expresión de un artista o un grupo de ellos en el que la forma de relacionar los elementos compositivos se mantienen constantes. Expresión: es la cualidad que puede tener la obra de transmitir experiencias o conceptos contenidos en ella. Forma: es la delimitación de una superficie por otra. Gama: son las escalas de color; es la variación en pasos más menos regulares que modifican la apariencia de un color. Horizonte: línea de horizonte, término que se usa regularmente en un paisaje donde se divide el formato en cielo y tierra. Imagen: es la representación de un objeto o cosa. Infinito: es la representación de la profundidad que se logra por la perspectiva. Integración: es la manera como de ordenan los elementos plásticos en una obra. Intensidad: se refiere a la pureza de un color. Línea: es la sucesión de puntos o el resultado de un punto que se mueve. Matiz: es la variante de oscuridad o claridad de un color. Mezcla Aditiva: es la mezcla que se da a nivel luz. Mezcla sustractiva: es la mezcla que se da en el color pigmento.

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Modelado: es fundir el material, sin dejar grandes huellas. Monocromático: un solo color y sus variaciones al mezclarlo con blanco o negro. Movimiento: puede ser real o sugerido. Medio: sustancia que sirve como adelgazante o diluyente en una técnica pictórica. Neutro: no se define claramente el color o tinte. Paleta de color: organización de colores que se utilizan. Pigmento: materia colorante de origen mineral, vegetal o animal que se utiliza como base misma del color. Posición: es la ubicación de las formas en el espacio plástico. Profundidad: es la sugerencia de espacio que se da en la obra por medio de formas, colores, etc. Proporción: es la relación de medidas de las partes a un todo. Punto: elemento plástico; es el elemento mínimo de expresión. Relieve: forma de escultura en la que no se observa la tridimensionalidad, es decir presenta medio bulto. Ritmo: movimiento virtual que se da por la alternancia de los elementos. Secuencia: es igual a insinuar el movimiento, es parte del ritmo. Textura: es la apariencia exterior de las cosas. Táctil: cuando se percibe por medio del tacto el material. Tiempo: es el que transcurre en la elaboración de las formas, en la representación de formas determinadas de tiempos determinados. Tinte: sinónimo de color. Ubicación: es el sitio o lugar donde se encuentran las formas; se da con relación a otras más. Unidad: es la buena relación entre los elementos que conforman la obra. Unidimensional: que tiene una sola dimensión.

Ligas externas

Para ampliar tus conocimientos puedes consultar la página de Internet: http://www.arteuniversal.com/

Ilustraciones

Fig. 1 – Flores de Conchas de Max Ernst. Historia Universal de la Pintura, Editorial Espasa Siglo XX1.2001. Pág. 955. Fig. 2.- El Torero Alucinógeno de Salvador Dalí. Dalí, Gilles Neret- Taschen.2002. Pág. 85. Fig. 3.- Guernica de Pablo Picasso. Historia Universal de la Pintura, Editorial Espasa Siglo XX1,2001. Pág. 1016. Fig. 4.- Esperando la entrada de Edgar Degas. La Historia del Arte, E. H. Gombrich, Editorial Phaidon, 2007. Pág. 527.

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Paul Gauguin Ia orana Maria(yo te saludo Maria)

ARTES PLÁSTICAS II

Unidad 2

Expresión y Manifestaciones

Plásticas (parte I)

Objetivos:

Aplicará algunos medios de las Artes

Plásticas, como son la Arquitectura y la

Pintura.

Análisis de los elementos formales de

una manifestación plástica.

Análisis de los elementos del arte

Moderno y su contexto general.

Competencias que desarrollarás al concluir el proceso de trabajo:

Podrás reconocer, describir, investigar y valorar la relación de una obra de arte, de un estilo y un artista plástico en un contexto histórico determinado y entenderás los aspectos políticos, económicos y geográficos que los constituyen de forma general .

Conocerás los aspectos técnicos y los procedimientos (instrumentos, materiales, etc.) de las disciplinas de Pintura y Arquitectura, y establecerás la aplicación de los elementos formales plásticos a estos nuevos conocimientos, así como las características propias de cada una de ellas a través del descubrimiento, el análisis, la experimentación, la selección y la personalización de sus componentes de una forma sencilla pero clara.

Conocerás la característica básica del arte Moderno, la ruptura con la mimesis, y también identificarás alguna de las vanguardias por medio de sus características y a alguno de sus exponentes

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Introducción

En esta unidad entenderás que una obra de arte, un estilo o un artista plástico surgen en un momento histórico social determinado, esto lo podrás descubrir, describir y reconocer apoyándote en la investigación y el análisis de las circunstancias que los rodearon, en los aspectos: social, económico, político, religioso, científico, etc. Al recordar tus conocimientos anteriores sobre las disciplinas plásticas (las que trabajaste en el semestre anterior, que fueron el dibujo, la escultura y la gráfica) conocerás más, en esta ocasión la pintura y la arquitectura vistas bajo la aplicación de los elementos plásticos. Experimentarás, analizarás y seleccionarás algunas de sus técnicas y materiales para así apropiarte del conocimiento y la forma de expresión de cada una de ellas, y finalmente crearás una obra personal, en la cual se van a reflejar los conocimientos que adquiriste.

Sesión 1

● Introducción a la Arquitectura. ● Características de la arquitectura. ● Elementos formales de las Artes Plásticas en la Arquitectura.

Fig. 2- Gaudi Parc Güell, Torres de la entrada principal.

Para saber bien de qué estamos hablando primero diremos que Arquitectura es el arte de proyectar (diseñar y construir edificios) y la finalidad de hacerlo es la de procurar un espacio al hombre para que lo proteja del exterior, es decir la función principal es proteger al hombre y sus pertenencias de los elementos naturales y artificiales que puedan dañarlo. Estos espacios pueden tener diferente función, es decir algunos son para vivir, otros para diversión, unos más para educación, etc.

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A lo largo de la historia hemos conocido cómo vivía el hombre a través de las construcciones que ha realizado, estas construcciones nos han permitido entrar en sus hogares, en sus palacios, en sus espacios de diversión etc. y por ellas nos damos cuenta de que el espacio geográfico es un aspecto muy importante, ya que por la región donde se hacían podemos reconocer materiales de lugares en específico. Otro aspecto muy importante es la manera de pensar de las sociedades en donde se hicieron, pues siempre se ponen en ellas signos o símbolos importantes para ellas. Nos damos cuenta después de leer todo lo anterior que la característica más importante de la arquitectura es la habitabilidad, unido a esto encontramos los elementos plásticos que utiliza este medio para la construcción. Estos elementos son: La forma vista como un volumen que se origina a partir de un punto, que al moverse en una dirección o crear una sucesion del mismo origina una línea, cuando ésta también se mueve en una dirección y se extiende crea un plano, éste tiene un largo y un ancho, es decir es bidimensional, cuando se combina con otros no importando que no sean iguales, se forma el volumen.

Este volumen es tridimensional, es decir tiene un largo, un ancho y un grosor, con estos 3 datos podemos dar una medida y tener diferentes tamaños de las formas, podemos organizarlas y ubicarlas en los espacios que queremos y a éstas las trabajamos usando la textura, se maneja, se aplica y se integra a la construcción. La textura puede ser lisa (se aparenta por medio del color o el material de construcción), rugosa, etc. A estos elementos se les aplica el color, este elemento plástico es también parte fundamental de la Arquitectura; se aplica en las construcciones utilizando diferentes gamas, matices, intensidades,

contrastes y formas de significación del color para que estos espacios sean más agradables a la vista.

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La sagrada familia. Interior de la fachada de la Natividad. Gaudi

De esta manera entendemos cómo los elementos plásticos están manejados y aplicados en cada construcción que se hace, y también nos damos cuenta que para hacer dichas construcciones; primero pensamos para qué las queremos hacer, es decir qué función van a tener: para vivir, para diversión o para estudiar. Sabiendo esto entonces diseñamos. Este momento es en el que nos apoyamos en otro medio plástico que es el dibujo, en sus características: plano y volumétrico, y ya hecho el dibujo, se construye. Con todo esto nos podemos dar cuenta de que la Arquitectura es un medio en el que se combinan la ciencia y el arte plástico. La ciencia es la que la ayuda a que esas construcciones estén bien hechas y calculadas en peso, tamaño, etc., para que no se caigan, duren y cumplan su función, y las artes plásticas para hacerlas agradables a los sentidos.

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Es muy importante que describas los elementos formales plásticos que observes en la imagen que seleccionaste y al final emitas una opinión respecto a esta obra.

Lectura titulada ¿Qué es una Pintura?

● Característica básica de la Pintura: la construcción cromática. ● Técnicas y materiales de la Pintura. ● Elementos formales de una manifestación plástica: composición, color, forma. ● Relación entre los elementos formales y su contenido en una obra plástica. ● Análisis de una obra plástica (nuevos elementos para realizar un análisis más completo).

Actividad en Clase

Análisis de un ejemplo arquitectónico Realiza un análisis de la imagen arquitectónica que te pidió tu asesor seleccionar la sesión anterior; trata de describir lo más apegado posible cómo es la construcción; si conoces al autor menciónalo, así como la fecha en que fue creada, etc.

● Autor ● Título ● Técnica ● Fecha ● Color. ● Forma. elementos conceptuales que integran la obra: punto,

línea, plano, elementos visuales manejados: forma, tamaño, textura.

Actividad en Casa

Diseño y construcción espacio arquitectónico con las características básicas trabajadas en clase. Ya que conozcas las características más importantes de la arquitectura realiza una construcción arquitectónica en donde se reflejen las mismas, es decir, diseño, construcción con la aplicación de los elementos plásticos (forma, color, texturas, etc.). Ésta deberá ser del tamaño máximo de 1/8 de papel cascarón de base, y una altura máxima de 15 cm. El material deberá ser reciclado; puedes usar cartón, plástico, tela, estambres, etc. Realiza el análisis correspondiente.

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Ejercicio de Autoevaluación

1.- ¿Qué es la Arquitectura? 2.- ¿Cuál es la característica más importante de la arquitectura? 3.- ¿Cuáles son los elementos formales de las Artes Plásticas que maneja la Arquitectura? 4.- ¿Qué reflejan las construcciones que ha realizado el hombre a lo largo de la Historia? 5.- ¿Qué medio plástico sirve de apoyo a la Arquitectura para su concepción? Ejercicio al final de la clase.

Productos para evaluar:

● Análisis acerca de la descripción de los aspectos trabajados a partir de un ejemplo

arquitectónico, y una época específica. ● Construcción de un espacio arquitectónico, con su análisis correspondiente. ● Ejercicio de autoevaluación.

Sesión 2

● ¿Qué es una Pintura? ● Característica básica de la Pintura: la construcción cromática. ● Técnicas y materiales de la Pintura. ● Elementos formales de una manifestación plástica: composición, color, forma. ● Relación entre los elementos formales y su contenido en una obra plástica. ● Análisis de una obra plástica (nuevos elementos para realizar un análisis más completo).

Introducción. Ya has conocido varias expresiones de las Artes Plásticas, en esta ocasión conocerás acerca de una más, la Pintura. En primer lugar para entender cómo se manifiesta necesitamos saber qué es una pintura, la respuesta es sencilla: una pintura es una capa de pigmentos que ponemos sobre una superficie en la que hacemos diferentes formas y ponemos también diferentes colores. En una pintura podemos ver las diferentes formas de expresión de los artistas que las hicieron; observamos en ellas las formas de vestir de la gente, las creencias que tenían, cómo se relacionaban, qué comían, etc. y esto es debido a que estos artistas vivían esas formas de pensar y de relacionarse. Gracias a esto hemos podido identificar las características de diferentes épocas de la historia. Al empezar a hacer una pintura el creador decide qué es lo que va a pintar; selecciona el tema que quiere representar. Después, por medio de la manera en que coloca las formas y los colores en la

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superficie, vuelve realidad lo que piensa. Para hacerlo también toma en cuenta otros elementos muy importantes: la textura, el tamaño, la manera en que se relacionan las figuras que van a estar presentes, etc. Como vemos el artista maneja los elementos formales plásticos, y por la manera de relacionarlos nos damos cuenta que tienen un contenido, es decir nos comunican algo en especifico. El elemento que caracteriza a la pintura es el manejo del color, la forma en que se aplica, la forma en que se combina, es decir la construcción cromática que se realiza. Para entender cómo se hace, tenemos que conocer la teoría del color, ya que ésta la podemos aplicar a todas las técnicas que conocemos, y a través de éstas, la forma cómo se comportan los pigmentos y sus mezclas. Sabemos que el color depende de la luz, que si no existiera no podríamos percibir ningún color, y también sabemos que cuando la luz blanca se descompone podemos observarlos, por ejemplo ¿te acuerdas qué sucede cuando llueve y sale el sol? Sale el arco iris, esto mismo demostró Issac Newton en lo que descubrió sobre que la luz solar contiene todos los colores (1666) y lo hizo cuando demostró cómo al llegar una luz blanca a un prisma aquélla se descompone y se observan todos los colores.

Fig.4 Descomposición luz blanca por medio de un prisma

Entonces vemos que los colores que forman el espectro solar son: rojo, naranja, amarillo, amarillo-

verdoso, índigo y violeta. A este tipo de mezcla la llamamos Mezcla Aditiva, lo que quiere decir es que

se suman los colores para dar el blanco.

En las Artes Plásticas utilizamos otro tipo de mezcla que se llama Mezcla Sustractiva, esto es,

restamos luz a cada color que combinamos (sin usar el color blanco). Para poder hacer esto usamos

los pigmentos, éstos son materiales que se utilizan para dar color; son de origen mineral, vegetal,

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animal, químico; se trabajan normalmente en polvo, al lograr esta textura se les agrega un material

que funciona como adhesivo que se aplica en las diferentes técnicas pictóricas.

Se manejan 3 colores primarios (se llaman básicos o primarios porque no se pueden obtener

mezclando otros colores) para poder hacer las mezclas, estos son Rojo, Azul y Amarillo. Al irlos

mezclando, vamos construyendo todo a una gama de color, de esta forma: cuando mezclamos 2 de

cada uno de ellos, obtenemos los colores que llamamos secundarios

● Azul + Rojo= Violeta

● Azul + Amarillo= Verde

● Rojo + Amarillo= Naranja

Al mezclar éstos entre si, obtenemos los llamados terciarios, cuaternarios, etc.

Después de saber cómo se hacen las mezclas, y cómo a partir de los colores primarios las

obtenemos, es importante analizar sus características básicas para así seguir construyendo una

cantidad mayor de colores.

Las características son:

1.- El valor.

2.- El matiz.

3.- El tono.

4.- La intensidad.

Comencemos por el primero.- El valor es el grado de oscuridad o claridad de un color, esto lo damos

cuando a un color le agregamos blanco o negro o su complementario. Ejemplo:

blanco + rojo + negro

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Mas valor Menos valor

Ahora seguiremos con el segundo El Matiz, este es la diferencia que se da al mezclar de forma

alternada los colores con diferentes cantidades. Ejemplo:

+ =Rojo-naranja

amarillo

rojo + + =Rojo violeta.

azul

El siguiente es El tono, este es las cualidades cromáticas o acromáticas de un color.

Rojo rojo violeta violeta

Y por último, la Intensidad de un color y se refiere al grado de saturación (pureza), es decir es un

color que no se inclina ni hacia el blanco, negro o complementario.

Verde con negro verde verde con blanco

puro

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Después de que conocimos estos aspectos ya sabemos que podemos construir gran cantidad de

colores. Ahora bien, cuando los usamos los combinamos con otros, así vemos otra parte muy

importante que es la de los contrastes.

Primero vamos a definir qué es un contraste para que quede más claro de qué estamos hablando.

Para poder ver una forma en nuestro campo visual deben existir diferencias, es decir se combinan

diferentes cualidades y así podemos detectar lo que queremos ver, por ejemplo:

Un tipo de contraste que podemos ver es el que llamamos simultáneo, este se da cuando un color se

yuxtapone a otro, la diferencia es más fuerte y podemos ver los 2.

Otro contraste se obtiene por temperatura, colores fríos y colores cálidos, así hay otros más. Puedes

encontrar mayor información en tu material de apoyo de Artes Plásticas 1.

Ya que conocimos sobre la teoría del color y su construcción cromática; es importante trabajar la

mezcla de los mismos y aprender a manejarlos.

Análisis de una obra Plástica (nuevos elementos para realizar un análisis más completo)

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Lo que veremos ahora son nuevos elementos que te servirán para hacer un análisis más amplio de

una obra plástica. Si recuerdas en sesiones anteriores comenzaste a hacer el análisis de la obra

plástica, y gracias a éste has entendido mejor cómo reconocer los aspectos que la conforman.

Estos son:

● Autor ● Título ● Técnica ● Fecha

● Forma.- Elementos conceptuales que integran la obra: punto, línea, plano, elementos visuales

manejados: forma, tamaño, textura.

● Descripción de la obra.- Es importante saber describir una obra plástica. Ésta la puedes

comenzar a hacer a partir de un punto que te llame la atención, y de ahí empieza a relacionar

todo lo que le rodea; trata de establecer una trayectoria en cómo vas haciéndolo. El aprender

a describir una obra te ayuda a observar de manera más profunda y efectiva.

Las preguntas que puedes hacer para que te ayuden a la descripción son:

● Tema.- Es decir ¿sobre qué trata la obra?, ¿se trata de un paisaje urbano o rural? Si es una

escena ¿qué tipo de escena? Si es un retrato ¿de quién es o de qué es: personas, animales o

cosas?

● Si es una representación figurativa o abstracta, explica porqué.

● En cuanto a la Estética, en qué categoría la puedes ubicar: dramática, trágica, alegre, fea,

graciosa, etc. ¿Por qué?

● ¿Qué es lo que te llama la atención en la obra? Si es una persona, animal o cosa.

● Describe cómo está colocada, cuál es su postura, la posición de las manos, de las piernas,

etc., qué lugar ocupa en el espacio general de la obra y qué relación tiene con los otros

elementos, qué esta haciendo, cómo esta vestida, qué colores maneja, cuál es su estado de

ánimo, si es joven o vieja, gorda o flaca, etc. Este tipo de descripción también se aplica si es

un animal o un objeto.

● Trata de mencionar qué tipo de textura tiene, cómo están iluminados, de donde llega la luz, si

es fuerte o débil, si hay sombras hacia donde se proyectan, si la luz es natural o artificial, si

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representan algo especial esos elementos qué es lo que te transmiten, qué crees que

expresan.

● Describe los colores por su mezcla: primarios, secundarios, cálidos, fríos, complementarios,

qué contraste observas, si es muy fuerte o suave.

● Para seguir la trayectoria de descripción ubica los elementos desde el punto de vista de que lo

estás viendo (como si tú hubieras hecho la obra) si las formas las ves de frente, de lado, por

arriba o por abajo, si las ves alejados del espectador o cerca. En el mismo orden continúa

describiendo qué está delante, qué está detrás del objeto u objetos, personas o animales, que

ya describiste. Trata de no emitir suposiciones o ideas que no tengan fundamento.

● Este tipo de descripción la harás también de la obra abstracta, de las formas con que se

realizó, de los colores, las luces, las sombras, los reflejos, las perspectivas, etc.

● En cuanto al análisis formal de la obra, es decir el análisis de los elementos formales plásticos

contenidos en la obra tratarás de ubicarlos dentro de ella, esto es, si encuentras puntos,

describe en dónde están, qué representan, cómo los hicieron respecto a la línea, si ésta es

gruesa, delgada, regular o irregular. Si hay planos analiza si son geométricos, irregulares,

grandes, pequeños. Analiza si el volumen se insinúa o si es de diferentes tamaños: grandes,

pequeños, si se ve por medio de la luz y la sombra, si su color es plano. Si hay texturas

observa si son aparentes, táctiles, rugosas, lisas. Con relación al manejo del color fíjate si se

utilizan los primarios, los secundarios, los complementarios, si son transparentes, opacos, etc.

También menciona qué tipo de formas se manejan en la obra, si son orgánicas, geométricas,

mixtas, si son formas reales o irreales.

● Para completar el análisis compositivo de la obra mencionarás unos elementos más, para esto

puedes ocupar un papel transparente que colocarás sobre la imagen de la obra que vas a

analizar. En este papel trazarás un diagrama de líneas, aquí se te pone un ejemplo, pero

puedes emplear otro que te funcione para identificar lo que se te pide.

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Cuando tienes un diagrama de este tipo puedes mencionar de una manera más sencilla en dónde

están los elementos de mayor atención. Normalmente el peso visual está colocado en esta parte,

aunque a veces hay excepciones; puede haber más espacios que contengan un peso visual

importante. También observarás si es simétrica la composición o asimétrica, si hay ritmos y dónde

están. En conclusión, al realizar un análisis de este tipo puedes emitir un juicio en cuanto a la

estructura de una obra y gracias también al mismo entiendes los aspectos que se deben tomar en

cuenta, los aspectos Históricos, porque al conocer los modos de expresión, las maneras de vestirse,

de relacionar las formas conocemos las diferentes culturas, los Formales Plásticos, porque así

sabemos si la obra esta bien construida, la Práctica, porque de mediante ella entendemos si el autor

conoce la técnica, sus materiales, sus formas de expresión, y también su Manera de Pensar, su

filosofía, sus simbologías, etc.

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Actividad en Clase

Ejercicio práctico. Sin despegar el lápiz del papel haz un trazo lineal,

sólo deberás doblar en línea recta, es decir sólo trazarás líneas

verticales y horizontales. Hecho esto seleccionarás una gama de color

y le pondrás color en los espacios resultantes. Ya terminado lo anterior

realizarás un análisis en donde describas el tipo de mezcla que

utilizaste, porqué seleccionaste la misma y tu opinión personal

respecto al resultado.

HISTORIA

DEL

ARTE

ELEMENTOS

CONCEPTUALES

DE LA

FORMA

ELEMENTOS

VISUALES

BASICOS

DE LA

FORMA

ELEMENTOS

BÁSICOS

DE LA

COMPOSICION

AUTOR

ESTILO

ÉPOCA

MODOS DE

PENSAR

SÍMBOLOS

ETC.

FORMA

TAMAÑO

TEXTURA

VOLUMEN

PESO VISUAL

SIMETRÍA

RITMO

PROPORCIÓN

FORMAS FIGURATIVAS Y FORMAS ABSTRACTAS

TECNICAS Y MATERIALES DE LOS DIFERENTES MEDIOS PLÁSTICOS

PUNTO

LÍNEA

PLANO

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Ejercicio de Autoevaluación

1.- ¿Qué es una pintura?

2.- ¿Cuál es la característica de la pintura?

3.- ¿Qué tipo de mezcla se utiliza en las Artes Plásticas?

4.- ¿Por qué es importante conocer la teoría del color?

5.- ¿Por qué se llaman colores primarios o básicos?

6.- ¿Cuáles son las características del color? Menciónalas brevemente.

7.- ¿Qué es el contraste y para que nos sirve?

8.- Menciona por lo menos 1 tipo de contraste.

Actividad en Casa

1.-Realiza 3 ejercicios prácticos utilizando 3 tipos de contraste, y diferentes

técnicas, por ejemplo con crayolas, lápices de colores, acuarela, etc.

2.- Realiza los análisis correspondientes a cada uno de los ejercicios bajo

la estructura realizada en la clase.

3.- Lectura sobre Técnicas y Materiales de la Pintura

● Introducción al Arte Moderno (breve análisis, antecedentes,

precursores, características principales, ruptura de la mimesis) 1.-

Ejercicio práctico. Sin despegar el lápiz del papel haz un trazo lineal,

sólo deberás doblar en línea recta, es decir sólo trazarás líneas

verticales y horizontales. Hecho esto seleccionarás una gama de

color y le pondrás color en los espacios resultantes. Ya terminado lo

anterior realizarás un análisis en donde describas el tipo de mezcla

que utilizaste, porqué seleccionaste la misma y tu opinión personal

respecto al resultado.

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9.- ¿Cuáles son los elementos que tomamos en cuenta para poder realizar un análisis?

10.- ¿Por qué es importante saber realizar el análisis de una obra plástica?

Productos para evaluar:

1.- Ejercicio práctico de la clase y análisis del mismo.

2.- Actividades de casa.

3.- Ejercicio de autoevaluación.

Sesión 3

● Técnicas y materiales de la Pintura ● Introducción al Arte Moderno (breve análisis, antecedentes, precursores, características

principales, ruptura de la mimesis) Introducción

Desde el semestre anterior conocimos algunos medios de las Artes Plásticas; entendimos que cada una de ellos tiene diferentes técnicas y materiales que sirven para poder expresarnos. Por ejemplo, en el Dibujo, si recuerdas, algunas de sus técnicas eran el lápiz, el carboncillo, el pastel, la tinta. en cuanto a sus materiales, el papel, la goma, etc. En la Escultura sus técnicas son, el modelado, el vaciado, la talla, la construcción, y materiales como el barro, la plastilina, la madera, el metal, etc. En el Grabado, la xilografía, el huecograbado, materiales como linóleo, madera, tinta, rodillos, ácidos, etc. Y ya que conocimos y aprendimos diferentes aspectos sobre la pintura, su construcción cromática, etc., es importante conocer técnicas y materiales propios de ella para así tener la visión total de los elementos que la conforman. Después de trabajar estos aspectos comenzaremos a conocer una nueva época de la Historia del Arte llamada Arte Moderno; conoceremos sus antecedentes, características, precursores técnicas y materiales. Hablaremos primero de las técnicas de la Pintura. Para hacerlo más fácil, las dividiremos en 2 grupos:

Técnicas secas. Técnicas húmedas.

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Las Técnicas secas.

En ellas se utilizan los materiales del dibujo. Son materiales en los que el pigmento que se utiliza está en un medio seco. Por ejemplo: El Lápiz de Color.- Esta técnica nos permite manejar el dibujo y aplicar el color sobre las áreas seleccionadas. El color puede ser manejado formando manchas, transparencias; se pueden manejar texturas de diversos tipos; podemos hacer mezclas sobreponiendo los colores, etc.

Fig. 5.-Chico sentado

El Pastel.- Los pigmentos que se usan se compactan formando barritas redondas o cuadradas, y el aglutinante con que están preparadas es muy poco. Este pigmento es brillante y puro, se le llama así porque el color blanco está presente en los tonos en poca proporción.

Fig. 6.- Degas, Mujer sentada después del baño

Los Crayones de cera.- Se obtienen de la mezcla de cera con aglutinantes específicos, y se manejan en forma de barras cilíndricas, éstas pueden trabajarse formando líneas delgadas o bloques de color; se pueden fundir calentándolas para lograr cubrir por medio de manchas, escurridos; se pueden obtener también muchos tipos de texturas.

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Fig. 7. composición crayolas de cera

Las Técnicas húmedas.

Son las técnicas en las que el pigmento que se utiliza está en un medio húmedo Acuarela.- Se trabaja con pigmentos muy molidos y con poca capacidad de cobertura, es decir no son opacos, sino más bien transparentes. Los pigmentos se mezclan con aglutinantes de goma arábiga, glicerina y miel, y se disuelven por medio del agua.

Fig. 8. - Baya Silvestre Paul Klee, acuarela

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Temple.- Se trabaja también con pigmentos molidos, su aglutinante permite que el agua actúe como diluyente; se trabaja por medio de transparencias y se puede trabajar sobre la superficie escogida seca o húmeda. Temple de huevo.- Es una emulsión de yema de huevo al que se le agrega agua y aceite de linaza, que se combina con los pigmentos; es de las técnicas más antiguas que se han usado.

Fig. 9.- Lluis F. Ortega de Uhler, temple de huevo.

Acrílico.- Es una mezcla acuosa de un plástico; tiene un color blanco lechoso, y es de larga duración y resistencia; utiliza pigmentos molidos. No debe tener grasa ya que no lo acepta, lo que si utiliza como diluyente es el agua.

Fig. 10.- Sin Titulo, James Rossenquist acrílico

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Óleo.- El óleo es de las técnicas más antiguas; utiliza pigmentos que están disueltos en aceite y otro tipo de resinas, por lo que no acepta el agua; es el medio que tiene menos diferencias entre estar fresco o seco, debido a que el color no cambia al secar; permite varias maneras de trabajarlo, puede ser desde la aplicación directa de la pintura, al trabajo por capas. Esta técnica tiende a amarillear con el paso del tiempo debido al proceso de oxidación de sus aglutinantes.

Fig. 11.-Bodegón, óleo/tela, Paul Cezanne.

Gouache.- Es una técnica en donde los pigmentos son más cubrientes que la misma acuarela, por lo tanto son opacos.

Fig. 12.- El grano divino, gouache/papel amate. Cesar Vila.

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Es importante mencionar que todos los pigmentos que se utilizan en las diferentes técnicas son los mismos, pero en diferentes concentraciones y con diferentes aglutinantes (adhesivos). Respecto a los materiales podemos decir lo siguiente: en las técnicas secas lo que se utiliza son papeles de diferentes tipos, hechos a mano o hechos a máquina, con diferentes texturas. En cuanto a las técnicas que podemos llamar húmedas utilizamos diferentes tipos de telas, cartones preparados, pinceles, brochas, espátulas, etc.

Fig. 13.- materiales pintura. Es importante mencionar que estas técnicas no son las únicas, pero de alguna manera son las más utilizadas, y es importante también saber que puedes trabajarlas de forma combinada, es decir una técnica mixta. Lo importante para poder hacerlo es que el diluyente sea el mismo, pues no podrías combinar el óleo con el acrílico, ya que el óleo utiliza aceite para disolverse, y el acrílico utiliza agua (recuerda que el óleo en su constitución se compone de elementos grasos y el acrílico de elementos no grasos); puedes combinar por ejemplo acrílico con acuarela, acuarela con gouache, etc. Ahora bien, ya que conoces los medios plásticos podemos seguir adelante con la Introducción al

Arte Moderno, en donde haremos un breve análisis de sus antecedentes, sus precursores, sus características principales (ruptura de la mimesis). La relación que el hombre puede tener con el mundo se da por medio de muchas preguntas y respuestas, todas éstas se hacen a través de la práctica y del conocimiento. Cuando analizamos todas nos damos cuenta que a lo largo de la historia estas preguntas y respuestas siempre se han planteado como resultado de momentos muy específicos, en donde la manera de vivir dependía de cómo se relacionara el ser humano con su entorno, con su forma de pensar (filosofía), su política, su economía y sus manifestaciones culturales. Por estas razones podemos darnos cuenta que sus expresiones artísticas tienen su representación en la cultura en donde se produjeron. Y para que podamos entender de forma más clara las situaciones que llevaron a la nueva forma de expresión del

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Arte Moderno tenemos que irnos hacia atrás en el tiempo para conocer las circunstancias que hacen que se dé este cambio de expresión artística. A partir del Renacimiento -época en que se forma la idea del ser individual- el artista ya se reconoce como tal, se le aprecia como una persona más culta, que dependía de un mecenas (Recuerda que en la Edad Media el artista era llamado artesano; estaba al servicio de las comunidades religiosas, principalmente de la aristocracia. Los artesanos estaban organizados en gremios). Poco a poco se va dando mayor libertad individual, lo que con el tiempo hace que el arte se vuelva producto de un grupo intelectual, esto tuvo como resultado que gran parte de la gente se mantuviera al margen del mismo. El clímax en esta separación se da en la época del Romanticismo, movimiento cultural que surge en Francia en el Salon de 1827, Este estilo resulta del enfrentamiento con los clásicos. Ésta es una época de muchos conflictos bélicos que repercuten en todos los aspectos: social, económico, cultural. Por ejemplo la Restauración Borbónica en 1830, la sublevación de la Comuna de Paris en 1871, la Alemania dividida desde la Edad Media, que busca conseguir su propia identidad, España con grandes problemas políticos y sociales por la muerte de Fernando VII. Con toda esta manera de pensar se trata de buscar otra forma de ver la naturaleza; rechaza todo lo anterior y busca una nueva forma de vivir. Con todo esto la sociedad francesa trata de ir hacia adelante apoyándose en la Literatura y el Arte; se crean formas de concepción estética debido también a los descubrimientos científicos que estaban surgiendo, lo que hace que la razón se imponga sobre las ideas románticas que imperaban. Ahora se trata de copiar a la naturaleza de la forma más fiel que sea posible. En Francia surgen los movimientos plásticos; se conservan las ideas de la Tercera. República, que Napoleón III no acepta. Él está a favor de la corriente que apoya los conceptos formales clásicos. Debido a esto surgen más reacciones de carácter individual en contra de este tipo de actitud, también con la idea positivista que se manejaba en esa época.

Fig. 14.-Claude Monet, La catedral de Rouan

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Impresionismo

Las circunstancias sociales que dan origen al impresionismo son: La severa estructura social que se tenía en Francia en el segundo Imperio, ésta sometía a la pintura a un conjunto de reglas que eran totalmente tradicionales y muy estrictas; se basaban en el academicismo; se manejaban desde el siglo XVIII, planteado por Ingres. Se le daba preferencia a la pintura de carácter histórico, de batallas alegóricas y anecdóticas, pues ésta era la forma de representación preferida por la burguesía. Les significaba la garantía de tener una nación estable, por lo que se mantenía esta concepción conservadora. Desde mediados del siglo había un sentido próspero financiero e industrial, hasta que en el año de 1870 Francia es derrotada y el segundo Imperio se derrumba, a esto le sigue el levantamiento de la comuna de París. Se sigue con la idea de que el arte y sus manifestaciones sólo pertenecían a una minoría selecta en contra de una mayoría que tenia el mínimo de cultura. Por estas causas se da la separación entre las producciones artísticas que eran de más fácil aceptación (tradicionales y conservadoras) y las que manifestaban los artistas con afán de progreso y de nuevos planteamientos estéticos. Más tarde surge el Realismo que era muy aceptado en la vida cotidiana, ya cuestionaba algunas cosas respecto a la manera de representación. Sin embargo, se seguía trabajando en el taller aplicando las formas tradicionales sobre el manejo de luz y sombra. Este grupo de pintores que se reunía semanalmente en el café Gerbois discutía los aspectos plásticos. Ellos planteaban que se debía intentar captar otros aspectos de la naturaleza que normalmente no se percibían. De esta forma dirigieron su trabajo para tratar de encontrar nuevas formas de manejar la técnica y cómo ver el mundo exterior. Los pintores realistas rehusaron trabajar los temas que se consideraban tradicionales, como son lo religioso, lo clásico y también los que manejaban los románticos. Lo primero que hicieron fue salirse del taller para trabajar al aire libre, como consecuencia ya no usaron la pintura oscura; dejaron de usar el color negro para dar las sombras, como se hacia anteriormente, decían que las sombras en la naturaleza son transparentes y con reflejos. Así también decían que las formas y los colores de las cosas no son siempre iguales, sino que cambian según les llega la luz. Esto nos permite darnos cuenta de que la luz es el factor más importante que podían tener en un cuadro, a diferencia del Renacimiento en donde lo que representaban era tal cual lo veían, algunos pintores de esta época son Honore Dumier, Gustave Coubert, etc. En el Impresionismo se contemplan cambios en la apariencia provocados precisamente por la luz. Ellos trabajaban por medio de pinceladas que se yuxtaponían mediante tonos puros y en donde el negro se utilizaba lo mínimo o no se usaba. Poco antes de esta época, en 1839, el químico Chevreul realizó estudios referentes al color, en ellos habla acerca de la ley simultánea del contraste de los colores y la armonía que tienen los objetos coloreados. En 1864 estos estudios sirvieron para llevar a la industria la producción del color; se realizó a partir de círculos cromáticos realizados por el mismo Chevreul. Todas estas investigaciones fueron utilizadas por el grupo de realistas. También utilizaron, en beneficio de su trabajo, la fotografía, por medio de la cual podían hacer estudios más exhaustivos relativos al aspecto que querían trabajar. Otro avance en la industria

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aprovechado por ellos fue la invención del tubo de color y la producción de telas ya listas para trabajar, las que se podían adquirir fácilmente. Otros aspectos que los ayudaron fueron la popularidad que logró el ferrocarril y el automóvil, pues por medio de éstos se podían transportar más rápido y fácil en comparación a las épocas anteriores, y finalmente se abrieron más espacios en donde podían exponer o contemplar obras, como museos y galerías. Posteriormente los impresionistas, gracias a todos los adelantos científicos, tecnológicos y culturales, pudieron conocer mayor cantidad de obras de diversos artistas, inclusive obra del lejano Oriente, especialmente de Japón, país que tuvo gran influencia en su trabajo. El único aspecto que los impresionistas no tomaron en cuenta fue el manejar un contenido de tipo social en su obra. Su movimiento fue básicamente técnico y de representación, es decir ellos tomaron como punto de partida las nuevas teorías científicas sobre la óptica y no los aspectos culturales que se estaban manifestando. Este grupo estuvo integrado por varios artistas plásticos, los que comenzaron fueron Claude Monet, Paul Cezanne y su amigo Emil Zola, más adelante se les unieron Alfred Sisley, Georges Seurat, Auguste Renoir, Camille Pizarro, Edgard Degas, y al final Edouard Monet, este último se consideró muy importante para el grupo. El nombre de impresionistas se los dio un crítico llamado Louis Leroy cuando en 1874 asistió a una exposición en donde encontró un cuadro de Monet titulado “Impression, soleil levant”, por el título y la sensación que le provocó les puso ese nombre. Al principio no les

agradó, pero con el tiempo se les reconoció con él. Este grupo o cualquier tipo de manifestación que no estuviera construida dentro de lo tradicional no era aceptado por los críticos de arte ni por la sociedad en general, esto se manifestaba claramente cuando en los concursos de Arte que se llevaban a cabo -sobre todo en la época del segundo imperio- se rechazaba un gran número de obras. Esta situación llegó a lo máximo en 1863, y debido a las manifestaciones de disgusto por la situación Napoleón III dispuso bajo la responsabilidad de los mismos artistas rechazados la creación de un espacio nuevo al que se le llamó Salón de los Rechazados, en el que participó Monet. Con el tiempo se unieron nuevos integrantes y se separaron otros, entre estos últimos los artistas Seurat y Signac, quienes continuaron trabajando a partir de las teorías científicas de la visión cromática, las llevaron al extremo. En sus obras utilizaron el color puro sin mezclar, la ley del contraste simultáneo que desarrolló Chevreul, y sobre los tonos, crearon con esto El Puntillismo o Divisionismo.

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Fig. 15.- Georges Seurat El puente de Courbevoie.

Otros artistas que se separan son Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, que por sus propuestas plasticas y aportaciones son considerados como los pilares del Arte Moderno.

Fig. 16.- Fotografía Paul Cezanne caminando para pintar al aire libre

A partir del Impresionismo comenzaron una gran cantidad de cosas que determinaron las diferentes maneras de expresión de la pintura. Cezanne, que fue integrante del grupo de los impresionistas, al separarse siguió trabajando y desarrollando sus teorías acerca de la manera de ver la forma, esto lo logró a través de mucho esfuerzo debido a que no era fácil para él la estructura compositiva de la obra. Al paso del tiempo planteó, entre otras cosas, que para él su trabajo era básicamente una

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creación mental, es decir captar la realidad en su forma más estable -diferente a lo bosquejado por los impresionistas-. Su trabajo consistió en representar a los objetos y a las personas en una interpretación geométrica; pensaba que todo en la naturaleza se podía llevar hacia la geometría; rompió con el concepto tradicional de perspectiva. La manera en que aplicó el color fue a través de pinceladas finas, con colores puros y estructuras sólidas. La composición que manejaba fue la de tener varios puntos de vista sobre el mismo objeto, planteamiento que a la larga dio origen a otro movimiento plástico llamado Cubismo. A través de la obra de Cezanne se observó la nueva preocupación que sobre la forma se dio: la de modelarla mediante el color. Otro aspecto es que cuando se traza con las formas de la naturaleza se debe trabajar a partir de cilindros, esferas y

conos.

Fig. 17.-Autorretrato con sombrero gris Van Gogh.

En la época en que Cezanne trabajaba en la Provincia de Aix, Seurat lo hacía en Paris. Asimismo otro artista de origen holandés llamado Vincent Van Gogh dejó París para irse por el territorio francés, desarrollando su obra sobre la intensidad de la luz y los colores. La vida de Van Gogh estuvo marcada por situaciones especiales. Por un tiempo fue un hombre muy religioso; predicaba en Inglaterra, y con los mineros belgas decidió pintar después de que conoce la obra de un pintor llamado Milllet, y el mensaje social que encontró en su obra. Van Gogh tenía un hermano llamado Theo, quien lo puso en contacto con pintores que conoce por su trabajo en una tienda de arte, además de que siempre lo apoyó económicamente y en el aspecto personal. Sabemos lo que Van Gogh vivió y algo de lo que sintió gracias a una serie de cartas que escribió a su hermano durante su vida. En esas cartas le cuenta su sufrimiento, sus anhelos, sus ideas. Él conoció pintores como Gauguin, Toulousse Lautrec, etc., con quienes llevaba una relación de camaradería, compartiendo sus propuestas plásticas. En el año de 1889 sufrió un ataque de locura, y al año siguiente se internó en un asilo para enfermos mentales. Sin embargo, en sus tiempos de lucidez pintó lo más que pudo. Se suicidó en 1891, cuando contaba con 37 años de edad.

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Van Gogh en su obra refleja la influencia japonesa por medio del color, y por los efectos que representan vigor. Él quería que su obra llegara a toda la gente y no sólo a un grupo en especial (coleccionistas). A partir del Impresionismo, del Puntillismo y del manejo del color puro usó el pincel, aplicando pinceladas separadas para que pudieran expresar su propio movimiento. Van Gogh, en las cartas que le escribió a Theo, le cuenta lo que le estimula a pintar; toma como comparación la escritura, es decir quiere expresar a través del color lo que se puede decir por medio de las palabras escritas; expresar sus sentimientos, su estado de ánimo. Eso es algo que nunca antes los pintores habían planteado de forma tan clara. A él le gustaba pintar espacios amplios, en donde la acción pudiera ser mayor para representarse mediante la carga de su pincel y el color, para lograr más expresión en lo que trabajaba. Trataba los elementos naturales que normalmente no habían tenido el reconocimiento como elementos importantes dentro de la composición por su capacidad expresiva, tales como: campos de sembradío, ramas torcidas, etc. También intentó representar al sol. Observamos que Van Gogh, trata de expresar a través de la forma y los colores lo que sentía

hacia ellos. No se permite imitar a la naturaleza, sino expresar a través de ella.

Fig. 18.- Autorretrato Paul Gauguin junto al cristo amarillo

Otro artista considerado de los pilares del Arte Moderno es Paul Gauguin (1848-1903) conocido de Van Gogh. Se inició en la pintura a edad avanzada. Primero trabajó en la Bolsa de Valores, lo que le permitió llevar una vida cómoda. Pudo comprar obra de diferentes artistas, pues era coleccionista. A través de esta actividad conoció a los integrantes del grupo impresionista, empezando por Pizarro, quien se convirtió en su buen amigo. Comenzó su pintura de forma autodidacta. Gaguin conoció a los hermanos Van Gogh. En una ocasión Theo le pidió que estuviese un tiempo con Vincent, a lo cual accedió, y este episodio culminó cuando tuvieron una pelea entre ellos, suceso que ocurrió cuando Vincent se cortó la oreja. A raíz de esto Gauguin se fue a París, lugar en el que siguió trabajando hasta que más tarde, por sus ideas, se va a Tahití. Ahí trató de llevar una vida más sencilla, dado que para él la civilización estaba volviendo al arte muy superficial. Esta idea de sencillez y de acercarse a los preceptos básicos de la vida la habían tratado de obtener otros artistas, pero no habían logrado integrar los aspectos que Gauguin alcanzó: la simplicidad en

la forma y la expresividad en la totalidad de la obra. Trabajó con grandes manchas de color. El color era parte importante de la composición como medio de expresión; delimitó los contornos por

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medio de la línea. Gauguin no se preocupaba por representar las formas de la naturaleza, sino su concepción espiritual, mística. Después de trabajar un tiempo en las islas tahitianas regresó a París, pero su obra lejos de ser aceptada fue duramente criticada. Regresó a Tahití, en donde trabajó hasta su muerte. Ya conocido todo lo anterior nos damos cuenta de que lo que lleva a que se creen nuevas manifestaciones plásticas son estas novedosas maneras de representación, que impulsan tanto los impresionistas como los simbolistas, y por sobre todo estos tres pilares del arte: Cezanne, que le da un nuevo sentido de orden y equilibrio a la composición plástica, y que con el tiempo desemboca en la creación de un istmo muy importante que es el Cubismo, del cual hablaremos más adelante. Vincent Van Gogh, que hace la ruptura con la mimesis, es decir con la representación tradicional de las cosas, y que al mencionar que había que dejar salir los sentimientos y la pasión del artista nos conduce a otro istmo que es el Expresionismo, que se estudiará mas adelante; y finalmente Gauguin, que le da un sentido de sencillez a la estructura de la obra, así como la idea de regresar a lo primitivo, al origen de las cosas, a lo espiritual. Él también nos lleva a otro istmo importante llamado Simbolismo, este movimiento surge de forma paralela al Impresionismo, y se da asimismo como reacción al Realismo. El sentido del Simbolismo es de carácter literario, filosófico y artístico. La idea que tenían los artistas de ese movimiento era la de transmitir algún mensaje por medio de su obra acerca de los misterios que rodean al hombre. Los simbolistas publicaron un manifiesto en el año de 1886, en el que asientan sus propuestas de trabajo. Ellos buscan expresar lo espiritual a través del color; usaban al mundo exterior como tema para manifestar los sentimientos; utilizaban tonos planos y también tenían influencia japonesa. Este movimiento se da en París, al mismo tiempo que el llamado Modernismo o Arts Nouveau. Estos dos son similares, pero al mismo tiempo tienen diferencias muy fuertes.

Simbolismo Modernismo

Arte Nouveau en Francia, Jugendstil en Alemania,

Sezession en Austria Modern Style en Gran Bretaña

Es un movimiento puramente pictórico.

Tiene un sentido de trascendencia.

Usa líneas sinuosas y tonos planos.

Tiene influencia de la estampa japonesa.

El artista se evade de la realidad.

No es estilo pictórico; quiere englobar todas las

manifestaciones plásticas subordinadas a la

Arquitectura.

Tiene función decorativa.

Usa líneas sinuosas y tonos planos.

Tiene influencia de la estampa japonesa.

Arte al servicio de la sociedad.

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Actividad en Clase

1.- Realiza una composición pictórica, en la cual trataras de expresar tus sentimientos utilizando la técnica que quieras pero que nos recuerde ya sea la manera de trabajar Impresionista, Puntillista, la propuesta de Cezanne, Van Gogh o Gauguin. 2.- Realiza el análisis correspondiente a la composición creada. .

Ejercicio de Autoevaluación

1.-En la pintura se manejan diferentes técnicas, para hacer mas fácil su comprensión las dividimos en dos ¿cuáles son? 2.- ¿Cuál es la característica de las técnicas que llamamos secas? Explica por lo menos una de ellas. 3.- ¿Cuál es la característica de las técnicas húmedas? Explica por los menos una de ellas. 4.- ¿Qué materiales utilizamos en la pintura? 5.-¿Qué aspectos políticos, sociales y culturales originan el cambio en la concepción del arte plástico? 6.- ¿Qué es el Impresionismo y cuáles son los aspectos tecnológicos, científicos y culturales que ayudan a su desarrollo? 7.- ¿Cuál es su propuesta técnica y cómo trabajaban? 8.- Menciona por lo menos tres exponentes de este grupo. 9.- ¿Qué es el Puntillismo? Menciona por lo menos un exponente del mismo.

Actividad en Casa

1.- Lectura sobre el Análisis de las vanguardias del arte moderno. Ruptura del tratamiento formal y técnico. Características generales: Fauvismo Cubismo Expresionismo Abstraccionismo Dadaísmo Suprematismo Constructivismo Neoplasticismo Bauhaus Surrealismo Abstracción Geométrica

2.- Escribe una pequeña reseña sobre la lectura; anota tus dudas

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10.- ¿Quiénes son los artistas considerados los pilares del Arte Moderno? 11.- Menciona un aspecto que aporta Cezanne a la práctica pictórica. 12.- Van Gogh rompe con la mimesis debido a lo que manifiesta a través de lo que escribe y lo que pinta, explica qué es. 13.- ¿Qué aporta Gauguin a la pintura? 14.- ¿Qué es el Simbolismo? 15.- ¿Qué es el Modernismo?.

Productos para evaluar:

1.- Actividad de clase. 2.- Actividad de casa. 3.- Ejercicio de autoevaluación. Recuerda que todos los productos a evaluar deberán estar contenidos en tu portafolio de trabajo.

Sesión 4

Análisis de las vanguardias del arte moderno.

● Ruptura del tratamiento formal y técnico. ● Características y aplicación de algunas de las vanguardias del siglo XX. Características Generales: ● Fauvismo ● Cubismo ● Expresionismo ● Abstraccionismo ● Dadaísmo ● Suprematismo ● Constructivismo ● Neoplasticismo ● Bauhaus ● Surrealismo ● Abstracción Geométrica

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Introducción.

Ya vimos los aspectos que se desarrollan a finales del siglo XIX en lo político, en lo cultural, etc., por lo tanto notamos que el desarrollo de las manifestaciones plásticas va de acuerdo al momento histórico-social, dentro del cual están inmersas. También conocimos cómo surgen las diferentes formas de expresión. Como consecuencia de todos estos aspectos los artistas toman mayor conciencia de su situación y comienzan a conocer y a estudiar los aspectos técnicos y las concepciones que las originan, así como para qué manejarlas. Todo ello da como resultado la creación de muchas formas de expresión. Un gran incentivo que se tuvo fue el buscar al arte primitivo, sus concepciones, sus formas de expresión. Este interés se mantuvo durante las dos primeras décadas del siglo XX. Como consecuencia florecieron varios movimientos muy importantes, como veremos a continuación.

Fig. 19.- Edvard Munch.- El grito

El movimiento Expresionista inició en 1905, en Alemania (recordemos que tuvo su antecedente en los postulados de Van Gogh). Un pintor que trabajó este tipo de expresión y que se vuelve un representante del mismo es Edvard Munch -aunque la obra más representativa que elaboró fue antes de que se estructurara el grupo como tal-. Recordemos que Van Gogh, sobre todo, y otros pintores como Munch, Nolde, Toulousse Lautrec manifiestan en su obra los principios que dan origen a la poética del grupo expresionista. Este grupo llamado El Puente se organizó en la ciudad de Dresde. Lo conformaron primero algunos artistas que se reunían y planteaban su base ideológica, ellos eran Kirchner, Heckel , después se unieron Nolde y Pechstein. Su ideología se fundamentaba en aprovechar la espontaneidad que vieron y aplicaron los Fauvistas en su obra: destruir todas las

reglas viejas, así como todos los cánones, y obedecer las emociones del propio ser. Ellos creían que el arte debía representar un impulso de sensibilidad que no se rigiera por reglas preconcebidas, sino que se fueran estableciendo conforme se trabajaba como resultado de la personalidad del creador de la obra. Les interesaba representar su verdad de carácter individualista. Les importa más el contenido de la obra que su estructura formal.

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Fig. 20.-Erich Heckel, Pechstein dormido

Hasta este momento, si te das cuenta, los movimientos que van surgiendo se conocen en varios países de Europa: Francia, Rusia, Alemania, España, etc., y tienen algunos exponentes fuera de su lugar de origen. También has observado que la mayoría de los artistas se conocían aunque vivieran en diferente lugar. Algunos eran amigos, otros sólo colegas, y hubo algunos que no se llevaban bien. Has comprendido que todo esto que sucede tiene razones muy bien fundamentadas debido a las situaciones política, económica y social por las que muchos de esos países atravesaban.

Fig. 21.- Henri Matisse, La orilla.

En el mismo año 1905, en Francia, se formó otro grupo que fue conocido como los Fauvistas. Ellos pintaban con color puro, debido a esa técnica recibieron muchas críticas. El nombre les fue dado por un crítico de arte, amigo de Henry Matisse –quien perteneció al grupo- cuando asistió a una exposición. Al ver los cuadros, y por la comparación con una escultura de tipo renacentista, exclamó “Donatello en medio de las fieras”, (la palabra fieras se dice en francés fauves, por lo que sus

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derivados son Fauvistas, fauvismo) desde ese momento se les conoció con ese sobrenombre. Los planteamientos que los originan son los de los movimientos estudiados anteriormente, junto con los pilares del Arte Moderno, es decir toman diferentes cosas de ellos y estructuran una visión propia. Estos artistas no usaron el modelado de la forma a través del claro-oscuro tradicional y clásico, les importaba más la expresión en armonía con la composición. De acuerdo a lo anterior podemos entender que para ellos el color es el elemento fundamental, el que estructura el espacio y las formas. Los principales exponentes son Matisse, Derain y Vlaminck

Fig. 22.- Georges Braque, Violín y jarro.

Otras manifestaciones florecen al mismo tiempo en distintos lugares. Por ejemplo, mientras en Alemania surge el grupo Del Puente, en París, un par de años después, surge un movimiento muy importante llamado Cubismo. Éste fue creado por dos pintores que ya tenían una gran trayectoria profesional, ellos eran Georges Braque y Pablo Ruiz Picasso. La técnica creada por estos dos artistas es la primera que quiere representar en la tela que tiene 2 dimensiones, la forma total, dicho en otras palabras es la forma de representar el volumen y la estructura, eso es lo que más les interesa, y

esto lo hacen a través de la geometría, de los cubos. Esta manera de trabajar tiene sus orígenes en los planteamientos que aporta Paul Cezanne. El arte primitivo es otra influencia muy importante para ellos. Este grupo de amigos vivió en un barrio de París llamado Montmastre, lugar con tradición, pues ahí también se hospedaban otros pintores que trabajaban otras propuestas plásticas. Durante una exposición de Braque en el “Salón de Otoño de 1907”, su amigo Henry Matisse, fauvista del que

ya se habló anteriormente, le da el nombre de Cubismo, dado que la obra está estructurada con pequeños cubos. Un primer ejemplo de este movimiento se encuentra en una obra de Picasso llamada “Las Damas de

Avigñon” -cuadro que empieza a crear en 1906 y termina en 1907-. Aunque Braque también es reconocido como el primero en trabajar de esta forma. Ambos, con sus propuestas pictóricas, crean una ruptura de los movimientos anteriores, de lo antiguo, lo que quieren es representar lo real de

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forma total, sin tomar en cuenta un punto de vista en especial sobre el plano bidimensional, es decir plasman todas las dimensiones de un objeto real , tienen diferentes puntos de observación. Al principio su tendencia era manejar el color monocromático, lo que nos indica que utilizaban uno o dos colores como máximo, después se amplia su gama. Este movimiento, después de su inicio al que se le llamó Cubismo Primitivo, tuvo dos etapas más. A la primera se le nombró Cubismo Analítico, en éste trataban de plasmar en la superficie bidimensional varias caras del objeto al mismo tiempo, lo hacían por medio de planos sencillos, anchos que a su vez se iban descomponiendo varias veces. La otra etapa fue llamada Cubismo Sintético, en ella se trabaja también a base de planos, pero lo que se pretende es resumir su

aspecto, tomando en cuenta todas sus partes o solo alguna de ellas. En esta etapa se comienzan a pegar elementos sobre la pintura para dar mayor fuerza, los cuales podían ser papeles, pedazos de tela, etc., a esto se le llamó Collage. Para los artistas que utilizan esta técnica el cuadro toma el valor de cuadro-objeto.

Fig. 23.- Giacomo Balla, chica corriendo en el balcón.

En 1909, ahora en Italia, surge otro movimiento más: El Futurismo. Éste, al igual que los otros, está en contra de todo lo pasado. Los artistas que forman este grupo pretenden renovar la práctica artística, y también a la sociedad de ese momento; intentan provocar un cambio cultural a través de sus ideas; promueven el culto a las máquinas, al progreso y a la velocidad. Sus ideas se llevan al terreno político y apoyan la guerra. Su manifiesto se publica en el mismo año 1909, en él describen sus ideales, Marinetti, es el que lo firma. Lo más importante para estos pintores es el proceso de realización de la obra; impulsan la investigación en al arte; quieren saber representar el movimiento y la dinámica de las formas;

crean una nueva relación con el espectador por medio de provocaciones. Este grupo lleva a cabo veladas en las que se discuten los temas de su interés; señalan que los pintores deben expresar con

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libertad lo que les gusta o lo que no les gusta. Aseguran que las formas son cambiantes debido al movimiento, por lo mismo se multiplican, se deforman, se establecen ritmos que se repiten para que parezca que la forma vibra. Utilizan la geometrización de las formas, la repetición de estructuras, la luz y el color. Este movimiento, junto con el Cubismo, comienza a penetrar el mundo de la abstracción.

Fig. 24. - Wassily Kandinsky, La flecha

Si recordamos el movimiento expresionista -que se sigue desarrollando hasta estos momentos- nos percatamos de que sus integrantes trabajan sobre procesos personales de investigación y experimentación para así apreciar desde el interior del artista lo exterior que lo rodea, idea que es ya muy importante en ese momento histórico. La preocupación es el hombre y los problemas que puede tener. Por este tiempo un pintor llamado Vasily Kandinsky crea en 1910 el primer cuadro no figurativo, que está de acuerdo con sus teorías trabajadas durante mucho tiempo. Él menciona que la forma gráfica de representación es resultado de un estado de ánimo y no la representación del objeto mismo, dicho de otra manera es de carácter más espiritual. Kandinsky es considerado el padre del Arte Abstracto. Este pintor deja claro que debería liberarse el manejo del color y trabajar la forma llevándola a la geometría. Este planteamiento trae como consecuencia que en 1911 se forme un grupo nuevo de expresionistas llamado “El Jinete Azul”, el cual se integra por Kandinsky, Paul Klee, Jan Arp, Macke, entre otros.

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Fig. 25.- Paul Klee, Comedia

Ese grupo trabaja a partir de las ideas del propio Kandinsky, quien menciona que lo figurativo no es necesario, pues considera que el color y la forma tienen su propio valor, y que se dan por la necesidad interior del artista. Escribe varias teorías sobre el arte que publica en diversas ocasiones. Una de sus hipótesis se plasma en el libro titulado De lo espiritual en el Arte. En ese texto menciona que para él existen dos formas concretas para que el artista pueda expresar su interior, que son: la forma y el color, dado que éstas valen por sí mismas; tienen, por lo mismo, su propio contenido. Afirma además que son subjetivas, y que se dan en un tiempo específico. En esa época continúan los sucesos históricos causados por la situación europea, originada por guerras, revoluciones, etc. Este movimiento más adelante se vuelve de un rigor intelectual,

científico (por el uso de la Geometría), matemático. Su mayor exponente es Pietr Mondrian, creador del Abstraccionismo geométrico.

El abstraccionismo lo podemos observar en dos épocas: La primera en 1905 cuando inicia de forma un tanto simple, y en 1914 cuando llega a su realización a través de teorías más claras. En los siguientes años se desarrolla con mucha fuerza, lo que origina la formación de tres corrientes principales, éstas son: el Rayonismo, que es la ausencia de formas que pertenezcan al mundo real, el Suprematismo (1915) en Rusia, que es la abstracción total, en donde el mundo de la no representación se crea; se utilizan las formas geométricas planas, círculos, arcos y planos superpuestos, además del uso de colores puros, negro, blanco, verde y rojo en un principio, y el sentimiento es lo supremo. Malevich es su máximo exponente. El Constructivismo, es el movimiento en donde los artistas que participan mencionan que lo que quieren es ver la realidad bajo sus propias exigencias, que la producción del arte debía tener objetivos que se controlaran. Su base es el conocimiento técnico, su forma de expresión se da por medio de la geometría, es un lenguaje de formas abstractas, Nuam Gabo es uno de los iniciadores

de este movimiento, nacido en 1917.

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Fig. 26.- Kasimir Malevich, composición suprematista Blanco/blanco

Entre los años de 1914 y 1918 surgen dos movimientos muy importantes, uno promueve la negación de todo y el otro la construcción de leyes universales de la expresión del arte basado en ideas casi místicas. El primero se llamó Dadaismo y el segundo Neoplasticismo (cuya revista llamada De Stijl, le da una gran difusión). Observamos que los enfoques que estas manifestaciones pretenden dar al arte son dos: uno es la visión individualista y otro es la concepción del arte al servicio de la sociedad. El Dadaísmo aparece durante la Primera Guerra Mundial, durante la misma época del constructivismo; comienza en Zurich, y se da a un nivel global con la idea de romper con todos los

conceptos sociales y artísticos (creación de Anti-Arte). Para este movimiento no puede haber ninguna relación entre estos dos aspectos. Los artistas trabajan sobre la imagen y sobre la

lingüística, sus más grandes exponentes son Hugo Ball, Marcel Duchamp, Francis Picabia y Man Ray, su promotor es Triztan Tzara, quien les da este nombre. Al ser de carácter internacional se hacen una gran cantidad de obras y teorías sobre el mismo, pero en esencia son iguales. Algunos países en donde se trabaja son Nueva York y París. Su postura es la de antiarte. Marcel Duchamp, pintor que a lo largo de su vida profesional se relacionó con diferentes grupos, como los impresionistas, los cubistas, etc., decide, después de mucho trabajar, dedicarse a escribir acerca de sus concepciones artísticas que lo llevan a crear los llamados Ready-made. En estos se observa el rechazo que tenía hacia la concepción estética, y cómo se usaba. Esto lo hace por medio del manejo de objetos de tipo industrial, así como lo absurdo, lo accidental, etc. En su trabajo se refleja el contenido simbólico que quiere expresar. Un ejemplo de esto es cuando utiliza un urinario de porcelana y lo presenta en una exposición, como resultado se da un gran escándalo del publico que lo ve, pero esta situación reafirma su concepción de que cualquier objeto se puede convertir en un objeto artístico, debido a que lo crea es un artista. En pocas palabras podemos observar que Dadá es el movimiento que replantea el papel que desempeña el artista en la sociedad burguesa y que cuestiona el progreso técnico y

científico.

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Fig. 27.- Marcel Ducham, Fuente.

A principios del siglo, a través del Art Nouveau, tuvimos una primera manifestación del arte en relación directa con la comunidad, (las características de éste ya se analizaron anteriormente) desde ese momento surgieron diferentes manifestaciones plásticas, y nace el Neoplasticismo, que también se basa en las teorías de Malevich, donde se parte de un arte geométrico-abstracto que se construye y se vuelve simple. Éstas y más ideas llegan a Holanda con una parte del grupo estableciendo una gran relación con el grupo del Neoplasticismo o De Stijl, llamado de esta forma debido a la

revista que publicaban (1917).

Fig. 28.- Piet Mondrian, Composición en color.

El grupo neoplasticista nace durante la Primera Guerra Mundial y pertenecen a él pintores como Piet Mondrian, Theo Van Doesberg. El concepto por medio del cual realizan su obra es el de la geometría

y la integración de las diferentes expresiones plásticas bajo la ciencia, específicamente las

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matemáticas, las que utilizan para aplicar los elementos formales, pero además están en contra de la ornamentación. El rectángulo rojo es la forma básica que manejan y sólo usan los colores azul, rojo y amarillo. La composición que realizan es asimétrica o también buscan un equilibrio que sea dinámico; apoyan el uso de la línea y ángulos rectos en la forma. Theo van Doesburg es su máximo divulgador. La tipografía que utilizan en sus portadas lleva una gran influencia de la Pintura, la Arquitectura y el Diseño.

Fig. 29.- Joost Schmidt, Cartel para la exposición de Bauhaus, 1929.

Surge al mismo tiempo una escuela que se vuelve muy importante por sus ideas y procesos, ésta es la llamada Bauhaus. Fue fundada por el año de 1919, por un arquitecto llamado Walter Gropius. En esta escuela se integran el arte y la industria. Walter para poder hacer realidad esta idea reúne a un grupo de artistas y maestros de excelente trayectoria, entre ellos se encontraban Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lazlo Moholy Nagy, Herbert Brener. Ellos manejan la idea de que no había diferencia entre un artesano y un artista; decían que el artista era un artesano con la sensibilidad y el conocimiento más desarrollados. Daban mucha libertad para que se pudiera experimentar, siempre y cuando fuera hacia el proceso de trabajo en la vía de la funcionalidad para la vida, de acuerdo a esto todo lo que se diseñaba tenía esa función. Debido a sus ideas, causan que en su país, Alemania -época del Nacional-Socialismo- le den el nombre de arte degenerado, y no se les permite seguir adelante. Esta escuela se ve forzada a desaparecer, sus miembros se dispersan, yéndose alguno a Estados Unidos, que con el tiempo se

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vuelve el centro del arte, como en su momento fueron Italia en el Renacimiento y Francia a principios de siglo.

Fig. 30.- Magritte, El libertador.

Por el año 1924 surge otro movimiento que trata de darle un fundamento a la práctica de negación de los dadaístas: el Surrealismo, este representa el paso de la negación a la afirmación. El movimiento propone soluciones para que el hombre realice la libertad de forma positiva; se apoya en la búsqueda científica por medio de la sicología y la filosofía; trata de encontrar aspectos donde el arte y la sociedad tengan algo en común, es decir entre el exterior y el interior, entre la realidad y la fantasía, para que de este modo se pueda ayudar a sanar las heridas que ha venido provocando la crisis que existía. Andre Breton, teórico de este movimiento, menciona que el arte que es autentico debe estar ligado a la actividad social revolucionaria (época de la guerra marroquí 1926); afirma que el arte que se maneja hoy es una consecuencia del arte que se hizo anteriormente; asegura también que debe haber una libertad individual y una libertad social. Este movimiento toma influencias muy grandes en su concepción de Max, como teórico de la libertad social y Freud por sus teorías donde se

promueve la libertad individual. Ellos pretenden cambiar la forma de vida, transformar al mundo a través de la actuación y de los sueños. Se da más valor a la interpretación de la realidad a través

de estados subconscientes e irracionales. La materia prima de este movimiento es el subconsciente y los sueños, ellos dicen que el surrealismo es un medio de liberar el espíritu; señalan que el Automatismo consiste en tratar de encontrar un punto donde el sueño y la vigilia se encuentren para hacer una especie de realidad total. Breton afirma que este movimiento es automatismo psíquico por el que expresamos mediante la palabra o por otros medios, como funciona el pensamiento sin algún control de la razón, sin preocupaciones estéticas y morales.

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Este movimiento tiene una posición política muy clara que se describe en el primer manifiesto que escribe Breton. Los integrantes del grupo pertenecen al Partido Comunista (hasta 1933); son fieles a la Tercera Internacional y están en contra del fascismo y el franquismo. Podemos encontrar dos tipos de expresión surrealista, la primera es donde se manifiesta la figuración y algunos exponentes que encontramos son: Magritte, Salvador Dalí, Max Ernst, Pablo Picasso y en México tenemos a Frida Kahlo, entre otros. La segunda expresa la abstracción, por ejemplo Joan Miro.

Fig. 31. - Joan Miro Escargot femme, fleure, etoile

A partir del final de la Segunda Guerra Mundial se desarrolla una gran cantidad de obra de tipo abstracta debido a que los artistas, por la situación mundial que se vive, se quieren alejar de esta realidad; se crean muchas teorías sobre la representación no figurativa, que a nivel mundial tienen una gran aceptación. Como ya observamos anteriormente en Rusia se dio el Suprematismo con Malevich, El Rayonismo con Larionov, en Holanda el Neoplasticismo con Mondrian, el Constructivismo con Naum Gabo, ahora vemos que en los años de 1930 a 1945 aproximadamente el arte geométrico es el que asienta sus bases por sus tendencias constructivistas más que por la tendencia abstracta lírica y espontánea que en un momento dado Kandinsky establece. La característica principal del Expresionismo abstracto era el manejo más simple de las formas que básicamente eran geométricas; se usaban colores primarios y complementarios, más el blanco y el negro. Surge en Estados Unidos, donde se produce una gran cantidad de obra. En 1940, cuando París cae por la ocupación nazi, se produce una incertidumbre en la sociedad, incluyendo a los artistas, los cuales tienen que emigrar hacia Estados Unidos, entre ellos Max Ernst, Andre Breton y varios más. Se da después de un año una recuperación de la abstracción geométrica según los postulados neoplasticistas y constructivistas. Por este tiempo se monta una exposición llamada Arte

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Concreto, en donde pretenden un arte universal, no sensitivo, mecánico en cuanto a la técnica, hecho por medio de elementos plásticos puros. En este grupo participan artistas como Vasarely, Richard Mortensen, Max Bill, etc. Así podemos encontrar una gran cantidad de movimientos plásticos que plantean un objetivo particular. A continuación encontrarás una breve mención de todos éstos, registrados por décadas hasta el año de 1990. Década de 1940-1950. Estados Unidos se vuelve el centro mundial del Arte. Biomorfismo, Arte Degenerado, Arte Concreto, Neo-realismo, los Miserabilistas, Grupo Cobra, Abstracción libre, Abstracción Lírica. Década de 1950-1960. Regreso a una pintura impetuosa a través de potenciar el material pictórico. Informalismo, Guestualismo, Signo, Matérica, Expresionismo Abstracto, Action Painting, Contemplativa, Caligráfica. Década de 1960-1970. Recuperación de ideas constructivistas y geométricas, etapa de construcción y pintura geométrica. Estructurismo, Nueva Abstracción, Óptico, Cinetismo, Nueva Figuración, Pop, Nuevo Realismo, Arte y Política, Minimal, Povera, Conceptual. Década de 1970-1980. Figuración Narrativa, Hiperrealismo, Realismo Fotográfico, Realismo Tradicional, Supports-surfaces, Pattern painting. Década de 1980-1990. Recuperación de los expresionismos, consolidación del concepto de posmodernidad. Transvanguardia Italiana, Anacronismo, Neoexpresionismo, Graffiti y Gheto, Arte Environmental, Neo-geo, Neoconceptual. Actividad en Clase

● .Análisis de la reseña sobre el análisis de las vanguardias del arte moderno. Establecer conclusiones.

● Realización de ejercicios rápidos utilizando diferentes técnicas de pintura, por ejemplo, vinílicas, acrílicos, acuarelas, etc. (Realizar por lo menos dos de ellos.)

Actividad en Casa

● Realizar la lectura sobre los elementos formales en las vanguardias que se menciona en la siguiente sesión.

● Determinar después de todos los aspectos analizados del Arte Moderno a partir de cual de ellos te gustaría realizar una obra pictórica de creación personal. (Esta selección implica partir del modo de expresión o técnico de las mismas, por ejemplo: Obra tipo expresionista, surrealista, etc.).

● Iniciar el proceso de bocetaje. Realiza por lo menos dos bocetos para poder llegar a la selección definitiva con ayuda de tu asesor.

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Ejercicio de Autoevaluación

1.- Resuelve el crucigrama que aparece a continuación. CRUCI-ARTE MODERNO

Este crucigrama es sobre algunos de los movimientos pictóricos de finales del siglo X1X y principios del XX. (Del año de 1867 al año de 1924)

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26

A S C

B

C F I

D

E

F A

G E

H M

I A

J

K

L

M

N

Ñ

Horizontales:

A-3.- Se alaban las formas puras y se ataca la figuración, supremacía del sentimiento, representación por medio de la geometría plana. (1915)

C-8.- Movimiento que proclama la utilización del color puro para sus cuadros, el color es el protagonista principal, nacido en el año 1905.

F-3.- Concepto que expresa una manifestación de la sensibilidad del hombre que se percibe a través de los sentidos.

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G-12.- Movimiento que se caracteriza porque representa las pasiones y los tormentos internos del artista. (1905)

I-1.- Movimiento que prescinde de las formas naturales y de las maneras tradicionales de representación. (1911)

Ñ-11.- Nuam Gabo es uno de los iniciadores de este movimiento nacido en 1917.

Verticales:

3-A.- Movimiento en que se da más valor a la interpretación de la realidad a través de estados subconscientes e irracionales. (1924)

6-H.- Movimiento que replantea el papel que desempeña el artista en la sociedad burguesa y en cuestionar “el progreso técnico y científico”. (1914, 1917 y 1918)

10-H.- Arte del siglo XX, cuando se da la ruptura con la forma y color del siglo XIX y la ruptura con la Mimesis. 12-C.- Movimiento que comienza en París en el Salón de los Rechazados de 1867.

24-G.- Movimiento en que se manejan planos sencillos, amplios y volumétricos; se rompe el objeto y se analiza no un punto de vista, sino varios. (1906) 2.- Responde las siguientes preguntas

¿Quién es el artista plástico considerado el padre del Arte Abstracto? ¿Los llamados Ready-made por quién fueron creados? El grupo del Neoplasticismo tenía una revista que era su medio de difusión más

importante, ¿cuál es el nombre de ésta? ¿Qué es la escuela de la Bauhaus?

En México tenemos un exponente del movimiento surrealista, menciona su nombre. ¿El abstraccionismo geométrico en qué país tiene su máximo desarrollo?

Productos para evaluar:

1.- Actividad de clase. 2.- Actividad de casa. 3.- Ejercicio de autoevaluación.

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Sesión 5

● Análisis Vanguardias Arte Moderno. ● Observación de los elementos formales plásticos en las vanguardias. ● Proceso bocetaje y selección definitiva.

Introducción.

Ya vimos en sesiones anteriores las características del Arte Moderno; conocimos en qué momento se crearon, quiénes participaron y qué es lo que proponían por medio de sus manifiestos y sus creaciones, ahora lo que haremos será mencionar de forma más concreta el manejo de los elementos formales plásticos en éstas y cómo los aplicaron. Es importante que tengas claro que estos elementos son los mismos que conociste desde Artes Plásticas 1, la diferencia es que se manejan en el proceso práctico, con intenciones diferentes para manifestar a través de ellos un contenido conceptual. ESQUEMA SOBRE EL MANEJO DE ELEMENTOS FORMALES EN EL ARTE MODERNO.

Impresionismo Pinceladas cortas y curvas.-

bloques pequeños de color =

líneas diferente grosor.

Desintegración de los

volúmenes a través de la

pincelada

Tonos puros y en donde el negro se utiliza lo mínimo o no se usa. Se utilizan los 3 colores primarios, sus 3 complementarios y el blanco. La luz-color como elemento clave

Puntillismo Puntos de color.

Valor de líneas constructivas

Desintegración de los

volúmenes a través de la

pincelada

Uso de tonos complementarios

La luz-color como elemento clave.

Art Nouveau Uso líneas sinuosas

Construcción de volúmenes a

través de planos, líneas y

puntos.

Todas las manifestaciones

plásticas subordinadas a la

arquitectura. Manejo de

texturas dadas por el mismo

material.

Tonos planos

Fauvismo Uso de pequeños bloques de

color que parten de líneas y se

convierten en pequeños planos.

No usan el modelado de la forma a través del claro-oscuro tradicional y clásico, manejo de proporciones entre cuerpos y espacios vacíos.

El color es el elemento fundamental, aplicación de colores puros.

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Impresionismo Pinceladas cortas y curvas.-

bloques pequeños de color =

líneas diferente grosor.

Desintegración de los

volúmenes a través de la

pincelada

Tonos puros y en donde el negro se utiliza lo mínimo o no se usa. Se utilizan los 3 colores primarios, sus 3 complementarios y el blanco. La luz-color como elemento clave

Cubismo Manejo de planos sencillos y anchos sobre el plano bidimensional.

Representación por medio de volúmenes geométricos, se engloba en la composición los diferentes aspectos y puntos de vista del objeto. Desaparece la perspectiva. Invención y uso del Collage

Color en un principio tendiendo a la monocromía y después se amplia la gama.

Futurismo Compenetración de planos y las

influencias entre si de los

volúmenes

La geometrización de las formas, ritmos, la repetición de estructuras, la luz y el color

La repetición de estructuras, la luz y el color.

Suprematismo Se utilizan las formas geométricas planas, círculos, arcos y planos superpuestos.

Composición a partir de las formas geométricas,

Uso de colores puros, negro, blanco, verde y rojo en un principio

Constructivismo se utilizan las formas geométricas

Su base es el conocimiento técnico

Dadaísmo Rompimiento con todos conceptos artísticos

cualquier objeto se puede convertir en un objeto artístico

Neoplasticismo (De Stijl) El rectángulo es la forma

básica que manejan. Uso de la línea y ángulos rectos en la forma.

Manejo del balance asimétrico, busca de la pureza por medio de las matemáticas

El rectángulo rojo es la forma básica que manejan y solo usan los colores azul, rojo y amarillo,

Bauhaus

Iintegración del arte y la industria, manejo de líneas, planos y volúmenes.

Composición como medio para la funcionalidad.

Surrealismo. Manejo de puntos, líneas, planos , volúmenes y collage,

2 tipos de expresión, figurativo y abstracto.

Figurativos.- uso técnica del collage, técnica de dibujo de mucha precisión.

Abstractos.- experimentación, automatismo.

Manejo de diferentes gamas de color, uso del color por medio del modelado y por medio del modulado.

Abstraccionismo Geométrico Manejo de elementos plásticos puros, uso de puntos, líneas, planos.

Manejo de colores primarios y complementarios.

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Cuadro comparativo entre el Impresionismo y el Expresionismo. Impresionismo

Su base es el rechazo a la Academia, a los temas

históricos, religiosos y de carácter heroico.

Se centra en representar paisajes y escenas

cotidianas.

El artista pinta lo que ve, reproduce y encuentra.

Es más superficial.

Se contempla la realidad desde el exterior

Se aplica la óptica científica.

Se aplica la relación luz-color.

Se utilizan pigmentos puros

Se maneja pincelada suelta.

Sus representantes son: Cezanne, Monet, Manet,

Degas, Renoir.

Expresionismo.

Su base es la protesta a la actitud positivista y al

impresionismo.

Se trata de representar las pasiones y tormentos del

artista.

El artista mira, vive, recrea y busca, lo espiritual.

Lo profundo, lo que se refiere a lo eterno.

Se transfigura el ambiente.

Los padres directos son :

Van Gogh, Gauguin, Ensor y Munch.

Cuadro comparativo Expresionismo, El Puente y el Jinete Azul

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El Puente

1905

Es el puente entré el pasado y el futuro.

Utilizan colores que vibren, formas naturales,

simplificadas y el uso expresivo de la línea.

Tienen influencia de los Fauvistas (color).

Su idea era impulsar la destrucción de viejas

reglas desarrollar la espontaneidad, destruir los

cánones.

Para ellos la pintura es un arte que representa un

hecho sensible

Obedecer las presiones emotivas del propio ser.

Formas figurativas.

Exponentes.- Kirchner, Nolde, Pechstein.

Temas de política, sociedad.

El Jinete Azul

1911

Tiene una orientación hacia lo místico y espiritual.

Aporta las bases para la abstracción, se apoyan en

la sensación que produce el color, las líneas y las

formas geométricas.

Tienen influencia de los Fauvistas y los cubistas.

En contra del impresionismo, el positivismo y la

sociedad de la época.

Su idea es la de captar la realidad espiritual, hablar

de lo escondido a través del mismo.

Es la liberación de la figura naturalista.

El artista se aleja de la vida oficial.

Es la posición que se sirve de la deformación física

para alcanzar resultados.

Actividad en Clase

Después de que se analizaron los aspectos del Arte Moderno, haz un reporte mencionando a partir de cuál de ellos realizarás tu proceso de creación plástica.

Analizar los bocetos realizados en casa y determinar con tu asesor si es necesario realizar otro o ya se encuentra bien estructurada la composición con respecto a la forma de expresión que seleccionaste.

Selección de Técnica y materiales más idóneos para tu propuesta plástica.

Actividad en Casa

Procurarte el material para realizar la obra personal. Trazo sobre la tela y/o cartón preparado de la composición

definitiva. (Se recomienda por cuestión económica utilizar un cartón preparado, de medidas 27.9X35.7 cm.

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Ejercicio de Autoevaluación

En el movimiento Impresionista encontramos un elemento clave en su concepción, ¿cuál es

éste? ¿Qué tipo de líneas maneja en su diseño la obra realizada dentro del Art Nouveau? El Puntillismo utiliza colores complementarios, ¿cuáles son? ¿Qué movimiento utiliza planos sencillos y anchos en un plano bidimensional? ¿Qué diferencias encuentras en el manejo de los elementos formales entre el grupo El Puente

y el Jinete Azul? ¿Qué elementos geométricos utiliza el Suprematismo para su construcción? Maneja el balance por medio de la asimetría, busca la pureza de su construcción por medio de

las matemáticas ¿de qué movimiento se habla? ¿En qué escuela se integran el arte y la industria y cuál es la finalidad en sus composiciones? ¿En qué movimiento se manejan dos tipos de expresión plástica, figurativa y abstracta y cómo

se maneja el color?

Productos para evaluar:

Actividad de clase. Actividad para casa. Ejercicio de autoevaluación.

Sesión 6

Aplicación de los elementos formales en una obra plástica. Introducción.

Ya hemos visto en sesiones anteriores, la característica básica de la Pintura, que es la construcción cromática, técnicas y materiales de la misma, los elementos formales en una manifestación plástica:

composición, color, forma, la relación entre los elementos formales y su contenido en una obra

plástica, y aprendimos más elementos para realizar un análisis más completo de la obra. De igual

manera hicimos un breve análisis de antecedentes, precursores, características principales, ruptura de la mimesis del Arte Moderno, en esta ocasión lo que haremos será aplicar los conocimientos anteriores en el desarrollo de una obra personal. Es importante que tengas claro el manejo de los elementos formales plásticos que aplicarás en tu obra, así como el contenido de la misma.

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Actividad en Clase

Revisión de bocetos, material de trabajo y fundamentación sobre forma de expresión.

Inicio y/o seguimiento del proceso de la obra personal.

Ejercicio de Autoevaluación

Después de conocer todos los aspectos anteriores ¿cómo consideras que el Arte está

participando en tu vida diaria y para qué te puede servir? Hemos visto que a través de las imágenes conocemos formas de vida, tanto personales como

sociales, si no existiera esta forma de expresión ¿qué crees que pasaría? ¿La diferencia en la manera de expresar en el Arte Moderno hace que una manifestación sea

mejor, igual o peor que otra? ¿Por qué?

Productos para evaluar:

Actividad de clase. Actividad para casa. Ejercicio de autoevaluación.

Actividad en Casa

Iniciar el proceso de análisis a través de todos los elementos que se han trabajado desde la primera unidad.

Realizar un análisis del proceso de trabajo hasta este momento, partiendo del primer escrito que se hizo al iniciar el semestre describiendo las expectativas, metas, etc. Y que está dentro del portafolio de trabajo.

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Sesión 7

Realización de una obra plástica, aplicando un medio de las artes plásticas.

Análisis de una obra plástica relacionando los elementos formales y el contenido de la obra. Análisis del proceso de trabajo realizado hasta este momento.

Ya que iniciaste el proceso de análisis a través de todos los elementos que se han trabajado desde la primera unidad, éste se concluirá en el momento de terminar tu obra personal y reflejará los conocimientos que adquiriste. Es importante que lo hagas con mucho cuidado para que no te falte ningún aspecto. Actividad en Clase

Término del proceso creativo de la obra personal. Conclusión del análisis de la obra.

Ejercicio de Autoevaluación

Realización un análisis del proceso de trabajo hasta este momento, partiendo del primer

escrito que se hizo al iniciar el semestre describiendo las expectativas, metas, etc. Y que está dentro del portafolio de trabajo.

Productos para evaluar:

Actividad de clase. Actividad para casa. Ejercicio de autoevaluación.

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ORIENTACIONES PARA EL ESTUDIO

MATERIAL DE APOYO DE ARTES PLÁSTICAS 1 La Historia del Arte, E.H. Gombrich. Edit. Phaidon, 2007. Historia de la Arquitectura de Spiro Kostof, Edit. Alianza Forma, 2003. Análisis Histórico de la Arquitectura, Arq. Jorge Ballina Garza, Edit. Trillas, 1997. Materiales, procedimientos y técnicas pictóricas, Antoni Pedrola, Edit. Ariel, 2006. Bauhaus, bauhaus archivo, Magdalena Droste, Edit. Taschen, 2002 Historia Ilustrada del arte, técnicas, épocas y estilos. María Carla Prette, Alfonso De Giorgis, Edit. Susaeta. Historia del Arte, Germain Bazin, Edit. Omega, 1996. Primeras vanguardias artísticas, textos y documentos. Lourdes Crilot, Edit. Parsifal. Teoría y Práctica del color, aprender haciendo, José M. Parramon, Edit. Parramon, 2003.

Ligas externas

http://es.wikipedia.org/wiki/arte_moderno. Http://www.arteuniversal.com/ http://es.wikipedia.org/wiki/pintura_art%c3%ADstica.

Ilustraciones

Fig.1.- La orana Maria (Yo te saludo María).- Paul Gauguin, óleo/tela, 113.7X87.7cm.1891-2- Genios del Arte, Edit. Susaeta, Pág. 58. Fig. 2.- Parc Gu”ell, Torres del Pabellón de la entrada principal, Gaudi, Images et mythes Gaudi, Edit. Du Rourgne, 1992. Imagen 21. Fig. 3.- La Sagrada familia, interior de la fachada de la Natividad con sus materiales de construcción en primer plano, Gaudi, Images et mythes Gaudi, Edit. Du Rourgne, Imagen 65. Fig. 4.- Prisma de vidrio tallado para laboratorio, Luz y Visión, colección Científica de Time Life, Edit. Offset Larios, 1978, México. Pág. 108. Fig. 5.- Chico sentado, 15X25cm. Composición con lápiz de color.-Manuales para el artista, Dibujar y abocetar, Jan Smith, Edit. Blume Madrid, 1983, Pág. 99.

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Fig. 6.- Mujer sentada después del baño, Degas, composición pastel, Manuales para el artista, Dibujar y abocetar, Jan Smith, Edit. Blume Madrid, 1983, Pág. 24. Fig. 7.- Composición crayón de cera. Manual de técnicas gráficas para arquitectos, diseñadores y artistas, Tom Porter y Bob Greenstreet, Edit. Gustavo Gili, 1987. Pág. 34. Fig. 8.- Baya silvestre. Paul Klee, acuarela/papel, 35.7X27cm. Bauhaus, bauhaus archiv, Magdalena Droste, Edit. Taschen 2002, Pág. 62. Fig. 9.- Composición temple de huevo Lluis F. Ortega de Uhler, Materiales, procedimientos y técnicas pictóricas, Antoni Pedrola, Edit. Ariel, España, 2006. Ilustración 13. Fig. 10.- Sin título, James Rossenquist, 183X183 cm. Composición acrílico/tela, Obras Maestras de la Pintura, Whitney Museum of American Art, Edit. Planet, 1983.Tomo 8. Pág. 165. Fig. 11.- Bodegón, Paul Cezanne, óleo/tela, Paul Cezanne, el genio de la perseverancia, Saber ver, N° 11, diciembre 1997-Enero 1998. Edit. Fundación Cultural Televisa, Pág. 2. Fig. 12.- El grano divino, Cesar Vila, gouache/papel amate. CienciARTE y CienciArte en Universum, Museo de Ciencias, UNAM.1997.Pág. 73. Fig. 13.- Imagen de materiales, Manual de técnicas gráficas para arquitectos, diseñadores y artistas, Tom Porter y Bob Greenstreet, Edit. Gustavo Gili, 1987. Pág. 37. Fig. 14.- La Catedral de Rouan, Claude Monet, La Luz en la Pintura, Edit. Carroggio, Barcelona 1998, Pág. 99. Fig. 15.- El Puente de Courbevoie, Georges Seurat, óleo/tela, 46.4X55.3 cm. E. H. Gombrich, La Historia del Arte, Edit. Phaidon, 2007. Pág. 545. Fig. 16.- Fotografía de Paul Cezanne caminando para pintar al aire libre, 1874, Ulrike Becks- Malorny, Edit. Taschen, 2001. Pág. 2 Fig. 17.- Autorretrato con sombrero gris de Van Gogh, 1887, óleo/canvas, 44X37.5cm. Vincent Van Gogh, artist of his time, Griselda Pollock and Fred Orton, Edit. Phaidon 1978, Pág. 39. Fig. 18.- Autorretrato junto al cristo amarillo de Paul Gauguin, óleo/tela Genios del Arte Gauguin, Edit. Susaeta. Pág. 87. Fig. 19.- El Grito, Edvard Munch, Historia Universal de la Pintura, Espasa Siglo XX1, 2001, Pág. 829. Fig. 20.- Pechstein dormido, Erick Heckel, grupo el Puente, Historia Universal de la Pintura, Espasa Siglo XX1, 2001, Pág. 874. Fig. 21.- La Orilla, Henry Matisse, óleo/tela, 73X61cm. Obras Maestras de la Pintura, Museo de Basilea,, Edit. Planeta Tomo 10. Pág. 30. Fig. 22.- Violín y jarro, Georges Braque, óleo/tela, 117X73 cm., Obras Maestras de la Pintura, Museo de Basilea,, Edit. Planeta Tomo 10. Pág. 40. Fig. 23.- Chica corriendo en el balcón, Giacomo Balla. La Luz en la Pintura, Edit. Carroggio, 1998. Pág. 104. Fig. 24.- La Flecha, Wassily Kandinky, 42X58 cm. Obras Maestras de la Pintura, Museo de Basilea,, Edit. Planeta Tomo 10. Pág. 60. Fig. 25.- Comedia, Paul Klee, 30X45 cm. Obras Maestras de la Pintura, National Gallery, Edit. Planeta Tomo 6. Pág. 167. Fig. 26.- Composición suprematista blanco/blanco, 77X77 cm. Obras Maestras de la Pintura, Edit. Planeta Tomo 8. Pág. 104. Fig. 27.- Fuente, Marcel Duchamp, 1917, Historia Universal de la Pintura, Espasa Siglo XX1, 2001, Pag. 926.

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Fig. 28.- Composición en color, Piet Mondrian. Historia Universal de la Pintura, Espasa Siglo XX1, 2001 Pág. 931. Fig. 29.- Cartel para la exposición de Bauhaus de 1929, Joost Schmidt bauhaus, bauhaus archiv, Magdalena Droste. Edit. Taschen, 2002. Pág. 107. Fig. 30. El Libertador, Rene Magritte, Marcel Paquet, Taschen, Pág. 83. Fig. 31.-Escargot, femme, fleure, etoile. Joan Miro Historia Universal de la Pintura, Espasa Siglo XX1, 2001,Pág. 960.

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ARTESPLÁSTICAS II

Unidad 3 Expresión y Manifestaciones Plásticas (Parte II) Objetivos: Valorará algunos ejemplos de Arte Plástico Contemporáneo. Analizará los elementos formales y conceptuales de una manifestación plástica.

Competencias que desarrollarás al concluir el proceso de trabajo: 1.- Entenderás la característica conceptual de algunos medios plásticos, aplicando sus posibilidades expresivas (Arte Contemporáneo). 2.- Identificarás, entenderás y aplicarás la relación entre los elementos formales y el concepto de una manifestación plástica y visual. 3.- Reconocerás la relación de una obra artística con el contexto en que ésta surge. Introducción En este apartado, vas a recordar algunas características de Corrientes Artísticas que sirvieron de antecedente para el surgimiento del Arte Contemporáneo. Vas a realizar la lectura de un texto donde se describen los principales procesos de creación-producción del objeto artístico dentro de corrientes y movimientos artísticos ubicados en el Arte contemporáneo y que se desarrollaron después de la segunda guerra mundial, siendo la década de los sesenta, los años de su consolidación y que hasta nuestros días han seguido, de una u otra forma, vigentes y siguen siendo utilizados por la mayoría de los artistas de la época actual. A partir de dicha lectura, deberás identificar las características principales de cada uno de estos procesos y habrás de relacionarlos con las obras ejemplo que se te proporcionan en imágenes, con la finalidad de que establezcas la estrecha relación que hay entre el objeto artístico terminado, la idea o ideas que le dieron origen, los materiales utilizados y las expresiones o significados que se producen al dar “lectura” a dicho objeto u obra artística. Una vez que tengas un panorama aceptable de estos procesos de creación plástica, los cuales son constantes en la historia del Arte Contemporáneo, habrás de establecer su aplicación en el desarrollo

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de una obra plástica personal que cumpla con las características y los procesos que se han descrito en la lectura y sus ejemplos.

Sesión 1

Repaso de los conocimientos adquiridos en el curso de Artes plásticas 1 y de algunos del curso Artes Plásticas 2, referentes a Composición, forma, color así como al Arte Moderno y Vanguardias Artísticas.

Análisis y comparación de dos pinturas de épocas distintas: Monet y Pollock Para estas alturas, ya debes haber hecho un recorrido y reconocimiento sobre las principales corrientes artísticas y movimientos dentro del denominado Arte Moderno. Ese arte que tuvo sus antecedentes a finales del siglo XIX y que durante las primeras tres décadas del siglo XX, se estableció de lleno en los principales centros de producción artística del mundo. Habrás conocido sobre las conjugaciones que hicieron con el color y la forma, Impresionistas como Claude Monet, Edouard Manet o Auguste Renoir. También para este apartado, debes ya tener conocimientos sobre las características y sobre algunos autores del Expresionismo como Edvard Munch por ejemplo; de los Cubistas como Pablo Picasso o Juan Gris; los Dadaístas, entre quienes destacaron Francis Picabia o Marcel Duchamp; de los Surrealistas como René Magritte, Dalí o Joan Miró. También algo debes conocer sobre las conjugaciones geométricas de Piet Mondrian o Malevich. Lo más importante que creemos que debes rescatar de todo lo que revisaste dentro de los temas de Arte Moderno, son las características de las obras plásticas y principalmente, cómo eran construidas, ya que estos dos rubros se verán drásticamente evolucionados al hablar sobre las obras creadas dentro del arte Contemporáneo. Haremos una pausa y te pedimos que observes atentamente las imágenes siguientes:

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La primera es una obra pictórica realizada en 1869 por las manos de Claude Monet, pintor francés ubicado en el Impresionismo (corriente artística donde se establecía que las formas aparecían en el ojo humano, cuando éste hacía la suma visual de manchas de diversos colores ubicadas en un lienzo); este cuadro hecho al óleo sobre tela, se llama “La Grenouillére”, nombre que se le daba a un

lugar de descanso vacacional ubicado en las afueras de París y que era frecuentado por gente acomodada. La segunda obra, a la derecha, es por igual una obra pictórica (o una pintura si lo prefieres), realizada por un pintor estadounidense de nombre Jackson Pollock, artista ubicado en una corriente artística de los años cincuenta llamada Expresionismo Abstracto (movimiento pictórico donde se establecía que los ademanes, gestos y estados de ánimo se podían plasmar en un lienzo a partir de manchas y escurrimientos de pintura, sin necesidad de generar formas reconocibles). Esta obra se titula “Postes

Azules” y fue hecha con óleo, laca automotriz y esmalte sobre tela en 1953 por Pollock.

Actividad en Clase

Registro de una Lluvia de ideas ¿Qué es lo que ves en la primera obra? ¿Personas, objetos,

ambientes, formas, colores, luces, sombras? Describe con detalle:

¿Qué es lo que observas en la segunda? ¿Reconoces personas, formas, objetos, ambientes, luces, sombras? Describe con detalle:

¿Qué sensaciones o sentimientos te genera la primera? ¿Qué sensaciones o sentimientos te produce la segunda? Explica cómo crees que se aplicó el pigmento en la primera:

con pincel, con los dedos, con algún otro utensilio, etc. Explica cómo crees que se hizo la segunda: con pinceles, con

los dedos, con algún otro utensilio, etc. ¿En qué se parecen uno y otro cuadro? ¿En que se diferencian? Trata de explicar los estados de ánimo en que se

encontraban los pintores al realizar cada uno su cuadro. Emite una opinión acerca de por qué, a pesar de que ambos

cuadros son pinturas (obras pictóricas) la manera de hacerse y lo que representan tienen distancia entre sí:

Emite una opinión sobre las características que recuerdes del Cubismo, Dadaísmo, Abstraccionismo Geométrico y Surrealismo como antecedentes del Arte Contemporáneo.

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Ejercicio de Autoevaluación

Coloca en el inciso la letra que corresponda:

Opciones:

a) CUBISMO: Sirvió como base para algunas corrientes del Arte Contemporáneo (Arte Material, Arte

Povera, Arte Objeto) al experimentar con la forma, las distintas maneras de observarla y representarla

a partir de tres figuras geométricas básicas: La esfera, el cilindro y el cono, con las cuales se

construyen las formas y objetos, además de lograr la incorporación de materiales reales a la

superficie del cuadro, creando así los antecedentes del collage.

b) ABSTRACCIONISMO GEOMÉTRICO: Sirvió como antecedente de corrientes artísticas

contemporáneas, tales como el Arte Minimalista, el Arte Cinético, el Arte Conceptual y el Arte Óptico,

al reducir la utilización de la forma y el color a sus expresiones mínimas y elementales, dando cabida

a exploraciones dentro de la forma pura, el concepto detrás de la obra, el movimiento y el dinamismo

visual.

c) DADAÍSMO: Sirvió como base para corrientes del arte contemporáneo, tales como el Arte Objeto,

el Arte Conceptual, el Arte de Acciones (Happening y Performance) debido a las posibilidades que

abrió de construir la obra con todo tipo de materiales y procesos.

d) SURREALISMO: La inventiva, la deconstrucción y sustitución de la realidad representada, así

como el expresar las complejidades de los procesos mentales que planteaba el surrealismo, fueron

los factores que se siguieron presentando en corrientes del Arte Contemporáneo tales como el Land

Art, Pop Art, Hiperrealismo, Arte Conceptual y el Arte de Acciones.

( ) Corriente artística surgida en 1907 donde se retoman los razonamientos de Paul Cezanne (pintor post-impresionista) quien decía que todos los objetos pueden ser representados a partir de las tres figuras geométricas básicas: La esfera, el cilindro y el cono. En esta corriente, se busca la descomposición de los objetos en estos tres cuerpos geométricos, vistos desde diferentes puntos de observación, los cuales se suman en el lienzo. Su tendencia es monocromática, es decir, utilizan de uno o dos colores a lo mucho, más sus tonalidades. Integran el papel encolado al cuadro, inventando el papier collage, además de adherir etiquetas, pedazos de madera o periódico. Se dió básicamente en España y Francia. Sus principales exponentes fueron Juan Gris, Fernand Léger y Pablo Picasso. ( ) Corriente artística que surgió en 1915, en Zurich y que tuvo otro resurgimiento en 1919, en París. Su propuesta era contraria y opuesta a todo precepto artístico conocido hasta entonces (Anti-arte) y proponía fuentes de creación artística tales como el absurdo, lo ridículo, lo irreverente, lo ilógico e incongruente, así como el azar, la casualidad o el accidente para construir sus objetos. Aquí surgen los Ready-made (creación escultórica con objetos cotidianos y utilitarios) y la explotación al máximo del collage y las derivaciones de la fotografía. Componían poemas sin sentido, construidos de sonidos guturales y balbuceos, los cuales recitaban, vestidos con atuendos extraños hechos de cartón u hojalata.

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Sus principales exponentes fueron Hugo Ball, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Schwitters, Tristan Tzara. ( ) Corriente Artística surgida en 1924 a partir de las propuestas anti-artísticas encarnadas por el dadaísmo, donde se estableció que las fuentes del arte, no están del todo dentro de la realidad. Lo anterior, aunado a la difusión de las teorías del psicoanálisis propuestas por Sigmund Freud, donde se le daba un justo valor al Inconsciente como generador de las conductas humanas, dejando de lado el Raciocinio, estableciendo así que el Inconsciente y sus procesos mentales se constituyeran como los disparadores y ejes de este movimiento, pictórico, escultórico y literario. En esta corriente, se da un peso considerable a la imaginación, la fantasía, los sueños y los procesos autómatas de pensamiento como constructores de la obra artística, representando una realidad alterna, pero por igual, existente en la mente del ser humano. Sus principales exponentes fueron Joan Miró, Salvador Dalí y Rene Magritte. ( ) Corriente artística, pictórica y escultórica, cuyos antecedentes se encuentran en las acuarelas abstractas de Vasily Kandinsky a partir de 1910; de cuyos procesos de abstracción se nutrieron otras corrientes tales como el Suprematismo de Kasimir Malevich en Rusia de 1915; y el Neoplasticismo de Holanda en 1917. Sus rasgos principales son la simplicidad de las formas, básicamente geométricas, así como el empleo de colores primarios, sus complementarios y el blanco y el negro, tratando de eliminar todo lo superfluo en la composición en pro de que prevalezca visualmente sólo lo elemental. También se caracteriza por la explotación del ángulo recto, buscando la armonía y el equilibrio. Sus principales exponentes fueron Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Rietveld, K. Malevich y Naum Gabo. Coloca en el inciso la letra que corresponda a cada imagen:

( )

( )

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( ) ( )

<<LOS PROCESOS CONSTRUCTIVOS DE LA OBRA DENTRO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO>>

Dar una ubicación cronológica exacta al Arte Contemporáneo resulta inútil. Lo más que podemos

decir y en lo cual muchos autores coinciden, es que el Arte Contemporáneo fueron las corrientes

surgidas principalmente después de la 2a guerra mundial, teniendo sus períodos de gestación desde

los inicios del siglo XX (Cubismo, Dadaísmo, Abstraccionismo Geométrico, Surrealismo), pasando por

el período de entre guerras y estableciéndose de lleno a finales de la década de los 50's (a partir de

las derivaciones engendradas por el Expresionismo Abstracto e Informalismo Europeo) e inicios de

los 60's (a partir del Pop Art Inglés y Norteamericano).

De esta manera, aparecen en diversas partes del mundo, una serie de obras que, como bien

apuntara Aurora Fernández Polanco, en su libro “Arte Povera”, no eran ni cuadros, ni esculturas, ni

dibujos, sino una fusión de todas las posibilidades técnicas, plásticas y visuales conocidas (y por

conocer) utilizadas como recursos innovadores en la construcción de la obra de arte.

Surgió así el denominado Arte Contemporáneo, con sus instalaciones, intervenciones, arte de

acciones, arte objetos, exploraciones del soporte visual, etc. Y de pronto, los valores de la estética

sobre una obra bien hecha y terminada se volvieron inservibles, debido a que las obras ya no fueron

hechas para “Apreciarlas” sino para ser leídas, desmenuzadas, comprendidas y asimiladas, en

Actividad en Casa

Lee la lectura titulada “LOS PROCESOS CONSTRUCTIVOS DE LA

OBRA DENTRO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO” y debes obtener y desglosar ideas principales y secundarias.

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términos de el o los procesos que les dieron origen y las ideas-conceptos que conllevan de manera

intrínseca (Contenidas) o extrínseca (Transmitidas al espectador).

Creemos que para este curso, no es del todo indispensable que conozcas a fondo corrientes, estilos y

autores dentro del Arte Contemporáneo, eso lo lograrás de manera gradual. Sin embargo, nos parece

de suma importancia que conozcas los procesos que básicamente se utilizaron, y se siguen

utilizando, en la construcción de las obras de arte, dentro del llamado Arte Contemporáneo.

A continuación los exponemos. Esperamos, de una manera clara y suficiente.

Descontextualizar-Recontextualizar

Todos sabemos lo que es una silla. Es ese objeto de cuatro patas, con asiento y respaldo que sirve

para sentarnos. Tenemos sillas en las aulas, en la biblioteca, en los cubículos y sin duda, las tenemos

en casa, en el comedor o en la cocina. Las conocemos de diferentes tipos y materiales, pero

básicamente sus componentes son los mismos: patas, asiento y respaldo. Piensa en una silla que

hayas empleado en alguno de los lugares que te mencionamos. ¿Te has detenido a analizarla o

admirarla, tal vez a observarla con detenimiento captando sus formas, sus detalles, su construcción,

sus dimensiones? Lo más probable es que no, porque se trata de un objeto utilitario y cotidiano. Pero

imagina que vas de excursión a un lugar alejado en campo abierto. Un desierto, por ejemplo. ¿Qué

pensarías o harías si en medio de un desierto, donde se supone que no hay nada, encontraras una

silla? Sin duda, lo primero que sentirías sería curiosidad y extrañeza, y no podrías seguir tu camino

sin dejar de preguntarte “¿qué hace una silla en medio del desierto? ¿Quién la dejaría y para qué?

¿Por qué traerla hasta acá? ¿Qué puede significar una silla en medio de la nada?” Estas preguntas

no se nos ocurren cuando tenemos a la silla en nuestra casa, las aulas, los cubículos, etc.

Lo que hay que resaltar es cómo un objeto con el que a diario tenemos contacto y al cual no le damos

mayor importancia, tan sólo lo utilizamos y punto; de pronto, puede llamarnos tanto la atención. ¿Qué

fue lo que ocurrió? Pues resulta que lo sacamos de su contexto original (Descontextualización) y lo

colocamos en otro que no le corresponde (Recontextualización) y así, el objeto adquiere valores y

significados que en su contexto original no posee. Para clarificar, podemos decir que el contexto de

un objeto, es el entorno (espacio y tiempo) donde el objeto desempeña naturalmente las funciones

para las que fue creado. Cuando sacamos a ese objeto del entorno que le corresponde y lo

colocamos en otro (que no le corresponde), donde sus funciones originales ya no pueden llevarse a

cabo o cambian por otras, entonces hemos descontextualizado y recontextualizado a dicho objeto,

dotándolo así, de preguntas y respuestas que nos puede hacer cuando lo tenemos frente a nuestros

ojos.

Deconstrucción-Reconstrucción

Ahora imaginemos que tenemos un objeto cualquiera, un televisor viejo por ejemplo. Supongamos

que vemos ese televisor inservible en un tiradero de basura. Lo más probable es que sigamos

nuestro camino sin hacerle mayor caso. ¿De qué podría servirnos un televisor viejo y descompuesto?

Pero ahora imaginemos que alguien se lo lleva y en su casa o taller lo abre, le saca los cables, los

transistores, el cinescopio y demás componentes, y con la ayuda de tornillos, soldadura y pegamento,

obtiene un objeto “nuevo” o diferente, tal vez un objeto con la forma de un auto, de una vaca o de un

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elefante miniatura, pero construidos con las mismas piezas que antes eran los componentes de un

televisor.

Lo que se hizo fue “Deconstruir” al objeto, es decir, desmembrarlo, descomponerlo, dividirlo en sus

elementos o partes que lo componen. Ciertamente no podemos hablar de destruirlo, ya que el objeto

sigue existiendo, sólo que lo hemos transformado, utilizando sus mismas partes y componentes, pero

relacionadas y estructuradas de una manera nueva y diferente, es decir, lo hemos Reconstruido. De

esta manera, un televisor que no nos llamaba la atención, ahora transformado en un objeto nuevo,

deja de ser ése televisor que se encontraba ya como material de desecho en la basura (sin dejar de

ser un televisor del todo, ya que todavía podemos identificar sus partes), para convertirse en una

representación de un animal u otra cosa, y de esta manera, generar en nosotros al tenerlo frente a

nuestros ojos, preguntas y respuestas que no nos producía cuando era un simple televisor.

Intervención-Instalación

Pensemos ahora en un salón grande, de paredes blancas y pisos limpios y brillantes, con una buena

iluminación y sin nada de muebles. Sería un espacio interior vacío. No nos dice nada ni contiene nada

que nos llame la atención o entretenga nuestra mirada. Pero ¿qué ocurriría si dentro de este espacio

amplio, brillante e iluminado colocamos doce caballos vivos? Y además colocamos comederos de

madera, les ponemos su pastura y les colocamos tinas con agua para que beban, y colocamos

argollas y vigas de madera en las paredes para amarrarlos. También pensemos que con el paso de

los días, estos animales tendrán que orinar, transpirar y defecar, además de relinchar y patalear, pues

son finalmente caballos; reflexionemos un poco: ¿el espacio sería el mismo? Definitivamente no.

¿Qué fue lo que ocurrió? Pues que al traer doce caballos vivos e “Instalarlos” en este espacio, antes

vacío, lo “Intervenimos”, y al intervenirlo, lo modificamos. Entonces este espacio, que era algo así

como un salón amplio, donde si hubiésemos colocado sillas y pupitres, lo habríamos convertido quizá

en un salón de clases; pero en el cual decidimos colocar caballos vivos, amarras, pastura, estiércol,

orina y sudor de caballos, junto con los sonidos y aromas que producen, lo alteramos, lo modificamos

y lo transformamos, ¿en qué?, en un establo.

Así, éste salón o espacio interior, vacío, amplio, de paredes blancas y pisos brillantes, que por vacío

no nos decía ni nos preguntaba nada, gracias a la “Instalación” y a la “Intervención” del mismo, se

transforma y se modifica, produciendo en nosotros cuestionamientos sobre cómo y por cuáles cosas

ha sido ocupado, generando expresiones y significados que dichos caballos no nos generarían

estando en un establo de verdad.

En suma, podemos decir que intervenir algo es invadirlo, parcial o totalmente; para invadirlo

necesitamos instalar algo en él, y cuando instalamos o colocamos algo, entonces modificamos y

alteramos, generando expresiones, cuestionamientos y significados.

Narrativa de un Objeto

En cierta ocasión, un estudiante deseaba hacer un collage a partir de unos tenis viejos que tenía de

hacía mucho tiempo. Los tenis, que eran de lona, estaban en muy mal estado: rotos, sucios,

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desgastados, rayoneados, con estoperoles y parches diversos. Habían perdido ya su forma y se

encontraban arqueados y polvosos.

Cuando al estudiante se le cuestionó de por qué tenían que ser precisamente esos tenis y no otros,

tal vez unos en mejor estado o quizá unos nuevos, inmediatamente el estudiante se rehusó,

argumentando que los tenis viejos que iba a utilizar “tenían más historia” que cualquier otros.

En términos de objetos de Arte Contemporáneo, las cosas ya usadas y desechadas, las cosas viejas

y gastadas, las cosas que ya han sido manipuladas, explotadas en el uso para el cual fueron creadas,

son cosas que resultan altamente interesantes porque en su morfología final, después de tanto uso y

desgaste, han sido cargadas de una “historia” particular.

De esta manera, los tenis viejos que el estudiante proponía utilizar para su collage, eran los idóneos,

porque “narraban” o “contaban” al observador una serie de experiencias relevantes para el autor,

acontecidas en el transcurso de algunos años, y dichas experiencias de vida se apreciaban en lo

gastado, roto y rayoneado de esos tenis.

Si los comparásemos con unos tenis nuevos, sencillamente los tenis nuevos y relucientes nos dirán

mucho menos que cuando ya han sido usados, porque con el uso y el desgaste, los objetos dejan de

ser iguales a los demás de su especie, debido a que se van cargando de historia, narrativa, expresión

y significados. Algo de esto hay cuando las personas se resisten a deshacerse de sus cosas viejas:

son parte de su historia personal.

Algunas corrientes y movimientos dentro del Arte Contemporáneo explotaron al máximo las

posibilidades narrativas de los objetos viejos y gastados, tratando de hacer referencia a la

transformación que las sociedades de consumo producen al ser humano: utilizarlo al máximo

mientras pueda trabajar y producir, para luego marginarlo al desempleo y al olvido, toda vez que ya

no es útil. Así como una persona anciana es un cúmulo de experiencias que contar, algo parecido

ocurre con el objeto viejo y gastado.

Acciones y Significado

Los antecedentes de estos procesos de producción de una obra plástica, sin duda los podemos

encontrar en los dadaístas, con sus veladas poéticas, en las cuales aparecían ante una audiencia,

con atuendos extraños y produciendo sonidos aparentemente absurdos. En este caso, no era

importante lo que pudieran decir, sino lo que estaban “haciendo”.

Imaginemos otro ejemplo para entender mejor este tipo de procesos: supongamos que tú eres el

artista y supongamos que necesitas construir una obra plástica a través de la cual logres establecer,

expresar y transmitir ciertas ideas y significados que deseas plantear a través de tu obra. Si fueras un

pintor, lo harías construyendo formas mediante la aplicación de pigmentos sobre una superficie. Si

fueras escultor, lo harías creando volúmenes y espacios en un bloque de material, tal vez piedra,

mármol o madera. Si fueras dibujante, lo harías realizando trazos en un papel. Pero vamos a pensar

que no eres ninguno de los anteriores, sino un artista de “acciones”. ¿Qué significa esto? Quiere decir

que en lugar de usar pinceles, pigmentos, bloques de piedra, mármol o madera, papeles o lápices

para hacer la construcción de tu obra, vas a construirla a partir de las “acciones” que realices con tu

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cuerpo, y en algunos casos, sólo te podrás ayudar de algunos objetos como un apoyo o complemento

de lo que hagas con todo tu cuerpo: gestos, ademanes, sonidos, desplazamientos, contorsiones,

desdoblamientos, etc.

Si en una pintura o dibujo, el espacio de la obra está definido por los limites del tamaño del lienzo o

del papel; así como en una escultura, el espacio de ésta será el definido por los límites del bloque del

material trabajado, entonces, en una obra construida a partir de acciones ¿cuál será el espacio de

construcción de la obra? Será aquel espacio definido (o destinado) para la realización de las acciones

y el cual se verá establecido y delimitado, toda vez que las acciones se hayan llevado a cabo.

Aquí cabe una pregunta interesante ¿podemos descontextualizar, recontextualizar, intervenir, instalar,

deconstruir, reconstruir y narrar a partir de nuestras acciones? claro que sí. El hecho de que la obra

esté construida a partir de acciones en lugar de trazos, pigmentos y formas, no es una limitante para

que se realicen, en cierta medida, los procesos que ya hemos descrito. Veamos un ejemplo.

Actualmente se habla del gran valor que tiene el trabajo doméstico que realizan las mujeres en casa,

pero si nosotros vemos a una mujer lavando trastes y cocinando en su propia cocina, esta acción no

despierta nuestro interés ni nos genera ninguna reflexión importante. Pero ¿qué ocurriría si

trasladamos a la misma mujer y las acciones domésticas que realiza, a alguno de los pasillos

concurridos del metro de la ciudad de México? obviamente todo lo que realice habrá de despertar la

curiosidad de los viajeros y no faltarán los que se detengan a observar e indagar qué es lo que “hace”

una mujer, vestida de “ama de casa” lavando, cocinando y barriendo dentro de un espacio que no es

el natural e indicado para hacer todo esto. Al trasladar a la mujer a un espacio que no le corresponde

(de la cocina de su casa a un pasillo del metro), estamos Descontextualizándola, así como a todas las

acciones que realice. La estamos Instalando junto con sus utensilios y mobiliario doméstico, y de esta

manera, estamos Interviniendo el espacio. Cuando la mujer comienza a barrer, lavar o cocinar

(acciones) está “Narrando” algo a los espectadores y establece la producción y transferencia de

expresiones y significados hacia éstos, ya que una mujer realizando sus quehaceres en la casa, no

es relevante, pero si al ir caminando por los pasillos del metro nos la encontramos haciendo esto

mismo, entonces las acciones adquieren relevancia narrativa y nos inducen a la búsqueda de lo que

se nos quiere transmitir o dar a entender.

Transferencia y carga de significados

Hagamos un ejercicio de análisis y reflexión para entender este proceso. Si nos pidieran que

dijésemos palabras o conceptos asociados a ciertos objetos, dichas palabras o conceptos serían el

producto de lo que estos objetos representan en nuestro intelecto. Por ejemplo, si tenemos una

cadena gruesa de acero, las palabras que surgirían sin duda serían esclavitud, falta de libertad,

sometimiento, presidio, castigo, etc. Ya que todo eso nos puede representar una cadena gruesa de

acero, así como una paloma blanca puede representar la paz o un puño levantado nos puede

representar espíritu de lucha o libertad, y así podríamos proseguir una lista interminable de objetos y

lo que representan o simbolizan para los individuos y sus sociedades.

Una compañera estudiante quiso hacer una obra plástica a partir de los conceptos de “Discapacidad”

y “Discriminación”. Para el primero eligió una muleta usada, algo gastada (recordemos la Narrativa

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del Objeto), luego tomó una cadena gruesa y con ella, envolvió a la muleta como si la estuviera

sujetando de una manera apretada y dramática. Por último, construyó un letrero en madera, parecido

a los que vemos en cualquier negocio o empresa donde escribió: “Se solicita ayudante. No se

aceptan discapacitados.” Y lo sujetó de manera visible a la muleta encadenada.

¿Qué nos dice este objeto construido a partir de la fusión de otros? Si vamos por partes, sin duda

vemos la relación directa entre la muleta usada y la idea de una persona con discapacidad. ¿Qué

significa la cadena? esclavitud, sometimiento, falta de libertad, y en este caso, limitación para realizar

algo. Es decir, se suman los significados de la muleta y la cadena, entonces los significados se

transfieren y los objetos quedan cargados de un significado más amplio o complejo. Al colocar el

letrero con la frase “Se solicita ayudante. No se aceptan discapacitados”, entonces la carga de

significado se eleva y la referencia se vuelve directa e inequívoca: nos habla de las limitaciones, no

tanto de las que surgen a partir del mismo padecimiento de una enfermedad incapacitante, sino de

aquellas que surgen de una sociedad laboral y de consumo, que en lugar de dar apoyo y apertura a

las personas con limitaciones por discapacidad, generan otro tipo de obstáculos y barreras que les

pueden hacer la vida más dura, en este caso, el desempleo. Lo que la estudiante deseaba transmitir,

era que si para una persona completa en el uso de sus capacidades y facultades, la búsqueda de un

trabajo digno puede ser una tarea difícil, para una persona con discapacidad, esta labor puede

resultar imposible en una sociedad que carece de la sensibilidad para valorar el esfuerzo de un

discapacitado.

¿Cómo logró la estudiante este concepto tan amplio y complejo? Primero hay que acotar que no

surge de la nada y los objetos elegidos no fueron producto de la casualidad, sino de un arduo proceso

de pensamiento y reflexión. Fue sumando, transfiriendo y adecuando los significados de cada uno de

los objetos, por separado primero, para después unirlos de determinada manera, haciendo que la

carga de significado del objeto nuevo (una muleta encadenada mostrando un letrero que solicita un

ayudante cualquiera, menos un discapacitado) quede establecida a partir de la suma-transferencia de

todos los significados parciales hacia el significado total del nuevo objeto.

Cabe mencionar que en este proceso, hacer una difusa o mala elección de los objetos, una incorrecta

estructuración y relación entre ellos, dará por resultado que el significado total cambie por completo.

Así como cuando se realiza el retrato de una persona: una línea mal puesta, un labio mal

contorneado o un volumen mal logrado, nos dará por resultado una persona totalmente diferente a la

que estamos retratando.

Desglose de contenidos de la lectura

Exposición del docente: Identificación de medios y procesos: Descontextualización-Recontextualización Deconstrucción-Reconstrucción Intervención-Instalación Narrativa de un objeto Acciones y significado Transferencia y carga de significados

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Productos para evaluar:

Por medio de la actividad en clase, de la actividad en casa y el ejercicio de autoevaluación: Se valorará la capacidad que posees para establecer la relación correcta entre la corriente

artística, el texto que describe sus características y la imagen de una obra representativa de cada una de las corrientes descritas.

De acuerdo con el grado de dificultad que el ejercicio represente para ti, se determinará la manera en que recuperas tus conocimientos previos y la aplicación de características descriptivas, en una imagen que las contiene de manera visual.

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Sesión 2

Identificación de los principales medios plásticos y procesos de construcción de la obra artística en el Arte Contemporáneo.

Ejercicio de Autoevaluación

A continuación se te presentan las imágenes de obras dentro del Arte Contemporáneo, acompañadas, cada una, de una breve descripción y una explicación sobre a cuál movimiento plástico pertenecen. Tu trabajo consiste en comprender, a partir de su descripción, cuál o cuáles procesos, de los descritos en la lectura, fueron utilizados en la realización de la obra, así como las

Actividad en Clase

Lectura de Comprensión

Actividad en Casa

Para trabajar en tu casa, tienes que pensar y proponer, por lo menos tres Temas de trabajo, que sean de relevancia e impacto social evidentes, considerando que vas a construir un objeto artístico a partir de uno de esos Temas. También deberás tratar de ir planeando y prefigurando los procesos, los materiales y la manera en que posiblemente podrías definir la relación entre Tema y Objeto terminado; sin olvidar que en el proceso de creación, por lo regular, nunca nos quedamos con la primera idea, la cual se va transformando durante el proceso de creación.

Algunos ejemplos de Temas de trabajo, pueden ser: Globalización.

Derechos Humanos. Calentamiento Global. Represión. Corrupción;

etc. Como se puede apreciar, los temas anteriores son de un evidente

impacto social, tienen relación con nuestro entorno y nuestra época y, de alguna manera, hemos tenido contacto con sus causas y consecuencias.

Entonces para la próxima sesión, no olvides traer tus propuestas de tema, con una breve justificación y descripción de cada uno, por escrito y de forma verbal.

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ideas o conceptos detrás de la obra. Escríbelos y explica el por qué de cada uno (procesos utilizados y toda idea o concepto que creas que maneja la obra) en relación con la obra de la imagen que estás analizando: Joseph Beuys: << ¿Cómo narrar un cuadro a una liebre muerta?>> (1965) Performance o Arte

de Acciones

En una galería de Düsseldorf, Alemania, Joseph Beuys realizó un Performance (corriente del arte donde las acciones descontextualizadas del artista son las que construyen la obra) donde se presentó como si fuera una escultura viviente, con la cabeza cubierta de miel, sosteniendo una liebre muerta en brazos, sentado en una silla en un rincón de la galería cerca de la entrada. Se ponía de pie y caminaba, sosteniendo en brazos el cuerpo de la liebre, a la cual le explicaba verbalmente, algunos de los cuadros que colgaban de las paredes. De repente, tomaba alguna de las patas del animal y la colocaba sobre alguno de los cuadros, pretendiendo que la liebre los “tocara”, mientras

le decía que “era suficiente con mirar el cuadro para comprender lo que

realmente era importante en él”. El mismo Beuys decía “…sin duda, la

liebre reconoce mejor que el hombre y su racionalismo obstinado, la importancia de las direcciones”, haciendo referencia a los críticos,

teóricos y mercaderes del arte que, por lo regular, no tienen la menor idea de lo elemental y esencial en la obra artística.

Procesos Utilizados:

Ideas detrás de la obra:

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Andy Warhol: <<Caja de Brillo>> Madera y serigrafía (1964) Pop Art

Esta obra, que se puede apreciar como una escultura por su tridimensionalidad, fue hecha en 1964 por un artista estadounidense llamado Andy Warhol, quien fue representante de una corriente llamada Pop Art o Arte Popular. Esta corriente planteaba un redescubrimiento del universo de lo cotidiano en los aspectos más banales y triviales de la sociedad moderna tecnificada y consumista. Así se rescataron del entorno cotidiano objetos como cómics, publicidad, ilustraciones, revistas, ropa, personajes de cine y tv o como en el caso de la imagen, artículos de consumo diario. En pocas palabras, el Pop Art pretendía elevar a tema de creación artística todo aquello que una persona común compraba, consumía y desechaba. En este caso, A. Warhol hizo reproducciones en madera de las cajas de cartón que contenían un detergente llamado “Brillo” y con serigrafía les imprimió las

etiquetas, igual que en las originales. De esta manera, de un objeto repetido muchas veces para el consumo, logró obtener un objeto de arte (caja de madera decorada) único por el tratamiento plástico al que fue sometido y que era reconocido e identificado fácilmente por el espectador-consumidor.

Procesos Utilizados: Ideas detrás de la obra:

Duane Hanson <<Turistas>> Fibra de vidrio y resina (1970) Hiperrealismo

El Hiperrealismo fue una corriente surgida en Estados Unidos, en relación al Pop Art, a finales de los 60s. Esta corriente recoge un gusto por temas referentes a una sociedad de consumo, incorporando en la obra tonos de ironía, humor, crítica directa y ridiculez. Tanto en pintura como en escultura, se encargó de presentar de manera exacta los rasgos más chocantes de una sociedad dominada por el binomio producción-consumo. Escaparates, automóviles, paisaje urbano, gasolineras, gente comprando en un supermercado, o como en este caso, una pareja de turistas cargados de un agudo realismo. La precisión fotográfica de estas obras, muestran fiel y detalladamente los arquetipos o modelos que seguía la sociedad norteamericana de consumo.

Esta obra de D. Hanson, hecha en fibra de vidrio y resina de poliéster retrata la realidad banal y cotidiana de cualquier ciudadano anónimo,

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que se funde en las masas de miles de personas que están invadidas por el espíritu de viajar, comprar, consumir y “disfrutar”. Son dos

maniquíes de tamaño natural, vestidos con la indumentaria de cualquier turista, los cuales por la fidelidad que presentan respecto a modelos reales, pueden resultar chocantes, ridículos y exagerados.

Procesos Utilizados: Ideas detrás de la obra:

Michael Heizer <<Masa desplazada y colocada de nuevo en su sitio>> (1969) Land Art

/Minimalismo

Michael Heizer realizó la excavación de una fosa en medio de un desierto. Extrajo el bloque entero de tierra endurecida y dio forma geométrica a la fosa (rectangular). Posteriormente tomó el bloque de material que había extraído y lo colocó de nuevo en el espacio que le correspondía. Obviamente, el bloque ya no encajaba perfectamente en la fosa, ya que el bloque era de forma irregular y la fosa fue reconfigurada de manera geométrica y regular. Esta obra se encuentra dentro de una corriente de Arte llamada Land Art o Arte de la Tierra, donde el soporte de la obra (el espacio sobre el que se construye) es una extensión basta de tierra a campo abierto. El espacio natural y los materiales que proporciona son los ingredientes de la obra, en la cual, se centra la atención en el procedimiento de transformación del espacio y su materia, pero sin ser contaminados por la civilización y sus sistemas de producción. También se considera Minimalista (ver la obra “Estructura” de Sol Lewitt) debido a la carencia de elementos

accesorios u ornamentales, dejando que la forma pura, tanto de la fosa como del bloque, hablen por sí solos.

Procesos Utilizados:

Ideas detrás de la obra:

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Robert Smithson <<Muelle en espiral>> (1970) Land Art

El Land Art o Arte de la Tierra, supone un retorno a la naturaleza en contraposición a la vivencia urbana planteada por el Pop Art y el Hiperrealismo. Las obras suelen construirse lejos de las ciudades, utilizando los materiales que el lugar proporciona y plantean la apropiación de una nueva realidad visual situada en medio de espacios abiertos y naturales, obras de duración limitada ya que al ser terminadas, al igual que cualquier elemento expuesto a la intemperie, sufren por igual, los estragos del tiempo y el clima.

En este caso, tenemos una obra de R. Smithson, llamada “muelle en espiral” y fue realizada en el Lago Salado de Utah. Se planteaba aquí una composición visual en espiral donde el trazo fue realizado por la acumulación de rocas del lugar, generando una reflexión sobre la materia usada, su reacomodo y sobre una propuesta mega-escultórica que plantea la obra como un lugar, en el cual, el espectador se puede desplazar al interior y exterior de la obra misma.

Procesos Utilizados:

Ideas detrás de la obra:

Sol Lewitt <<Estructura>> Metal (1966) Minimal o Arte Minimalista

El Minimal Art o Arte minimalista fue uno de los pilares de corrientes de Arte conceptual posteriores. Surgió en la segunda mitad de los años 60s. Era una corriente de un alto contenido intelectual y racional, por encima de aspectos sentimentales, intuitivos y emotivos. No se consideraban artistas, sino “fabricantes de objetos”,

reafirmando así, una tendencia a crear un trabajo más interesado en reflexiones lingüísticas, matemáticas, científicas y psicológicas. Proponían la síntesis de la forma y la simplicidad del color, “menos es más” era uno de sus postulados. Trabajaron exprimiendo la inevitable relación entre escultura y espacio, creando esculturas concretas, puntuales y sólidas en términos del espacio “mínimo” que ocupaban. En este caso, tenemos una obra

hecha en metal de Sol Lewitt, donde, mediante el manejo

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repetido de una figura mínima y básica como es el cuadrado, genera una estructura que se apropia de su propio espacio, imponiéndose y diferenciándose del entorno a partir de elementos mínimos. El arte minimalista no utilizaba colores, sólo blanco, negro y escalas de gris, debido a que decían que el color pretende generar estados emotivos y sugiere sentimientos.

Procesos Utilizados:

Ideas detrás de la obra:

Mario Merz <<Igloo>> (1986) Arte Povera/Arte Objeto

El Arte Povera surgió a mediados de los 60s en Italia. Una corriente que representaba un enfoque del arte principalmente anticomercial, efímero, trivial, antiformal, cuya máxima preocupación son las cualidades físicas del medio y lo cambiante de los materiales. Su importancia radica en el compromiso de los artistas con los materiales de actualidad y con la realidad total, integrando en la obra materiales de desecho. De esta manera, el material usado en la obra, el cual es un fragmento de la realidad, de lo social, de lo estético-urbano, se convierte en el protagonista expresivo y crítico de las sociedades de consumo. Con este tipo de obras, se genera una estética del desperdicio que busca explotar el poder expresivo y energético de los materiales y entonces, así como con el Dadaísmo, surgen posibilidades innumerables para la creación del objeto artístico.

En la obra de la imagen, tenemos un “Igloo” (iglú), el cual es esa

“habitación” de hielo semi-circular que usan las tribus de Esquimales para protegerse del clima. En este caso, M. Merz hace una réplica de dicha construcción, pero cambia el hielo por pedazos de madera vieja y cristales. Con esta construcción, establece la importancia de “Lo interior” y “lo exterior” como

conceptos. Para llegar a la entrada del “Igloo” coloca una vereda de periódicos atados en paquetes, y entre paquete y paquete, coloca acrílicos con números neón que representan la progresión de Fibonacci, la cual está basada en la reproducción de los conejos y, en este caso, según Merz, los humanos. En suma, la progresión de los números representa la reproducción de la vida misma.

Procesos Utilizados: Ideas detrás de la obra:

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Victor Vasarely <<Vega 200>> Acrílico sobre tela 200x200 cm. (1968) Arte Óptico

Esta obra pertenece a una corriente denominada Arte Óptico u Op Art, que tuvo sus orígenes a mediados de la década de los 60s. Estas obras propusieron una exploración en los campos de la psicología de la percepción y en los fenómenos de ilusión óptica más allá de un planteamiento puramente cinético.

En el Arte Óptico, el movimiento se basa en la energía producida por la percepción del observador. La sensación de movimiento es sugerida virtualmente mediante efectos e ilusión óptica generados en superficies planas, bidimensionales, con la finalidad de provocar en el espectador una reacción psicológica, a partir de una respuesta dinámica del ojo. Estas obras reclaman la presencia activa del espectador, tratando de romper con la tradicional obra estática, la cual se queda inmóvil mientras que el observador la aprecia. En este caso, el espectador, mediante diferentes puntos de observación, hace trabajar campos como el tiempo, el espacio, el movimiento, y de esta manera, es él mismo quien con su observación activa, transforma y manipula la obra, la cual en realidad, se encuentra quieta.

En esta obra, Víctor Vasarely propone un paralelismo entre Arte, Ciencia y Técnica como los componentes de la vida y la naturaleza, a partir de representaciones basadas en patrones geométricos. Con todo esto, planteaba que la evolución del hombre y la humanidad, así como en la naturaleza, requieren de la observación activa del ser humano para que se genere el cambio de las estructuras pre-establecidas. Aquí, mediante conjugaciones de color y formas geométricas, crea una obra llena de tensión y elasticidad, mostrando una esfera aparente, que lucha por escapar de una superficie plana y que sin embargo, está sujeta por evidentes fuerzas plástico-visuales.

Procesos Utilizados:

Ideas detrás de la obra:

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Joseph Kosuth <<Una y tres sillas>> (1965) Arte Conceptual/Arte Objeto

Joseph Kosuth fue uno de los principales precursores del llamado Arte Conceptual, surgido como tal a finales de los 60s. El arte conceptual cuestiona la validez de lo formal y replantea el papel del observador de la obra, proponiendo obras que no reflejen la realidad exterior ni la subjetividad del artista, sino el proceso mental-intelectual que se produce en la mente del espectador al estar frente a la obra. El Arte Conceptual propone la supremacía de la Idea por encima del proceso de materialización de la obra de arte. Así, el arte conceptual se dirige más a la mente del espectador que a su mirada, estableciendo un absoluto protagonismo de la idea y buscando siempre que toda obra construida, posea una idea o varias, que logren componer un concepto. En el caso de la imagen, Kosuth presentó una construcción formada por la fotografía de una silla, una silla de madera y un texto ampliado, mostrando la definición de “silla”

tomada de un diccionario. De esta manera, Kosuth establece tres elementos representativos o interpretaciones, que se desprenden de un único concepto: una Silla (y tres maneras de representarla).

Procesos Utilizados:

Ideas detrás de la obra:

Jean Tinguely <<Homenaje a Nueva York (fragmento)” (1960) Arte Cinético/Arte

Objeto/Performance

El Arte Cinético tuvo sus antecedentes en los Relieves Rotatorios de Marcel Duchamp de 1935 (discos que tenían diseños en espiral y que giraban con ayuda de un motor), y los “Móviles” de Alexander Calder (esculturas colgantes compuestas de caprichosas formas metálicas) de 1932. Esta corriente artística tuvo sus inicios a finales de los años 50s y se consolidó durante la primera mitad de los años 60s. Su propuesta se centraba en la producción de movimiento real a partir de objetos y esculturas móviles, que se ayudaban, en ocasiones, por fuerzas naturales como el viento, el calor o magnetismo y en otros casos, se apoyaban de motores, poleas y elementos luminotécnicos, para lograr el movimiento. Los artistas de esta corriente trataron de equiparar el Arte

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con la Ciencia, y a sí mismos se llamaban Artistas Ingenieros. Proponían que sus objetos no fueran llamados esculturas o ensamblajes, sino Sistemas de Movimiento. En el caso de la imagen, se trata de una escultura cinética, diseñada para autodestruirse en cuanto se pusiera en movimiento y después de realizar una especie de Performance (en este caso, las acciones fueron realizadas por la escultura móvil ante los espectadores). Fue construida a partir de material de desecho, como ruedas, madera, un globo meteorológico, recipientes con humo, un motor, tubos y varillas. Estas esculturas móviles o máquinas, planteaban una crítica a un mundo y a una sociedad que pugna por la tecnificación y el avance tecnológico desmedidos.

Procesos Utilizados: Ideas detrás de la obra:

Arman <<Cólera de Violín>> (1974) Arte Objeto

El Arte objeto, más que una corriente o movimiento artístico, sugiere una modalidad o medio para producir la obra. Podemos decir que fue inaugurado por Marcel Duchamp (Dadaísmo) con sus Ready-made´s (objetos escultóricos construidos a partir de objetos cotidianos pre-diseñados y pre-fabricados: La Rueda de Bicicleta, por ejemplo). Muchas de las corrientes y movimientos dentro del Arte Contemporáneo, echaron mano de este tipo de objetos y cosas, para descontextualizarlos y colocarlos en una representación artística. En la imagen tenemos una obra de Arman, un artista francés cuyas exploraciones se dieron en la línea de alterar y transformar los objetos a partir de procesos simples y directos: quemarlos, aplastarlos, acumularlos o, como en el caso de la imagen, trocearlos, para después realizar una nueva estructuración e integración de las partes resultantes, obteniéndose así, un objeto semi reconocible e identificable, pero a partir de una re-interpretación, teniendo como referencia el objeto mismo en su estado original. Arman establece que los objetos de nuestra cotidianeidad sólo pueden ser alterados por dos fuerzas vitales: la racionalidad y la irracionalidad, siendo esta última la utilizada para generar el objeto que tenemos, el cual es un violín troceado y montado sobre un bloque de concreto.

Procesos Utilizados: Ideas detrás de la obra:

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Productos para evaluar:

Por medio de la actividad en clase, de la actividad en casa y el ejercicio de autoevaluación:

Debes hacer la correcta identificación y reconocimiento, de los procesos de construcción de la obra que fueron utilizados en cada caso, de acuerdo a los procesos expuestos en la lectura.

También es necesario que describas y argumentes todas las ideas y conceptos que la obra te genera, a partir de lo que ves y la información que se te proporciona en cada una de las imágenes.

Sesión 3

(Portafolio) Planeación para la aplicación de medios alternativos y procesos de producción

artística en la construcción de una obra plástica personal, dentro de las características del Arte Contemporáneo.

Propuesta y selección de un tema de impacto social desde la perspectiva del estudiante. Como trabajo en casa, el estudiante debió pensar y presentar por lo menos tres posibles

temas de trabajo. Una vez que los haya presentado, con una breve descripción de lo que tratan cada uno, así como la justificación de cada propuesta, el estudiante, con ayuda de las opiniones de sus compañeros y del docente, habrá de poner las posibles limitaciones y las posibles ventajas de cada tema que tiene propuesto como su proyecto de trabajo.

Proceso de Bocetaje y análisis preliminar de la propuesta plástica a desarrollar. Introducción

Si se propusieran tres temas: La Corrupción en México, La extinción de la Mariposa Monarca y

La Crisis del Fútbol Mexicano; ¿cuál de los tres se presta mejor para un manejo dentro de Corrientes de Arte Contemporáneo? ¿De cuál podemos obtener información sin mayores problemas? ¿Cuál se presta para poder modificar conductas y maneras de pensar en los espectadores? ¿Cuál de estos temas vale la pena trabajarse como un proyecto de preparatoria? Estas preguntas, más las que puedan generarse a partir de las opiniones de compañeros y docentes, ayudarán para quedarse, al final, con un solo tema de trabajo. Para los propósitos de este apartado, vamos a suponer que el tema de La Corrupción en México es el que mejor se presta para trabajarlo como generador de una Obra artística dentro de las características del Arte Contemporáneo.

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Reiterar, argumentar y explicar el porqué ha seleccionado este Tema por encima de sus otros

temas propuestos. ¿Qué es, lo poco o mucho que sé respecto al tema? ¿Qué es lo que la gente y mis compañeros conocen respecto al tema? ¿Por qué es importante hablar de este tema? ¿Cómo y de qué manera nos afecta el tema y sus derivaciones? ¿Qué es lo que quiero decir sobre este tema? ¿Para qué o por qué quiero decirlo? ¿Qué es lo importante que se debe decir sobre este tema? ¿Qué espero cambiar o modificar en los espectadores cuando vean lo que he creado y

dicho sobre este tema? Propuesta y selección del soporte, los materiales, las dimensiones y los objetos

prediseñados en función del tema. Propuesta y selección del o los procesos revisados a utilizar, en función del tema.

Todo lo anterior te ayudará a clarificar qué es lo que pretendes decir respecto al tema a través de una obra plástica de tu creación. Es recomendable que vayas anotando todo, absolutamente todo lo que se te ocurra, a manera de texto y/o de dibujos o esquemas, para que al final del proceso, tengas un registro detallado del proceso creativo.

Una vez que tienes claridad sobre lo que pretendes decir acerca de tu tema de trabajo, (a través de una obra artística), lo que prosigue es establecer las características de los materiales para la obra que vas a crear, de acuerdo a todo lo que pretendes decir sobre el tema. Los siguientes incisos te pueden ayudar:

a) Haz una lista, extensa y profunda, de todos los factores, elementos, protagonistas y objetos que tengan una relación directa y/o indirecta con el tema que estás trabajando.

b) De esa lista, subraya o marca todos aquellos (factores, elementos, protagonistas y objetos) que puedan resultar interesantes, expresivos, originales, propositivos, con poder visual, indispensables.

c) De lo subrayado o marcado, determina cuáles son indispensables, cuáles son menos relevantes y cuáles son aquellos que podemos suprimir.

Actividad en Clase

Una vez seleccionado tu Tema, tienes que plantearte y desarrollar por escrito lo siguiente:

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d) De los que quedaron, determina con qué o cuáles objetos puedes representarlos o relacionarlos; cuáles son fáciles de producir y/o conseguir, así como las características específicas y particulares de estos objetos.

Ejemplo

Recordando que propusimos el tema de La Corrupción en México, vamos a establecer lo siguiente, de acuerdo a lo que llevamos hasta ahora. Procura hacer lo mismo con tu tema de trabajo: Brevemente: ¿Qué es lo que queremos decir sobre La Corrupción en México y para qué

hacerlo?

Nuestra intención es denunciar y protestar contra la Corrupción en México, ya que sabemos que es

un lastre vergonzoso que muestra las conductas más negativas del mexicano y que no permite que

avancemos en el plano individual y social. Es necesario hablar sobre esto para que generemos

conciencia y tratemos de modificar nuestra conducta, condicionada, en muchas ocasiones, por los

procesos de la Corrupción.

En conclusión, la Corrupción es una reproducción de conductas negativas y debemos

denunciarla para generar conciencia y modificar la conducta individual y social.

a) Lista de factores que tienen que ver con la Corrupción: México. Ciudad de México. Nivel educativo. Pérdida de valores. Aprendizaje a partir de malos ejemplos. Autoridades. Instituciones. Servidores Públicos. Dinero. Robo. Extorsión. Falsificación. El Poder como mercancía. Símbolos del poder. Policía. Placa de policía. Patrulla. Papeles. Tramites. Cárcel. Rejas. Padres. Hijos. Familia. Enseñanza de principios y valores. Delito. Comunicación. Denuncia. Etcétera. (La lista puede ser más extensa).

b) Los factores o elementos que hemos subrayado son los siguientes: México. Nivel Educativo. Figura de Autoridad. Servidor Público. El poder. Delito. Dinero. Robo. Policía. Cárcel. Malos ejemplos. Papeles.

c) Los que creemos indispensables, de acuerdo a lo que pretendemos expresar: México. Nivel Educativo. Servidor Público. Dinero. Delito. Policía. Cárcel.

d) Representación y relación de los factores resultantes, traducidos en objetos:

e) México: Una bandera, un mapa de México, cualquier símbolo que haga referencia directa a la idea de “México”.

f) Nivel educativo = Educación: Libros, cuadernos, boleta de calificaciones, diplomas, títulos académicos, credencial de estudiante, etc.

g) Servidor Público = Policía: Una placa de policía, un policía o patrulla en miniatura, un gorro de policía, botas e policía o militar, una camisa de policía, la foto o imagen de un policía. Todo objeto que haga referencia a un servidor público, en este caso, un policía.

h) Dinero: Puede ser dinero en papel o monedas, de circulación nacional o réplicas de este. i) Delito = ilegalidad = Violar la ley: Un ejemplar de la constitución, ejemplar de cualquier

reglamento de orden público. j) Cárcel = Encierro: Jaula, caja, algo que tenga rejas y esté cerrado.

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Hasta este punto, tenemos ya lo que pretendemos decir sobre nuestro tema y para qué lo vamos a decir. Tenemos los factores que intervienen en el tema de trabajo y los hemos traducido en objetos que los representan o simbolizan. El paso siguiente, es tratar de definir cómo vamos a relacionar estos objetos (y lo que representan o simbolizan) al construir nuestra obra plástica.

Otro punto importante, es que no necesitas seguir al pie de la letra nuestro ejemplo, sólo debes tomarlo como una guía, ya que por la naturaleza de tu tema propuesto, lo que pretendas decir sobre él y los factores o ideas relacionados, habrá algunas diferencias o desviaciones con respecto del ejemplo que te estamos exponiendo. Tu asesor docente estará pendiente del desarrollo de tu proceso de creación y te dará las indicaciones que hagan falta.

Ahora lo que debemos establecer es qué tipo de obra queremos y creemos que va a funcionar mejor para expresar y transmitir lo que planteamos en un inicio, respecto al tema de trabajo. Recuerda los tipos de objetos que viste en los ejemplos las corrientes dentro del Arte Contemporáneo (que se trabajó en el ejercicio de autoevaluación de la Sesión 2). Recordemos un poco los procesos de creación de una obra plástica, dentro de las características del Arte Contemporáneo:

Descontextualización-Recontextualización Deconstrucción-Reconstrucción Intervención-Instalación Narrativa de un objeto Acciones y significado Transferencia y carga de significados

Aquí deberás hacer una aproximación a los procesos que vas a emplear para construir tu obra. No importa que sea la conjugación de varios o sólo utilices uno. No importa si al final alteras o modificas el proceso, siempre y cuando alcances tu objetivo: hacer que tu obra se exprese, resulte interesante, creativa, auténtica y que diga de manera efectiva lo que te planteaste en el inicio de todo su proceso. Es decir, se trata de que vayas imaginando (y dibujando) cuáles objetos vas a utilizar y de qué características, cómo los vas a unir, a relacionar y cómo los vas a establecer, integrándolos en un solo objeto o en una sola obra plástica, la cual va a cumplir una función e intención específicas, de acuerdo a tu propuesta. Siguiendo con el ejemplo sobre el tema de La Corrupción en México tenemos que vamos a utilizar lo siguiente:

Una Bandera de México, de tamaño pequeño, en tela. Una boleta de primaria con fotografía y calificaciones reprobatorias. Una bota negra de tipo militar. La réplica de una placa de policía. Billetes o dinero de utilería. Una réplica de la Constitución Política de México.

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Una jaula para pájaros, donde pueda caber todo lo anterior. Realiza tu propia lista sobre todo lo que vas a utilizar. En esta parte, ya tienes todo lo que vas a utilizar (objetos y lo que representan). Ya has pensado, de manera preliminar, el o los procesos descritos en la lectura, que posiblemente vas a emplear. Lo que sigue consiste en hacer una serie de bocetos donde unas o fusiones todos tus objetos, creando un sólo objeto que será establecido visualmente en el boceto o dibujo de la obra que vas a crear, y debes tratar que dicho dibujo sea lo más cercano posible a la obra ya terminada. Es lógico que no sea suficiente un primer boceto. Lo más probable es que, a partir de ese primer dibujo, quites o aumentes cosas, definas y detalles algunas más. Tu asesor docente te hará una serie de observaciones y sugerencias hasta que llegues al Boceto Final y entonces puedas ya proceder a la construcción o ensamblaje de tu obra final. Continuando con el ejemplo que venimos manejando respecto al tema de La Corrupción en México, después de hacer varios bocetos se llegó a lo siguiente:

Una bota negra de militar o policía, a la cual se le pegó la placa de policiaca. La bota esta repleta de dinero (billetes de utilería) y sumergida entre los billetes, de manera visible se encuentra la boleta de primaria de un individuo, en la cual se aprecia su foto y su nombre, el cual es un nombre muy común. Además se aprecian sus calificaciones en la boleta, las cuales son calificaciones reprobatorias.

Por otro lado, con la bandera envolvimos parcialmente el ejemplar de la Constitución Mexicana, dejando ver el título de este libro. Con clavos, unimos la bandera con el ejemplar de la Constitución Mexicana.

Por último, en el interior de la jaula para ave, colocamos en la base, la bandera envolviendo el libro de La Constitución Mexicana y encima de estos objetos, colocamos la bota con el dinero y la boleta de calificaciones en su interior.

Más adelante, al realizar el análisis de la obra terminada, vamos a explicar los significados y contenido de esta obra-ejemplo.

Actividad en Casa

Realizarás por lo menos tres bocetos (a partir del primero), de calidad aceptable en términos del manejo técnico y la expresividad visual. Estos bocetos, junto con todos los productos escritos, serán integrados a tu portafolio (carpeta) como registro del proceso de planeación-producción de tu obra plástica, dentro de las características del Arte Contemporáneo.

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Ejercicio de Autoevaluación

Esta primera evaluación del proceso de producción plástica en realidad es muy sencilla. Se trata de que en un escrito, que habrás de redactar, presentar y entregar a tu asesor docente, vas a desarrollar de manera general las siguientes cuestiones sobre tu tema:

¿Cuáles han sido tus dificultades para desarrollar el proceso hasta este punto? ¿Cuáles han sido las facilidades o ventajas que has tenido en el desarrollo del proceso de la

obra, hasta ahora? ¿Crees que los objetos, utensilios, materiales y procesos que estás proponiendo son los más

adecuados de acuerdo a tu planteamiento e intención iniciales? Explica con detalle por favor: ¿Has tenido claridad de lo que tienes que lograr al terminar tu obra o aún tienes confusiones?

Explica por favor: ¿Los bocetos que has realizado te han sido útiles para visualizar la obra a la que tienes que

llegar? Platícanos.

Productos para evaluar:

Por medio de la actividad en clase, de la actividad en casa y el ejercicio de autoevaluación:

Debes mostrar que tienes comprensión y claridad sobre el, o los procesos de producción de una obra plástica.

Debes mostrar habilidades de expresión visual en la realización de bocetos preliminares. Mostrarás tus capacidades para relacionar los contenidos de una obra en relación con sus

componentes visuales y sabrás expresarlos, describirlos y argumentarlos de manera verbal y escrita.

Sesión 4

(Portafolio) Aplicación de medios alternativos y procesos de producción artística en la

construcción de una obra personal, dentro de las características del Arte Contemporáneo. Establecimiento del boceto, los medios plásticos y los procesos definitivos a realizar. Boceto final.- presentación del trabajo realizado en casa, que consistirá en tres bocetos

realizados. Obviamente, deberán detectarse entre los bocetos, la evolución y las modificaciones que se le realizaron a cada uno a partir de tus reflexiones y de las observaciones y comentarios de tus compañeros y de tu asesor docente.

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De los tres bocetos que presentes, uno será el que escojas para que te ayude a guiarte en la construcción de tu obra plástica. Será aquel que sin duda, se aproxime de mejor manera a lo que deseas expresar o establecer a partir de tu tema de trabajo.

Selección definitiva de medios plásticos a utilizar. Ya tienes el boceto. Ya sabes cómo vas a integrar y unir los elementos y componentes de tu obra. Ya más o menos sabes si vas a descontextualizar, a cargar de significados tus objetos, a intervenir, a instalar, a deconstruir, a crear una narrativa con tus objetos, a transferir significados, a construir con acciones, etcétera.

Introducción En este apartado, deberás establecer y aplicar los medios plásticos necesarios para comenzar a construir tu obra. De manera muy breve, podemos entender como Medios Plásticos, todo lo que se refiere a Técnicas y materiales. Como estamos trabajando dentro las características del Arte Contemporáneo, en realidad, los Medios Plásticos se consideran Alternativos. Las instrucciones e

indicaciones que se te han venido mostrando hasta el momento, han sido pensados para que

construyas una obra de corte escultórico a partir la fusión de objetos prediseñados y

prefabricados (Arte Objeto), pero eso no es limitante para que puedas combinar o complementar con otros medios, siempre y cuando, esto ayude a establecer de mejor manera, todo aquello que deseas expresar y transmitir sobre tu tema a través de tu obra. Es decir que puedes complementar con pintura (óleo, acrílico, mixtas, collage); escultura (construcción, ensamblado, alambre, yeso, madera, soldadura, tallado, etc.); medios de gráfica y estampación (serigrafía, transfer, esténcil, grabado); fotografía, video, acciones, etc. En conclusión, puedes proponer y utilizar todo lo que tu creatividad e imaginación produzcan. Pero no olvides que siempre debe ser en función de lo que deseas expresar con tu obra. Por ejemplo, es posible que tú quieras, a cómo dé lugar, utilizar pintura roja como complemento de tu obra, pero debes analizar si la pintura roja ayudará en la transmisión eficaz y la expresión clara de tus ideas a través de tu obra o, por el contrario, la va a volver confusa y falta de claridad y contundencia.

Actividad en Clase

Aquí sólo te decimos “Manos a la obra”, así que tú ya sabes si

vas a clavar, atornillar, pegar, amarrar, soldar, pintar, raspar, lijar, torcer, aplastar, avejentar, ensuciar, cortar, trozar, rasgar, etc.

No olvides hacerte de los materiales, utensilios y herramientas que vas a necesitar. Platica con tu asesor para que veas con qué materiales se cuenta en la escuela y cuáles tienes que conseguir por tu parte.

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Ejercicio de Autoevaluación

Este ejercicio es muy sencillo: Una vez que termines la sesión, haz una pausa y observa con calma tú obra, hasta dónde la pudiste avanzar en su proceso de construcción y compárala con el boceto final. Piensa detenidamente qué cosas o elementos están de más o cuáles son aquellos que puedes quitar, siempre en función de que tu obra sea clara, directa y no se vuelva confusa y pierda relación con tu tema y tu intención. Esto realízalo en conjunto con tu asesor docente, para que te haga comentarios, sugerencias y observaciones.

Productos para evaluar:

Por medio de la actividad en clase, de la actividad en casa y el ejercicio de autoevaluación:

Lo que debes valorar, es el grado de avance que llevas en la construcción de tu obra y qué cosas, elementos o componentes le vas a adicionar o a suprimir, de acuerdo con tus apreciaciones y las sugerencias de tu docente.

Sesión 5

(Portafolio) Finalización del proceso de construcción de la obra plástica personal y realización de

procesos de análisis de Forma-Contenido en torno a la misma. Observación, lectura e interpretación de una obra plástica: Lo que vemos y lo que nos dice: Nosotros esperamos que para esta sesión tu obra ya esté terminada, o por lo menos, su grado de

avance se encuentre en la definición de detalles. De acuerdo a cómo haya quedado definida finalmente tu obra, vamos a realizarle una serie de análisis de Forma y Contenido.

Actividad en Casa

Vas a tener que llevarte tu obra para adelantar en casa su proceso de construcción. Si por el tamaño o por el tipo de proceso que estás realizando, no te es posible llevarte la obra a casa, procura entonces, en el transcurso de la semana, construir componentes o partes de la obra que puedas transportar, para después anexarlos o unirlos a tu obra final.

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A grandes rasgos, podemos definir como FORMA, todo aquello que la obra nos muestra en términos visuales y en términos de su construcción a partir de elementos plásticos: formas, colores, texturas, pesos visuales, líneas de tensión, etc.

Como CONTENIDO, podemos definir lo que esos colores, formas utilizadas, texturas que presenta, pesos visuales, manejo de símbolos y referencias visuales, nos van a expresar en términos de lo que significan.

Funcionalidad, estética y eficacia de la obra como sistema narrativo y comunicacional.

Ejemplo de Análisis de Forma-Contenido

Retomando el ejemplo de nuestra obra sobre el tema de La Corrupción en México, para que tengas una idea de lo que es la Forma y el Contenido, describiremos lo siguiente: Lo que vemos (forma): “Una bota negra de militar o policía, a la cual se le pegó la placa policíaca. Lo que significa, expresa o simboliza (contenido): Esto hace la referencia directa a un servidor

público y en este caso, a una figura de autoridad como un policía, la bota debe ser negra, ya que el

color negro es referencia de lo oscuro, de lo oculto. Si usáramos una bota vaquera, la referencia sería

hacia un ranchero o campesino y entonces el significado se volvería confuso.

Lo que vemos (forma): La bota esta repleta de dinero (billetes de utilería) y sumergida entre los billetes, de manera visible se encuentra la boleta de primaria de un individuo, en la cual, se aprecia su foto y su nombre, el cual es un nombre muy común. Además se aprecian sus calificaciones en la boleta, las cuales son calificaciones reprobatorias. Lo que significa, expresa o simboliza (contenido): Esto representa o significa, que la policía o la

autoridad, suelen llenarse de dinero. La boleta de un individuo que tiene un rostro y un nombre

común, significa que cualquier individuo que represente cierta figura de autoridad, puede verse

sumergido en cuestiones corruptas e ilegales. Las calificaciones reprobatorias indican que un bajo

nivel de estudios, por lo regular, se encuentra relacionado con la carencia de educación, principios y

valores.

Actividad en Clase

Instrumento de evaluación final del proceso. Análisis de Forma-Contenido y valoración de la obra como

sistema comunicacional. Este ejercicio lo vas a realizar de manera escrita y oral, de

acuerdo a los siguientes apartados que se te exponen a continuación. Para comenzar, te pedimos que retomes lo que se ejemplifica a continuación y ve haciendo lo mismo con tu obra.

Al finalizar este análisis escrito, lo pasarás en limpio y lo integrarás a tu carpeta o portafolio, junto con los ejercicios anteriores que realizaste. No olvides que son parte de tu evaluación final sobre todo este proceso.

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Lo que vemos (forma): La bandera está envolviendo parcialmente, al ejemplar de la Constitución Mexicana, dejando ver el título de este. Con clavos, a manera de alfileres, unimos la bandera con el ejemplar de la Constitución Mexicana. Lo que significa, expresa o simboliza (contenido): La bandera representa a México y está

envolviendo, cobijando y protegiendo a la Constitución Mexicana, el libro que contiene nuestras leyes,

las cuales deberían ser respetadas. El hecho de que estén unidos estos dos objetos, la bandera con

el libro, usando clavos, hace una referencia a sufrimiento, padecimiento, dolor, herida. Es decir, el

país y sus leyes padecen la corrupción de una manera no grata.

Lo que vemos (forma): En el interior de la jaula para ave, colocamos en la base, la bandera envolviendo el libro de La Constitución Mexicana y encima de estos objetos, colocamos la bota con el dinero y la boleta de calificaciones en su interior. Lo que significa, expresa o simboliza (contenido): En la base de todo, se encuentra el Libro de La

Constitución Mexicana (nuestras leyes) con la bandera mexicana clavada en él (un país que padece);

y el hecho de que por encima de estos objetos se encuentre la bota, la cual en su interior tiene

billetes y la boleta pésima de un sujeto que representa, junto con la bota, a cualquiera de nuestras

autoridades o servidores públicos, significa que este tipo de personas, de baja educación, sin valores

ni principios, son los que están pisoteando a nuestras leyes y a nuestro país. Que toda la

construcción se encuentre al interior de una jaula, quiere expresar que este fenómeno, el de la

corrupción, debe estar en cautiverio o tras las rejas.

Realiza el análisis que a continuación se presenta, además de todo lo anterior, también con tu obra, de manera detallada y profunda. En este apartado, deberás analizar y establecer lo siguiente, se recomienda que solicites la opinión de tus compañeros y hagas tus anotaciones:

¿Tu obra representa realmente lo que te propusiste o de repente, puede representar algo diferente?

¿Se distingue con facilidad a qué tema se está refiriendo tu obra? Tu obra, ¿puede referirse a otros temas, además del que propusiste? ¿Qué “historia” está platicando tu obra? ¿Qué dicen tus compañeros? ¿Es bella tu obra? ¿Interesante, extraña, original, mal hecha,

grotesca, violenta, impactante, inquietante, “muy equis”? ¿Qué adjetivos le quedan bien a tu

obra? ¿Qué le faltó a tu obra? ¿Qué le sobró a tu obra? Recopila todas las opiniones de tus compañeros, las de tu asesor docente y las tuyas propias.

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Ejercicio de Autoevaluación

Escribe una opinión general sobre todos los obstáculos y limitantes que se te presentaron al

construir tu obra, así como todas las ventajas o facilidades que tuviste durante el proceso. De una manera honesta, platícanos ¿qué le quitarías a tu obra? ¿qué otra cosa le pondrías?

¿de qué manera mejorarían estos cambios el resultado final? Los objetos, los materiales, los colores, los procesos, etc. que usaste, ¿fueron los más adecuados? ¿No fueron los más indicados? ¿Qué opinas?

Por último, llena el siguiente cuadro: Aquí describe con detalle tu obra, o puedes pegar el boceto final o una foto de tu obra terminada:

Aquí menciona si tu obra por sus características visuales y conceptuales se acerca a alguna de las Obras y Corrientes que pudiste apreciar en el ejercicio de autoevaluación de la Sesión 2

Aquí, describe con detalle Los Procesos de

Construcción que utilizaste, de acuerdo a los descritos en la lectura:

Aquí, haz mención de todas las ideas,

conceptos, significados, símbolos,

sentimientos y emociones que se logran transmitir en tu obra:

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Productos para evaluar:

Por medio de la actividad en clase, de la actividad en casa y el ejercicio de autoevaluación:

Para finalizar y cubrir el proceso deberás presentar tu obra terminada y el análisis detallado y completo que se te ha planteado en el ejercicio de autoevaluación de la Sesión 5.

Fuentes y referencias.

El Arte último del siglo XX: Del posminimalismo a lo multicultural, Guasch, Ana Maria, Edit. Alianza, 2003. Artes Visuales en el siglo XX Lucie Smith, Edward Lucie-Smith,. Edit. Köneman, 2000. Arte del siglo XX Ruhrberg; Edit Taschen, España, 2001

Arte Povera, Fernández Polanco, Aurora. Edit. Nerea, Madrid 1999. Primeras Vanguardias Artísticas, textos y documentos, Cirlot Lourdes, Edit. Parcifal, Barcelona, 1999. Cibergrafía

www.artistnomade.com/es/contemporain

www.ideasapiens.com/arte/estetica

www.kalipedia.com/arte/tema/webs

Ilustraciones

Imágenes utilizadas (en orden de aparición)

1. Equipo cronica, cinco bocetos, Historia Universal de la Pintura, Edit. Espasa, siglo XX1, año 2001, pag. 1108

2. “La Grenouillére” 1868. Claude Monet. Óleo sobre lienzo 40x52 cm. Museo Metropolitano de

Nueva York.

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3. “Postes azules. Número II” (Fragmento) 1953 Jackson Pollock. Óleo, laca automotriz y esmalte sobre tela. 196x448 cm Museum of Modern Art, New York.

4. “El pichón con guisantes” 1911-1912 Pablo Ruiz Picasso. Óleo sobre tela. Musée d’Art

Modern, París. 5. “Cueva de Guanches” 1933 Óscar Domínguez. Óleo sobre lienzo. 81x60 cm. Centro de Arte

Reina Sofia, Madrid. 6. “Rueda en bicicleta” (Versión de 1964) Marcel Duchamp. 110x205x94 cm. Centre Georges

Pompidou. París. 7. “Composición número II” (Composición en azul y rojo) 1929. Piet Mondrian. Óleo sobre tela.

40.3x32.1 cm. The Museum of Modern Art, New York. 8. “¿Cómo narrar un cuadro a una liebre muerta?” 1965. Joseph Beuys. Performance. Galería

Dusseldorf, Alemania. 9. “Caja de brillo” 1964. Andy Warhol. Cajas de madera y serigrafía. Colección particular.

Bruselas, Bélgica. 10. “Tourists” 1970. Duane Masón. Escultura en fibra de vidrio y poliéster. Tamaño natural 11. “Masa desplazada y colocada de nuevo en su sitio”. 1969. Michael Heizer. Desierto de Silver

Spring, Nevada. 12. “Muelle en espiral” 1970. Robert Smithson. Lago Salado, UTA. 13. “Estructura” 1966 Sol Lewitt. Metal esmaltado. 14. “Igloo” 1986. Mario Merz. Madera, periódicos, luces neón, cristal y acrílico. 15. “Vega 200” 1968 Victor Vasarely. Acrílico sobre tela. 200x200 cm. Colección privada. 16. “Una y tres sillas” 1965. Joseph Kosuth. Silla de madera, fotografía de la silla y texto impreso

definiendo “Silla”. Galeria Leo Castelli, Nueva York. 17. “Fragmento de homenaje a Nueva York” 1960. Jean Tinguely. Metal pintado, madera y tela.

203.7x75.1x223.2 cm. Museo de Arte Moderno de Nueva York. 18. “Cólera de violín” 1974. Arman. Violín troceado sobre hormigón. 104x103x27 cm. Museo

Cantini, Marsella. Las imágenes de la 2 a la 14 se obtuvieron del libro “Historia Universal del Arte”. Junquera, Juan

José. Edit. ESPASA CALPE, Madrid, España.

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Gobierno del Distrito Federal

Secretaría de Educación

Instituto de Educación Media Superior

México, D.F.

Artes Plásticas II

Versión para el Bachillerato Semiescolar

Autores: Ma. de las Nieves Delfín Madariaga

Juan Carlos González Hernández

Enero 2009 Revisión: Ma. de las Nieves Delfín Madariaga Juan Carlos González Hernández Diciembre de 2009 Versión electrónica Diciembre de 2009