Juan Parada

Turbulência II, 2017Cerâmica vitrificada sobre alumínio[Glazed ceramic on aluminum]180 x 228 x 4 cm

Relevo Chinês, 2017Cerâmica vitrificada sobre alumínio[Glazed ceramic on aluminum]107 x 76 x 13 cm

Antítese - Imagens Síntese, curadoria de Massimo Scaringella, Bienal Internacional de Curitiba, MON-Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, 2017[Antítese - Imagens Síntese, curated by Massimo Scaringella, International Biennial of Curitiba, Oscar Niemeyer Museum, Curitiba, Brazil, 2017]

Desenho Sensorial E1, 2017Cerâmica vitrificada sobre alumínio[Glazed ceramic on aluminum]117 x 48 x 22 cm

Desenho, , curadoria de Felipe Scovino, SIM Galeira, Curitiba, 2017[Desenho, curated by Felipe Scovino at SIM Galeria, Brazil, 2017]

Desenho Sensorial E2, 2017Cerâmica vitrificada sobre alumínio[Glazed ceramic on aluminum]158 x 61 x 27 cm

Desenho, , curadoria de Felipe Scovino, SIM Galeira, Curitiba, 2017[Desenho, curated by Felipe Scovino at SIM Galeria, Brazil, 2017]

Desenho, , curadoria de Felipe Scovino, SIM Galeira, Curitiba, 2017[Desenho, curated by Felipe Scovino at SIM Galeria, Brazil, 2017]

Circular Flow, 2017Cerâmica vitrificada[Glazed ceramic]Ø 84 x 16 cm

Turbulence, 2017Cerâmica vitrificada[Glazed ceramic]160 x 100 x 8 cm

Seattle Art Fair, SIM Galeira, Seattle, EUA, 2017[Seattle Art Fair, SIM Galeria, Seattle, USA, 2017]

Sound Topography VI, 2017Cerâmica vitrificada[Glazed ceramic]100 x 90 x 4 cm

Tectônico II, 2017Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]160 x 105 cm

Topografia Sonora V, 2016Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]Ø 82 cm

Topografia Sonora, 2016Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]Ø 82 cm

Tectônico I, 2016Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]180 x 100 cm

Linhas de força II, 2016Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]113 x 123 cm

Linhas de força I, 2016Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]115 x 124 cm

Linhas de força III, 2016Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]86 x 96 cm

RELATOS SOBRE MEUS ÚLTIMOS ANOS DE PRODUÇÃO

A contemporaneidade artística sob determinado foco caracteriza-se pelo rompimento das narrativas mestras modernistas, fragmentando a linearidade histórica dos “ismos”. Desse modo, diluiu-se a especialização do artista em determinada linguagem, ao mesmo tempo em que o contexto de atuação da arte se expandiu em contraposição ao espaço idealizado e hermético do modernismo.

Fazendo-se valer do revisionismo crítico estabelecido, o trabalho de arte – criado a partir dessas apropriações, ressignificações e recombinações de estilos, conceitos, referências históricas – adquire uma forma multifacetada.

A permissividade da arte contemporânea proporciona a intersecção de circuitos e valida a coexistência, em um mesmo tempo e espaço, das mais diversas vertentes de arte, assim evidenciando e autenticando a contaminação das linguagens artísticas. Com esses métodos de operação, os trabalhos se deslocam de seu lugar comum e nos propõem outros meios para sua atuação, provocando outras relações de tempo e de percepção. Em realidade, geram várias formas de crítica institucional, que implicitamente desafiam a “inocência do lugar da arte”, não só em termos físicos e espaciais mas também como a própria estrutura cultural definida pelas instituições de arte.

Um pilar de sustentação poética é o interesse por questões gráfico-escultóricas. Com a série de trabalhos Topografia Sonora e Linhas de Força, inicio uma nova linha de pesquisa, em que trago como discussão a experiência usando a progressão de formas geométricas e orgânicas, vindas de soluções estruturais vistas na natureza e também a partir da exploração de imagens geradas a partir de fenômenos físico e químico.

Na série Topografia Sonora, tenho como referência as formas generativas presentes na natureza, tanto em escala micro quanto macro. São soluções vindas de uma lógica matemática, na qual formas são geradas a partir de algoritmos genéticos que sofrem modificações e mutações. Segundo Celestino Soddu, ”Design Generativo é um processo morfogenético usando algoritmos estruturados como sistemas não-lineares para resultados únicos e não-repetíveis, intermináveis, executados por um código de informação, como na Natureza”. Essa lógica matemática serve como direção para a recombinação e criação de linhas e volumes desenvolvidos e apresentados nos meus últimos trabalhos.

Como continuidade da pesquisa, também há o interesse por ilustrações e gráficos vindos de experiências físicas e químicas, mesmo que virtuais e muitas vezes imaginadas pelos cientistas para representar fenômenos, como, por exemplo, a propagação de ondas, experiências eletromagnéticas, coordenadas polares, curvas de temperatura, etc. De forma prática, faço referência, prestigio e recombino o trabalho de físicos como James Maxwell, pioneiro no estudo do eletromagnetismo, cujas ilustrações do final do século XIX usei como ponto de partida, para criar os trabalhos da série Linhas de Força.

Nesses trabalhos mais recentes, busco trazer relações físicas, químicas e formais, mas também filosóficas presentes na auto-organização da natureza. De maneira geral em meu trabalho, uso a cerâmica como um material extremamente elástico, no sentido de possibilitar diversos recursos estéticos e plásticos. Sua aparência é facilmente camuflada, adquirindo o aspecto de metal, madeira, pedra ou mesmo a própria cerâmica com suas particularidades. Tanto nos painéis quanto nas instalações modulares, uso a cerâmica com intenções gráficas, seja quando traço e corto linhas sobre a placa de argila, vindas de um desenho vetorial feito em um software de computador, seja quando os módulos que formam as instalações se transformam em pontos ou pixels que constroem um desenho tridimensional flutuando no espaço, ainda com origem em estudos digitais. Portanto, uso a cerâmica como matéria para desenhar e promover uma situação de continuidade entre o grafismo e o volume.

A soma desses pensamentos sintetizados, comprimidos e apresentados nos trabalhos, tensiona e atrita os “limites” entre o espaço do mundo e o espaço da obra, entre as relações matéricas, questiona a instabilidade e o descontrole em relação à precisão técnica, cruza campos e gera novas possibilidades. Consequentemente, a obra acontece justamente no ponto de intersecção entre esses limites, reivindicando para si um novo posicionamento e uma nova classificação.

Juan Parada, 2016

REPORT ON THE LATEST YEARS OF MY PRODUCTION

The contemporary artistic on a particular focus is characterized by the disruption of the modernist master narratives, breaking the historical linearity of “isms.” Thus, the expertise of the artist in a particular language has been diluted, while the art action context has expanded opposed to the idealized and hermetic space of modernism.

Making avail of the established critical revisionism, the work of art - created from these appropriations, reinterpretations and recombinations of styles, concepts, historical references - acquires a multifaceted way.

The permissiveness of contemporary art provides the intersection of circuits and validates the coexistence in the same space and time of many different art currents, revealing and authenticating the contamination of artistic languages.

With these methods of operation, the works move from their common place and propose other media for their performance, causing other relationships of time and perception. In fact, they generate various forms of institutional critique, which implicitly challenge the “innocence of the place of art”, not only in physical and spatial terms, but also as the own cultural structure defined by art institutions.

A pillar of poetic support is the interest on graphic-sculptural issues. With the series of works Topografia Sonora [Sound Topography] and Linhas de Força [Power Lines], I begin a new research field in which I discuss the experience using the progression of geometric and organic forms, coming from structural solutions seen in nature and also from the exploitation of images created from physical and chemical phenomena.

In the series Topografia Sonora, I refer to the generative forms present in nature, both in micro and macro scales. These solutions come from a mathematical logic, in which forms are generated from genetic algorithms that suffer modifications and changes. According to Celestino Soddu, “Generative Design is a morphogenetic process using algorithms structured as nonlinear systems for unique, non-repeatable and endless results executed by an information code, as in Nature.” This mathematical logic is a direction for the recombination and creation of lines and volumes developed and presented in my latest works.

As a continuity of the research, there is also the interest on illustrations and graphics from physical and chemical experiments, even if virtual and often devised by scientists to represent phenomena, such as wave propagation, electromagnetic experiments, polar coordinates, temperature curves, etc. In a practical way, I refer, honor, and recombine the work of physicists such as James Maxwell, a pioneer in the study of electromagnetism, whose illustrations of the late nineteenth century I have used as a starting point to create the work of the series Linhas de Força.

In these latest works, I try to bring up physical, chemical and formal relations, but also philosophical ones present in nature’s self-organization. Overall in my work, I use pottery as a highly elastic material, in order to enable different aesthetic and plastic resources. Its appearance is easily camouflaged, acquiring the aspect of metal, wood, stone or even ceramic with its peculiarities. Both the panels and the modular installations use ceramic with graphic intent, when I trace and cut lines on the clay plate, coming from a vector drawing made in a computer software, or when the modules that make up the installations become dots or pixels that build up a three-dimensional drawing floating in the space, also from digital studies. Therefore, I use ceramic as a material to design and promote a state of continuity between the graphite and the volume.

The sum of these thoughts synthesized, compressed and presented in the work put under tension and friction the “boundaries” between the space of the world and the space of the work, between material relations. It also questions the instability and the lack of control regarding technical accuracy, crosses fields and generates new possibilities. Consequently, the work happens just at the point of intersection between these limits, claiming for itself a new position and a new classification.

Juan Parada, 2016

Arco Vivo, 2015Cerâmica, nylon, terra e plantas[Ceramic, nylon, soil and plants]2,2 x 1,8 x 3 m

Num segundo pilar de sustentação poética do meu trabalho, exploro o diálogo matérico presente nos trabalhos. Trato da relação criada entre a elementaridade matérica, como a terra, a água, as plantas, o metal e a própria cerâmica, sujeita a fenômenos naturais como a gravidade, a decomposição ou o próprio ciclo de vida.

O deslocamento do elemento vivo, no caso plantas, para o contexto artístico vem como uma ideia paradoxal, em que proponho um leve controle sobre algo que não pode ser controlado, como o crescimento e o ciclo de vida. Também paradoxal é a desconstrução da lógica com a inversão do natural, colocando a terra por cima e as plantas crescendo para baixo, uma forma de provocar o inconsciente coletivo das pessoas ao associar cerâmica e plantas. Essas obras se transformam no decorrer do tempo, evidenciando sua impermanência e nos conectando com o tempo biológico, pela observação das alterações que acontecerão. Como fruto disso, apresento instalações literalmente vivas, que mudam de forma constantemente e têm uma ligação íntima com o lugar onde estão instaladas e com o tempo que age sobre elas, de forma física e subjetiva, impondo uma dependência para quem irá apresentá-las, e assim garantir a experiência em sua totalidade.

Muito além de apenas observar a cor, o volume e a forma, a obra propõe ao espectador experimentar as transformações da matéria ao longo de um período, seja pelo crescimento da planta ou pela decomposição da matéria orgânica que a nutre. A partir das marcas e rastros dessas alterações, a obra passa a contar uma história e adquire uma memória própria.

Existe um interesse em criar confrontos e atritos, como no caso do alto contraste entre as peças de porcelana em diálogo com a terra bruta e escura que as preenchem. Tais provocações surgem como antagonismo na precisão matemática da montagem das instalações em relação ao crescimento das plantas que não controlamos. A própria forma como são apresentadas as instalações, suspendendo os objetos, gera uma analogia com a inconstância e instabilidade da vida.

Por vezes, posso sugerir uma narrativa, uma transição de elementos: mineral, vegetal e animal, formando uma espécie de sistema, como na série Sistema artificial de ciclo de vida ou mesmo nas instalações Teto Verde e Arco Vivo, no qual as partes que formam os trabalhos são tratadas como camadas matéricas e simbólicas.

São bases amplas para a minha pesquisa, a intersecção de campos como o da arte, da ciência e tecnologia, e são referências fundamentais para a construção da minha poética, portanto, nas palavras de Deborah Bruel: “o que Parada oferece são seres/coisas que habitam um espaço ao mesmo tempo que o criam como lugar de convivência, com atritos e desconfortos que incitam à reflexão, e também acomodações e equilíbrios que constroem as relações possíveis dessas associações: entre o que é artificial e o que é natural; o design funcional e a subjetividade da arte; entre o exímio controle da técnica e o empirismo da natureza; entre as formas dadas e conhecidas da arquitetura e o estranhamento dos elementos inusitados. Seus sistemas não são funcionais, no sentido do funcionalismo, pois carecem.”

In a second pillar, I explore the material dialogue present in the works. I treat the relationship created between the material elementarity, such as land, water, plants, metal and ceramic itself, under natural phenomena such as gravity, decomposition or the life cycle itself.

The displacement of the live element, such as plants, for the artistic context comes as a paradoxical idea, in which I propose a slight control over something that cannot be controlled, such as growth and life cycle. Also paradoxical is the deconstruction of logic with the reversal of the natural, putting the land up and the plants growing down, a way to provoke the collective unconsciousness of people to associate pottery and plants. These works change along the time, showing its impermanence and connecting us with biological time, by observing the changes that will happen. As a result of all, I present literally living installations, which constantly change their shape and have an intimate connection with the place where they are installed and the time that physically and subjectively acts on them, imposing a dependency for those who will introduce them, ensuring the experience of its whole.

Beyond just watching the color, the volume and the form, the work invites the viewer to experience the transformations of matter over a period, by the plant growth or by the decomposition of organic matter that nourishes it. From the marks and traces of these changes, the work begins to tell a story and acquires its own memory.

There is an interest in creating confrontations and frictions, such as the high contrast between the porcelain pieces relating to the raw and dark earth that fills them. Such provocations are like an antagonism in the mathematical precision of the assembly of installations in relation to the plant growth that we do not control. The way the installations are presented, suspending objects, creates an analogy with the inconstancy and instability of life.

Sometimes I suggest a narrative, a transition of elements: mineral, vegetative and animal, creating a kind of system, like the series Sistema artificial de ciclo de vida [Artificial system of life cycle] or even the installations Teto Verde and Arco Vivo, in which the pieces that create the work are treated as material and symbolic layers.

The broad bases for my research, the intersection of fields such as art, science and technology, are key references for the construction of my poetics, therefore, in the words of Deborah Bruel: “What Parada offers are beings/things that inhabit a space at the same time they creatit as a place of coexistence with clashes and discomforts that stimulate reflection and also accommodation and balances that build the possible relations of these associations: between what is artificial and what is natural, the functional design and subjectivity of art, between the expert control of technique and empiricism of nature;. between given and known forms of architecture and the strangeness of unusual elements. Their systems are not functional in the sense of functionalism, because they lack something”.

Topografia Sonora III, 2015Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]121 x 113 cm

Topografia Sonora II, 2015Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]121 x 113 cm

Topografia Sonora, 2015Cerâmica vitrificada sobre madeira[Glazed ceramic on wood]112 x 207 cm

Teto Verde, 2015Porcelana, nylon, terra e plantas[Porcelain, nylon, soil and plants]1,60 x 1,8 x 3 m

JUAN PARADA, JARDINEIRO DO AR | Daniela Name

Com Teto verde, Juan Parada dá um salto – real e simbólico – rumo ao espaço. A instalação que compõe a mostra homônima na Amarelonegro amplia e aprofunda seu campo de pesquisa com esculturas feitas de cerâmica ou porcelana, plantas naturais e dispositivos low tech. A ideia de abrigo presente em um telhado aparentemente residencial e a menção ao tipo de construção ecológica, cada vez mais necessária nos dias que correm, reforçam a imbricada relação entre paisagem, escultura e tecnologia na obra do artista paranaense.

O jardim doméstico talvez seja o primeiro horizonte registrado e construído em nossa memória como paisagem. Se o jardim zen pode ser o espelho para uma vida harmônica nos palácios de Kioto, outros jardins foram um possível refúgio quando carne e pedra1 começaram a se estranhar mais radicalmente com o crescimento das cidades no Ocidente. Parada cria um abrigo ambíguo: cobertura etérea e flutuante, plantação sem cercas. Seu jardim suspenso não se projeta da terra para o céu, escorrendo no sentido inverso como pequenas cachoeiras verdes, Babilônia silenciosa apontando para o chão da galeria.

A conjugação dessas duas direções – a estrutura que sobe, a vegetação que desce – aponta para a subversão que o artista faz em seu próprio processo criativo. Se por um lado vemos uma minuciosa composição de fios e esculturas, que evidencia o desenho do telhado feito no ar, por outro temos as plantas engolindo Euclides e a pretensão de uma geometria controlada. Há a linha feita dos pontos de cada peça escultórica, projetada; e há a linha fluida e orgânica da vegetação. Parte do engenho e da beleza deste trabalho vem da sobreposição e do ruído entre os dois desenhos: o virtual, traçado no ar, e o novelo labiríntico e incontrolável das plantas.

Há em Teto verde uma paisagem que também é suspensa metaforicamente, fica entre parênteses e nasce do entroncamento nem sempre amistoso entre a razão e o fluxo da natureza. Tal curto-circuito está na origem da invenção da paisagem como modo de pensar a relação entre o sujeito e algo além dele, artifício laborioso2 e motor da arte desde seus primeiros vestígios. Com Seurat ou Caspar Friedrich, com Leonardo ou Robert Smithson, a paisagem foi e é experiência e algum relato sobre o mundo. Por ser gerada no embate entre a experiência daquilo que nos cerca e o discurso sobre ela, obrigatoriamente ficcional, a paisagem sempre será uma invenção de mundos. No invento de Parada, há algo ainda a se levar em consideração: o fato de a palavra “ecologia” ter origem no grego oikos, “casa”. Com seu Teto verde, o artista parece se debruçar no beiral das telhas desse nosso século XXI, para talvez semear uma casa capaz de abrigar, simultaneamente, a linha projetada e a linha da vida em seus cômodos de ar.

Notas1 SENNETT, Richard. Carne e pedra. Rio de Janeiro: Record, 2010 (Edição de bolso).2 COQUELIN, Anne. A invenção da paisagem. São Paulo: Martins Fontes, 2007.# O título do texto foi inspirado afetuosamente em O fazendeiro do ar, de Carlos Drummond de Andrade.

JUAN PARADA, GARDENER OF THE AIR | Daniela Name

With Teto verde [Green ceiling], Juan Parada really and symbolically jumps into space. The installation which comprises the homonymous exhibition at Amarelonegro broadens and deepens his field of research with sculptures made of ceramic or porcelain, natural plants and low tech devices. This idea of a shelter in a apparently residential roof and the reference to a ecofriendly building, necessary these days, reinforce the intertwined relationship among landscape, sculpture and technology in the work of this artist from the state of Paraná.

The home garden may be the first horizon recorded and built in our memory as a landscape. If the Zen garden can be the mirror to a harmonious life in the palaces of Kyoto, other gardens were a possible refuge when flesh and stone1 more dramatically have become strangers to each other under the growth of Western cities. Parade creates an ambiguous shelter: ethereal and floating roof, planting without fences. His hanging garden does not protrude from the earth to the sky, running in reverse like small green waterfalls, as a silent Babylon pointing to the floor of the gallery.

The combination of these two directions - the structure that rises, the vegetation that descends - points to a subversion that the artist does in his own creative process. On the one hand, we see a detailed composition of wires and sculptures, which shows the design of the roof made in the air. On the other hand, we have plans swallowing Euclid and the pretension of a controlled geometry. There are a designed line made of points of each piece of sculpture and a fluid and organic line of vegetation. A part of the ingenuity and beauty of this work comes from the superposition and the friction between the two designs: the virtual route in the air and the labyrinthine and uncontrollable mix of plants.

In Teto verde, there is a landscape that is also metaphorically hanging. It is in parentheses and is born from the not always friendly junction between the reason and the flow of nature. This short circuit is in the origin of the invention of landscape as a way of thinking the relationship between the subject and something beyond it, a laborious device2 and an engine for art from its earliest traces. With Seurat or Caspar Friedrich, with Leonardo or Robert Smithson, the landscape was and still is a experience and a kind of account of the world. Generated by the clash between the experience of our surroundings and the necessarily fictional discourse about it, the landscape will always be an invention of worlds. In Parada’s invention, there is still something to take into consideration: the fact that the word “ecology” comes from the Greek oikos, “home”. With Teto verde, the artist seems stay at the roof of our twenty-first century, perhaps to sow a house capable of simultaneously holding the designed line and the life line on its air rooms.

Notes1 SENNETT, Richard. Carne e pedra [Flesh and Stone]. Rio de Janeiro: Record, 2010 (Edição de bolso).2 COQUELIN, Anne. A invenção da paisagem [L’invention du paysage]. São Paulo: Martins Fontes, 2007.# The title of this text was inspired by O fazendeiro do ar [The farmer of the air], by Carlos Drummond de Andrade.

Escultura Simbiótica VII, 2012Cerâmica vitrificada, terra, plantas e pvc[Glazed ceramic, soil, plants and pvc]112 x 207 cm

LIMIAR, curadoria de Arthur do Carmo e Tony Camargo, SIM Galeira, Curitiba, 2015[LIMIAR curated by Arthur do Carmo and Tony Camargo at SIM Galeria, Brazil, 2015]

Três pontos nunca mentem para mim, 2013Aço galvanizado, esmalte sintético, terra e plantas[Galvanized steel, synthetic enamel, soil and plants]222 x 145 x 145 cm

Invólucro 01, 2013Fibra de vidro, fibra de coco e musgo esfagno[Glass fiber, coconut fiber and sphagnum moss]25 x 25 x 12,5 cm

S.A.CI.VI. 01 (Sistema Artificial de Ciclo de Vida), 2013Cerâmica glasurada, metal, terra, água e planta[Glazed ceramic, metal, soil, water and plant]dimensões variáveis, peça cerâmica 23 x 40 x 40 cm[variable dimensions, ceramic tile]

S.A.CI.VI. 01 (Sistema Artificial de Ciclo de Vida), 2013Cerâmica glasurada, metal, terra, água e planta[Glazed ceramic, metal, soil, water and plant]dimensões variáveis, peça cerâmica 23 x 40 x 40 cm[variable dimensions, ceramic tile]

The first pillar of my work refers to the architectural space as expansion of the art work. According to this idea, the three-dimensional constructions are and merge into this place, not only physically questioning it, but also with the intention of discussing its social and political function. We realize that in the work of the individual exhibition A Memória da Matéria [The Memory of Matter], 2012, by the Volumes simbióticos [Symbiotic volumes], appropriating and modifying the plant and the walls of the room of the museum, or by the sculpture A Memória da Matéria, of architectural dimensions, which is established in the path and allows a walk, inside the work, experiencing the transition from one environment to another. Inside the plant-filled sculpture, the viewer perceives the work with his own body, feels the acoustic difference or the temperature change, moves sensitively and is stimulated to activate other senses to perceive the work in a whole. Issues inherent to the sculpture are brought up, being positive or negative, present in these works and others more recente, like the sculpture Três pontos nunca mentem para mim [Three points never lie to me] and the installations Arco Vivo [Alive Arch] and Teto Verde [Green Ceiling] in which both inside and outside there is information and, moved by curiosity, the viewer is induced to unravel them, covering them and relating to their scales and contextual rhythms they suggest.

Still on these relationships, Alberto Tassinari states that the space that belongs to the world in common and is required for the work is a part of it, but does not impose itself as a limit. It is like a happening space that becomes alive by the existence of the work. This concept makes us think of where they are or rather if there are boundaries between the work (artwork) and the space of the world it occupies, questioning this meeting and making these limits blurry, thus increasing the space of the work happening.

According to Daniel Buren, work and place imply themselves and are a limit to each other, creating a tension that leads to the appearance of a dialectic crisis between the function of the museum and the function of art. The work that has the place as a pretext for its constitution will cause a shift in the existing organization. These relationships are treated at the work in situ. For Buren, the work is an action, a position, and the place is not only physical, it is the context, the significance. In my research, I try to make use of this possibility of expanding the limits, both in the sphere of work and in multiple media approach.

A primeira fase da poática do meu trabalho refere-se ao espaço arquitetônico como expansão do trabalho de arte. Segundo tal proposta, as construções tridimensionais se inserem e se fundem nesse lugar, não apenas questionando-o fisicamente, mas também com a intenção de discutir sua função social e política. Percebemos isso nos trabalhos da exposição individual A Memória da Matéria, de 2012. Seja pelos Volumes simbióticos, apropriando-se e modificando a planta e paredes da sala do museu, seja pela escultura A Memória da Matéria, de dimensões arquitetônicas, que se instaura no pátio e permite um passeio, de fato por dentro da obra, experienciando a transição de um ambiente a outro. No interior da escultura repleto de plantas, o espectador percebe o trabalho com o próprio corpo, sente a diferença acústica ou a alteração de temperatura, se desloca de maneira sensível e é estimulado a ativar os outros sentidos para perceber a obra em sua plenitude. Questões inerentes à escultura também vem à tona, como a forma positiva ou negativa, que aparecem nesses trabalhos e se estendem para outros mais recentes, como a escultura Três pontos nunca mentem para mim e as instalações Arco Vivo e Teto Verde, no qual tanto dentro quanto fora é informação e, movido pela curiosidade, o espectador é induzido a desvendá-las, percorrendo-as e se relacionando com suas escalas e ritmos contextuais que propõem.

Ainda sobre essas relações, Alberto Tassinari afirma que o espaço que pertence ao mundo em comum e é requerido pela obra faz parte dela, mas não se impõe como limite. É como um espaço de acontecimento que se torna vivo pela existência da obra. Esse conceito pode nos fazer pensar onde estão, ou melhor, se existem os limites entre o trabalho (obra) e o espaço do mundo que ele ocupa, problematizando esse encontro e deixando nebulosos estes limites, alargando, assim, o espaço do acontecimento da obra.

De acordo com Daniel Buren, obra e lugar implicam-se e limitam-se mutuamente, gerando uma tensão que propicia o surgimento de uma crise dialética entre a função do museu e a função da arte. A obra que tem o lugar como um pretexto para sua constituição provocará um deslocamento nas ordenações existentes. Essas relações são tratadas no trabalho in situ. Para Buren, o trabalho é uma ação, um posicionamento; o lugar não é apenas físico, é contexto, significação. Em minha pesquisa, procuro fazer uso dessa possibilidade de expansão dos limites, tanto na esfera dos trabalhos quanto na múltipla abordagem dos meios.

A Memória da Matéria, 2011/2012Aço galvanizado, nylon, esmalte sintético, substrato orgânico e plantas[Galvanized steel, nylon, synthetic enamel, organic substrate and plants]2,05 x 2,52 x 3,50 m

Rastros Naturais - Padronagem 1201, 2011/2012Cerâmica glasurada[Glazed ceramic]0,34 x 2,76 x 0,12 m

Volumes Simbióticos - da série A Memória da Matéria, 2011/2012Chapas de MDF, aço galvanizado, nylon, tinta PVA, substrato orgânico e 18 espécies de plantas[MDF plates, galvanized steel, nylon, PVA ink, organic substrate and 18 species of plants]2,55 x 0,85 x 3 m | 0,5 x 0,8 x 1,4 m

JUAN PARADA

Nasceu em Curitiba, 1979. Vive e trabalha em Curitiba.[Born in Curitiba, Brazil, 1979. Lives and works in Curitiba]

FORMAÇÃO [EDUCATION]2010/11 Specialization in Modern and Contemporary Art History at School for Music and Fine Arts of Paraná, EMBAP, Curitiba, Brazil2002 Graduated in Sculpture at School for Music and Fine Arts of Paraná, EMBAP, Curitiba, Brazil EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS [SOLO EXHIBITIONS]2015 Teto Verde, Galeria Amarelonegro, Rio de Janeiro, Brazil Túnel de transições, Galeria Farol, Curitiba, Brazil2013 O Espaço Simbiótico, Centro de Criatividade do Parque São Lourenço, Curitiba2012 A Memória da Matéria, Museu da Gravura - Solar do Barão, Curitiba, Brazil FLUIDO SÓLIDO, Finnacena Escritório de Arte, Curitiba, Brazil

EXPOSIÇÕES COLETIVAS [GROUP EXHIBITIONS]2017 Desenho, , curated by Felipe Scovino, SIM Galeria, Curitiba, Brazil Antítese - Imagens Síntese, curadoria de Massimo Scaringella, Bienal Internacional de Curitiba, MON-Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brazil Seattle Art Fair, Seattle, USA2016 SP-Arte, São Paulo, Brazil Art Rio, Rio de Janeiro, Brazil2015 LIMIAR, SIM Galeria, Curitiba, Brazil TROPIKOS, Hof Art Space, Bangkok, Thailand2014 A-Play – Entre Artistas III, Espaço Cultural Ecco, Brasília, Brazil ArtRio, Pier Mauá, Rio de Janeiro, Brazil2013 Abre Alas 9, Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro, Brazil Art Expo Malaysia, Matrade Exhibition and Convention Centre, Kuala Lumpur, Malaysia Mirante, MUV Gallery, Rio de Janeiro, Brazil Retrato: Autorretrato, MUV Gallery, Rio de Janeiro, Brazil2012 “9”, Museu de Arte da Universidade Federal do Paraná, Curitiba, Brazil Duas Décadas de Arte Contemporânea: Artistas do Paraná na Bienal de Curitiba, MON - Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brazil2011 Águas do Amanhã, MON - Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brazil2010 Autorretrato, Casa Andrade Muricy, Curitiba, Brazil Inaidindia, SESC Paço da Liberdade, Curitiba, Brazil2009 Oi Expressões, Parque São Lourenço, Curitiba, Brazil2008 2° Salão Nacional de Cerâmica, Casa Andrade Muricy, Curitiba, Brazil2007 Variante4, Escola de Música e Belas Artes do Paraná - EMBAP, Curitiba

PREMIAÇÕES E RESIDÊNCIAS [AWARDS AND RESIDENCIES]2016 International artistic residence | Jingdezhen International Studio, Jingdezhen, China2015 Nominated artist to Prêmio Pipa 2015, Brazil International artistic residence | HOF Art Residency, Bangkok, Thailand2012 Edital de Ocupação de Espaços da Fundação Cultural de Curitiba - Centro de Criatividade, Curitiba, Brazil2010 V Bolsa Produção para Artes Visuais, Fundação Cultural de Curitiba, Brazil2008 Honorable Mention in the 2nd Salão Nacional de Cerâmica, Curitiba, Brazil

2007 Edital de Arte Urbana Viadutos e Trincheiras, Fundação Cultural de Curitiba

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