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EDUCAÇÃO INFANTILARTE

ANUAL

EDUCAÇÃO INFANTIL

MATERIAL DO PROFESSOR

LIVRO DE

FUNDAMENTAÇÃO

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Arte na Educação Infantil

Livro de Fundamentação

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Livro de FundamentaçãoArte na Educação InfantilLivro de Fundamentação

Editoração, Impressão e Comercialização: Editora Gráfica Opet • Av. Des. Hugo Simas, 1220 • CEP 80520-250Curitiba-PR • Tel.: (41) 3017 0111 • Fax: (41) 3017 0100 • 0800 41 0034

C957 Cruz, Lúcia Adriana Baleche.

Arte na educação infantil : livro de fundamentação / Lúcia

Adriana Balleche Cruz. — Curitiba : Opet, 2014. 40 p. : il.

ISBN 978-85-8010-560-5

1. Artes – Educação infantil. I. Título.

CDU 74

Dados Internacionais para Catalogação na Publicação (CIP) (Mônica Catani M. de Souza , CRB-9/807, PR, Brasil)

Todos os direitos reservados. Proibida a reprodução total ou parcial, em quaisquer meios, sem prévia autorização por escrito da Editora Opet.

AutoriaLúcia Baleche Cruz

Editora OpetDireção GeralMaria Cristina Swiatovski

Gerência de ProdutosGilberto Soares dos Santos

Coordenação EditorialAnna Carolina Mendes Curto

Assistente EditorialCristiane Marthendal de Oliveira

Coordenação de Editoração

Eliana Pereira Quaresma

Editoração

Fabiana Edições

Ilustrações

Jefferson Schnaider

Iconografia

Amanda dos Santos

Revisão Corporativa

Dyanne de Souza Lopes


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• Apresentação .................................................................................................................. 4

• Princípios Norteadores da Coleção ............................................................................. 5

• Objetivos da Coleção ..................................................................................................... 6

Objetivos Gerais ............................................................................................................. 6

Objetivos Específicos ..................................................................................................... 6

• Possibilidades Avaliativas ............................................................................................. 6

• Quadro Geral de Conteúdos para Artes ..................................................................... 7

• Orientações Didáticas ..................................................................................................14

Unidade 1 – Propostas para crianças de três anos .......................................................14

Unidade 2 – Propostas para crianças de quatro anos .................................................29

Unidade 3 – Propostas para crianças de cinco anos ....................................................45

Sumário

Livro de Fundamentação

Coleção de Arte para Professores da

Educação Infantil


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Apresentação

O livro de fundamentação da Arte na Educação Infantil foi elaborado para ampliar e aprofundar os conhecimentos a respeito das sugestões das Práticas Pedagógicas da obra por meio de biografias dos artistas, listagem de conteúdos e habilidades, sugestões de leituras e ampliações para que o trabalho com a Arte seja uma experiência rica e prazerosa para as crianças e você professor.

Bom trabalho!

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Princípios Norteadores da Coleção

A obra Arte na Educação Infantil foi elaborada com base nos documentos oficiais que fundamentam a Educação Infantil no Brasil, como as Diretrizes Curriculares Nacionais para a Educação Infantil (DCNEIs), os Parâmetros Nacionais de Qualidade para a Educação Infantil (PNQEIs) e os Referenciais Curriculares Nacionais para a Educação Infantil – que apresentam os âmbitos de Formação Pessoal e Social (eixos Identidade e Autonomia) e Conhecimento do Mundo (eixos Movimento, Artes Visuais, Música, Linguagem Oral e Escrita, Natureza e Sociedade e Relações Matemáticas).

De acordo com o inciso II do Artigo 7.º das Diretrizes Curriculares Nacionais para a Educação Infantil (DCNEIs) – Resolução n.º 5 de 17 de dezembro de 2009 – as propostas pedagógicas das instituições de Educação Infantil devem assumir “a responsabilidade de compartilhar e complementar a educação e cui-dado das crianças com as famílias”.

As atividades da obra estão de acordo com os Arts. 6.º e 9.º das Diretrizes Curriculares Nacionais para a Educação Infantil (DCNEIs), que estabelecem o seguinte:

Art. 6.º As propostas pedagógicas de Educação Infantil devem respeitar os seguin-tes princípios:

I – Éticos: da autonomia, da responsabilidade, da solidariedade e do respeito ao bem comum, ao meio ambiente e às diferentes culturas, identidades e singularidades.

II – Políticos: dos direitos de cidadania, do exercício da criticidade e do respeito à ordem democrática.

III – Estéticos: da sensibilidade, da criatividade, da ludicidade e da liberdade de expressão nas diferentes manifestações artísticas e culturais.

[...]

Art. 9.º As práticas pedagógicas que compõem a proposta curricular da Educação Infantil devem ter como eixos norteadores as interações e a brincadeira, garan-tindo experiências que:

I – promovam o conhecimento de si e do mundo por meio da ampliação de expe-riências sensoriais, expressivas, corporais que possibilitem movimentação ampla, expressão da individualidade e respeito pelos ritmos e desejos da criança;

II – favoreçam a imersão das crianças nas diferentes linguagens e o progressivo domínio por elas de vários gêneros e formas de expressão: gestual, verbal, plás-tica, dramática e musical;

[...]

Parágrafo único – As creches e pré-escolas, na elaboração da proposta curricular, de acordo com suas características, identidade institucional, escolhas coleti-vas e particularidades pedagógicas, estabelecerão modos de integração dessas experiências.


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Objetivos da Coleção

Objetivos Gerais

• Ampliar o conhecimento de mundo que possuem, manipulando diferentes objetos e materiais, explorando suas características, propriedades e possibilidades de manuseio e entrando em contato com formas diversas de expressão artística.

• Utilizar diversos materiais gráficos e plásticos sobre diferentes superfícies para ampliar suas possibi-lidades de expressão e comunicação.

• Interessar-se pelas próprias produções, pelas de outras crianças e pelas diversas obras artísticas (regionais, nacionais ou internacionais) com as quais entrem em contato, ampliando seu conheci-mento do mundo e da cultura;

• Produzir trabalhos de arte ao utilizar a linguagem do desenho, da pintura, da modelagem, da cola-gem, da construção e desenvolver o gosto, o cuidado e o respeito pelo processo.

Objetivos Específicos

• Favorecer o desenvolvimento infantil, nos aspectos motor, intelectual e socioemocional.

• Promover a ampliação das experiências e dos conhecimentos infantis, estimulando o interesse da criança pelo processo de transformação da natureza e pela dinâmica da vida social.

• Proporcionar o desenvolvimento do raciocínio e permitir à criança descobrir e elaborar hipóteses.

• Oferecer oportunidades de fortalecimento da autoestima e de construção da identidade.

• Construir uma forma privilegiada de aprender, na qual o ambiente lúdico envolva criativamente a criança no processo educativo.

• Valorizar o trabalho cooperativo, possibilitando a divisão de responsabilidades e funções, para que as crianças atuem dessa forma também na sociedade.

• Enfatizar o início da vida social, segurança e independência em um ambiente afetivo e acolhedor, no qual a criança sinta prazer em aprender.

Possibilidades AvaliativasA avaliação na Educação Infantil, assim como nos demais níveis escolares, se destina a obter informa-

ções e subsídios capazes de favorecer o desenvolvimento integral dos educandos e a progressão das apren-dizagens – as aquisições dos alunos. Nesse sentido, avaliar não é apenas medir, comparar ou julgar. Muito mais do que isso, a avaliação deve possibilitar a reflexão sobre as bagagens de saberes de que cada aluno dispõe, cuida da dimensão cognitiva e da afetiva, assim como apresenta uma importância cultural, social e política fundamental no fazer educativo.

Para validar esse processo formal de avaliação na escola de Educação Infantil, usamos como referência as orientações da Lei de Diretrizes e Bases da Educação (LDB – n.° 9.394 de 1996), do documento oficial do Ministério de Educação – o Referencial Curricular Nacional para a Educação Infantil (1998) e as contribuições de HOFFMANN (2002), KRAMER (1989) e PERRENOUD (2000) sobre a abordagem formativa da avaliação.


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Quadro Geral de Conteúdos para Arte

Atividades para faixa etária de 3 a 5 anos

UNIDADE PROPOSTA CONTEÚDOS

I 3 anos

Hora de lambuzar as mãos • Leitura e apreciação de pintura rupestre• Percepção visual• Expressão oral• Reconhecimento de pintura rupestre• Técnica: carimbar a mão embebida em tinta e mão em negativo

Grafite. Nas paredes vou pintar!

• Leitura e apreciação da obra de Keith Haring• Reconhecimento do grafite como arte• Percepção visual e tátil• Técnica: pintura em plano vertical com giz de cera ou tinta

guache

Azul da cor do mar, azul Klein • Leitura e apreciação da obra de Yves Klein• Reconhecimento da cor Azul Klein• Experimentação sensorial com a cor azul• Apreciação da cor como elemento expressivo• Percepção visual e tátil• Técnicas: pintura com rolinhos e pintura com sal grosso

Escultura! Vamos passarear... • Leitura e apreciação da obra de Rogério Dias• Compreensão do conceito de tridimensional• Diferenciação do conceito de bidimensional e tridimensional por

meio da comparação entre pintura e escultura• Expressão oral• Reconhecimento de elementos naturais como matéria-prima • Técnica: elaboração de obra tridimensional com elementos

naturais

Vermelho. Cor quente. Calor! Picolé de pintar...

• Leitura e apreciação da obra de Marc Chagall• Apreciação da cor como elemento expressivo• Experimentação sensorial com cores quentes• Identificação de objetos na cor vermelha• Percepção de temperatura• Técnica: pintura com “picolé de tinta”


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I 3 anos

Casas para montar • Leitura e apreciação da obra de Alfredo Volpi• Percepção dos elementos da linguagem visual – cor e forma• Expressão oral• Reflexão sobre diversos tipos de moradia• Interpretação da música A casa, de Vinicius de Moraes• Reconhecimento de forma geométricas• Construção com o brinquedo tijolinho• Técnica: pintura com têmpera

A cidade iluminada • Leitura e apreciação da obra de Antonio Bandeira• Relação entre os temas casa e cidade• Reconhecimento da pintura gestual• Exploração dos movimentos corporais na realização da pintura• Técnica: pintura gestual com tinta guache diluída

Casas do império • Leitura e apreciação da obra de Jean-Baptiste Debret• Percepção de diferentes épocas na comparação de obras com a

mesma temática• Percepção visual• Características sociais da época imperial• Técnica: aquarela, recorte e colagem

Casas coloridas • Leitura e apreciação da obra de Arcangelo Ianelli• Reconhecimento de formas geométricas na arte• Reconhecimento de cores• Expressão oral• Percepção visual e tátil• Registro de obra de arte• Técnica: pintura e composição com blocos de madeira

Casas no morro • Leitura e apreciação da obra de Djanira da Mota e Silva• Reconhecimento e diferenciação entre cores frias e cores quentes• Percepção de elementos horizontais• Expressão oral• Técnica: recorte e colagem

Chuva de papel. Mosaicos... • Leitura e apreciação de mosaico• Manipulação de papéis• Coordenação motora fina• Expressão oral• Técnica: mosaico por meio de colagem de papéis rasgados


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I 3 anos

Bolhas de sabão coloridas! • Leitura e apreciação da obra de Wassily Kandinsky• Identificação das formas concêntricas das bolhas de sabão• Percepção sensorial e visual por meio do lúdico• Técnica: pintura por meio de bolhas de sabão coloridas com

anilina

Naná! • Leitura e apreciação da obra de Niki de Saint Phalle• Apreciação da forma como elemento expressivo• Expressão oral• Percepção visual e sensorial• Estimulação da motricidade por meio da manipulação de massa• Reconhecimento de formas arredondadas• Técnica: modelagem com massa de sal e pintura com tinta

guache

Frottage – A Grande Floresta • Leitura e apreciação da obra de Max Ernst• Percepção tátil• Identificação de texturas • Expressão oral• Técnica: decalque de objetos de diferentes texturas com giz de

cera

II4 anos

Simetria • Leitura e apreciação da obra de Rubem Valentim• Percepção de simetria na obra analisada• Realização de pinturas simétricas• Percepção de formas espontâneas formadas com a técnica• Técnica: pintura com tinta guache em papel dobrado ao meio

posteriormente

Estalos coloridos • Leitura e apreciação da obra de Jackson Pollock• Percepção visual• Imitação da técnica de pintura dripping• Técnica: pintura com estalos molhados em tinta guache

A arte das linhas • Leitura e apreciação da obra de Raoul Dufy• Percepção visual• Pintura livre com linhas de diferentes formas• Técnica I: desenho de linhas livres com lápis preto• Técnica II: pintura de linhas livres com carimbos de espuma e

garrafinhas com tinta guache


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II4 anos

A serpente • Leitura e apreciação da obra de J. Borges• Identificação da técnica da xilogravura• Expressão oral• Percepção visual• Técnica: impressão com tinta guache sobre papel com matriz de

papelão

Autorretrato ou retrato • Leitura e apreciação da obra de van Gogh• Diferenciação dos conceitos de retrato e autorretrato• Identificação de características pessoais• Expressão oral• Técnica: elaboração de autorretrato e retrato de colegas, com

lápis, lápis de cor ou canetas, por meio da observação de fotos e reflexo no espelho

O bicho • Leitura e apreciação da obra de Lygia Clark• Percepção visual• Conceituação de objeto• Percepção da possibilidade de intervenção do espectador na

obra por meio de manipulação• Expressão oral• Técnica: composição com recortes de cartolina fixados com fita

adesiva, simulando uma escultura

Cavalinho azul • Leitura e apreciação da obra de Franz Marc• Uso não convencional da cor na arte• Percepção de emoções provocadas pela cor• Identificação de preferências• Expressão oral• Técnica: elaboração de máscaras de papelão previamente pin-

tado com tinta guache

A grande onda • Leitura e apreciação da obra de K. Hokusai• Visualização dos elementos da linguagem visual• Técnica: repetição de formas por meio de impressão com roli-

nhos de papelão


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II4 anos

Onde está o cachorro? • Leitura e apreciação da obra de Pierre Bonnard• Reconhecimento de cores e formas• Coordenação motora• Expressão oral• Percepção visual e atenção• Técnica: dobradura

Caminhos para pintar • Apreciação da obra de Paul Klee• Reconhecimento de formas geométricas• Percepção tátil• Noção espacial• Técnica: pintura com as partes do corpo utilizando tinta caseira

Casa de Dolores. Mosaico • Leitura e apreciação da obra de Diego Rivera• Percepção visual e tátil• Técnica: mosaico com EVA Colorido

Pintar, repintar e despintar • Leitura e apreciação da obra de Vincent van Gogh• Percepção de luminosidade na obra estudada• Percepção do movimento visual produzido pelas pinceladas• Percepção tátil• Expressão oral• Reconhecimento do vidro como suporte para pintura• Reconhecimento de transparência e opacidade• Técnica: pintura sobre vidro com rolinho, pincel ou esponja e

tinta guache

Espelhos de papel • Leitura e apreciação da obra de Vik Muniz• Coordenação motora fina• Técnica: recorte, com as mãos, de revistas e papéis e colagem

com cola de farinha

III5 anos

Meu rosto, meu corpo, meu jeito

• Leitura e apreciação da obra de Tarsila do Amaral• Reconhecimento da diversidade de expressões nas representa-

ções humanas criadas pela artista• Respeito ao outro e às diferenças entre as pessoas• Reconhecimento de características e identidade• Expressão oral• Técnica: complementação da própria silhueta com desenhos das

partes do rosto e do corpo


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III5 anos

Vamos pintar • Leitura e apreciação estética da obra de Henri Matisse• Reconhecimento de características do movimento fauvista• Percepção visual e tátil• Expressão oral• Identificação de temas marinhos• Técnica: pintura com os dedos e tinta guache

Impressões geométricas • Leitura e apreciação da obra de Piet Mondrian• Reconhecimento de figuras geométricas• Percepção visual• Expressão oral• Releitura da obra de Mondrian• Técnica I: impressão com tinta guache de objetos do cotidiano no

papel• Técnica II: contorno de formas geométricas no papel e pintura

com lápis de cor

Tarsila do Amaral, as linhas e formas geométricas

• Leitura e apreciação da obra de Tarsila do Amaral• Reconhecimento de linhas e formas geométricas• Percepção visual• Expressão oral• Técnica: composição por meio de colagem de formas geométri-

cas recortadas em papel

Arabescos de Klimt • Leitura e apreciação da obra de Gustav Klimt• Percepção de linha espiral como tratamento gráfico, dos arabes-

cos e das formas geométricas• Reconhecimento dos tipos de linhas• Identificação de padrões de repetição das linhas• Técnica: criação coletiva a partir de intervenções em partes foto-

copiadas da obra original

O peixe colorido • Leitura e apreciação da obra de Aldemir Martins• Conceituação de cores primárias e secundárias• Exploração da mistura de cores• Expressão oral• Técnica: composição com colagem de formas em cores primárias

sobre desenho feito a lápis

Cores primárias e secundárias • Identificação de cores primárias e secundárias• Exploração de mistura de cores• Técnica: criação de formas sobre papéis previamente pintados

com tinta guache de cores obtidas a partir de misturas


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III5 anos

Brincar de pião • Leitura e apreciação da obra de Candido Portinari• Percepção visual• Expressão oral• Contextualização do título da obra• Técnica: dobradura de folhas de jornal para confecção de pião e

chapéu

Pintar ao ar livre • Leitura e apreciação da obra de Claude Monet• Percepção da cor-luz nos objetos e na natureza• Percepção das alterações da cor e da luz no ambiente• Técnica: pintura do mesmo ambiente em diferentes horários do

dia

Circo de pontinhos • Leitura e apreciação da obra de Georges Seurat• Identificação da técnica do pontilhismo• Percepção da mistura de cores• Percepção de luz e sombra• Expressão oral• Coordenação motora fina• Técnica: pintura com cotonetes e tinta guache, inspirada no

pontilhismo

Aula de balé • Leitura e apreciação da obra de Edgar Degas• Percepção visual• Expressão corporal• Expressão oral• Identificação da dança como temática artística• Técnica: pintura com tinta guache diluída sobre folha de papel

branco previamente desenhada com giz de cera branco, para revelação dos movimentos do giz no papel

Abaeté • Leitura e apreciação da obra de José Pancetti• Identificação de cores primárias e secundárias• Representação da figura humana de costas• Técnica: desenho de características faciais com lápis, lápis de cor,

giz de cera e canetas hidrográficas


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Orientações DidáticasA seguir, apresentamos as orientações didáticas com propostas para o desen-

volvimento das atividades, possíveis variações e complementações do ponto de vista teórico e prático.

Unidade IPropostas para crianças de três anos

HORA DE LAMBUZAR AS MÃOS

Cueva de las Manos (7350 a.C.), Santa Cruz, Argentina. Primeiras expressões humanas de cultura e cooperação. Arte rupestre.

Conteúdos

• Leitura e apreciação de pintura rupestre

• Percepção visual

• Expressão oral

• Reconhecimento de pintura rupestre

• Técnica: carimbar a mão embebida em tinta e mão em negativo

Sobre o artista

A Pré-História é um dos períodos mais fascinantes da humanidade, quando, antes da escrita, o homem se expressou por meio de pinturas simples. O natura-lismo é a característica principal do Período Paleolítico Superior, em que o artista retratava apenas o que via.


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GRAFITE. NAS PAREDES VOU PINTAR!

HARING, Keith. Mural na Igreja de Santo Antonio, em Pisa, Itália (1989).

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Keith Haring

• Reconhecimento do grafite como arte

• Percepção visual e tátil

• Técnica: pintura em plano vertical com giz de cera ou tinta guache

Sobre o artista

O primeiro artista com formação acadêmica e profissional a usar o grafite foi Keith Haring (1958-1990), em Nova Iorque. Começou a desenhar com giz branco nas estações do metrô nos espaços reservados à publicidade. Suas composições eram simples e repletas de figuras estilizadas e seus personagens mais conheci-dos são o Bebê Radiante, Cachorro Latindo, Espaçonaves Zunindo e Televisão Alada. Haring queria que seu trabalho fosse o mais acessível possível.

AZUL DA COR DO MAR, AZUL KLEIN

KLEIN, Yves. Pigmentos e fixadores sintéticos sobre papel e tela (ANT 63), 1960, 153 x 209 cm.


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Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Yves Klein

• Reconhecimento da cor Azul Klein

• Experimentação sensorial com a cor azul

• Apreciação da cor como elemento expressivo


• Técnica: pintura com rolinhos e pintura com sal grosso

Sobre o artista

Yves Klein (1928-1962) inventou um azul brilhante que chamou de Azul Klein Internacional (cuja sigla, em inglês, é IKB). Ele achava que as pessoas que olhassem para essa cor limpariam a mente e pensariam com mais clareza. Klein morreu aos 34 anos, de infarto, mas deixou uma obra extensa e revolucionária.

ESCULTURA! VAMOS PASSAREAR...

DIAS, Rogério. Escultura de pássaro.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Rogério Dias

• Compreensão do conceito de tridimensional

• Diferenciação do conceito de bidimensional e tridimensional por meio da comparação entre pintura e escultura

• Expressão oral

• Reconhecimento de elementos naturais como matéria-prima

• Técnica: elaboração de obra tridimensional com elementos naturais


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Sobre o artista

Rogério Dias (1945) é um grande pintor, escultor, designer gráfico, cartunista, ator, decorador e ilustrador e sua carreira é marcada pela pesquisa na área de arte. Antes de dedicar--se exclusivamente à pintura, passou pela escultura, colagem, fotografia e por experimentações na gravura, abordando temas como rostos e corpos femininos, sempre abusando das cores.

Na década de 1980, começou a retratar naturezas-mortas, sempre associadas com pássaros, os quais passaram a ser tema recorrente em sua obra, até se tornarem o elemento central. Realizou diversas exposições individuais e coletivas e partici-pou e foi premiado em salões de artes plásticas. É um dos artis-tas mais premiados do Salão de Arte do Paraná.

Sugestão de leitura

IAVELBERG, Rosa. O Desenho Cultivado da Criança: prática e formação de educadores, 2. ed. Porto Alegre: Zouk Editora, 2008.

O livro aborda o desenho da criança como reprodução do seu mundo, como marca própria.

VERMELHO. COR QUENTE. CALOR! PICOLÉ DE PINTAR...

CHAGALL, Marc. Flores em fundo vermelho. 1970.


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Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Marc Chagall

• Apreciação da cor como elemento expressivo

• Experimentação sensorial com cores quentes

• Identificação de objetos na cor vermelha

• Percepção de temperatura

• Técnica: pintura com “picolé de tinta”

Sobre o artista

Marc Chagall (1887-1985) foi um imigrante russo que viveu a maior parte da vida na França, mas nunca deixou de sentir saudades da sua terra natal; foi pintor, gravador e vitralista e sua obra reflete sua história pessoal e sua personalidade.

No âmbito da arte contemporânea, marcada pelo formalismo e pela abstra-ção, a pintura de Chagall se destaca pela importância que tem nela o elemento temático, de fundo onírico, que, por sua vez, reflete as profundas raízes afetivas e culturais do artista. Sua obra, moderna, assimilou todas as conquistas formais da arte contemporânea.

CASAS PARA MONTAR

VOLPI, Alfredo. Sem Título, década de 1950. Têmpera sobre tela, 73,1 x 116,2 cm. Coleção particular.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Alfredo Volpi

• Percepção dos elementos da linguagem visual – cor e forma

• Expressão oral

• Reflexão sobre diversos tipos de moradia

• Interpretação da música A casa, de Vinicius de Moraes

• Reconhecimento de forma geométricas

• Construção com o brinquedo tijolinho

• Técnica: pintura com têmpera


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Sobre o artista

Alfredo Volpi (1896-1988) nasceu em Lucca, na Itália, mas veio para o Brasil com os pais quando tinha apenas 18 meses de idade e viveu aqui até os 92 anos. Desde criança gostava de misturar tintas e criar novas cores e aos 15 anos começou a trabalhar como pintor decorador de paredes. Ele fazia desenhos e pinturas de faixas decorativas nas paredes das casas de famílias ricas da cidade de São Paulo.

Estudou na Escola Profissional Masculina do Brás e trabalhou como marceneiro, entalhador e encader-nador. Aos 16 anos costumava pintar aquarelas e aos 18 anos pintou sua primeira obra de arte, sobre a tampa de uma caixa de charutos, usando tinta a óleo.

Aos 29 anos de idade, um fato inédito aconteceu em sua vida: participou de uma mostra de pintura no Palácio das Indústrias em São Paulo. Tornou-se membro, nos anos 1940, do Grupo Santa Helena, no qual conheceu o pintor paulista Ernesto de Fiori, que o influenciou de maneira decisiva.

O grupo era formado por artistas paulistas que se reuniam no Palacete Santa Helena, desenvolvendo, durante as décadas de 1930 e 1940, pinturas que retrata-vam cenas da vida e da paisagem dos arredores de São Paulo. Volpi participou das primeiras manifestações artísticas contra os modernistas de 1922, com outros pin-tores do Grupo Santa Helena, como Bonadei, Rebolo, Clóvis Graciano, Pennacchi.

Volpi expôs no Salão de Maio e na 1.ª Exposição da Família Artística Paulista, em 1938, ambos em São Paulo. No ano seguinte, depois de uma viagem a Itanhaém, no litoral sul paulista, começou a pintar paisagens marinhas. Participou do 7.º Salão Paulista de Belas-Artes em 1940.

Treze anos depois, ganhou o prêmio de melhor pintor brasileiro, na 2.ª Bienal de São Paulo. A partir daí, tornou-se um pintor famoso. Várias retrospectivas (exposi-ções com a obra do autor) em museus e galerias precederam a exposição Volpi 90 anos, no Museu de Arte Moderna de São Paulo, no aniversário do artista, dois anos antes de sua morte.

Suas obras seriam dominadas pelas cores e pelo estilo abstrato geométrico. Exemplo marcante disso são suas bandeirinhas multicoloridas, que se tornaram sua marca registrada. As formas geométricas e as trocas cromáticas começaram nos anos 1970. Volpi preparava várias pinturas parecidas, alterando cores, no que os críticos definem como uma combinação inventiva.

A fase das bandeirinhas, sua maior contribuição para a arte brasileira moderna, expressa em seu trabalho Bandeiras e Mastros. Só pintava sob a luz do sol e se envolvia totalmente com a criação da obra, o que incluía esticar o linho para as telas. Depois de dominar a técnica da têmpera com clara de ovo, o artista nunca mais usou tintas industriais – “elas criam mofo e perdem vida com o passar do tempo”, dizia.


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Em um processo típico de um pintor do Renascimento, fazia suas próprias tin-tas, diluídas em uma emulsão de verniz e clara de ovo, em que ele adicionava pig-mentos naturais purificados (terra, ferro, óxidos, argila colorida por óxido de ferro) e ressecados ao sol.Disponível em: <http://educacao.uol.com.br/biografias/ult1789u615.jhtm>. Acesso em: 19 mar. 2014. (Adaptado).


ROSA, Nereide S. Santa. Alfredo Volpi. São Paulo: Moderna, 2000.

Este livro é apropriado aos alunos para o conhecimento da vida e da obra de Alfredo Volpi.

A CIDADE ILUMINADA

BANDEIRA, Antonio. A grande cidade iluminada. 1953. Óleo sobre tela, 72,4 x 91,4 cm. Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Antonio Bandeira

• Relação entre os temas casa e cidade

• Reconhecimento da pintura gestual

• Exploração dos movimentos corporais na realização da pintura

• Técnica: pintura gestual com tinta guache diluída


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Sobre o artista

Antonio Bandeira (1922-1967) nasceu em Fortaleza, no Ceará. Ganhou uma bolsa de estudos em 1945 para estudar na França, quando participou de uma exposição do Instituto dos Arquitetos do Rio de Janeiro. Em Paris, conheceu os artistas Camille Bryen e Wolls e com eles fundou um grupo chamado Banbryols, com o nome ins-pirado nas iniciais dos nomes dos três pintores. A carac-terística da pintura desse grupo era a pintura gestual.

No início da sua carreira foi figurativo, mas descobriu a abstração informal na década de 1940. Suas pinturas sugerem grandes paisagens urbanas por trás de uma trama geométrica. De volta ao Brasil, em 1951, instalou-se no ateliê do amigo escul-tor José Pedrosa, onde também trabalhava Milton Dacosta. Voltou a Paris em 1965, onde permaneceu até sua morte.

O crítico Frederico Morais escreveu a seu respeito: “(...) Acho definitiva, para a compreensão de sua obra, esta afirmação: ‘Nunca pinto quadros. Tento fazer pin-tura.’ Quer dizer, o quadro não parece significar para ele uma realidade autônoma, uma estrutura que possui suas próprias leis, algo que se constrói com elementos específicos. A pintura é um estado de alma que ele extroverte aqui e ali, sem outro objetivo que o de comunicar um sentimento, uma emoção, uma lembrança. Enfim, é ‘uma transposição de seres, coisas, momentos, gostos, olfatos que vou vivendo no presente, passado, no futuro’”.

Disponível em: http://www.pinturabrasileira.com/artistas_bio.asp?cod=6&in=1

CASAS DO IMPÉRIO

DEBRET, Jean-Baptiste. Casario, 1816-1831. Aquarela sobre papel, 12,4 x 20,1 cm. Museu Castro Maya- IPHAN/ MinC (Rio de Janeiro).


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Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Jean-Baptiste Debret

• Percepção de diferentes épocas na comparação de obras com a mesma temática


• Características sociais da época imperial

• Técnica: aquarela, recorte e colagem

Sobre o artista

Debret foi o mais importante artista da Missão Artística Francesa. Em 1808, o rei Dom João VI e sua corte fugiram para o Brasil, pois Napoleão invadiu Portugal. Após a derrota de Napoleão, muitos artistas queriam fugir da Europa e foram convidados por Dom João VI a vir ao Rio de Janeiro. Assim, a Missão Artística Francesa chegou ao Brasil e influenciou a arte brasileira com seus métodos de ensino da arte. Debret deu aulas na Academia Imperial de Belas-Artes e publicou três volumes de desenhos e aquarelas chamados Viagem pitoresca e histórica ao Brasil. Esses livros mostram como era a sociedade brasileira da primeira metade do século XIX e o cotidiano das pessoas, dos nobres, dos escra-vos e dos índios. Debret era muito detalhista em seus desenhos e pinturas. Com o olhar de um viajante, retratou as cenas, os lugares e as pessoas com muito realismo.

Indicação de leitura

MANGE, Marilyn Diggs. Arte brasileira para crianças. São Paulo, Martins Fontes, 1996.

Livro de história da arte para crianças, com textos curtos e informativos.

CASAS COLORIDAS

IANELLI, Arcangelo. Casas, 1960. Óleo sobre tela, 46 x 61 cm.


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Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Arcangelo Ianelli

• Reconhecimento de formas geométricas na arte

• Reconhecimento de cores

• Expressão oral


• Registro de obra de arte

• Técnica: pintura e composição com blocos de madeira

Sobre o artista

Arcangelo Ianelli (1922-2009) nasceu em São Paulo e começou a estudar dese-nho e pintura com apenas 20 anos. No início da carreira, pintava paisagens e natu-rezas-mortas sendo mais figurativo. Após a Bienal de São Paulo de 1951, tendeu ao abstracionismo.

Recebeu um prêmio em 1964 do Salão Nacional de Arte Moderna do Rio de Janeiro e foi para a Europa. Nesse período, expôs em várias capitais europeias e sua pintura se caracterizou pelo lirismo das formas. Nos anos 1970, retomou as formas mais geome-trizadas, e a tinta que utilizava com as cores ficou mais transparente. O artista pintava com várias camadas de tinta, assim a pinturava ganhava luz e materialidade.

Participou de inúmeras exposições e ganhou muitos prêmios pelo conjunto da sua obra. O Museu de Arte Moderna paulista organizou uma retrospectiva sua em 1978, que se repetiu no MAM do Rio de Janeiro, em 1984. Em março de 1993, o Museu de Arte de São Paulo (MASP) realizou a mostra Ianelli: 50 Anos de Pintura.

Professor, assista ao vídeo sobre o artista Arcangelo Ianelli, disponível no link: <http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm? f u s e a c t i o n = a r t i s t a s _ b i o g r a f i a & c d _ v e r b e t e = 5 6 1 & c d _ i t e m = 1 & c d _idioma=28555>. Nele o artista aparece pintando e explicando seu processo de trabalho. Ao final, pergunte aos alunos se gostaram do vídeo e o que aprenderam sobre o artista e sua obra.


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CASAS NO MORRO

SILVA, Djanira da Mota e. Morro da Guia, Cabo Frio, RJ. 1970. Óleo sobre tela, 65,5 x 105 cm.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Djanira da Mota e Silva

• Reconhecimento e diferenciação entre cores frias e cores quentes

• Percepção de elementos horizontais

• Expressão oral

• Técnica: recorte e colagem

Sobre a artista

Pintora, desenhista, ilustradora, cartazista, cenógrafa e gravadora, Djanira da Mota e Silva (1914-1979) nasceu em Avaré (SP). Desde criança teve uma vida difícil, foi vende-dora ambulante para sobreviver, ganhava pouco e se ali-mentava mal; em decorrência disso, contraiu tuberculose.

Djanira pintou seus primeiros quadros no sanatório de São José dos Campos (SP), onde foi internada. Sua saúde sempre foi precária, mesmo assim, sobreviveu à doença. Em 1952, viajou pelo Brasil para registrar imagens do cotidiano e festas religiosas – essa foi sua fase mais expressiva. Representou pes-cadores, trabalhadores do campo, da cidade, algumas tradições religiosas como o catolicismo e os cultos afro-brasileiros.

As pinturas de Djanira revelam uma visão simples e direta das coisas, com sen-sibilidade popular e concepções modernistas. Ela desenvolveu, em suas pinturas, temas como festas tradicionais, atividades populares, índios, negros e brancos, retratando a realidade social brasileira.


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CHUVA DE PAPEL. MOSAICOS...

Fragmentos de vidro encontrados em Alexandria – Egito.

Conteúdos

• Leitura e apreciação de mosaico

• Manipulação de papéis

• Coordenação motora fina

• Expressão oral

• Técnica: mosaico por meio de colagem de papéis rasgados

BOLHAS DE SABÃO COLORIDAS!

KANDINSKY, Wassily. Círculos, 1942.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Wassily Kandinsky

• Identificação das formas concêntricas das bolhas de sabão

• Percepção sensorial e visual por meio do lúdico

• Técnica: pintura por meio de bolhas de sabão coloridas com anilina


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Sobre o artista

Wassily Kandinsky (1866-1944) mudou a arte para sempre, pois sua criação de obras de cor pura e formas abstratas marcou uma revolução na arte. Foi o pio-neiro do abstracionismo; círculos, ziguezagues, curvas e linhas diagonais mostraram a beleza estética com-parada à audição de um concerto de música clássica.

A princípio, Kandinsky pintou paisagens colori-das e temas inspirados pela arte popular russa, até se afastar da arte descritiva e se concentrar na criação de obras abstratas.

“A cor é uma força poderosa que influencia diretamente a alma... e nela provoca vibrações”.

Wassily Kandinsky

NANÁ!

PHALLE, Niki de Saint. Califórnia Nana. 1970. Pintura de poliéster, 33,6 x 20,2 x 19 cm. J.G.M. Galerie. Paris.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Niki de Saint Phalle

• Apreciação da forma como elemento expressivo

• Expressão oral

• Percepção visual e sensorial


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• Estimulação da motricidade por meio da manipulação de massa

• Reconhecimento de formas arredondadas

• Técnica: modelagem com massa de sal e pintura com tinta guache

Sobre a artista

Niki de Saint Phalle (1930-2002) nasceu na França, foi criada em Nova Iorque e foi uma das artistas internacionais que se destacaram usando a técnica do papel machê. Suas escul-turas eram feitas de lã, fibra de algodão, papel machê e tela de arame.

Encontramos esculturas dela em diferentes lugares do mundo, como as obras da Praça Igor Stravinsky, em frente ao Centro Cultural Beaubourg, no centro de Paris, França.

A artista francesa se notabilizou por inventar um mundo de cores puras e movimentos lúdicos. Niki realizou vários trabalhos entre esculturas, serigrafias, litografias e fotos de seus grandes projetos públicos, como o monumen-tal O jardim do Tarô ou Dolores, peça em poliéster pintado, de 5,5 metros de altura.

O universo da artista inclui ainda outros materiais do tipo fibra de vidro, gesso ou tela de arame. São obras de impacto, com ironia e humor, pontuadas por um ale-gre colorido e marcadas por expressivas e apoteóticas figuras femininas, redondas e generosas.

“Quanto a mim, eu me mostraria. Mostrando tudo. Meu coração, minhas emoções. Verde-vermelho-amarelo-azul-violeta. Ódio, amor, riso, medo, ternura...”

Niki de Saint Phalle

Niki expressava suas paixões e suas apreensões de maneira lúdica; brincava com a cor, com a luz, com o espaço, questões formais criadas para instigar o espectador – uma aparente eficiência de comunicação imediata, mas há que se ler, sobretudo nas entrelinhas de seu discurso-espaço, e seguir o mergulho psíquico do âmago de sua obra.

É também contemporâneo o uso dos mais diversos materiais, entrecortados por sua cor luminosa: suas esculturas são construídas com espelhos, vidro, plástico, tecidos e bronze como embutidos arquitetônicos; mais ainda, o lúdico permeia sua constante inquietação, transfigurada em pássaros, nanás, animais, serpentes, no dia e na noite.

Pela presença constante da memória de sua infância, pela dificuldade que teve em se impor como artista mulher, por sua luta sempre renovada contra todas as formas de poder – político, religioso ou social –, Niki de Saint Phalle é hoje o sím-bolo de uma forma de expressão artística liberada, primitiva e cheia de humor, que atinge prontamente a sensibilidade popular. Ela sabe revelar essas forças em sua escultura, tocando o inconsciente por sua maneira de expressar com humor aquilo que atinge as sensibilidades em seu âmago.

MITTERRAND, Jean Gabriel. Disponível em: <http://www.passeiweb.com/ estudos/sala_de_aula/biografias/niki_de_saint_phalle>.


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FROTTAGE – A GRANDE FLORESTA

ERNST, Max. A Grande Floresta, 1926.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Max Ernst

• Percepção tátil

• Identificação de texturas

• Expressão oral

• Técnica: decalque de objetos de diferentes texturas com giz de cera

Sobre o artista

Max Ernst (1891-1976) foi o criador do termo francês frottage, que significa “decalcar, riscar”. Ele friccionava o lápis sobre papéis e telas com diferentes objetos embaixo.

Foi um importante pintor alemão, adepto do irracional, do onírico e do inconsciente. Criou muitas técnicas de pin-tura e escultura e participou de vários movimentos artísticos. O movimento dadaísta teve Max Ernst como seu precursor, que inventou e divulgou técnicas usadas até hoje, como a colagem, a fotomontagem, a assemblage (construção tridimensional a partir de materiais recuperados), a grattage (raspagem), a frottage (fricção) e a decalcomania.


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Unidade IIPropostas para crianças de quatro anos

SIMETRIA

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Rubem Valentim

• Percepção de simetria na obra analisada

• Realização de pinturas simétricas

• Percepção de formas espontâneas formadas com a técnica

• Técnica: pintura com tinta guache em papel dobrado ao meio posteriormente

Sobre o artista

Rubem Valentim (1922-1991) foi um artista autodi-data. Suas influências vinham da tradição popular do Nordeste, como a cerâmica do Recôncavo Baiano. Na década de 1950 teve como referências o universo reli-gioso, a umbanda e o candomblé, realizou símbolos e emblemas geométricos nas suas representações. Utilizava linhas horizontais e verticais, triângulos, círculos e qua-drados, realizava também murais, relevos e esculturas monumentais.

VALENTIM, RUBEM. “SEM TÍTULO”, serigrafia, 1980.


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ESTALOS COLORIDOS

POLLOCK, Jackson. N.º 5, 1948. Óleo sobre painel, 2,4 m x 1,2 m. Coleção particlar.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Jackson Pollock


• Imitação da técnica de pintura dripping

• Técnica: pintura com estalos molhados em tinta guache

Sobre o artista

Jackson Pollock (1912-1956) criou, em suas pinturas, um método particular de se expressar. O drip-ping consiste em deixar escorrer a tinta sobre a tela colocada no chão, criando assim uma trama de linhas. Estabeleceu as regras do action pain-ting, que é uma pintura baseada na espontaneidade. Suas primeiras pin-turas eram realistas, mas, depois que conheceu a vanguarda europeia, mudou seus meios de expressão. A partir de 1946, negou os elementos figurativos e iniciou seus trabalhos, que se caracterizam por redes de linhas coloridas entrelaçadas.


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A ARTE DAS LINHAS

DUFY, Raoul. Pôr do Sol.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Raoul Dufy


• Pintura livre utilizando linhas de diferentes formas

• Técnica I: desenho de linhas livres com lápis preto

• Técnica II: pintura de linhas livres com carimbos de espuma e garrafinhas com tinta guache

Sobre o artista

Raoul Dufy (1877-1953) foi um artista francês, cera-mista, gravador, desenhista, ilustrador e colorista. Iniciou sua formação artística como impressionista, mas influen-ciado por Henri Matisse se destacou como um artista fauvista. Ganhou uma bolsa para estudar na Escola Nacional de Belas-Artes, em Paris (1900) e, no ano seguinte, expôs a obra Fin de Journée au Havre no salão dos indepen-dentes. Seus temas preferidos eram paisagens urbanas, regatas, marinhas e corridas de cavalo. Uma de suas obras mais divulgadas foi o enorme mural Histoire de L’életricité à Travers les Âges, exibido no pavilhão da eletricidade da exposição internacional de Paris (1937).

Fauvista: artista adepto do fauvismo,

escola que utiliza cores vibrantes e livre tratamento da forma na representação do

mundo, iniciando a redução da linguagem

da pintura a seus meios de expressão

essenciais: cor, forma e pincelada.


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A SERPENTE

BORGES, J. A Serpente, 2003. Xilogravura.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de J. Borges

• Identificação da técnica da xilogravura

• Expressão oral


• Técnica: impressão com tinta guache sobre papel com matriz de papelão

Sobre o artista

José Francisco Borges (1935), mais conhecido como J. Borges, é um dos mes-tres do cordel, um dos artistas folclóricos mais celebrados da América Latina e o xilogravurista brasileiro mais reconhecido no mundo. Ele nasceu em 20 de dezembro de 1935 em Bezerros, Pernambuco. Filho de agricultores, começou a trabalhar na roça aos 10 anos de idade, e negociava nas feiras da região as colheres de pau que ele mesmo fabricava.


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Autodidata, o gosto pela poesia o fez encontrar nos folhetos de cordel um substituto para os livros escolares. Em 1964, começou a escrever folhetos de cordel; foi quando fez O Encontro de Dois Vaqueiros no Sertão de Petrolina, xilogravada por Mestre Dila e que vendeu mais de 5 mil exemplares em dois meses. Animado com o resultado, escreveu o segundo cordel, chamado O Verdadeiro Aviso de Frei Damião Sobre os Castigos que Vêm, que o conduziu pela primeira vez à xilogravura. Como não tinha dinheiro para pagar um ilustrador, J. Borges resolveu fazer ele mesmo: começou a entalhar na madeira a fachada da igreja de Bezerros, que usou no seu segundo folheto de cordel. Desde então, começou a fazer matrizes por enco-menda e também para ilustrar os mais de 200 cordéis que lançou ao longo da vida. Atualmente, essas xilogravuras são impressas em grande quantidade, em diversos tamanhos, e vendidas a intelectuais, artistas e colecionadores de arte.

AUTORRETRATO OU RETRATO?

VAN GOGH, Vincent. Autorretrato. 1889. Óleo sobre tela, 65 x 54 cm. Musée d’Orsay, Paris.


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VAN GOGH, Vincent. O carteiro Roulin. 1888. Óleo sobre tela, 81,2 cm x 65,3 cm. Museum of Fine Arts, Boston.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de van Gogh

• Diferenciação dos conceitos de retrato e autorretrato

• Identificação de características pessoais

• Expressão oral

• Técnica: elaboração de autorretrato e retrato de colegas, com lápis, lápis de cor ou canetas, por meio da observação de fotos e reflexo no espelho

Referencial teórico

O conceito de retrato e autorretrato é muito popular nas Artes Visuais. Durante séculos, artistas pintaram retratos, e nos dias atuais ainda o fazem. Os retratos são muito valorizados, por razões variadas. Os retratados gostam de ter sua fisionomia registrada para a posteridade, e algumas pessoas têm curiosidade de saber como eram as pessoas no passado.

Atualmente, a fotografia substituiu em muito a pintura; é comum ter em casa muitas fotografias de momentos significativos e importantes. Guardar e registrar esses momentos sempre fez parte da necessidade humana de conservar a memória das pessoas, dos lugares e dos fatos.


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Retrato é a representação da imagem de uma pessoa por meio de desenho, pintura, gravura, fotografia etc. Retratar uma pessoa não é somente registrar como fielmente como ela é, mas revelar sua expressão, seu modo de ser, seus sentimentos e também a visão do artista sobre essa pessoa ou sobre si mesmo.

Procure apreciar, com os alunos, obras de arte que demonstrem os conceitos de retrato e autorretrato, comparando as obras e destacando a maneira como o artista representou a figura humana ou se autorretratou.


DORE, H. A arte dos retratos. Rio de janeiro: Ediouro, 1996.

Este livro é uma boa referência para os alunos, pois traz vários retratos e autor-retratos comentados.

RUSSO, Martín Ernesto. Vincent van Gogh. Barueri: Editorial Sol 90, 2007. Coleção Folha Grandes Mestres da Pintura, v.1.

Este livro apresenta várias obras de Vincent van Gogh, inclusive retratos e autorretratos.

O BICHO

Clark, Lygia. Bicho (caranguejo duplo), 196. Alumínio, 53 x 59 x 53 cm. Acervo Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo SP.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Lygia Clark


• Conceituação de objeto


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• Percepção da possibilidade de intervenção do espectador na obra por meio de manipulação

• Expressão oral

• Técnica: composição com recortes de cartolina fixados com fita adesiva, simulando uma escultura

Sobre a artista

Lygia Clark (1920-1988) foi uma pintora e escultora brasileira que queria ver seus trabalhos nas mãos de quem visitasse sua exposição, que as pessoas os mani-pulassem. Ela acreditava que seu trabalho não deveria ficar exposto apenas para ser observado, por isso, na série Bichos incluiu dobradiças, assim, era possível mover e dobrar os “bichos” em diferentes posições.

A artista, nascida em Belo Horizonte, abriu novas perspectivas para a arte con-temporânea brasileira. Tentou superar os limites entre obra e vida e rejeitou a arte convencional, viveu no limiar entre a psicanálise e a expressão artística e estudou pintura sob a orientação de Burle Marx. Em 1950, foi a Paris, onde frequentou o ateliê de Fernand Léger. De volta ao Rio de Janeiro, integrou o Grupo Frente, lide-rado por Ivan Serpa. Com o objetivo de estabelecer uma nova linguagem abstrata na arte brasileira, fundou o neoconcretismo. Em suas primeiras pinturas, mudou a natureza e o sentido do quadro, estendeu a cor até a moldura e criou obras como superfícies modulares e os contra-relevos.

No período de 1960 a 1964, surgiram Bichos – esculturas articuladas manipula-das pelo público. Com eles, Lygia indicava sua busca: a participação do espectador em seu trabalho, por meio de objetos sensoriais (sacos plásticos, pedras, conchas, luvas etc.), para despertar sensações e fantasias. Elaborou, posteriormente, traba-lhos como Nostalgia do Corpo: Diálogo (1968), que propõe ao espectador sentir coi-sas simples, como o sopro da respiração e o contato de uma pedra na palma da mão; A Casa é o Corpo: Labirinto (1968), que simula um útero a ser penetrado pelo visi-tante, o qual é levado a experimentar sensações táteis ao passar por compartimen-tos; e Baba Antropofágica (1973), no qual várias pessoas derramam, sobre alguém deitado, fios que saem da boca. Lygia desenvolveu experiências terapêuticas com seus objetos sensoriais, principalmente entre seus alunos da Sorbonne, onde lecionou (1970-1975). No Rio de Janeiro, dava consultas terapêuticas particulares (1978-1985).

Fonte da pesquisa: UOL Educação. Disponível em: <http://educacao.uol.com.br/ biografias/klick/0,5387,272-biografia-9,00.jhtm>. Acesso em: 7. abr. 2014.


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SANT’ANNA, Renata et al. De dois em dois; um passeio pelas bienais. São Paulo, Martins Fontes, 1996.

Nesse livro é possível visualizar as obras de Lygia Clark sendo manipuladas por crianças que visitaram a Bienal de São Paulo.

CAVALINHO AZUL

MARC, Franz. Cavalo Azul, 1911. Óleo sobre tela, 112,5 x 84,5 cm. Stadtische Galerie im Lenbachhaus, Munique, Alemanha.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Franz Marc

• Uso não convencional da cor na arte

• Percepção de emoções provocadas pela cor

• Identificação de preferências

• Expressão oral

• Técnica: elaboração de máscaras de papelão previamente pintado com tinta guache


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Sobre o artista

Franz Marc (1880-1916) estudou teologia, filosofia e artes e foi um dos mais influentes pintores representantes do movimento expressionista na Alemanha. Por volta de 1907, dedicou-se à representação de animais e da natureza, pois sentia-se intimamente ligado aos animais e tentou representar o mundo tal como o animal o vê, mediante a simplificação formal e cromática das coisas. Usava cada cor para denotar um significado.

No site <http://abstracaocoletiva.com.br/2013/01/31/franz-marc-biografia/> você encontra uma biografia desse artista relacionada a suas obras. Acesse e confira!

A GRANDE ONDA

HOKUSAI, Katsushika. A Grande Onda de Kanagawa, 1829-1833. Xilogravura.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de K. Hokusai

• Visualização dos elementos da linguagem visual

• Técnica: repetição de formas por meio de impressão com rolinhos de papelão

Sobre o artista

Katsushika Hokusai (1760-1849) é o mais famoso artista japonês. Suas obras mostram a história e as lendas do país e também pessoas e cenas comuns.


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ONDE ESTÁ O CACHORRO?

BONNARD, Pierre. A Torta de Cerejas.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Pierre Bonnard

• Reconhecimento de cores e formas

• Coordenação motora

• Expressão oral

• Percepção visual e atenção

• Técnica: dobradura

Sobre o artista

Pierre Bonnard (1867-1947) frequentou a Escola de Belas Artes e a Academia Julien, em Paris, onde se ligou a vários artistas, ao lado dos quais participou do grupo dos nabis, cuja arte foi marcada pelo simbolismo.

Produziu muitas litogravuras em cores e expôs pela primeira vez no Salão dos Independentes, em 1891, revelando uma observação cheia de humor da vida pari-siense. Os primeiros trabalhos de Bonnard eram também influenciados por Gauguin e pela arte japonesa, que ele muito admirava. Sua paleta, no início com cores claras, mais tarde assumiu os matizes cinzentos de Paris.

Gostava de retratar as pessoas simples e os animais, tema recorrente em sua pintura. Seus primeiros quadros eram geralmente executados em telas pequenas e com grande delicadeza. Contudo, a partir de 1900, o estilo de Bonnard sofreu considerável modificação. Transferiu-se para o campo, pelo qual sempre se sentiu atraído, alternando em sua obra paisagens e cenas íntimas.


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A partir de 1928, Bonnard criou obras cujo otimismo solar refletia o sereno equi-líbrio de uma sociedade burguesa no seu apogeu. Seus últimos trabalhos – paisa-gens, interiores, nus e natureza-morta – tornaram-se cada vez mais ricos em cores.

CAMINHOS PARA PINTAR

KLEE, Paul. Caminhos Principais e Caminhos Secundários, 1929. Óleo sobre tela, 83 x 67 cm. Colónia, Museum Ludwig.

Conteúdos

• Apreciação da obra de Paul Klee

• Reconhecimento de formas geométricas


• Noção espacial

• Técnica: pintura com as partes do corpo utilizando tinta caseira

Sobre o artista

Paul Klee (1879-1940) nasceu na Suíça e foi violinista, professor, pintor e escritor. Seu pai era professor de música e sua mãe gostava de desenhar. Produziu cerca de 8,9 mil obras de arte em toda a sua carreira. Gostava de pintar e desenhar linhas, formas geométricas e planos coloridos em suas obras. Deixou um diário com anotações e desenhos, que é um importante documento para o entendimento da sua obra. Em 1914, Klee visitou a Tunísia, o que proporcio-nou grande impacto em sua obra. Morreu com 60 anos.


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CASA DE DOLORES. MOSAICO

RIVERA, Diego. Quetzalcoatl, 1956. Parede da casa de Dolores Olmedo, em Acapulco, México. (Detalhe).

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Diego Rivera


• Técnica: mosaico com EVA colorido

Sobre o artista

Diego Rivera (1886-1957) foi um dos maiores pintores mexicanos. Ao lado de sua esposa, Frida Khalo, conquistou grande destaque internacional. Seu feito mais notável foi a ligação que criou entre a arte pré-colombiana e os movimentos de modernistas, como o cubismo e o realismo social. Pintou vários afrescos e foi essencial para a criação do movimento muralista mexicano. Continua celebrado até hoje no México pelo seu desejo de criar uma identidade mexicana por meio desses trabalhos.


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Muralismo MexicanoApós a revolução de 1910, as artes plásticas tornaram-se a principal mani-

festação cultural das correntes ideológicas mexicanas. Muitos artistas demons-travam seu apoio à causa revolucionária criando vigorosos murais para edifícios públicos. Um desses pintores foi David Siqueiros (1896-1974), que criou um programa de ação muralista; em 1935-1936, ele dirigiu um atelier experimen-tal em Nova York (frequentado por Pollock) para demonstrar seus novos mate-riais e técnicas. José Clemente Orozco (1883-1949) e, sobretudo, Diego Rivera (1886-1957) eram muralistas ainda mais conhecidos, exercendo grande influên-cia nos artistas americanos da época e sendo imitados, reverenciados ou ataca-dos por seus contemporâneos.

BECKETT, Wendy. História da Pintura. São Paulo: Ática, 1997. p. 370.

PINTAR, REPINTAR E DESPINTAR

VAN GOGH, Vincent. A Noite Estrelada. 1889. Óleo sobre tela, 73 cm x 92 cm. Metropolitan Museum of Modern Art, Nova Iorque.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Vincent van Gogh

• Percepção de luminosidade na obra estudada

• Percepção do movimento visual produzido pelas pinceladas


• Expressão oral

• Reconhecimento do vidro como suporte para pintura

• Reconhecimento de transparência e opacidade

• Técnica: pintura sobre vidro com rolinho, pincel ou esponja e tinta guache


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Sobre o artista

Vincent van Gogh nasceu na Holanda, em 1853, e faleceu em 1890, com apenas 37 anos. No início de sua carreira queria ser pastor de uma igreja, mas não obteve sucesso. Com a ajuda do seu irmão Theo, aproximou-se das artes e começou a dese-nhar cenas do cotidiano e da natureza. Por meio das cartas que escreveu ao irmão, os críticos de arte conseguiram resgatar muitos aspectos da vida e da obra desse artista.

Suas telas iniciais retratavam a vida dos camponeses e trabalhadores rurais. Em 1886, foi morar com o irmão em Paris, onde conheceu pintores importantes da época, como Emile Bernard, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin e Edgar Degas, gran-des artistas do impressionismo. Sua pintura sofreu grande influência desse movi-mento artístico.

Paul Gauguin se tornou um grande amigo de van Gogh e os dois foram morar juntos no sul da França para criar um centro artístico. No início, a relação entre os dois era tranquila, porém, com o tempo, os desentendimentos foram aumentando até que Gauguin retornou para Paris e Vincent entrou em depressão. Em várias oca-siões teve ataques de violência e seu comportamento ficou muito agressivo; foi nesse período que chegou a cortar a própria orelha.

Sugestão de Leitura

VENEZIA, Mike. Mestres das artes: Vincent van Gogh. São Paulo: Moderna, 1996.

O livro apresenta a biografia e algumas obras do artista.

ESPELHOS DE PAPEL

MUNIZ, Vik. Pictures of Magazine 2: Vase of Flowers, after Claude Monet. C-print digital, 240 x 180 cm, 2013.


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Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Vik Muniz


• Técnica: recorte, com as mão, de revistas e papéis e colagem com cola de farinha

Sobre o artista

Vik Muniz (1961) vive e trabalha em Nova Iorque e no Rio de Janeiro. Sua obra, como escultura e desenho, transitou por distintos meios antes de chegar à foto-grafia, objeto final das séries dos últimos anos. Descoberto pelo crítico de arte do jornal The New York Times, Charles Haggan, nos anos 1990, quando estava radicado nos Estados Unidos, o artista participou das mais importantes bienais mundiais, entre elas a 24.ª Bienal de São Paulo (Brasil/1998), a 49.ª Bienal de Veneza (Itália/2001) e a Bienal de Arte Contemporânea de Moscou (Rússia/2009).

Vik realizou individuais e panorâmicas em diferentes países, sendo as mais recentes: Vik, no Centro de Arte Contemporânea de Málaga (Espanha/2012); Relicário, no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo (Brasil/2011); e Vik Muniz, no Nichido Contemporary Art, em Tóquio (Japão/2010). Foi o primeiro brasileiro con-vidado a participar como curador na nona versão do projeto Artist´s Choice (2008-2009), criado pelo MoMA de Nova Iorque. Entre as mostras coletivas que integrou, destacam-se Swept away, no Museum of Arts and Design, em Nova Iorque (2012); Pure paper, na galeria Rena Bransten, em São Francisco (2011); Fragments latino--américains, na Maison de l’Amérique Latine, em Paris (2010); e Surface tension, no Metropolitan Museum of Art, em Nova Iorque (2009). O trabalho de Vik Muniz está presente nos acervos dos principais museus do mundo e já foi tema de livros publi-cados no Brasil e no exterior.

Fonte: Galeria Nara Roesler. Disponível em: <http://www.nararoesler.com.br/exposicoes/espelhos-de-papel>. Acesso em: 3 de abril de 2014.

Espelhos de PapelPara conhecer mais sobre os últimos trabalhos de Vik Muniz, acesse o

site da Galeria Nara Roesler. Disponível em: <http://www.nararoesler.com.br/ exposicoes/espelhos-de-papel>. Acesso em: 3 abr. 2014.


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Unidade IIIPropostas para crianças de cinco anos

MEU ROSTO, MEU CORPO, MEU JEITO

AMARAL, Tarsila do. Operários, 1933. Óleo sobre tela, 150 x 205 cm. Palácio do Governo do Estado de São Paulo.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Tarsila do Amaral

• Reconhecimento da diversidade de expressões nas representações huma-nas criadas pela artista

• Respeito ao outro e às diferenças entre as pessoas

• Reconhecimento de suas características e identidade

• Expressão oral

• Técnica: complementação da própria silhueta com desenhos das partes do rosto e do corpo

Sobre a artista

Tarsila do Amaral (1886-1973) é uma das artistas mais importantes do Brasil. Nasceu em uma fazenda de café, onde viveu uma infância muito rica, estu-dou fora do Brasil e conheceu muitos artistas que a influenciaram. Seus trabalhos tinham cores vivas e formas geométricas que representavam o povo e a cultura brasileira.


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Modernismo no BrasilA Semana de Arte Moderna aconteceu em 1922 com a participação de artistas

de São Paulo e do Rio de Janeiro. Foi considerada o marco inicial do Modernismo no Brasil. Nessa semana aconteceram conferências, leituras de poemas, dança, música e exposições de arte. Participaram a pintora Anita Malfatti e os escritores Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Menotti Del Picchia. O movimento modernista também contou com a participação de dezenas de outros artistas e intelectuais da época. Durante a Semana de Arte Moderna, Tarsila estava estudando em Paris, mas soube de tudo por meio das cartas que recebia da amiga Anita Malfatti, por quem foi introduzida no grupo dos modernistas ao retornar ao Brasil.

Os modernistas queriam uma renovação na linguagem da arte tradicional e marcaram uma ruptura dos modelos artísticos. Muitos artistas brasileiros viajaram para a Europa, conheceram a arte produzida lá e trouxeram muitas ideias inovado-ras. As obras apresentadas no Brasil foram inspiradas nas vanguardas europeias e misturadas aos temas brasileiros, o que causou enorme polêmica.

VAMOS PINTAR...

MATISSE, Henri. Polinésia – o Mar, 1946. Guache recortado e colagem sobre papel, 200 x 314 cm. Museu de Arte Moderna, Paris (França).

Conteúdos

• Leitura e apreciação estética da obra de Henri Matisse

• Reconhecimento de características do movimento fauvista


• Expressão oral

• Identificação de temas marinhos

• Técnica: pintura com os dedos e tinta guache


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Sobre o artista

Henri Matisse (1869-1954) foi um dos mais significati-vos pintores da França. Em suas pinturas, não se preocu-pava com o realismo, e sim com as formas das figuras, as cores e a composição. A cor tinha valor em si mesma e suas composições não tinham perspectiva ou profundidade.

IMPRESSÕES GEOMÉTRICAS

MONDRIAN, Piet. Quadro I, 1921 tableau I. Óleo sobre tela, 96,5 x 60,5 cm. Colônia, Museu Ludwig.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Piet Mondrian

• Reconhecimento de figuras geométricas


• Expressão oral

• Releitura da obra de Mondrian

• Técnica I: impressão com tinta guache de objetos do cotidiano no papel

• Técnica II: contorno de formas geométricas no papel e pintura com lápis de cor


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Sobre o artista

Piet Mondrian (1872-1944) simplificou as suas figuras até chegar às formas básicas e cores puras. Participou do movimento cubista e estudou matemática e proporção. Seus trabalhos mais conhecidos são os que têm como base as três cores primárias, além de preto e branco e das linhas verticais e horizontais. Ele buscou, em sua obra, o equilíbrio perfeito da composição e acreditava que todas as coi-sas possuem uma essência e estas estão em harmonia com o universo; o papel do artista seria, segundo ele, revelar essa essência oculta.

TARSILA DO AMARAL, AS LINHAS E FORMAS GEOMÉTRICAS

AMARAL, Tarsila do. Porto II, 1966. Óleo sobre tela, 14 x 21,5 cm. Coleção particular, Brasília, DF.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Tarsila do Amaral.

• Reconhecimento de linhas e formas geométricas.

• Percepção visual.

• Expressão oral.

• Técnica: composição por meio de colagem de formas geométricas recorta-das em papel.


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ARABESCOS DE KLIMT

KLIMT, Gustav. O Friso Stoclet (detalhe da parede direita), 1905-09. Técnica mista, 197 x 91 cm. Bruxelas, Österreischisches Museum für Angewandte Kunst.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Gustav Klimt

• Percepção de linha espiral como tratamento gráfico, dos arabescos e das formas geométricas

• Reconhecimento dos tipos de linhas

• Identificação de padrões de repetição das linhas

• Técnica: criação coletiva a partir de intervenções em partes fotocopiadas da obra original


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Sobre o artista

Gustav Klimt (1862-1918) foi um artista austríaco que pintou grandes frisos ornamentais com cenas ale-góricas e retratos refinados ao gosto da época em que viveu. Ele iniciou seus estudos aos 14 anos na escola de Artes e Ofícios na Áustria. Em 1897, fundou um grupo chamado Secessão. Esse artista criou uma maneira muito própria de pintar, desenvolveu uma pintura linear e ornamental.

“Seduzido pela personalidade extravagante de Gustave Klimt, o cineasta Raoul Ruiz dirigiu o filme Klimt, com John Malkovitch no papel do artista e Verônica Ferres no papel de sua modelo predileta, Emilie Flöge. O propósito do filme foi retratar a vida do artista cuja pintura sexual e exuberante simboliza o estilo art nouveau, que marca a virada do século XIX para o século XX.”Fonte: UOL Educação. Biografias. Disponível em: <http://educacao.uol.com.br/biografias/ult1789u347.jhtm>.

Acesso em: 5 abr. 2014.

Art Nouveau

Na década de 1890, as artes decorativas passaram por uma fase chamada art nouveau, que era inspirada nas formas naturais e orgânicas. O movimento foi desen-volvido por escultores, joalheiros, ceramistas e criadores de cartazes. As raízes do art nouveau estavam na Inglaterra, mas artistas franceses sofreram as influências das formas curvas e cores brilhantes desse novo estilo ornamental.

O ferro, o vidro e o cimento foram materiais amplamente utilizados, conside-rados os materiais do mundo moderno. Esse estilo acompanhou o processo de industrialização mundial e o fortalecimento da burguesia. Inspirados na natureza, os artistas utilizaram em suas obras as linhas assimétricas e sinuosas e os arabescos encontrados nas flores e nos animais.

Os trabalhos de Klimt são classificados com esse estilo pelo modo como a pin-tura se associa diretamente à decoração e à ilustração no art nouveau.


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Exemplo do rótulo de uma loção no estilo art nouveau Exemplo de vitral ao estilo art nouveau


NÉRET, Gilles. Gustav Klimt (1862-1918). Germany, Taschen, 1994.

Este livro traz um bom referencial sobre a vida e a obra do artista Gustav Klimt.

O PEIXE COLORIDO

MARTINS, Aldemir. Peixe. Acrílica sobre cartão, 29,5 x 42 cm.


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Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Aldemir Martins

• Conceituação de cores primárias e secundárias

• Exploração da mistura de cores

• Expressão oral

• Técnica: composição com colagem de formas em cores primárias sobre desenho feito a lápis

Sobre o artista

Aldemir Martins (1922-2006) nasceu no Ceará e aos oito anos de idade já fazia desenhos, com pedaços de tijolo e carvão. Suas obras tinham temas regionais, como cangaceiros, vaqueiros, frutas, animais e seus famosos gatos. Fez mais de 150 exposições coletivas e individuais. Em 1951, na Bienal de São Paulo, foi premiado como melhor desenhista nacional.


MOULIN, N; MATUCK, R. Aldemir Martins: no lápis da vida não tem borracha. São Paulo: Callis, 1996.

Este livro conta a história do artista e mostra algumas de suas obras.

CORES PRIMÁRIAS E SECUNDÁRIAS

Conteúdos

• Identificação de cores primárias e secundárias

• Exploração de mistura de cores

• Técnica: criação de formas sobre papéis previamente pintados com tinta guache de cores obtidas a partir de misturas


PEDROSA, Israel. Da cor à cor inexistente. Rio de janeiro: Léo Christiano, 1999.

O livro apresenta um estudo aprofundado sobre a cor e suas características.

NICHOLSON, Sue. Livro gigante de arte para crianças. São Paulo: Girassol, 2008.

O livro traz muitas ideias de como realizar trabalhos artísticos com técnicas diversificadas, além de abordar a questão da cor e suas misturas.


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ESTA É A MINHA FAMÍLIA

PICASSO, Pablo. Família de saltimbancos. 1905. Óleo sobre tela, 212,8 x 229,6 cm. Coleção Chester Dale, National Gallery of Art, Washington, EUA.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Pablo Picasso

• Percepção da influência da luz sobre as cores e formas no espaço

• Percepção do movimento visual produzido pelo artista

• Expressão oral

• Identificação de características familiares

• Técnica: representação das pessoas da família a partir da observação de uma foto

Sobre o artista

Pablo Picasso (1881-1973) nasceu na cidade de Málaga, na Espanha. Era filho de um profes-sor de arte e desde jovem seu talento era evi-dente. Com apenas 10 anos de idade foi viver em Paris e se tornou um dos mais famosos pintores do século XX. Ele pintou mais de 15 mil telas, fez mais de 660 esculturas e diversos desenhos. Faleceu aos 92 anos.

O artista não queria retratar as pessoas como em uma fotografia, queria retratar a expressão dos sentimentos das pessoas.


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BRINCAR DE PIÃO

PORTINARI, Cândido. Menino com pião. Óleo sobre tela, 1947, 65 x 54 cm. Coleção Museu Castro Maya, RJ.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Candido Portinari


• Expressão oral

• Contextualização do título da obra

• Técnica: dobradura de folhas de jornal para confecção de pião e chapéu

Sobre o artista

Cândido Portinari (1903-1962) nasceu em uma fazenda de café, em Brodósqui, interior de São Paulo. Era filho de imigrantes italianos e, desde cedo, seus pais perceberam que gostava muito de desenhar e pintar. Aos 15 anos foi para o Rio de Janeiro estudar pintura na Escola Nacional de Belas Artes.

Portinari é considerado um dos mais impor-tantes artistas brasileiros e produziu mais de


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5 mil pinturas e desenhos, nos quais retratou a história e a cultura do povo brasileiro. Suas obras têm um caráter moderno e inovador para a época. Podemos encontrar, em suas pinturas e desenhos, diversos temas ligados à infância, como brinquedos e brincadeiras infantis. Morreu vítima de intoxicação pelas tintas que usava.


Os livros indicados trazem informações sobre a vida e obra do artista Cândido Portinari.

ACEDO, Rosane; ARANHA, Cecília. Encontro com Portinari. 5. ed. São Paulo: Minden, 1995. (Coleção Encontro com a arte brasileira).

TRZMIELINA, Nadine; BONITO, Angelo. Crianças famosas: Portinari. São Paulo, Callis, 1997.

SANTA ROSA, Nereide Schilaro. Mestres da Arte no Brasil: Candido Portinari. São Paulo, Moderna, 1999.

PINTAR AO AR LIVRE

MONET, Claude. A Mulher com Sombrinha, 1875. Óleo sobre tela, 100 x 81 cm. National Gallery of Art, Washington D.C.


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Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Claude Monet

• Percepção da cor-luz nos objetos e na natureza

• Percepção das alterações da cor e da luz no ambiente

• Técnica: pintura do mesmo ambiente em diferentes horários do dia

Impressionismo

Foi um movimento artístico que revolucionou a pintura com seus procedimen-tos técnicos, pois a pintura registra as tonalidades que os objetos adquirem ao refle-tir a luz solar em diferentes momentos do dia. As figuras não têm contornos nítidos e as sombras são coloridas e luminosas.

Para saber mais sobre o impressionismo, seus principais representantes e visualizar algumas das obras mais importantes, acesse o site História da Arte. Disponível em: <http://www.historiadaarte.com.br/linha/impressionismo.html>. Acesso em: 6 abr. 2014.

Sobre o artista

“Esqueça o que tem diante dos olhos – uma árvore, uma casa, um campo – e pense sim-plesmente: aqui existe um quadradinho azul, ali, um retângulo rosa, lá, uma faixa amarela, e pinte como tudo isso lhe parece ser.”

Claude Monet

Claude Monet (1840-1926) foi um famoso pintor e pesquisador dos efeitos da luz. Ele pin-tou em diferentes horas do dia para estudar as modificações do ambiente e sua luminosidade, com estilo que se caracterizava por uma paleta clara e colorida; ele costumava aplicar as tintas sem misturá-las, diretamente na tela.

A princípio, os críticos desprezaram suas obras e chamaram os artistas dessa época de impressionistas, afirmando que suas obras pareciam borrões de tinta. Essa reali-dade mudou anos depois, e os quadros passaram a ser reconhecidos e valorizados.

Retrato de Claude Monet fotografado por Nadar em 1899.


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BJÕRK, Christina. Lineia no jardim de Monet. Salamandra: São Paulo, 1992.

Os personagens deste livro viajam pela casa, pelos jar-dins e pela Paris do pintor impressionista Claude Monet.

CIRCO DE PONTINHOS

SEURAT, Georges. O Circo. 1890-91. Óleo sobre tela. 1,85 x 1,52 m.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Georges Seurat

• Identificação da técnica do pontilhismo

• Percepção da mistura de cores

• Percepção de luz e sombra

• Expressão oral


• Técnica: pintura com cotonetes e tinta guache, inspirada no pontilhismo

Pontilhismo

Seurat iniciou o movimento conhecido como pontilhismo, que consistia em aplicar milhares de pontinhos de tinta sobre a tela para imitar a maneira como a luz e a cor atingem os nossos olhos. Cada ponto representa um raio de luz de cor diferente e, como são muito pequeninos e muito juntos, os pontos se misturam e se fundem no nosso olhar. As cores resultantes parecem mais brilhantes e intensas


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do que as misturadas na paleta. Seurat queria dar a impressão de que a luz vem da própria tela, por exemplo, pintava vários pontos vermelhos ao lado de vários ama-relos para que quando a tela fosse vista de longe a cor que se visse fosse o laranja.

Curiosidade

“Convém que as pinceladas não se fundam. Elas se fundem naturalmente a uma distância desejada. Assim, a cor ganha mais energia e frescor.”

Georges Seurat

Sobre o artista

Geoges Seurat (1859-1891) nasceu em Paris e estudou arte na Escola de Belas Artes de Paris. Fazia muitos desenhos em um livro de anotações e desenhava tudo que gostava: a praia, o mar, as pessoas, os barcos, os passeios pelos parques. Participou de exposições e salões e faleceu jovem, com apenas 31 anos.

Para saber mais sobre a biografia e as obras desse artista, acesse: <http://abstracaocoletiva.com.br/2013/01/26/georges-seurat-biografia/>.

AULA DE BALÉ

DEGAS, Edgar. Balé, 1876. Pastel sobre papel, 58 x 42 cm. Museu d’Orsay, Paris.


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Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de Edgar Degas


• Expressão corporal

• Expressão oral

• Identificação da dança como temática artística

• Técnica: pintura com tinta guache diluída sobre folha de papel branco pre-viamente desenhada com giz de cera branco, para revelação dos movimen-tos do giz no papel

Sobre o artista

Edgar Degas (1834-1917) nasceu em Paris, era de uma rica família de ban-queiros e estudou Direito, mas decidiu tornar-se artista e estudou nas mais famo-sas escolas italianas de arte. No final da década de 1860, começou a pintar temas que foram considerados modernos na época: retratos, corridas de cavalos, teatro, orquestra, senhoras na chapelaria, lavadeiras e balé. Fez várias pinturas com ângu-los incomuns, influência da fotografia, que revolucionou o olhar dos impressionis-tas nessa época.

Embora as pinturas de Degas aparentem ser espontâneas, elas eram na verdade produções de estúdio cuidadosamente planejadas, construídas a partir de muitos croquis e estudos. Muitos dos seus trabalhos foram realizados com giz pastel, com o qual conseguiu uma riqueza de cores e texturas. Degas fez muitas esculturas que retratavam bailarinas de maneira delicada e expressiva.


GRIMSSHAW, C. Arte: conexões. São Paulo: Callis, 1998.

Muitos tópicos deste livro abordam os impressionistas, com explicações sobre o movimento e as obras.


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ABAETÉ

PANCETTI, José. Abaeté (Salvador, BA), 1957. Óleo sobre tela, 32 x 39 cm. Acervo Artístico Cultural dos Palácios do Governo do Estado de São Paulo.

Coleção Palácio Boa Vista, Campos do Jordão, SP.

Conteúdos

• Leitura e apreciação da obra de José Pancetti

• Identificação de cores primárias e secundárias

• Representação da figura humana de costas

• Técnica: desenho de características faciais com lápis, lápis de cor, giz de cera e canetas hidrográficas

Sobre o artista

“Tudo que pinto é com amor. Só sei pintar com amor”.

José Pancetti

José Pancetti (1902-1958) viveu uma parte da infância na Itália com os tios e avós e trabalhou como marceneiro e apren-diz de marinheiro. Em 1920 voltou ao Brasil e integrou o Núcleo Bernardelli, no qual adquiriu técnica e amadurecimento artís-tico. Sua obra é composta por paisagens, retratos, autorretratos, naturezas-mortas e marinhas. As marinhas são as obras mais conhecidas, nas quais retratou a vida das pessoas que moravam no litoral e as lavadeiras de roupas da Lagoa do Abaeté, na Bahia.


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Rua Des. Hugo Simas, 1220 • Bom Retiro • CEP 80520-250 • Curitiba – PRTel.: (41) 3017 0111 • Fax: (41) 3017 0100 • Fale Conosco: 0800 41 0034

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