ESTUDO DA COR

A cor é uma percepção visual provocada pela ação de um feixe de fotões sobre células especializadas da retina, que transmitem através de informação pré-processada no nervo óptico, impressões para o sistema nervoso.

A cor é relacionada com os diferentes comprimento de onda do espectro eletromagnético.

Sem luz não há cor.

Do conjunto das ondas magnéticas existentes no Universo só conseguimos captar através dos nossos olhos uma pequena faixa – é a luz visível.

Quando a luz branca, possuidora de todas as cores-luz, incide num objeto, constituído por determinada matéria, alguns comprimentos de onda são absorvidos, enquanto outros são refletidos pela matéria que o constitui.

À soma das luzes coloridas do espetro visível chamamos síntese aditiva.

Se projetarmos num ecrã as luzes coloridas, azul-violeta, verde e vermelho, sobrepondo-as verificamos que resulta o branco.

Na síntese aditiva as cores primárias são o vermelho, o verde e o azul-violeta.

As secundárias são o amarelo, o azul ciano e o magenta.

Para colorir um objeto ou realizar um trabalho com cor, temos de recorrer à cor pigmento, quer esta seja de origem natural ou artificial. À junção de duas cores pigmento denominamos síntese subtrativa. Na síntese subtrativa as

cores primárias são o amarelo, o azul ciano e o magenta.

As secundárias são o roxo, o verde e o vermelho.

A arte moderna emergiu no século XIX, sobretudo na França.Por volta da mesma época os cientistas estudavam a forma como nós vemos.

Vamos explorar como as novas noções da visão têm sido usadas pelos artistas.

A cor na arte

• Ao longo dos séculos, os artistas usaram os conhecimentos "científicos” da visão e pintura para melhorar a sua arte.

• Ao longo dos anos, tem havido vários tratados sobre a prática, a teoria e as questões filosóficas da pintura e noções sobre o uso da cor.

Gruta de Lascaux, França

• O primeiro livro importante sobre este tema foi o Livro do Artesão (Il Libro dell' Arte) escrito por volta de 1390 pelo pintor toscano Cennino Cennini (c. 1370-1440).

• Cennini dá instruções explícitas sobre o uso de pigmentos diferentes, a forma de prepará-los, a sua disponibilidade e assim por diante.

• Este livro é um valioso guia que nos ajuda a entender as pinturas desta época.

Masaccio, Retrato de um jovem, 1425. Tempera sobre painel

Em 1839, a teoria da interação das cores foi a primeira a com uma base sólida experimental, pelo químico francês Michel Chevreul (1786-1889).

A sua “De la Loi du Contraste Simultané des Couleurs“ introduziu teorias que levaram a novas utilizações da cor.

Depois de ser nomeado responsavel pelas obras com corantes no Manufactory Gobelins (tapeçarias), em Paris, ele recebeu muitas queixas sobre os corantes usados lá. Em particular, os negros pareciam diferentes quando usados junto dos azuis. Ele determinou que a cor dos fios era influenciada por outros fios em redor. Isso levou ao conceito conhecido como contraste simultâneo.

Luz, cor e visão

Como o olho capta a cor?

O olho é muitas vezes comparado a uma câmara. Mas poderia ser mais apropriado compará-lo a uma câmara de TV que tem auto-focos, uma lente de auto-limpeza e tem as suas imagens processadas por um computador com milhões de processadores.

Quando o nosso olho vê, a luz do mundo exterior é focada pela lente na retina.

Ali, ela é absorvida pelos pigmentos em células sensíveis à luz, chamadas bastonetes e cones. Os bastonetes são sensíveis à luminosidade e os cones reconhecem as cores

Muitos animais têm dois tipos diferentes de cones. (Alguns, como os pássaros têm cinco ou mais).

Os grandes primatas, incluindo os seres humanos, têm três tipos diferentes.

• primeiro responde à luz de comprimentos de onda longos, chegando a uma cor amarelada, designada L (Long).

• O segundo tipo responde à luz de comprimento de onda médio, atingindo um máximo de uma cor verde, e é abreviado M (Medium).

• O terceiro tipo responde mais a curto comprimento de onda de luz, de cor azulada, e é designado S (Short).

Newton e o espectro de cores

A nossa compreensão moderna da luz e da cor começa com Isaac Newton (1642-1726) e uma série de experiências que ele publica em 1672.

Ele é o primeiro a compreender o arco-íris – faz a refração da luz branca com um prisma, decompondo-o nas suas cores componentes: vermelho, laranja, amarelo, verde, azul, anil e violeta.

Os artistas ficaram fascinados com a clara demonstração de Newton de que a luz era o único responsável pela cor.

A sua ideia mais útil para os artistas era o seu arranjo conceptual das cores numa circunferência, o que permitiu aos pintores visualizar as cores primárias (vermelho, amarelo, azul) e as suas opostas, as complementares, uma forma de as destacar em que cada complementar aumentaria o efeito da outra através de um contraste ótico.

Este diagrama circular tornou-se o modelo para sistemas de cor nos séculos 18 e 19. Círculo do pintor Claude Boutet de 1708 foi provavelmente o primeiro a ser baseado no círculo de Newton.

Teoria da cor de GoetheAté Johann Wolfgang von Goethe aparecer, ninguém tinha questionado a validade das ideias de Newton sobre a luz e a cor.

Goethe era um escritor e cientista. O seu tratado foi publicado em 1810 e embora cientificamente falando, não estivesse correto, ele realmente descobriu aspectos que Newton ignorara sobre a fisiologia e psicologia da cor.

Observou a retenção das cores na retina, a tendência do olho humano em ver nas bordas de uma cor complementar, notou que os objetos brancos sempre parecem maiores do que os negros.

As suas observações foram resgatadas no início do séc. XX pelos estudiosos da Gestalt e sobre pintores modernos como Paul Klee e Kandinsky.

As suas observações foram resgatadas no início do séc. XX pelos estudiosos da Gestalt e sobre pintores modernos como Paul Klee e Kandinsky.

As qualidades da corAs qualidades fundamentais da cor, e que explorarás nos teus trabalhos são:

- Tom ou tonalidade – refere-se à própria cor. Os diferentes matizes de uma cor formam uma tonalidade.

- Intensidade ou saturação – corresponde ao grau de pureza da cor. As cores mais saturadas são as que possuem pigmentos mais puros. A saturação das cores diminui com o acréscimo de outros pigmentos.

- Luminosidade ou valor– corresponde ao grau de claridade ou obscuridade das cores.

Johannes Itten

Johannes Itten (1888 — 1967) foi pintor, docente e ensaísta místico, ativo na primeira fase da Bauhaus.

A roda de cores desenvolvida por Itten é baseada no espectro visível e formada por 12 cores, entre elas as chamadas cores primárias - azul, vermelho e amarelo - que são muito próximas às cores primárias da teoria subtrativa e além disso, são usadas como cores primárias por pintores e artistas em geral.

A luz na arte

William TurnerA arte moderna é frequentemente associada ao século 20.

No entanto, o trabalho de Joseph Mallord William Turner (1775-1851) tem características que poderiam ser consideradas modernas. Muitas das pinturas de Turner, mostram formas não representacionais que se afastam das tradições dominantes de representação.

Em vez de tentar imitar a aparência naturalista da cena, algumas áreas das pinturas parecem quase abstratas.

Chuva, Vapor e Velocidade, 1844; Óleo sobre tela; National Gallery, Londres.

Sombras e escuridão – A véspera do diluvio, Turner, 1843.

O céu escuro e as águas ferventes do dilúvio bíblico são arrastados para uma massa rodopiante de negros e roxos, em torno de uma piscina de amarelo contrastante à distância.

Olhando para turbilhão da visão de Turner de “rescaldo do dilúvio”, é difícil acreditar que ele se baseia em ideias científicas.

No entanto, Turner cita a Teoria de Goethe (das cores "mais" e "menos”), que ele meticulosamente estudou, embora a tenha interpretado à sua maneira.

Este quadro contrasta com o anterior, pintado com cores mais “positivas”.

Luz e Cor — A manhã após o diluvio, Turner, 1843.

As cores de MonetAté ao século 19, pensava-se a cor como uma propriedade intrínseca de um objeto, tal como a densidade ou ponto de fusão. As laranjas eram intrinsecamente laranja e os limões eram intrinsecamente amarelo.

Os impressionistas e pós-impressionistas franceses mudaram essa concepção.

O trabalho de Claude Monet (1840-1926) por volta de 1890 demonstra esse desenvolvimento. Monet e os seus contemporâneos começam a pintar ao ar livre, em oposição às definições tradicionais de um ambiente neutro no estúdio.

Assim, a série de Monet de palheiros são pintados sob diferentes condições de luz em diferentes momentos do dia.

Levantava-se antes do amanhecer, pintava a primeira tela durante meia hora, pois a luz mudava nessa porção de tempo. Em seguida, ele mudava para a segunda tela, e assim por diante. No dia seguinte ele repetia o processo.

Em cada quadro, a cor do palheiro é diferente porque a luz que brilha no palheiro é diferente.

A cor do palheiro é determinada pelas cores que o palheiro absorve. A cor que vemos é apenas a luz colorida que não é absorvida e que se reflete nos nossos olhos.

Série palheiros, c. 1890-91

Série palheiros, efeito de neve de manhã, c. 1891

Série palheiros, c. 1890-91

O Contraste das cores

As cores diferenciam-se umas das outras atraindo o nosso olhar pelo tipo de contrastes que produzem.

Assim, por exemplo, um objeto de cor vermelha numa paisagem de neve destaca-se de imediato desta. Diríamos que a cor do objeto contrasta com o fundo branco da neve.

Existem vários tipos de contrastes das cores. Vamos ver alguns.- Contraste claro-escuro

Poucos artistas usaram tão dramaticamente as cores complementares como Vincent van Gogh (1853-1890).Amarelo e azul acentuam-se um ao outro no quadro de Van Gogh Terraço do Café na Place du Forum, Arles, 1888.

As nossas sensações são mais intensas quando dois extremos são justapostos. Café à Noite tem cores descritas como "quentes", que são geralmente associadas com sensações e emoções tais como energia, amor, alegria e festividade.

Vamos comparar isso com as obras de Picasso no "período azul", onde as pinturas despertam emoções mais comumente associados com cores "frias", como tristeza e uma sensação de perda.

num slide anterior

Contraste de intensidade ou saturação

Contraste de luminosidade ou valor

A arte moderna influenciada pelos estudos da cor e visão

Os artistas modernos foram influenciados pelas novas descobertas e teorias sobre a visão e a cor.

Em 1896, Wassily Kandinsky (1866-1944) vê “Monte de feno" de Monet numa exposição itinerante em São Petersburgo. As pinturas de Monet têm um grande impacto sobre o desenvolvimento artístico de Kandinsky para a abstração. De acordo com Kandinsky:

"A pintura revelou-se para mim em toda a sua fantasia e todo o seu encanto. Dentro de mim surgiu profundamente a dúvida pela primeira vez sobre a importância do objeto como um elemento necessário para um quadro. "

Em vez de ir buscar referências ao mundo exterior, os objetos de Kandinsky são subjetivos e transmitem a sua "natureza interna". Ao fazer isso, os seus objetos tornam-se independente dos modos tradicionais de representação, que visam retratar a ilusão de espaço tridimensional com cores naturalistas.

Em 1910, Kandinsky é um dos primeiros a pintar um quadro completamente não-representacional abstrato.

Os discos de Newton inspiraram Frantisek Kupka em 1912.

Segmentos de brancos podem referir-se à mistura de todas as cores para tornar branca num disco giratório.

Pintura de Franz Marc do seu cão Russi, 1910-1911. Ele explicou o trabalho como um estudo sobre os contrastes entre o amarelo, branco e azul, talvez sobre a influência das teorias de Goethe.

Bridget Riley e a Op ArtBridget Riley (1931) é uma artista britânica conhecida pelos seus trabalhos opticamente vibrantes de meados dos anos 1960, chamados de "Op Art".

Ela explora fenómenos óticos e cores que justapõe ou por seleção de cores acromáticas (preto, branco ou cinza). Ao fazer isso, o seu trabalho parece tremer, pulsar e mover, incentivando a tensão visual do espectador.

Riley passou dois anos a copiar a pintura de Seurat, Ponte de Courbevoie, para aprender sobre sua técnica de pintura e o seu uso de cores complementares. Ela descreve o processo como "ser uma revelação para ela" em relação à cor. Logo depois, em 1966, Riley começa a usar a cor para conseguir novos efeitos óticos. Justapondo linhas de cores puras complementares que podem afetar o brilho percebido das cores individuais.

Feras selvagens e CoresNo início do século 20, a arte passou por mudanças significativas. Os artistas tornaram-se cada vez mais interessados no modo de representação não-naturalista, afastando-se do uso tradicional das formas e cores.

A partir de 1904, os artistas Fauve, incluindo Henri Matisse, Derain André), Raoul Dufy, Henri Manguin, Maurice Vlaminck e Georges Braque, começam a retratar objetos familiares com cores "estranhas".

O termo francês "fauvismo” refere-se a “feras selvagens." No entanto, um nome melhor para o grupo pode ser "os artistas de cor pura."

Fauvismo é o primeiro movimento moderno em que cor tem o controle supremo.

“Mulher com o chapéu” de Matisse (1905) é um bom exemplo das "novas" formas de coloração.

Foi considerado ofensivo pelos espectadores contemporâneos, quando foi exibido pela primeira vez no Salon d'Automne, em Paris, em 1905.

A crítica focou-se na representação do rosto da mulher, que é representada com várias cores que criam uma aparência de máscara.

Montanhas em Collioure, André Derain, 1905. As árvores e relva são desenhadas com traços longos de cor pura. No entanto, para ambos Derain e Matisse, a cor era um imperativo menos emocional, menos pessoal do que tinha sido para van Gogh.

Janela aberta em Collioure, Henri Matisse, 1905.Este é um dos primeiros trabalhos Fauve. Foi pintado durante o verão de 1905, quando Matisse, juntamente com André Derain, trabalharam no pequeno porto de pesca de Collioure Mediterrâneo, perto da fronteira espanhola.De acordo com a Matisse, "arte Fauve não é tudo, mas é a base de tudo." No entanto, os espectadores contemporâneos nem sempre entendiam objetivos de Matisse e ficaram indignados pelas pinturas fauvistas. Por que ficaram tão chocados?

Mesmo se o assunto da pintura Fauve fosse muitas vezes tradicional (por exemplo, um retrato, um nu, uma paisagem ou um interior), as cores Fauve são sempre diferentes. As cores Fauve parecem brilhantes e não naturais, podendo mesmo agredir os olhos.

Além disso, a forma fragmentada como são aplicadas - em blocos maiores e menores - faz as pinturas parecerem esboçadas, desajeitadas e inacabadas ao público contemporâneo. O espectador identifica a forma como estando ”certa" e a cor "errada”.

Na arte tradicional, forma e cor estão ”certas" ou seja representam a realidade. O artista começa com a forma e a forma determina a cor. A cor segue a forma, o artista não pode começar com a cor. O artista tradicional não usa a cor por si só como um meio de expressão.

Henry Matisse, Natureza Morta com Laranjas,1912

Henri Fantin-Latour, Flores e frutos numa mesa, 1865

Matisse usou a cor expressivamente, libertando-a da forma. A cor procura a sensação que represente a sua visão subjetiva e estado de espírito. Portanto, pode ser figurativa ou não-figurativa.

Para o espectador, as formas de Matisse podem parecer certas, mas as cores parecem erradas, porque não são utilizadas para transmitir semelhança, mas sim a sensações. Como disse Matisse, "Quando eu coloquei um verde, não é relva. Quando eu coloquei um azul, não é o céu. "

Será que o sol da tarde no porto de Collioure parece demasiado brilhante? Qual das cores está certa? Quais estão erradas? A costa não deve ser vermelha. Nem o mar verde. Usando sua intuição, André Derain criou o efeito de um céu de primavera com combinações de cores e luminância complicadas.

Pontilhismo: Banhistas em Asnières de Seurat

Em 1884, um jovem artista chamado Georges Seurat (1859-1891) exibe sua pintura de grandes dimensões em primeiro lugar na recém-criada Sociedade de Artistas Independentes.

Devido ao seu tamanho, fica exposto no bar e passa em grande medida despercebido.

Assim como os outros artistas expositoras, o trabalho de Seurat é recusada pelo Salão oficial.

Ele também adota a paleta brilhante do impressionismo, o seu interesse em efeitos de luz ao ar livre e a percepção de que "local" (a cor real de um objeto) pode ser modificada pela luz atmosférica, luz solar ou por cores justapostas.

Pormenores do quadro

Pointilhismo: A Grande Jatte e o Circo

Pormenores do quadro

O “estado de espírito” das pinturas de Picasso

As cores de uma pintura podem influenciar o seu “estado de espírito”.

Curiosamente, há vários casos em que as cores de uma pintura são muito anormais, mas a iluminação está correta.

Conseguimos compreender as pinturas claramente, mas ficamos confusos com as suas cores.

No "período azul" de Picasso (1901-1904), as suas pinturas retratam pobres seres humanos.

O azul foi escolhido deliberadamente - frio e profundo, significando a miséria e desespero - para intensificar a falta de esperança das figuras retratadas, como mendigos, prostitutas, os cegos, atores e gente de circo desempregados, bem como o próprio Picasso e os seus amigos pobres.

Na época, Picasso até usava roupas de cor azul.

"Picasso acreditava que a arte era a filha da tristeza e do sofrimento ... que a tristeza se prestou à meditação e que o sofrimento era fundamental para a vida ... Se exigimos sinceridade de um artista, é preciso lembrar que a sinceridade não é para ser encontrada fora do reino da dor. “

O "Período azul" do Picasso é ainda desencadeado pelo destino de seu melhor amigo, Carles Casagemas, cuja paixão por uma mulher e a sua rejeição levou-o à sua posterior tentativa de matá-la e ao seu próprio suicídio.

Picasso explicou mais tarde, "Foi o pensamento em Casagemas que me fez começar a pintar em azul."

Gradualmente, as cores de Picasso iluminaram-se, no que é chamado o "Período Rosa" (1904-1906).

Rosas suaves, os azuis, vermelhos e verdes complementam estas imagens. As figuras esqueléticas tornam-se mais redondas. A nova cor expressa calor e vida.

As pinturas de Picasso começam a vender, ele agora ele tem um estúdio, uma amante e uma vida.

Os dois períodos - o "Azul" e o "Rosa" - formam uma transição entre a arte convencional da sua juventude e a arte sem regras e que não segue as tradições da sua maturidade.

Em 1907, Picasso e Georges Braque introduzem o cubismo, onde a forma já não parece seguir as regras tradicionais de representação tridimensional.

No entanto os períodos ”Azul" e "Rosa" permanecem populares, porque a figura humana tem menos distorções e é mais reconhecível do que nas obras cubistas de Picasso.

ResumindoAs cores podem afetar a composição de uma pintura.

Podem ajudar a harmonizar (ou o oposto, contrastar)

Unificar uma cenaCores “certas”

Cores “erradas”

Criar um percurso visual

Produzir um ritmo

Enfatizar /destacar formas, objetos, etc.