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CED 104 do Recanto das Emas

Professor Jailson Carvalho / Artes / 2014

Elementos Formais da Linguagem Teatral

Texto Teatral:

O texto teatral assemelha-se ao narrativo quanto às características, uma vez que o mesmo se constitui de fatos,

personagens e história (o enredo representado), que sempre ocorre em um determinado lugar, dispostos em uma

sequência linear representada pela introdução (ou apresentação), complicação, clímax e desfecho.

A história em si é retratada pelos atores por meio do diálogo, no qual o objetivo maior pauta-se por promover

uma efetiva interação com o público expectador, onde razão e emoção se fundem a todo momento,

proporcionando prazer e entretenimento. Pelo fato de o texto teatral ser representado e não contado, ele dispensa

a presença do narrador, pois como anteriormente mencionado, os atores assumem um papel de destaque no

trabalho realizado por meio de um discurso direto em consonância com outros recursos que tendem a valorizar

ainda mais a modalidade em questão, como pausas, mímica, sonoplastia, gestos e outros elementos ligados à

postura corporal. A questão do tempo difere-se daquele constituído pelo narrativo, pois o tempo da ficção, ligado

à duração do espetáculo, coincide com o tempo da representação.

Ator:

O ator passa a existir juntamente com o teatro, pois o ato estético coletivo de origem grega, tem seu alicerce no

binômio Ator-Espectador. Sem o ator em cena diante de um público não há teatro. O título de primeiro ator da

história do teatro no ocidente é do poeta trágico Téspis, que representava vários papéis, simultaneamente, em

suas peças. Era comum não reconhecer os atores em cena nas tragédias gregas, pois utilizavam grandes

máscaras, figurinos alongados e tamancos altos de madeira, denominados “coturnos”.

Os tragediógrafos gregos representavam os papéis que escreviam, mais tarde Sófocles começou a desvincular

este elo entre autor e ator. Desde o surgimento do teatro as mulheres eram impedidas de encenar, e os papéis

femininos eram apresentados pelos homens. Só na “Commedia dell’ Arte” que elas irão atuar no teatro de rua.

A impostação de voz do ator grego era de extrema importância, pelo uso da máscara e pelo local aberto das

apresentações. Quando o império romano se apropria da cultura grega, assimila um teatro já decadente, com

atores buscando um profissionalismo de efeitos grosseiros e gratuitos. O público romano opta por espetáculos

circenses, jogos violentos e competitivos, e diferentes formas de corridas, não valorizando a arte dramática.

Sendo assim o ator começa a se especializar na mímica, dança e acrobacia. Com as invasões bárbaras no início

da Idade Média, surgem os atores trovadores e menestréis, pois os teatros haviam sido fechados e/ou destruídos,

e esses atores ambulantes passam a se apresentar em feiras, aldeias e cidades. Neste período, um cristão batizado

era proibido de assistir ou participar de qualquer encenação teatral, exceto àquelas de caráter litúrgico, como os

autos e os mistérios. No início do Renascimento as companhias ambulantes passam a profissionalizar os atores

da “Commedia dell’ Arte”, que começam a ser contratados por senhores e nobres, para apresentação de suas

“farsas” e participações nos “triunfos”. Na encenação oriental o ator é envolvido por rituais e cerimônias

religiosas. Na China o ator precisa dominar o gestual, o canto e a palavra, pela simplicidade cenográfica e pela

tradição da linguagem simbólica de sua cultura. No Japão, o “Nô” e o “Kabuki” são as duas formas de teatro

mais conhecidas e tradicionais. Ainda no Renascimento, quando o Triunfo e o teatro de rua passam a ocupar os

palcos de salas fechadas, o ator precisa reeducar sua forma de atuar, isto porque o gesto sutil do ator em cena

pode mostrar a identidade da personagem, sem precisar dos recursos utilizados ao ar livre. As biografias são

típicas deste período do antropocentrismo, e com elas surgem as “vedetes” do teatro. É na Commedia dell’ Arte

que muitos atores e atrizes vão fazer carreira com personagens fixos, alguns vivendo esses personagens até a

morte. No Iluminismo do século XVIII, muitas ideias e escritos filosóficos sobre a preparação e o trabalho do

ator foram surgindo, porém o primeiro trabalho mais significativo foi o “Paradoxo sobre o comediante”, do

francês Denis Diderot(1713-1784). No século XIX, surge a linguagem dos “Melodramas”, onde os atores e

atrizes são o foco de atenção na encenação teatral, e o público vai ao teatro apenas para vê-los. É o chamado

“Academismo francês e italiano”. No final deste século o “Naturalismo” começa a se firmar e o ator a se

preocupar com a verdade cênica, ou melhor, a “fé cênica”. O russo Constantin Stanislavski (1863-1938) dedica-

se a produzir fundamentos e métodos para o trabalho do ator, contribuindo com os livros “A preparação do

ator”, “A composição do personagem”, e “A criação de um papel”. Sua proposta era a que o ator lutasse contra

a falsa teatralidade e o convencionalismo, desta forma, utilizando as bases do naturalismo psicológico, exigindo

do ator, nos ensaios ou diante do público, a concentração e a fé cênica, construindo assim uma “quarta parede”

imaginária. Suas ideias foram divulgadas no Brasil por Eugênio Kusnet. Paralelo ao naturalismo de Stanislavski,

dentre outras, acontecia a concepção da “biomecânica” de Meyerhold (1874-1942), onde atores apareciam em

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forma de marionetes com múltiplas habilidades cênicas. O ícone do teatro do século XX foi Bertolt Brecht

(1898-1956), que resgatou a estética do “teatro épico” e criou um teatro dialético, onde o ator e espectador

estariam em constante reflexão diante da ação teatral.

Diretor:

O encenador, director teatral ou diretor de teatro é o responsável por supervisionar e dirigir a montagem de

uma peça de teatro, trabalhando diretamente a representação, decidindo a melhor forma de conjugar os diversos

esforços da equipa de trabalho em todos os aspectos da produção. A sua função é assegurar a qualidade e

integridade do produto teatral (a peça). Contatando os membros chave da equipa de trabalho, coordena o

andamento das pesquisas necessárias, a cenografia, o guarda-roupa, os adereços, iluminação cênica, sonoplastia,

etc. O encenador pode ainda trabalhar com o dramaturgo em obras cuja concepção é paralela à produção (work

in progress). No teatro contemporâneo, é costume considerar o encenador como o principal autor da peça

enquanto obra teatral (não retirando, a importância do dramaturgo, que é considerado um autor à parte - o texto

é uma obra independente). É o encenador que concebe a obra e toma as decisões necessárias para a sua

concretização. Existem encenadores mais ou menos interventivos, democráticos ou autoritários, dependendo da

filosofia própria da companhia teatral em questão.

Cenografia Muito mais do que decoração e ornamentação, a cenografia é técnica, técnica de organizar todo o espaço onde

as ações dramáticas são encenadas. A cenografia é parte importante do espetáculo, pois ela ambienta e ilustra o

espaço/tempo materializando o imaginário e aproximando o público da representação. A cenografia cria e

transforma o espaço cênico. O cenógrafo é aquele que cria o cenário.

Figurino É um elemento importante da linguagem visual do espetáculo formado por, além das vestimentas, pelos

acessórios. O figurino auxilia na compreensão do personagem, ele é carregado de simbologia e pode acentuar o

perfil psicológico do personagem, objetivos e características da história. Os figurinos e acessórios utilizados em

cena devem ser sempre coerentes com a época em que acontece a ação ou com o simbolismo que o diretor

queira dar a ela. O figurinista é o responsável pelas roupas e acessórios utilizados na peça teatral.

Maquiagem A maquiagem é parte da composição do espetáculo, é um instrumento fundamental que auxilia na criação do

personagem e na transformação estética dos atores. O maquiador atua junto com toda a produção do espetáculo

acompanhando sempre a concepção do mesmo, com vistas a ressaltar e/ou criar elementos que ressaltem

aspectos importantes para a compreensão do personagem. O maquiador é o responsável pela pintura do rosto

ou do corpo dos atores e atrizes

Sonoplastia A sonoplastia é um som ou conjunto de sons que auxilia a enfatizar as cenas e ou as emoções dos atores. O

sonoplasta trabalha os elementos sonoros ajudando a envolver o público na construção de imagens e sensações.

As músicas e sons utilizados devem estar intimamente ligados ao que acontece na cena, o sonoplasta deve

estudar o texto e depois acompanhá-lo passo a passo. O sonoplasta é aquele que compõe e faz funcionar os

ruídos e sons de um espetáculo teatral.

Iluminação A iluminação pode dar ênfase a certos aspectos do cenário, pode estabelecer relações entre o ator e os objetos,

pode enfatizar as expressões do ator, pode limitar o espaço de representação a um círculo de luz e muitos outros

efeitos. A iluminação é muito importante para o teatro, pois através dela podemos ambientar a cena e ampliar

as emoções nela exploradas. É fundamental que o iluminador conheça bem o texto e as marcações cênicas

determinadas pelo diretor do espetáculo. O iluminador é aquele que concebe e planeja a colocação das luzes

em uma peça teatral.