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"Pintar é libertar-se, e isso é o essencial."

Pablo Picasso

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SUMÁRIO

1. INTRODUÇÃO

2. ARTE MODERNA: A REVOLUÇÃO

3. IMPRESSIONISMO

4. NEO-IMPRESSIONISMO: O PONTILHISMO

4.1. SEURAT

4.2. PAUL SIGNAC

5. EXPRESSIONISMO

5.1. VAN GOGH

5.2. CEZANNE

6. FORMAS DO CUBISMO

6.1. PABLO PICASSO

6.2. GEORGES BRAQUE

7. DADAISMO

7.1. FUTURISMO

7.2. A BAUHAUS

7.3. PRINCIPAIS ARTISTAS

7.3.1. MARCEL DUCHAMP

7.3.2. GIACOMO BALLA

7.3.3. WALTER GROPIUS

8. SURREALISMO

8.1. SALVADOR DALÍ

8.2. JOAN MIRÓ

9. NEOPLASTICISMO

9.1. MONDRIAN

10. ABSTRACIONISMO

10.1. KANDINSKY

11. CONCLUSÃO

12. REFERENCIA BIBLIOGRÁFICA


1. INTRODUÇÃO

A Arte moderna vem

quebrando todos os

movimentos artísticos desde a

pré-história, os artistas

modernos mudaram

completamente sua forma de

ver o mundo, mudando assim

drasticamente suas temáticas

para paisagens, pessoas

humildes, e temas mais

sociais. A arte moderna teve

diversas formas estéticas que

coexistiram, e influenciaram

uma a outra, sendo que

muitos artistas seguiram

influências de dois movimentos da arte moderna, os principais foram o

Impressionismo, o Neo-Impressionismo, o Expressionismo, o Cubismo, o

Dadaísmo, Futurismo, Abstracionismo russo (Bauhaus), o Surrealismo, o

Neoplasticismo.

Assim como é típico da história da arte a principal característica da arte

moderna era romper com os padrões antigos, porém foi uma expressão que

buscou constantemente novas formas de expressão, sendo muito diversificada,

e principalmente inovadora, sem buscar padrões clássicos, medievais, ou

renascentistas.

Muitas mudanças no mundo trouxeram essas características para a arte

Moderna, diversos acontecimentos fizeram que o homem enxergasse o mundo

de uma forma diferente, uma forma que simplesmente jamais enxergou. A

Idade Média foi o período que a visão do homem de si mesmo mais se

aproximou da arte moderna apesar do enfoque exacerbado em Deus e a

religião que não existiu na Arte moderna, mas o homem se via como algo

Corpos de prisioneiros judeus e poloneses

em Auschwitz – Revista Super Interessante


impuro, capaz de atrocidades, e os acontecimentos do mundo no período em

que a arte moderna foi desenvolvida fizeram que o homem entendesse e se

visse como um ser capaz de diversas coisas.

As mudanças nos terrenos cientifico, tecnológico, econômico, social e

político trazidas pela revolução francesa e pela revolução industrial, a

exploração do proletariado, fizeram que o mundo já enxergasse os homens

como seres capazes de atrocidades com o próximo, seguido da Primeira

Guerra Mundial (1914-1918), que devastou a Europa (berço de todas as artes

até então), causando um grande desequilíbrio em diversos valores humanos

assim como na política-social, trazendo uma falta de credibilidade dos mesmos,

o surgimento da psicanálise em 1890 com Sigmund Freud, desmistificando

diversos valores e escancarando desejos e vontades até então escondidas nos

quartos e guetos das cidades. Estes fatores aliados a descoberta da energia

elétrica, o avanço na produção dos automóveis (mais baratos), e o cinema que

deram uma maior noção de velocidade e movimento fez com que os conceitos

e a idéia que o homem tinha de si mesmo e do9 mundo mudassem muito.

Obviamente, mais tarde a segunda Guerra mundial (1939-1945), assim

como diversas descobertas (teoria da relatividade, bomba atômica, antibióticos,

velocidade supersônica, conquista do espaço, telefone, computador, rádio,

televisão), abalaram o pensamento mundial, vendo um ser humano capaz de

conquistar o espaço e se comunicar em distancias infindáveis, e ao mesmo

tempo matar milhões e

milhões em nome de

poder, mesquinharia e

preconceito, fazendo

com que se questionasse

as estruturas sociais. A

arte Moderna nasceu

neste contexto, dando

base para o que

conhecemos hoje como

“arte contemporânea”.


Para entender como nasceu uma arte tão diferente das anteriores basta

pensar em alguns exemplos e fazer um comparativo para ver como isto

influenciou a vida das pessoas, como por exemplo: A invenção do telefone,

quando antes uma carta demorava meses a chegar, Thomas Edisson e a

lâmpada, quando a escuridão noturna era natural, Pasteur e as leis de

assepsia para manter os homens saudáveis e a primeira grande guerra

mundial que dizimou milhões, multiplicação das linhas férreas, fazendo as

viagens diminuírem em até 200% do tempo, a popularização da fotografia e do

cinema, quando anteriormente quem tinha seus retratos na parede eram

apenas grandes mecenas que podiam pagar artistas. Comparando com as

intenções de movimentos artísticos anteriores, a Arte moderna não estava a

serviço da igreja (Arte Medieval, Barroco e Rococó), nem era posse dos

mecenas e aristocratas (arte Greco/romana e Neoclássica), nem tinha como

função retratar o mundo e a sociedade como ela realmente era já que a

fotografia faria este trabalho (Realismo), nem mesmo construir um ideal

humano (renascimento). Vendo por este ângulo, qual seria o real sentido da

arte moderna? Fica bem mais fácil entender por que foi o mais inovador dos

movimentos artísticos de todos os tempos.

Primeira fotografia permanente tirada com sucesso –

Exposição de 8 horas intitulada “Vista da Janela de

Le Gras” tirada por Joseph Nicéphore-Niépce


2. ARTE MODERNA: A REVOLUÇÃO

O que mais impressiona

nas obras modernas é a sua

pluralidade de formas e

movimentos mudando

radicalmente as formas do

passado, assim como já citado

na introdução o surgimento da

psicanálise assim como da teoria

da relatividade e diversos outros

fatores históricos vieram por

contribuir com uma revolução de

pensamentos, sentimentos,

temáticas e formas artísticas,

onde até mesmo a tela e o

pincel, os palcos já estavam se esgotando e a arte pedia para se expandir para

qualquer outro lugar, não que tenham sido esquecidos todas as tradições e

formas anteriores, mas a sua evolução chegou a uma forma de desconstrução

nunca antes vista.

Muitos livros marcam o inicio da arte moderna com o impressionismo

(linha da qual mais concordo e seguirei no decorrer deste trabalho), porém a

linhas que ditam este começo com o final do século com o Pós-Impressionismo

(ou Neo-impressionismo), e uma ainda que dita arte moderna a partir apenas

do Fauvismo (que provém da palavra “feras’), no inicio do século XX, porém

como já sabemos a arte é uma evolução e o impressionismo (como o nome já

sugere), impressionou e revolucionou.

Finalmente a arte oriental e africana começaram a ser consideradas e

assimiladas no mundo ocidental, aumentando consideravelmente a variedade

de linguagens e obras, onde o que mais valia era a originalidade, para melhor

compreensão foram divididas em pequenos movimentos que na realidade não

existiram por se assim na arte e na história não existe uma divisão exata dos

Maurice de Vlaminck

Rue de Village - guache, 1926


acontecimentos e sim datas aproximadas, pois estas mudanças eram

gradativas, vindo a aparecer com grandes gênios, muitos artistas modernos

nem ao menos chegaram a se encaixar em algum estilo especifico.

Sob essa denominação podem ser considerados, generalizadamente, os

diversos movimentos artísticos que se originaram no decurso do século XX.

A denominação “Arte Moderna”. Muito embora internacionalmente

aceita, e por isso aqui adotada, a expressão “arte moderna” merece reparos:

não existe uma arte moderna em oposição a uma arte antiga e nitidamente

separada dela: pelo contrário, toda arte é moderna, no sentido de que

acompanha (e não raro ultrapassa) o espírito da época em que surge. Assim,

Giotto é moderno em relação a Cimabue, e Masaccio em relação a Giotto; arte

moderna pode ser a denominação adequada para a arte correspondente à Era

Moderna, iniciada, em 1453: Renascença, Maneirismo, Barroco, Rococó,

Neoclassicismo, Romantismo, Impressionismo e os diversos movimentos

artísticos que se seguiram ao Impressionismo não passariam, assim, de

subdivisões da arte moderna, que desta arte compreenderia cinco séculos: XVI

ao atual.

Precursores da Arte Moderna.

Cézanne, Gauguin e Van Gogh são

considerados os três grandes

precursores da Pintura moderna,

prendendo-se a contribuição original

do primeiro ao espaço, do segundo à

composição e do terceiro à cor. Paul

Cézanne pode ser considerado como

precursor conjuntamente do

Expressionismo (“Tentação de Santo

Antonio”, de 1867), do Fauvismo e

sobretudo do Cubismo (“Jogadores de

Cartas”). Num inquérito levado a efeito

em 1953, Braque, Jacques Villon, Léger e diversos outros pintores

reconheceram sua dívida para com o pintor de Aix-em-Provence, afirmando

peremptoriamente: “Todos partimos da obra de Cézanne.”

The Bathers, Les Grandes

Baigneuses

Paul Cezanne


3. IMPRESSIONISMO

A primeira exposição

do grupo data de 1874 e foi

realizada no estúdio do

fotógrafo Nadar,

originalmente batizada de

Salão dos Recusados, uma

referência à constante recusa

de suas obras nos Salões de

Arte. A origem do termo

impressionista a princípio

teve um sentido jocoso e

deve-se a um crítico que, ao

olhar o quadro de Monet, Impressões do sol nascente, assim chamou o seu

criador. O termo impressionismo foi então criado de forma pejorativa, mas

pegou.

Eles preferiam ser conhecidos como independentes, pois criaram salões

de arte marginais ao sistema de arte vigente e viviam por conta própria sem se

sujeitarem às imposições do meio artístico. De certa maneira, o

Impressionismo é uma radicalização dos preceitos do realismo, no que diz

respeito à valorização do instante e às questões relacionadas à sensação

visual, porém, dá um passo adiante nesses estudos, com um novo enfoque.

Os artistas impressionistas foram beneficiados pelo advento do

quadro de cavalete e dos tubos de tinta de estanho flexível (substituindo a

bexiga de porco) que, por serem portáteis, possibilitaram-nos sair de seus

ateliês para pintar ao ar livre. Estavam interessados em captar a vida ao vivo,

queriam perceber, captar e pintar tudo aquilo que estivesse sob o efeito

passageiro, momentâneo e fugaz da luz do sol. Influenciados pelas novas

teorias ópticas e pelos efeitos da fotografia instantânea, os artistas buscavam

estudar cientificamente as cores, os reflexos e as transparências do efeito da

luz sobre os elementos da natureza.

Impressão do sol nascente - Monet


A grande contribuição do

Impressionismo foi ter chegado a

novas conclusões sobre a verdade da

representação verossímil do mundo

visível nas imagens artísticas, o que

acabou decretando a decadência da

arte naturalista. Eles foram

beneficiados pelos avanços ocorridos

na arte do Romantismo e do

Realismo – estilos artísticos que

surgiram após o neoclassicismo – e

conquistaram tamanha liberdade

criativa que deu início mais tarde à

grande revolução na arte ocidental: a

arte moderna. Sem o Impressionismo

não teria havido a Arte Moderna.

Como movimento organizado, o Impressionismo durou de 1874 a 1886,

período que assistiu à realização de suas oito exposições gerais: em 1874,

1876, 1877, 1879, 1880, 1881, 1882 e 1886. Da primeira mostra inaugurada no

atelier do fotógrafo Maurice Nadar, circunstância que não deixa de possuir alto

significado, já que até certo ponto a fotografia viera desferir um golpe profundo

na pintura realista, participaram nada menos de 30 pintores, a saber: Astruc,

Attendu, Béliard, Boudin, Bracquemond, Brandon, Bureau, Cals, Cassatt,

Cézanne, Colin, Debras, Guillaumin, Latouche, Lepic, Lépine, Levert, Meyer,

Molins, Monet, Morisot, Mulot-Durivage, De Nittis, os dois Ottin, Pissarro,

Renoir, Robert, Rouart e Sisley. Cézanne, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir e

Sisley, podem ser tidos entre os pintores mais ilustres do século XIX.

A aceitação do Impressionismo, por parte do público começa a ter lugar

em 1880, por ocasião da quinta mostra; a qual reúne 12 quadros de Degas, 15

de Morisot, 16 de Pissarro, 7 de Gauguin, e ainda obras de Guillaumin e Mary

Cassatt.

Novo caminho indicarão também três pintores algo à margem do

Impressionismo, se bem que dois tenham mesmo participado das mostras do

O Camarote – Pierre August Renoir


grupo. Esses três pintores chamam-se Paul Cézanne, Paul Gauguin e Vincent

van Gogh, e ocupam lugar importante na história da pintura, não só pelo que

foram, como pelo que possibilitariam. A chamada arte moderna, com efeito,

nasce com a contribuição de cada um deles, sendo Cézanne responsável pela

conceituação de um novo espaço pictórico, Gauguin pela imposição de uma

fórmula sintética abrangendo forma e cor num todo simples e abstrato, Van

Gogh pela vitória da cor sobre o desenho.

Passando agora ao estudo da

obra de cada um dos chamados

impressionistas, chegar-se-á à

conclusão de que os mais típicos

representantes da tendência, seus

mais fiéis defensores, foram Monet,

Renoir, Pissarro e Sisley, sendo que

apenas Pissarro participou de todas as

oito exposições do grupo. Monet,

considerado chefe inconteste da

escola. Em suas ultimas obras,

executadas já nos primeiros anos do século atual, praticamente atingiu aos

limites em que as designações de figurativa e não figurativa, dadas à pintura

pela crítica de arte contemporânea, perdem todo e qualquer significado. É o

momento das “Nymphéas”, série iniciada exatamente em 1900.

É extraordinário o fascínio que no momento exercem,

internacionalmente, as pinturas dos componentes do grupo, as quais atingem

no mercado de arte cotações simplesmente fabulosas, mormente se

comparadas aos preços ínfimos de poucos anos atrás (1960: Cézanne, “Lês

Pommes”, 200.000 dólares; Degas, “Trois Jockeys”, 65.000 dólares; Gauguin,

“Femme Assise”, 106.400 dólares; Monet, “Water Garden, Giverny”, 54.800

dólares; Pissarro, “Avant Port de Dieppe”, 35.000 dólares; Renoir, “Nu Debout

dans L’Eau”, 106.400 dólares).

Na música e na literatura. O Impressionismo, como estilo, se tornou

comum a outros tipos de expressão, como a Música e a Literatura.

Le bassin aux nymphéas, de 1919 –

Claude Monet


Na Música, com Debussy, Ravel e Resphigi, representou uma reação

antiwagneriana. Os compositores visavam à dissolução de certas estruturas

rígidas de algumas formas musicais.

Segundo Laloy “é uma música que não obedece às leis da sensação;

puramente auditiva, como visual é, da mesma maneira, a pintura

impressionista”.

Na Literatura, o Impressionismo derivou do Realismo, e o termo, só

recentemente posto em uso por críticos e nsaístas, tem servido para situar

escritores até então sem uma classificação definida. Assim, a mesma

indefinição do detalhe, do objeto, tanto na Pintura como na Música, é

observada na Literatura. O escritor passa a lidar com “estados de alma”, no

dizer de Hibbard, e até o enredo fica subordinado à situação daqueles

“momentos”. A sintaxe perde a sua estruturação clara e é apenas

esquematizada, levando em conta as necessidades expressivas para a

captaçào do mundo subjetivo que o escritor quer retratar. Amado Alonso no

ensaio Impressionismo em el Lenguaje, mostra que não há propriamente uma

linguagem impressionista, mas algumas preferências por expressões

subjetivas, simbólicas, que servem para aproximar certos escritores. E aponta

o exemplo, muitas vezes freqüente, do abandono da ordem lógica da frase. E

mais: o tratamento verbal para que o leitor tenha a sensação, não de uma

descrição objetiva e onisciente do autor e sim de testemunha dos fatos

apresentados. Assim, muitas vezes, escritores que à primeira vista pareciam

tão distantes em sua maneira de concepção, podem ser aproximados por uma

característica afim do estilo. No caso, Katherine Mansfield, Marcel Proust e

outros.


4. NEO-IMPRESSIONISMO: O PONTILHISMO

O período de 1886 a 1910 aproximadamente é possui um movimento da

arte moderna chamado pontilhismo, ou Neo-impressionismo como os

historiadores da arte denominaram. Os impressionistas haviam destruído para

sempre a crença artística na verdade objetiva da natureza. Os pintores

passaram a entender que a visão depende de como vemos é, mais importante

ainda, de quando vemos: o “olhar objetivo” estava, na realidade, sujeito a tanto

à percepção quanto ao tempo. Vivemos num mundo essencialmente fugaz e

incontrolável, e a glória da arte é lutar corpo a corpo com esse conceito que

apareceu devido as novas noções que a fotografia, cinema e a evolução dos

meios de transporte trouxeram como noção de tempo e velocidade aos artistas.

Os pintores franceses Georges Seurat e Paul Signac são analisados de

forma diferenciada, pois foram os primeiros a aplicarem rigorosamente as

teorias científicas das cores desenvolvidas no século XIX em seus trabalhos

artísticos. Eles combinaram as idéias sobre contraste das cores e mistura

ótica e criaram uma nova técnica de pintura chamada de Pontilhismo. A

novidade consistia em justapor pontos de cores brilhantes e contrastantes para

que a forma fosse percebida sem

que se usasse a linha para contorná-

la. Seus trabalhos foram

considerados como “arte

matemática” porque as proporções

de luz e cor eram matematicamente

calculadas para provar que as

misturas óticas poderiam ser tão

luminosas quanto à mistura aditiva

da luz.

O pontilhismo surgiu na

França, como tantos outros

movimentos culturais, por volta do

ano de 1880. A França era, nessa

O Circo - Georges Seurat


época, capital cultural do mundo e nada mais natural que ser a origem

de toda uma onda de movimentos inovadores, que vieram para marcar a

história ou simplesmente passar quase desapercebido, conforme cada caso. O

pontilhismo nasceu da observação de que pontinhos de cores puras colocados

cuidadosamente lado a lado produziam o mesmo efeito de misturar as mesmas

cores na paleta.

Os impressionistas já

pregavam que as cores deviam ser

usadas em justaposição, ao invés de

misturadas como era o comum. Os

pontilhistas apenas levaram esse

princípio ao extremo. Talvez

devêssemos chamá-los de

exagerados. Os pontilhistas

começaram a teorizar sobre o

assunto, tomando como base os

princípios científicos da ótica e

desenvolveram uma teoria

complicada na busca de uma

exatidão para a mistura dos pontos.

Claro que fazemos isso hoje em

nossos computadores usando programas que trabalham para nós mas naquela

época a tarefa foi bastante complexa.

Os pontilhistas criaram toda uma teoria matemática para a combinação

dos pontos coloridos e foram tratados como pintores de confete, pelos

adversários do movimento. Na prática, nem todos os artistas seguiam o rigor

matemático apregoado e foram desenvolvendo sua arte de maneira mais

empírica e improvisada. Os principais iniciadores do movimento, Georges

Seurat e Paul Signac representam também os pontos mais altos dessa técnica.

Camille Pissarro: "A pastora"


4.1 SEURAT

Um dos grandes precursores da arte do século XX, Seurat foi o criador

do pontilhismo, técnica neo-impressionista baseada na fragmentação da cor

em pontos que, quando tomados em conjunto, definem a forma pictórica. O

efeito produzido é semelhante ao da ampliação da retícula fotográfica, pela

qual se obtém a granulação da imagem.

Georges Seurat nasceu em Paris em 2 de dezembro de 1859. Em 1878

começou a estudar na Escola de Belas-Artes com Henri Lehmann, discípulo de

Ingres voltado para a pintura de nus e retratos convencionais. Seurat nessa

época já demonstrava

interesse pelos

fundamentos teóricos da

arte e por pesquisas

científicas quanto à

percepção de linhas, cores

e imagens. Esse interesse,

que persistiu ao longo de

sua breve carreira, levou-o

a conhecer os estudos do

químico Michel-Eugène

Chevreul sobre o

cromatismo, que tiveram

peso ponderável na elaboração do pontilhismo.

Em 1879, com vinte anos, Seurat fez o serviço militar em Brest, onde

realizou muitos esboços da paisagem marinha. Em 1883 compareceu pela

primeira vez ao salão oficial, expondo retratos de sua mãe e de seu amigo

Aman-Jean. No mesmo ano iniciou "Cena de banho, Asnières", quadro que, ao

ser recusado pelo salão de 1884, motivou sua adesão à Société des Artistes

Indépendants, cujas mostras eram organizadas sem premiação e sem júri.

Seurat ligou-se então a Paul Signac, (o outro grande nome do

pontilhismo, técnica também adotada, em determinado momento, por Camille

"Um domingo de verão na ilha da Grande

Jatte" Georges Seurat


Pissarro) e partiu para a realização de sua maior obra, "Um domingo de verão

na ilha da Grande Jatte", que fez sucesso, mas também causou celeuma, ao

ser apresentada em Paris, em 1886, numa exposição do impressionismo.

Igualmente famosas tornaram-se telas suas como "As modelos", "Le

Chahut" e "O circo". Ao todo, sua obra, além de sete grandes composições,

inclui quarenta quadros menores, cerca de 500 desenhos e diversos cadernos

de esboços. Georges Seurat morreu em Paris em 29 de março de 1891

4.2 PAUL SIGNAC

Pintor francês, nasceu

no dia 11 de novembro de

1863, em Paris, e faleceu em

15 de agosto de 1935.

Começou a pintar com

dezenove anos, seguindo as

veredas do Impressionismo.

Em 1884 uniu-se a

Georges Seurat para criar o

Salão dos Independentes, e

juntos iniciaram uma nova

senda pictórica derivada do

Impressionismo, que eles denominaram Divisionismo ou Pontilhismo, uma

variante do neo-impressionismo que consistia na aplicação de cores puras em

pequenas pinceladas consecutivas ("pontilhismo" procede do

francêspointillisme, formado a partir da palavra point, "ponto").

Signac pintou sobretudo paisagens, entre as quais numerosas vistas de

Saint-Tropez, portos e marinhas (O Porto de Antibes, 1909). Exerceu influência

considerável sobre outros estilos, como o fauvismo e o cubismo.

A sua vida artística caracterizou-se pela profusão de suas viagens em

busca de lugares de inspiração para a sua paleta. A partir de 1912 pintou em

lugares mais afastados da insólita França. Destacou-se, em especial, pela

The Road to Gennevilliers. - Musée d'Orsay

– Paul Signac, uma de suas primeiras obras


qualidade de suas aquarelas. Em 1899 publicou um texto fundamental para

divulgar a teoria do Divisionismo: De Eugéne Delacroix ao Neo-

Impressionismo. Em 1927 publicou um livro sobre Jongkind, que é um tratado

muito completo sobre a aquarela.

Faleceu em 1935, em Paris. Signac pintou sobretudo paisagens, entre

as quais numerosas vistas de Saint-Tropez, portos e marinhas (O Porto de

Antibes, 1909). Exerceu influência considerável sobre outros estilos, como o

fauvismo e o cubismo.

Port of La Rochelle. Musée d'Orsay – Paul Signac, uma de suas

ultimas obras


5. EXPRESSIONISMO

O Expressionismo já

indica, com seu próprio nome,

a principal razão de sua

existência: expressar os

sentimentos e visões de mundo

dos seus artistas Representado

principalmente por Munch,

Kirchener, Dufy, Kokoschka, o

Expressionismo já fora

anunciado pelo pintor pós-

impressionista Van Gogh, seu

grande precursor. Os artistas

expressionistas estavam

inconformados com a

aparência vulgar e

convencional do mundo visível e com o modo descritivo com que a arte

acadêmica representava este mundo. Passam então a distorcer as formas

naturais para expressar suas emoções, seus sentimentos particulares e sua

visão sobre o mundo. Para isso fazem uso de cores fortes, de traços e linhas

marcados e vibrantes, que resultam em uma dramaticidade e expressividade

extremas.

Embora o expressionismo tenha adquirido caráter nitidamente alemão, o

francês Georges Rouault foi quem uniu os efeitos decorativos do fauvismo à

cor simbólica do expressionismo germânico. Rouault foi colega de Matisse na

academia de Moreau e expôs com os fauvistas, mas sua paleta e sua temática

profunda o colocam como um dos primeiros expressionistas, ainda que isolado.

A obra de Rouault tem sido descrita como “o fauvismo de óculos escuros”.

Rouault era muitíssimo devoto, e alguns o consideram o maior artista

religioso do século XX. Começou como aprendiz de vitralista, e o amor a

contornos severos que contenham cores radiantes dão vigor e enternecimento

Metrópole - George Grosz


a suas pinturas de prostitutas e palhaços. Ele não julga essas desventuradas

figuras, mas a extrema piedade com que as mostra causa poderosa impressão;

assim, Prostituta no espelho é um libelo feroz contra a crueldade humana.

A Brücke (Ponte) foi o primeiro de dois movimentos expressionistas que

surgiram na Alemanha durante as primeiras décadas do século XX. O grupo

formou-se em Dresden em 1905, e seus membros encontravam inspiração na

obra de Van Gogh e Gauguin e na arte primitiva. Munch também era forte

influência, tendo exposto em Berlim a partir de 1892.

5.1. VAN GOGH

Começou a atuar profissionalmente

ainda jovem, por volta dos 15 anos de idade.

Trabalhou para um comerciante de arte da

cidade de Haia. Com quase vinte anos, foi

morar em Londres e depois em Paris,

graças ao reconhecimento que teve. Porém,

o interesse pelos assuntos religiosos acabou

desviando sua atenção e resolveu estudar

Teologia, na cidade de Amsterdã. Mesmo

sem terminar o curso, passou a atuar como

pastor na Bélgica, por apenas seis meses.

Impressionado com a vida e o trabalho dos

pobres mineiros da cidade, elaborou vários

desenhos à lápis.

Resolveu retornar para a cidade de Haia, em 1880, e passou a dedicar

um tempo maior à pintura. Após receber uma significativa influência da Escola

de Haia, começou a elaborar uma série de trabalhos, utilizando técnicas de

jogos de luzes. Neste período, suas telas retratavam a vida cotidiana dos

camponeses e os trabalhadores na zona rural da Holanda. O ano de 1886, foi

de extrema importância em sua carreira. Foi morar em Paris, com seu irmão.

Conheceu, na nova cidade, importantes pintores da época como, por exemplo,

Emile Bernard, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin e Edgar Degas,

Auto-Retrato com Chapéu de

Feltro – Van Gogh


representantes do impressionismo. Recebeu uma grande influência destes

mestres do impressionismo, como podemos perceber em várias de suas telas

Dois anos após ter chegado

à França, parte para a cidade de

Arles, ao sul do país. Uma região rica

em paisagens rurais, com um cenário

bucólico. Foi neste contexto que

pintou várias obras com girassóis. Em

Arles, fez único quadro que conseguiu

vender durante toda sua vida : A Vinha

Encarnada.

Convidou Gauguin para morar

com ele no sul da França. Este foi o

único que aceitou sua idéia de fundar

um centro artístico naquela região. No

início, a relação entre os dois era

tranqüila, porém com o tempo, os

desentendimentos foram aumentando e, quando Gauguin retornou para Paris,

Vincent entrou em depressão. Em várias ocasiões teve ataques de violência e

seu comportamento ficou muito agressivo. Foi neste período que chegou a

cortar sua orelha.

Seu estado psicológico chegou a refletir em suas obras. Deixou a

técnica do pontilhado e passou a pintar com rápidas e pequenas pinceladas.

No ano de 1889, sua doença ficou mais grave e teve que ser internado numa

clínica psiquiátrica. Nesta clínica, dentro de um mosteiro, havia um belo jardim

que passou a ser sua fonte de inspiração. As pinceladas foram deixadas de

lado e as curvas em espiral começaram a aparecer em suas telas

No mês de maio, deixou a clínica e voltou a morar em Paris, próximo de

seu irmão e do doutor Paul Gachet, que iria lhe tratar. Este doutor foi retratado

num de seus trabalhos: Retrato do Doutor Gachet. Porém a situação

depressiva não regrediu. No dia 27 de julho de 1890, atirou em seu próprio

peito. Foi levado para um hospital, mas não resistiu, morrendo três dias depois.

Girassois I – Van Gogh


5.2 CEZANNE

Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 19 de janeiro de 1839 — 22 de

outubro de 1906) foi um pintor pós-impressionista francês, cujo trabalho

forneceu as bases da transição das concepções do fazer artístico do século

XIX para a arte radicalmente inovadora do século XX. Cézanne pode ser

considerado como a ponte entre o impressionismo do final do século XIX e

o cubismo do início do século XX. A frase atribuída a Matisse e a Picasso, de

que Cézanne "é o pai de todos nós", deve ser levada em conta.

Após uma fase inicial dedicada aos temas dramáticos e grandiloquentes

próprios da escola romântica, Paul Cézanne criou um estilo próprio,

influenciado por Delacroix. Introduziu nas suas obras distorções formais e

alterações de perspectiva em benefício da composição ou para ressaltar o

volume e peso dos objetos. Concebeu a cor de um modo sem precedentes,

definindo diferentes volumes que foram essenciais para suas composições

únicas.

Cézanne não se subordinava às leis da perspectiva. A sua concepção

da composição era arquitetônica; segundo as suas próprias palavras, o seu

estilo consistia em ver a natureza segundo as suas formas fundamentais:

a esfera, o cilindro e o cone. Cézanne preocupava-se mais com a captação

destas formas do que com a representação do ambiente atmosférico. Não é

difícil ver nesta atitude uma reação de carácter intelectual contra o gozo

puramente colorido do impressionismo.

Sobre ele, Renoir escreveu, rebatendo o crítico de arte Castagnary: Eu

me enfureço ao pensar que ele [Castagnary] não entendeu que Uma Moderna

Olympia, de Cézanne, era uma obra prima clássica, mais próxima

de Giorgione que de Claude Monet, e que diante dele estava um pintor já fora

do Impressionismo.

Cézanne cultivava sobretudo a paisagem e a representação

de naturezas mortas, mas também pintou figuras humanas em grupo e retratos.

Antes de começar as suas paisagens estudava-as e analisava os seus valores

plásticos, reduzindo-as depois a diferentes volumes e planos que traçava à

base de pinceladas paralelas. Árvores, casas e demais elementos da paisagem


subordinam-se à unidade de composição.

As suas paisagens são

sutilmente geométricas. Cézanne pintou

sobretudo a sua Provença natal (O Golfo

de Marselha e as célebres versões

sucessivas de O Monte de Sainte-Victoire).

Nas suas numerosas naturezas

mortas, tipicamente compostas por maçãs,

levava a cabo uma exploração formal

exaustiva que é a terra fecunda de onde

surgirá o cubismo poucos anos mais tarde.

Entre as representações de grupos

humanos, são muito apreciadas as suas

cinco versões de Os Jogadores de Cartas. A Mulher com Cafeteira, pela sua

estrutura monumental e serena, marca o grande momento classicista de

Cézanne.

Vista de Gardanne, 1885-1886.


6. FORMAS DO CUBISMO

Podemos dizer que o Cubismo é um movimento artístico decorrente da

preocupação que Cézanne tinha em relação ao estudo da forma. Desenvolvido

por Picasso e Braque, que rompeu com a idéia de imitação da natureza e

abandonou as noções tradicionais de perspectiva.

Esses artistas procuravam novas maneiras de retratar o que viam e,

influenciados por Cézanne, passaram a valorizar as formas geométricas e a

retratar os objetos e as pessoas como se estivessem partidos, ou

multiplamente retratados segundo os diversos pontos de vista sob os quais

eram observados. Todas as partes de um objeto (lados, parte superior e

inferior) eram representados em um único plano, ao mesmo tempo, como se o

artista visse esse objeto de vários ângulos diferentes simultaneamente.

Essa forma de representação fragmentada e múltipla é a marca

registrada do Cubismo. Uma outra importante característica trazida pelo

Cubismo é a incorporação de outros materiais e técnicas. Com o Cubismo

surgem as experimentações no campo da colagem, que passa a ocupar um

lugar mais nobre no universo da arte. Então, elementos como as palavras,

pedaços de papel, de jornais, de rótulos, letras, números, pedaços de vidro e

de madeira, começam a ser adicionados às pinturas.

Em algumas obras cubistas, o artista se preocupou tanto em apresentar

simultaneamente todos os lados de um objeto escolhido que, devido à

fragmentação excessiva desse objeto, ficou quase impossível reconhecê-lo na

pintura.

O Cubismo foi uma revolução estética e técnica tão importante para a

Arte Ocidental quanto o Renascimento. Ocorreu no período de 1907 a 1914,

tendo como fundadores Pablo Picasso e Georges Braque. Iniciado dentro de

um círculo muito restrito, não foi pensado como um movimento. Aos seus

criadores se uniu um grupo de amigos intelectuais escritores de vanguarda.

Kahnweiler abre no outono de 1907 a galeria da rua Vignon, que será o

santuário do Cubismo.


Foram influenciados pela escultura

negra e pelas artes primitivas, pelas

retrospectivas de Cézanne, no Salão de

Outono de 1907 e de Seurat no Salão dos

Independentes em 1905. Em 1907 Picasso

termina “Les Demoiselles d'Avignonque”

marca o nascimento do Cubismo. O

Cubismo analítico, reúne em uma tela

única diversos aspectos do mesmo objeto,

não tal como se vê mas como se pensa,

como existe em si e na mente. Esse

período de análise extrema e de

experimentação sistemática não se

processava sem o perigo de hermetismo, o

qual Georges Braque e Pablo Picasso remediaram com o uso de "papiers

collés" (ou colagens), de detalhes reais como meios excitantes perceptivos.

De 1911 a 1912, o Cubismo tornou-se mais conhecido

internacionalmente e impulsionou vários movimentos como o Futurismo, Cubo-

Futurismo e Construtivismo. A Guerra de 1914 dispersa os criadores do

movimento, cada qual seguindo seu destino.

O cubismo analítico apareceu depois da junção do trabalho desenvolvido

separadamente por Pablo Picasso e Georges Braque. A forma é analisada num

plano, decomposta e montada novamente nesse mesmo plano. A prioridade

dada à forma é máxima, tal que a composição cromática aponte quase para

uma só cor. O objeto é de tal forma distorcido que quase tende para

a abstração, ficando no limite do perceptível e do abstrato. Foi nesta fase que

se procedeu a uma teorização do cubismo, nesta forma o cubismo tem a

predominância de poucas cores (preto, cinza e tons de marrom e ocre).

No cubismo sintético qualquer aspecto decorativo ou acessório ao objeto

representado era extraído. A representação de objetos também ajuda na

compreensão das obras, pois do hábito, reconhecem-se mais facilmente, como

por exemplo um cachimbo que remete a representação de um fumador. Os

planos são mais redutores e esquemáticos em relação ao cubismo analítico,

“Les Demoiselles d'Avignonque”

Pablo Picasso, 1907


isto é, sobrepõem e a sua relativa transparência dá um novo aspecto à obra. A

cor volta aqui a tomar importância depois de ter sido desvalorizada na fase

analítica. O cubismo sintético buscou recuperar um pouco a imagem real do

objeto tornando as cores mais fortes e as formas mais decorativas. Desta fase

decorrem dois movimentos que adotam esta nova interpretação e utilização da

cor e quebram o imobilismo que até então era patente nas obras cubistas já

apontando para o futurismo, podendo de certa forma considerar estas

obras futuro-cubistas.

6.1. PABLO PICASSO

Pablo Ruiz Picasso foi reconhecidamente um dos mestres da Arte do

século XX. É considerado um dos artistas mais famosos e versáteis de todo o

mundo, tendo criado um grande número de obras, não somente na pintura,

mas também na escultura e na cerâmica, usando, enfim, todos os tipos de

materiais. É, também, conhecido como sendo o co-fundador do Cubismo,

juntamente com Georges Braque.

A sua obra é, muitas vezes,

classificada em períodos: Azul (1901–

1904), Rosa (1905–1907), Africano

(1908–1909), Cubismo Analítico

(1909–1912) e Cubismo Sintético

(1912–1919).

O “Período Azul” consiste em

obras sombrias em tons de azul e

verde azulado, sendo usadas

ocasionalmente outras cores.

Desenhava prostitutas e mendigos e

pintou várias vezes o seu amigo Carlos

Casagemas, que, após o seu suicídio e

juntamente com as viagens a Espanha,

se tornou numa grande influência. A cegueira é, também, um tema recorrente

The Blindman’s Meal – Pablo

Picasso


no período e está presente em The Blindman’s Meal e no retrato Celestina.

Outros temas freqüentes são artistas, acrobatas e arlequins, tendo-se

estes tornado num símbolo pessoal para Picasso.

O Período Rosa é caracterizado por um estilo mais alegre com as cores

rosa e laranja e, novamente, com muitos arlequins. Muitas das pinturas são

influenciadas por Fernande Olivier, sua modelo e seu amor na época.

O Período Africano de Picasso começou com duas figuras inspiradas em

África, representadas no seu quadro “ Les Demoiselles d’Avigno” n que foi

nada mais nada menos que o inicio do cubismo.

O Cubismo Analítico é um estilo de pintura que Picasso, como

anteriormente referi, desenvolveu com Braque, utilizando cores marrons

monocromáticas. Os dois artistas pegaram em objectos e analisaram-nos

nas suas formas. As pinturas de Picasso e de Braque eram muito semelhantes

nesse período. O Cubismo Sintético é um desenvolvimento posterior ao

Cubismo, no qual fragmentos de papel (papel de parede ou jornais) eram

colados em composições, marcando o primeiro uso da colagem nas artes

plásticas.

À parte disso,

Picasso, em todas as

épocas por que passou,

sempre teve um estilo

muito próprio, utilizando

freqüente e

essencialmente a linha, o

contorno e a direção e

desenhando pessoas,

animais e edifícios destruídos - este último tema em conseqüência do

bombardeio sofrido pela cidade espanhola de Guernica (vila basca no norte da

Espanha) em 26 de abril de 1937 por aviões alemães - em todas as suas

obras.

Guernica – Pablo Picasso


6.2. GEORGES BRAQUE

Georges Braque era filho e neto

de pintores, Foi criado em Le Havre e,

ali, estudou na École des Beaux-Arts de

1897 a 1899.Mudou-se para Paris e

estudou com um mestre decorador em

1901.

Seu estilo inicial era

impressionista. Entre 1902 e 1904, foi

aluno da Academie Humbert, também

em Paris. Lá, fez amizade com Marie

Laurencin e Francis Picabia já em 1907,

depois de alguns meses em Antuérpia,

participou de uma exposição do Salão

dos Independentes (Paris),

apresentando obras mais próximas do

fauvismo.

Fez sua primeira exposição individual em 1908. No ano seguinte,

trabalhou com Picasso no desenvolvimento do cubismo m 1911, casou-se com

Marcelle Lapré. Em 1912, Braque e Picasso começaram a incorporar em suas

pinturas a técnica da colagem. A parceria duraria até 1914, quando estourou a

Primeira Guerra Mundial e Braque, convocado, partiu para a frente de batalha.

Sendo em 1915 ferido em combate. Após a guerra, a obra de Braque foi

adquirindo liberdade, tornando-se menos esquemática. Em 1922, expôs no

Salão de Outono (Paris), o que lhe rendeu fama fazendo tambem a cenografia

para dois balés de Sergei Diaghilev.

Em 1925, mandou construir uma casa, chamando o arquiteto Auguste

Perret (o mesmo do teatro dos Champs-Élysées). No fim da década, sua obra

foi ficando mais realista, em 1930, comprou casa de campo em Varengeville,

na Normandia, onde passou a morar boa parte do tempo, usando seu ateliê de

pintura e escultura. Em 1931, elaborou as primeiras gravuras e começou a

Ás de paus, - Georges Braque,

1913


utilizar motivos mitológicos. Sua

pintura tornou-se então mais

lírica. Em 1933, Braque realizou

a primeira retrospectiva de

peso, num museu da Basiléia

(Suíça). Quatro anos depois,

ganhou o primeiro prêmio na

mostra Carnegie International,

em Pittsburgh (EUA).

Durante a Segunda

Guerra Mundial, recolheu-se a

Varengeville e trabalhou com

litogravura, gravura em metal e

escultura. A partir do fim da

década de 1940, pintou

pássaros, paisagens e

marinhas. Em 1954, desenhou

os vitrais da igreja de

Varengeville e, em 1958,

participou da Bienal de Veneza,

que lhe dedicou uma sala especial.

Nos últimos anos de vida, mesmo com problemas de saúde, Georges

Braque continuou atuante, dedicando-se à pintura, à litografia e à joalheria.

Violino e Cântaro - Georges Braque, 1910


7. DADAISMO

O Dadaísmo é

caracterizado pela oposição a

qualquer tipo de equilíbrio, pela

combinação de pessimismo irônico

e ingenuidade radical, pelo

ceticismo absoluto e improvisação.

Enfatizou o ilógico e o absurdo.

Entretanto, apesar da aparente

falta de sentido, o movimento

protestava contra a loucura da

guerra. Assim, sua principal estratégia era mesmo denunciar e escandalizar.

A princípio, o movimento não envolveu uma estética específica, mas

talvez as formas principais da expressão dadá tenham sido o poema aleatório e

o ready made. Sua tendência extravagante e baseada no acaso serviu de base

para o surgimento de inúmeros outros movimentos artísticos do século XX,

entre eles o Surrealismo, a Arte Conceitual, a Pop Art e o Expressionismo

Abstrato.

É niilista (falta de sentimentos baseada na análise racional), arte

experimentalista, espontâneo, trabalham com o acaso, fazem montagens de

imagem, junção entre diferentes formas de expressão, incorpora objetos, sons

e imagens do cotidiano nas suas obras. Abrange as áreas das artes plásticas,

fotografia, música, teatro, etc.

O Dadaísmo foi um movimento originado em 1915 na cidade de Zurique

(cidade que durante a Primeira Grande Guerra Mundial conservou-se neutra).

Negava todas as tradições sociais e artísticas, tinha como base um anarquismo

niilista e o slogan de Bakunin "a destruição também é criação". Contrários à

burguesia e ao naturalismo, identificado como "a penetração psicológica dos

motivos do burguês", buscavam a destruição da arte acadêmica e tinham

grande admiração pela arte abstrata. O acaso era extremamente valorizado

Tábua com ovos – Hans Arp


pelos dadaístas, bem como o absurdo.

Tinha tendências claramente anti-

racionais e irônicas. Procurava chocar

um público mais ligado a valores

tradicionais e libertar a imaginação via

destruição das noções artísticas

convencionais. Acredita-se, ainda, que

seu pessimismo venha de uma reação

de desilusão causada pela Primeira

Guerra Mundial. Apesar de sua curta

durabilidade - no período entre guerras,

praticamente havia sido esquecido - e

das críticas realizadas ao movimento,

fundamentalmente baseadas em sua

ausência de vocação construtiva, teve

grande importância para a arte do

século XX. Fez parte de um processo, observado nesse século, de libertação

da arte de valores preestabelecidos e busca de experiências e formas

expressivas mais apropriadas à expressão do homem moderno e de sua vida.

Originou-se de um grupo composto por artistas como Tristan Tzara,

Hans Harp, Richard Hülsenbeck, Marcel Janko, Hugo Ball e Hans Richter que

se encontravam em cafés de Zurique. A idéia inicial era a realização de um

espetáculo internacional de Cabaré que contava com músicas diversas, recitais

de poesia e exposição de obras. A maneira como surgiu o nome do evento é

sugestiva: por acaso Ball e Hülsenbeck abriram um dicionário de alemão-

francês e acabaram se deparando com a palavra dada, que foi posteriormente

adotada pelo grupo e pelo movimento que daí surgiria. A brochura "Cabaret

Voltaire", a inauguração da "Galeria Dada" em 1917 e as revistas "Dada",

seguidas de livros sobre o movimento, ajudaram a popularizá-lo. Sua

provocação, ativismo e conceito de simultaneidade (realizar ao mesmo tempo

diversas apresentações, como a leitura de poemas distintos) muito deve aos

futuristas, entretanto, não possuía o otimismo e a valorização da tecnologia que

esse último movimento tinha.

O Gigante Acefalo (sem cabeça) –

Max Ernest


7.1. FUTURISMO

O futurismo foi um

movimento artístico e literário

instituído com a publicação do

Manifesto Futurista do poeta

italiano Filippo Tomasso Marinetti,

no ano de 1909, já em 1912 os

pintores Balla, Boccioni, Carra,

Russolo e Severini unem-se a

Marinetti e lançam o Manifesto

dos Pintores Futuristas, realizando

uma exposição.

Os principais sinais do futurismo eram o movimento, a velocidade, a vida

moderna, a violência e a ruptura com a arte do passado, já que os adeptos do

movimento rejeitavam o moralismo, o passado. Os primeiros futuristas

europeus também engrandeciam a guerra e a violência. O movimento tem o

estilo de expressar o movimento real, assinalando a velocidade exposta pelas

figuras em movimento no espaço.

O futurismo desenvolveu-se em todas as artes e exerceu influência

sobre vários artistas que, posteriormente, criaram outros movimentos

modernistas. Repercutiu principalmente na França e na Itália, onde diversos

artistas se identificaram com o fascismo nascente.

A pintura futurista foi influenciada pelo cubismo e pelo abstracionismo,

porém o uso de cores vivas e contrastes e a sobreposição das imagens tinha a

pretensão de passar a idéia de dinamismo. O interesse do artista futurista não

é pintar um automóvel, e sim captar a forma plástica, a velocidade descrita por

ele no espaço.

O movimento enfraqueceu após a Primeira Guerra Mundial, porém seu

espírito inquieto e rumoroso deixou indícios no dadaísmo. Nas artes plásticas,

as obras reproduzem o mesmo ritmo e espírito da sociedade industrial. Na

literatura, as principais expressões aconteceram na poesia italiana.

Pintura Futurista – Giacomo Balla


7.2. A BAUHAUS

Fundada a partir de um manifesto de Walter Gropius, em 12 de abril de

1919, a Bauhaus tem suas origens na fusão entre a Academia de Artes e a

Escola de Artes e Ofícios da Alemanha. Impulsionados pelo novo quadro

econômico enfrentado pelo país no pós-guerra, seus fundadores buscavam o

fim da separação entre artistas e artesãos.

Seu pioneirismo em estabelecer um novo conceito pedagógico (que

defendia a modernização radical da vida em bases racionalistas) foi

revolucionário na época.

Entre seus docentes, estavam os principais artistas do período, como

Wassily Kandinsky, Paul Klee, Johannes Itten e László Moholy-Nagy, além de

grandes nomes da arquitetura, como Walter Gropius (principal idealizador) e

Ludwig Mies van der Rohe.

Em seus quatorze anos de existência, a Escola de Bauhaus passou por

três etapas diferentes: a fase expressionista em Weimar, sob a direção de

Walter Gropius, a fase do formalismo construtivista com Hannes Meyer em

Dessau e, finalmente, a fase do racionalismo radical com ênfase na produção

arquitetônica sob a direção de Mies van der Rohe, parte em Dessau e parte em

Berlim.

Encerrando suas atividades em

1933, em decorrência de mudanças

sociopolíticas na Alemanha, a Bauhaus

ainda segue orientando o pensamento das

novas gerações de designers, em várias

partes do mundo. Professores da Bauhaus

foram acolhidos principalmente em

instituições dos Estados Unidos, Em 1937,

Lászlo Moholy-Nagy fundou a New

Bauhaus, também em Chicago.

O Manifesto da Bauhaus

Crédito: www.seahorse-design.com


7.3. PRINCIPAIS ARTISTAS

7.3.1. MARCEL DUCHAMP

Marcel Duchamp nasceu em 1887,

em Blainville, perto de Roen na França.

Todos os irmãos de Duchamp também

foram artistas de renome. Marcel Duchamp

foi primeiramente bibliotecário, ganha-pão

que lhe forneceu a liberdade para explorar

seu precoce e revolucionário talento.

A primeira grande escola e

influência de Duchamp veio através dos

Impressionistas. Já em 1912 realiza Nu

Descendo a Escada onde já é possível

perceber a radicalização de seu estilo. Nu

Descendo a Escada (exposto em Nova York, em 1913) causou impacto

considerável e transformou Duchamp num artista, repentinamente, famoso.

O ano de 1919 é criada a sua obra de maior ressonância junto ao

público, a reprodução do retrato de Gioconda L.H.O.O.Q, que adornou com

bigodes finos. Subversivo até a última ponta do bigode. O universo artístico

nova-iorquino que na época andava meio fraco das pernas, apoderou-se com

grande vontade de todo o magnetismo desse jovem artista e Marcel Duchamp

que não era bobo nem nada, percebeu que tinha pela frente um campo ideal

para suas experiências e não vacilou em trocar a Europa pela América do

Norte tão ávida de novos rumos nas artes e no design. Mas é bom lembrar que

Duchamp era um homem de espírito anti-conformista e não deu bolas aos

contratos que surgiram pós-Nu Descendo a Escada. Para sobreviver, passou a

lecionar francês (a dois dólares a hora) para artistas nova-iorquinos ou a

qualquer um que se interessasse pela língua.

Nú descendo a escada – Marcel

Duchamp


De 1915 a 1923

executou uma obra com três

metros de altura, o primeiro

quadro construído em chapa de

vidro transparente, que servia

de apoio a pedaços de folha de

estanho recortados e pintados,

fixados ao vidro por meio de

verniz aderente.

Marcel Duchamp

gostava de se vestir de mulher.

Costumava dizer que ao se

travestir fragmentava e

redimensionava a sua virilidade

e ao se aprofundar no universo

feminino, desequilibrava-se.

Para o artista o que valia era o

desconhecido. Em

contrapartida nesses anos 20

conhecidos com “anos loucos”,

Duchamp cortou o cabelo

curtíssimo e desenhou uma

estrela. Nessa mesma época ao lado do fotógrafo Man Ray, publica um único

número da revista dadaísta “New York Dada”. Negando a Arte, recusando-se a

levá-la a sério e preferindo jogar xadrez com os amigos, Duchamp em sua

brilhante trajetória construiu uma desconcertante re-invenção da arte. Justapôs

o universo psicológico com o cotidiano, de objetos encontrados ao acaso, um

acaso magnificamente pensado, investigado, sofrido e vivido. A desarticulação

total do objeto e suas várias interpretações no olhar da única pessoa que

realmente interessa: o olhar do espectador.

Marcel Duchamp faleceu em outubro de 1968, na cidade de Neuilly-sur-

Seine, na França e está enterrado no Cemitério de Rouen, em Rouen, França.

Gioconda L.H.O.O.Q – Releitura de

Leonardo da Vinci, por Marcel Duchamp


7.3.2. GIACOMO BALLA

O interesse artístico de

Giacomo Balla remonta à época de

sua infância e juventude em Turim.

Com a intenção de ingressar na

Academia Albertina, tem aulas de

pintura com Giacomo Grosso e

acompanha as aulas de Psiquiatria e

Antropologia Criminal de Cesare

Lombroso, adepto do positivismo

científico. Transfere-se para Roma

em 1895, onde, apesar das

dificuldades financeiras, desenvolve

sua pintura e mantém a expectativa

de trabalhar como arquiteto e

decorador. Participa da Sociedade

Amadora e Cultural de Belas-Artes

expondo paisagens, retratos e cenas do cotidiano e aborda os problemas

sociais da classe trabalhadora e dos excluídos. Em sua técnica, há influências

do Divisionismo e da fotografia, percebidas no modo como trata a

luminosidade. É definido pela crítica como "pintor impressionista e divisionista".

Em Paris, entre 1900 e 1901, surpreende-se com a modernidade da

metrópole, com a multidão e o barulho dos veículos e principalmente com os

anúncios luminosos. Em visita à Exposição Universal, depara-se com as

pesquisas cronofotográficas onde personagens em movimento são

fotografados com o uso de apenas uma câmera, de modo que, sobre uma

mesma placa fotográfica, verdadeiras decomposições do movimento são

registradas. São desse momento suas primeiras pinturas em que a análise da

luz, em pinceladas divisionistas, prenuncia as formas seqüenciadas com as

quais irá desenvolver seus estudos sobre o movimento. Balla participa do

Salão de Outono de Paris em 1909 mesmo ano da publicação do "Manifesto

Futurista" de Filippo.

Luz da rua – Giacomo Balla, 1909


Em fevereiro de 1910, a convite de Boccioni, assina junto com Carlo

Carrà e Luigi Russolo, o "Manifesto dos Pintores Futuristas", conclamando os

jovens artistas italianos a aderirem ao movimento. Empolgado com a luta para

que a Itália se modernize cultural e socialmente, Balla empreende a

transposição das soluções formais obtidas pela cronofotografia na

representação pictórica do movimento. São exemplos desse momento, suas

obras futuristas de 1912; “Dinamismo de um cão na coleira” e “Menina que

corre sobre um balcão”. Inicia também a série Compenetrações Iridescentes,

em que esquemas geométricos de cores e formas alternadas transcrevem a

sensação visual da luz em composições abstratas. Sua investigação pictórica

sobre a decomposição formal do movimento volta-se para a velocidade do

automóvel, na obra “Velocidade abstrata: o carro”, linhas marcadas por reflexos

cromáticos cortam as formas simplificadas da paisagem criando as novas

"formas-pensamento" de Balla.

Propõe a

construção de "conjuntos

plásticos", ou seja, obras

cinéticas contruídas com

materiais diversos. A

partir de 1916, sua

atuação estende-se a

outras áreas artísticas,

como o teatro, com a

criação da cenografia

luminosa para Feu

d'artifice de Stravinsky. Com o final da guerra dedica-se também às artes

aplicadas, criando padrões para tecidos e fabricando móveis multicoloridos, em

busca do que denomina "vibração universal". Antes do final dos anos 1920,

alterna suas proposições estéticas futuristas, como o manifesto "Aeropittura",

com um retorno à pintura de paisagem. Nas décadas seguintes assume

definitivamente o Realismo como a "arte pura".

Velocidade abstrata: O carro


7.3.3 WALTER GROPIUS

Arquiteto alemão conhecido

por dar nova aplicação funcional à

arte e desenvolver novos métodos

e materiais destinados à

construção. Nascido em Berlim,

estuda em Munique e, em 1910,

trabalha como assistente de Peter

Behrens.

No ano seguinte constrói a

Fábrica Fagus, em Alfeld-an-der-

Leine, considerada a primeira obra

em estilo moderno. Em 1919, já

diretor da Escola de Weimar,

funda a Bauhaus, primeira escola

de desenho industrial moderno.

Em 1925 muda a escola para

Dessau, ocupando um prédio

desenhado por ele.

Dirige a Bauhaus até 1928, chefiando uma equipe de professores

composta de artistas consagrados, como o norte-americano Lyonel Feininger, o

suíço Paul Klee e o russo Vassíli Kandínski. Pressionado pelo nazismo,

abandona o país em 1934 e vai para a Inglaterra, onde projeta fábricas e

prédios estatais.

Em 1937 é nomeado professor da Universidade de Havard, nos Estados

Unidos, país no qual se fixa e executa várias obras, algumas em colaboração

com Marcel Breuer, seu antigo aluno. Em 1944 torna-se cidadão norte-

americano. Morre em Boston.

Walter Gropius – Wikipédia commons


8. SURREALISMO

O movimento

Surrealista surgiu em Paris

em 1924, fruto dos ideais

de um grupo de escritores

e artistas que, liderados

por André Breton,

valorizavam as pesquisas

científicas, sobretudo a

psicanálise. Esse grupo de

artistas, que ficou

conhecido como a

vanguarda européia do

início do século XX,

baseava-se principalmente

nos estudos de Freud e

explorava o inconsciente e

os sonhos nas expressões

artísticas. Dessa maneira,

as obras não seguiam

nenhum padrão estético pré-determinado e não se prendiam à moral, à lógica e

à razão. . As telas saem com formas curvas, linhas fluidas e com muitas cores.

São nomes mais importantes deste movimento o de Salvador Dalí, Joan Miró e

Max Ernst.

Elas muitas vezes parecem sem sentido, mas na realidade representam

os pensamentos mais íntimos e verdadeiros do homem. Como representantes

significativos do Surrealismo na pintura, podemos destacar Salvador Dali e

René Magritte. Com o passar do tempo muitos artistas juntaram-se ao grupo,

entre eles o pintor e designer russo Marc Chagall e o pintor e artista gráfico

espanhol Joan Miró. Este último foi um pintor representativo da linha abstrata

dentro do Surrealismo. Como características formais de sua obra podemos

destacar a linearidade e uso de sistemas simbólicos.

Anti-Papa – Max Ernst, 1942


8.1. SALVADOR DALI

Salvador Dali nasceu em

11 de maio de 1904, na cidade

catalã de Figueras (Espanha),

região que foi também uma

espécie de pano de fundo para

grande parte de sua obra.

Tornou-se uma figura popular

com aqueles bigodes enormes.

Filho de um prestigioso tabelião, estudo escola pública (Colégio Salle).

Começou a estudar desenho quando tinha 13 anos. Em 1919 participa de uma

exposição de pintura. Em 1922 obtém o reconhecimento da Associação Catalã

de Arte e no mesmo ano matricula-se na Escola de Belas Artes de Madrid,

onde fica até 1926 conhecendo Frederico Garcia Lorca (autor Bodas de

Sangue), Luís Brunuel. Vinha de uma família sólida de classe média. Era

rodeado por amigos ricos e cultos que incentivavam Dali e mantinham bem

informado sobre os desenvolvimentos no mundo das artes.

Foi estudar pintura em Madri quando já possuía boa bagagem artística.

Foi nessa época que fez amizade com o poeta Lorca. Sua primeira exposição

individual aconteceu em 1925, na Galeria Dalmau (Barcelona). Foi chamado

em 1927 para o serviço militar, cumprindo-o no Castelo de Sant Ferran

(Figueres). Surrealista desde 1928. Em 1938, fiel ao surrealismo, modificou sua

orientação temática até chegar a quase mesmo misticismo.

É cada vez mais atraído para o Surrealismo a partir de 1929, e

influenciada pelas teorias de Sigmund Freud. Casou-se com Gala Eluard que

fora antes sua amante, que além de ser a musa inspiradora, foi uma grande

colaboradora e organizadora de seus afazeres. Mas foi ela também que sua

ganância incentivou Dalí a banalizar a sua arte.

As pinturas desenvolviam interpretações e associações irracionais,

dependendo do ponto de vista, de acordo com o método crítico-paranóico por

ele criado. Conferiu à sua obra sempre uma aparência acadêmica com

A persistência da memória – Salvador Dalí


impecável precisão fotográfica. No final da década de 1930, Dalí estava

começando a ser reconhecido nos Estados Unidos, onde as atitudes face às

novidades artísticas eram menos conservadoras do que na Europa. O início da

Segunda Guerra Mundial e a vitória dos alemães sobre a França, em 1940,

levaram Dalía fugir para os EUA, onde ficou oito anos. Durante a Segunda

Guerra Mundial, com a invasão alemã em 1940, vai para os Estados Unidos,

onde teve inúmeras oportunidades para usar seu talento. A América também

despertou seu lado exibicionista, tornou-se uma super-celebridade. Em 1962

cria grandes pinturas como a "Batalha de Tetuán". Recebe em 1964 a Cruz de

Isabel a Católica e um ano depois realiza uma grande exposição em

Tókio. Em 1973 é inaugurado o Museu Dali.

Os últimos anos de Salvador Dalí foram obscurecidos por um

distanciamento de Gala, que morreu em 1982. No mundo das artes crescia a

preocupação com a quantidade de obras falsas que lhe eram atribuídas a Dalí.

O próprio Dali sabia de sua parcial culpa, pois que muitas vezes chegou

a assinar centenas de folhas em branco que seriam obviamente usadas de

forma ilícita. Em 1986 sofreu graves queimaduras por causa de um

incêndio,ocorrido em seu

quarto.

Faleceu em 20 de

janeiro de 1989, anos 84

anos de idade.

Tentação – Salvador Dalí


8.2. JOAN MIRÓ

Joan Miró nasceu em Barcelona, na Espanha, em 20 de abril de 1893.

Apesar da insistência do pai em vê-lo graduado, não completou os estudos.

Freqüentou uma escola comercial e trabalhou num escritório por dois anos até

sofrer um esgotamento nervoso. Em 1912, seus pais finalmente consentiram

que ingressasse numa escola de arte em Barcelona. Estudou com Francisco

Galí, que o apresentou às escolas de arte moderna de Paris, transmitiu-lhe sua

paixão pelos afrescos de influência bizantina das igrejas da Catalunha e o

introduziu à fantástica arquitetura de Antonio Gaudí.

Miró trazia intuitivamente a visão despojada de preconceitos que os

artistas das escolas fauvista e cubista buscavam, mediante a destruição dos

valores tradicionais. Em sua pintura e desenhos, tentou criar meios de

expressão metafórica, ou seja, descobrir signos que representassem conceitos

da natureza num sentido poético e transcendental. Nesse aspecto, tinha muito

em comum com dadaístas e surrealistas.

De 1915 a 1919, Miró trabalhou em Montroig, próximo a Barcelona, e

em Maiorca, onde pintou paisagens, retratos e nus. Depois, viveu em Montroig

e Paris alternadamente. De

1925 a 1928, influenciado

pelo dadaísmo, pelo

surrealismo e

principalmente por Paul

Klee, pintou cenas oníricas

e paisagens imaginárias.

Após uma viagem aos

Países Baixos, onde

estudou a pintura dos

realistas do século XVII, os

elementos figurativos

ressurgiram em suas obras.

O sitio – Joan Miró


Na década de 1930, seus horizontes artísticos se ampliaram. Fez

cenários para balés, e seus quadros passaram a ser expostos regularmente em

galerias francesas e americanas. As tapeçarias que realizou em 1934

despertaram seu interesse pela arte monumental e mural. Estava em Paris no

fim da década, quando eclodiu a guerra civil espanhola, cujos horrores

influenciaram sua produção artística desse período.

No início da segunda guerra mundial voltou à Espanha e pintou a

célebre "Constelações", que simboliza a evocação de todo o poder criativo dos

elementos e do cosmos para enfrentar as forças anônimas da corrupção

política e social causadora da miséria e da guerra.

A partir de 1948, Miró mais uma vez dividiu seu tempo entre a Espanha

e Paris. Nesse ano iniciou uma série de trabalhos de intenso conteúdo poético,

cujos temas são variações sobre a mulher, o pássaro e a estrela. Algumas

obras revelam grande espontaneidade, enquanto em outras se percebe a

técnica altamente elaborada, e esse contraste também aparece em suas

esculturas. Miró tornou-se mundialmente famoso e expôs seus trabalhos,

inclusive ilustrações feitas para livros, em vários países.

Em 1954, ganhou o prêmio de gravura da Bienal de Veneza e, quatro

anos mais tarde, o mural que realizou para o edifício da UNESCO em Paris

ganhou o Prêmio Internacional da Fundação Guggenheim. Em 1963, o Museu

Nacional de Arte Moderna de Paris realizou uma exposição de toda a sua obra.

Joan Miró morreu em Palma de Maiorca, Espanha, em 25 de dezembro de

1983.


9. NEOPLASTICISMO

O neoplasticismo é uma das formas que a abstração tomou nas

primeiras décadas do século XX, e teve seu início em 1917. Trata-se de uma

doutrina estética proposta por Piet Mondrian, pintor holandês, em 1920, e está

baseada na concepção analítica da pintura, na procura de um tipo de arte que

transcenda a realidade externa, material, numa tentativa de chegar à essência

através de uma linguagem plástica e objetiva, reduzindo-a a formas

geométricas e cores puras e torná-la universal. Junto de Theo van Doesburg

fundou a revista De Stijl, principal órgão de difusão do movimento, em cujo

primeiro número foi publicado o Manifesto Neoplasticista, em 1918.

As teorias de Piet Mondrian, cuja origem está nas obras dos

cubistas Pablo Picasso e George Braque e na teosofia, reivindicam um

processo de abstração progressiva em razão de do qual as formas estavam

sendo reduzidas a linhas retas tanto horizontais quanto verticais e as cores

foram reduzidas as cores neutras e primárias.

Além de van Doesburg, entre seus principais representantes estavam o

pintor Wilmos Huszár, o escultor Georges Vantongerloo e os arquitetos

Jacobus Johannes Pieter Oud e Gerrit Thomas Rietvel, entre outros.

O excesso de rigor proposto por Mondrian gerou grandes críticas, dentro

e fora do seu círculo de adeptos. Mesmo assim, o neoplasticismo é tido,

juntamente com o suprematismo de Maliévich, aorigem da abstração

geométrica.

Theo van Doesburg foi o componente mais ativo do grupo, visto que

desempenhava as atividades de pintor, escultor, arquiteto, poeta e novelista. O

dinamismo geométrico das linhas e dos planos das pinturas de Mondrian, longe

de qualquer intenção de simetria, encontra seu correlativo na decomposição

elementarista dos polêmicos projetos de Rietveld e van Eesteren, bem como na

vibração plástica do café-cabaret Aubette de van Doesburg.

A proposta básica deste movimento é simplesmente abstrair ao máximo

as formas da natureza.


9.1. MONDRIAN

Nascido em ambiente rural,

com clima de fazenda e sítio, Piet

Cornelis Mondrian vinha de uma

família calvinista extremamente

religiosa. Seu pai, um pastor

puritano, desejava que o filho

seguisse a carreira clerical. A

religião marcou o jovem Piet e o

sentimento metafísico iria permear

sua obra durante toda a vida, em maior ou menor grau.

Tendo um tio que trabalhava com pintura, interessou-se pela carreira

artística, mas foi obrigado a enfrentar a visão ortodoxa da família, que via

na arte um caminho para o pecado. Vê, porém, na possibilidade de dar aulas

uma resolução ao seu dilema: prometeu ao pai estudar artes, tornando-se um

professor.

Insatisfeito com o magistério, Mondrian sente a necessidade de libertar-

se e estabelecer-se como pintor, mas teme enfrentar ao pai (que de antemão

desaprovava a idéia) e a si mesmo, tal o peso de sua formação religiosa.

Quando entra em contato com a teosofia, porém, encontra em seu ideário uma

resolução para o problema: a doutrina pregava o trilhar de um caminho

evolutivo pessoal e a arte encaixava-se neste caminho. O contato com a

teosofia irá manifestar-se no trabalho de Mondrian e marcará sua vida

profundamente daí em diante.

Piet Mondrian começou a sua carreira como caminhoneiro ao mesmo

tempo que ia praticando a sua pintura. A maior parte do seu trabalho deste

período é influenciada pelo naturalista ou impressionista. No Museu Gemeente,

em Haia, estão expostos vários trabalhos deste período, incluindo

exemplares pós-impressionistas tais como "O Moinho Vermelho" e "Árvores ao

andar".

Broadway Boogie-Woogie, Piet

Mondrian


Após entrar em contato com a teosofia, Mondrian passa por um breve

período simbolista, mas que lhe será fundamental para que atinja a abstração.

Este período costuma-se confundir com a radical abstração que caracterizaria

o resto de sua obra, já revelando uma certa tendência à geometrização e

à síntese da realidade. Além do pensamento espiritual calcado na busca de

uma essência matemática e racional para a existência que caracteriza a

teosofia, Mondrian também exibiu um interesse quase obsessivo pelo jazz –

pela identificação de sua alegria contagiante com o ritmo irregular que, ele

também, possuiria um fundamento matemático.

Em 1913, visitou uma exposição cubista em Amsterdã que o marcou

profundamente e teve grande influência no seu trabalho posterior.

A partir de 1917 até a década de 1940 desenvolve sua grande

obra neoplástica. Essa fase de sua obra, a mais popularmente difundida, se

caracteriza por pinturas cujas estruturas são definidas por linhas pretas

ortogonais (o uso de diagonais induziria a percepção a ver profundidade na tela

e motivou o rompimento de sua amizade com Theo Van Doesburg). Essas

linhas definem espaços que se relacionam de diferentes modos com os limites

da pintura, e que podem ou não serem preenchidos com uma cor primária:

amarelo, azul e vermelho, decisão que mostra sua estreita relação com as

teorias estéticas da Bauhaus e da Escola de Ulm, e que definem pesos visuais

diferentes para esses espaços. O blocos de cor, pintados de modo fosco e

distribuidos assimetricamente, reforçam a idéia de um movimento superficial

que se estende perpetuamente, indicando que o pintor investia na percepção

de sua obra como uma abstração materialista e sem profundidade, criticando a

pintura histórica enquanto produzia uma abstração racionalista, espiritualista e

sobretudo concreta do mundo. Sua obra, muitas vezes copiada, continua a

inspirar a arte, o design, a moda e a publicidade que a apropriamcomo design,

sem necessariamente levar em conta sua fundamental e filosófica recusa à

imagem.

O seu quadro "Broadway Boogie Woogie", que pode ser visto no Museu

de Arte Moderna de São Francisco, pertence à fase posterior ao

Neoplasticismo, quando Mondrian se liberta das regras que ele próprio se

impôs.


10. ABSTRACIONISMO

De um modo amplo, a

palavra abstrato pode ser aplicada a

qualquer obra de arte que não faça

uma representação imediata dos

objetos. O artista abstracionista usa

cores, linhas e manchas para criar

formas indefinidas, não copiando mais

a realidade. O pintor russo Vassily

Kandinsky é considerado por muitos

historiadores o iniciador da pintura

abstrata no sistema de arte ocidental

(é importante não perdermos de vista

que estamos estudando a história da

arte ocidental e, neste momento, lembrarmos que representações abstratas já

haviam sido exploradas pela arte indígena e pela arte africana, entre outros

sistemas de arte).

O termo abstracionismo geralmente é usado para designar algumas

obras de arte do século XX de artistas que abandonaram a concepção

tradicional de arte como imitação da natureza. Eles criaram em suas pinturas

formas e cores que não estão imediatamente relacionadas com as formas e as

cores dos objetos, ou seja, ao observamos uma pintura abstrata não

identificamos de imediato o objeto ou a cena representada.

É interessante perceber que alguns artistas que desenvolviam seu

trabalho em outros movimentos modernos, como o Cubismo ou o Futurismo,

por exemplo, radicalizaram tanto suas pesquisas nestes movimentos, que

atingiram a abstração, mesmo não sendo este o seu objetivo primeiro. Há

também artistas que misturam, numa mesma obra, formas figurativas e formas

abstratas. Há também os que tiveram uma fase figurativa em sua carreira e

outra abstrata. Os verdadeiros artistas estão sempre pesquisando, procurando

novos caminhos e Diferentes soluções para seu trabalho. Isso implica, muitas

vezes, em mudança de rumo, em abandono de uma forma já estabelecida pela

Wassily Kandinsky - "Fugue" – Galeria

Olga


busca de uma nova forma de expressão. Correr o risco de caminhar por

terrenos desconhecidos é uma situação que um artista não pode temer.

Observando estas duas obras de Picasso, ambas “Naturezas Mortas”,

percebemos como o mesmo artista pode abordar de diferentes maneiras os

elementos visuais em cada composição, chegando a dar-nos a impressão de

que são obras de diferentes artistas. Observe também como a deformação

pode levar a uma estilização das formas, aproximando-as de formas abstratas.

O abstracionismo dominou a pintura moderna e se diversificou em duas

tendências principais: o abstracionismo informal (que não faz uso de formas

geométricas) e o abstracionismo geométrico. O abstracionismo informal, que

em Kandinsky seu principal representante, expressa os sentimentos e idéias do

artista que, com total liberdade de expressão, utiliza cores, linhas e formas de

maneira espontânea.

Diferentemente do informal, no abstracionismo geométrico as formas e

as cores são organizadas mais racionalmente e a base da composição é

composta por linhas e figuras geométricas. O pintor e projetista russo Kazimir

Malevich e o pintor holandês Piet Mondrian (que também era neo-plasticista)

foram os pioneiros do abstracionismo geométrico. Podemos observar um

desejo de objetividade, uma tendência anti-individualista e anti-expressionista,

a busca de uma “arte pura”, das formas exatas e das cores puras (primárias),

no abstracionismo geométrico.

Observe as duas reproduções de pinturas abaixo, tentando perceber as

características dos dois movimentos que fazem uso da abstração.


10.1 KANDINSKY

Nascido em Moscou, passou grande parte da infância em Odessa. De

volta à capital russa, estudou Direito e Economia na Universidade de Moscou,

chegando a diplomar-se em Direito aos 26 anos, mas desistiu dessa carreira.

Casou-se em 1892 com a sua prima Anja Tchimikian, que acompanhou

Kandinsky em 1896 quando este se mudou para Munique, iniciando os seus

estudos em pintura na escola de Anton Ažbè. O estilo da escola de Ažbè

desiludiu Kandinsky, que preferia pintar paisagens coloridas ao ar livre em vez

de modelos "malcheirosos, apáticos, inexpressivos, geralmente destituídos de

carácter".

Após dois anos, Kandinsky tenta inscrever-se, sem sucesso, num curso

ministrado por Franz von Stuck. Um ano depois Kandinsky ingressou

finalmente no curso, que frequentou até 1900. Em Maio de 1901, Kandinsky co-

fundou a sociedade artística Phalanx e foi professor na escola fundada pouco

tempo depois pela sociedade. Uma das suas alunas foi Gabriele Münter, que

se tornou companheira de Kandinsky até 1914. Kandinsky separou-se de Anja

Tchimikian em 1903.

Já na década de 1910 Kandinsky desenvolve seus primeiros estudos

não figurativos, fazendo com que seja considerado o primeiro pintor ocidental a

produzir uma tela abstrata. Algumas das suas obras desta época, como

"Murnau - Jardim I" e "Grüngasse em Murnau" mostram a influência dos

Verões que Kandinsky passava em Murnau nessa época, notando-se um

crescente abstracionismo nas suas paisagens. Outra influência nas suas

pinturas foi a música do compositor Arnold Schönberg, com quem Kandinsky

manteve correspondência entre 1911 e 1914.

Com o eclodir da Primeira Guerra Mundial, Kandisnky é forçado a

abandonar a Alemanha, partindo para a Suíça acompanhado por Gabriele

Münter em 3 de Agosto de 1914, esperando um fim rápido do conflito. Quando

este não se concretizou, Kandinsky voltou à Rússia, separando-se de Münter,

a 16 de Novembro do mesmo ano. Aproveitando uma exposição

em Estocolmo em 1916, Kandinsky permanece na Suécia, onde conhece a sua


terceira companheira, a russa Nina de Andreewsky, até ao advento

da Revolução Russa. Volta então à Rússia interessado nos rumos do país, mas

desentende-se com as teorias da arte oficiais e retorna à Alemanha em 1921.

Em constante contato com os artistas da vanguarda, passa a lecionar na

Bauhaus até 1933 quando a escola é fechada pelo governo nazista. Muda-se

para Paris e aí viveu até o fim de sua vida. Faleceu em Neuilly-sur-

Seine em 1944.

Desenvolveu a arte abstrata até o fim de sua vida. Junto a Piet

Mondrian e Kasimir Malevich, Wassily Kandinsky faz parte do "trio sagrado" da

abstração, sendo o mais famoso.


11. CONCLUSÃO

A arte moderna foi fortemente influenciada pelo momento em que o

mundo passava na época do seu surgimento, a visão antropocentrista

começada no renascimento se voltou contra a humanidade, mostrando para

todos nós que éramos capazes de cometer atrocidades por motivos não tão

justos, por motivos pequenos perto das “maldades” humanas. Um mundo que

passou por duas guerras mundiais, e diversas revoluções como a industrial e

sexual, assim como um muno repleto de descobertas como a máquina

fotográfica e o fácil acesso a carros (como o Ford T e o Fusca, lançados por

Henri Ford e Adolf Hitler respectivamente).

Como já sabemos a arte sempre acompanha seu tempo, e numa época

de revolução a arte moderna veio quebrando as barreiras do conhecido pela

arte de até então passando por movimentos que vão do impressionismo ao

Neoplasticismo, fazendo com que os homens repudiassem a arte clássica,

mudassem suas temáticas e buscassem inspiração dentro de si mesmos.

De uma forma ampla arte moderna veio mostrar todos estes avanços de

visão do homem para o próprio homem, e dos avanços tecnológicos retratando

suas impressões do mundo ao invés de uma visão perfeita de como a coisas

são, não haviam mais sentido pintar imagens fotográficas já que a fotografia já

desempenhava este papel (impressionismo e neo-impressionismo), expressar

o que sentia ao ver uma imagem principalmente em áreas externas já que

estava mais fácil carregar os materiais de pintura

Vale lembrar também que foi na era do arte moderna que nasceu a

teoria psicanalítica de Sigmund Freud, que mostrou para a sociedade facetas

que o homem evitava ver, como por exemplo o tratamento das mulheres

histéricas e as causas de suas histerias, sempre ligadas ao sexo, e as viagens

ao significado dos sonhos, o que inspirou muitos artistas surrealistas como

Salvador Dali. Outro nome importante citar que teve grande influência na arte

moderno é Karl Marx que desenvolveu o socialismo científico e escreveu o

grande grito da classe operária (o proletariado que acava de nascer com a

revolução industrial), chamado de “O Capital”.


Na revolucionária, desconstrutiva e conceitual nova arte (arte Moderna),

houve um grande movimento para considerar estes três itens presentes em

todos os movimentos do período sendo eles muitos, e até mesmo deixados

para outra ocasião, porém não esquecidos, o impressionismo, o neo-

impressionismo, o expressionismo Art noveau, Fauvismo, Abstracionismo,

Futurismo, Surrealismo, etc. Estes movimentos modernos coexistiram e se

influenciaram fazendo alguns artistas terem influências de dois ou mais

movimentos no decorrer de suas vidas sendo tão abrangente que muitos

artistas eram simplesmente indecifráveis, ou mesmo não encaixáveis em

nenhum movimento nomeado pelos historiadores da arte.

A estética moderna continha elementos de velocidade, multiplicidade,

abstração de formas, desconstrução de formas entre outras dependendo do

seu período e movimento encaixado.

O impressionismo veio com força depois de Monet pintar seu quadro

Impressões do nascer do sol, este movimento teve como principal

característica não ter uma fidelidade com a realidade e sim com a impressão

que o artista tinha daquele momento ou daquela visão, assim como o uso de

cavaletes e bisnagas de tinta (agora mais fáceis de carregar), fora de seus

estúdios, ao ar livre.

O Neo-impressionismo, seguiu a mesma estética, ou seja, o mesmo

conjunto de valores com a diferença de ser diferente em sua forma de ser feito,

este movimento passou pelo pontilhismo, que nada mais era do que captar as

impressões e representá-las através de pontos um do lado do outro formando a

imagem (assim como nossas televisões e fotos digitais que tem como principio

o método de pixels, pontos luminosos).

O expressionismo vem revolucionando o impressionismo, deixando de

captar apenas as impressões visual, mas expressando as mesmas e os

sentimentos nela envolvidos naquele determinado momento, fazendo com que

a pintura fosse uma foto com “coração”, o que era resultado de uma revolta

com a forma descritiva dos movimentos anteriores a arte moderna.

Novamente houve uma quebra conceitual com Pablo Picasso que depois

de sua fase azul, rosa e africana, desconstruiu tanto as formas para expressar


o que sentia, que passou a algumas formas geométricas, ou não chegando a

um auto grau de abstração e movimento, dando inicio ao cubismo, com seu

quadro “Les Demoiselles d'Avignonque” de 1907.

O dadaísmo foi o movimento coexistente de muitos destes que

simplificou tanto a arte que passou a trabalhar com as formas mais simples,

com o acaso dando origem a muitas formas de hoje como a pop-art, a arte

conceitual entre outros.

O movimento futurista nasceu de um manifesto de um poeta em 1909

(poucos anos depois do surgimento do cubismo) sendo que três anos depois

Giacomo Balla e outros pintores aderiram ao movimento, buscando retratar o

movimento, a velocidade, a vida moderna, a violência e obviamente a ruptura

com a arte do passado.

Foi em 12 de abril de 1919 que as belas artes, a engenharia e os ofícios

se juntaram na fundação por Walter Gropius da Bauhaus, uma escola que

ensinou muitos artistas com a construção de prédios, e a especialização em

Designer. 13 anos depois o final da Bauhaus, vindo a ser acolhida pelos

Estados Unidos que a mantém até hoje como grande influência a nova geração

de artistas e designer.

Junto com Freud o surrealismo surge com uma realidade de sonhos,

onde todas as coisas são possíveis, sendo o quadro mais famoso “persistência

da Memória” de Salvador Dali que mostra picos desertificados ao lado de um

mar e relógios sendo derretidos.

A arte neo-plasticista desenvolve um novo conceito plástico, onde as

formas geométricas predominam resultando no abstracionismo de Mondrian.

Abstrair nada mais é que usar formas geométricas ou não para um ojeto ou

pessoa.


12. REFERENCIA BIBLIOGRÁFICA

ARGAN, Giulio Carlo. Arte moderna: do iluminismo aos movimentos contemporâneos.

Tradução Denise Bottmann, Frederico Carotti; prefácio Rodrigo Naves. São Paulo: Companhia

das Letras, 1992. xxiv, 709 p., il. color.

CHALVERS, Ian. Dicionário Oxford de arte. Tradução Marcelo Brandão Cipolla. 2.ed. São Paulo:

Martins Fontes, 2001.

DICIONÁRIO da Pintura Moderna. Tradução Jacy Monteiro. São Paulo: Hemus, 1981. 380 p., il.

p.b.

GOMBRICH, Ernst Hans Josef, A História da Arte Moderna, 16. Ed. São Paulo: LTC, 2000

La Nuova enciclopedia dell'arte Garzanti. Milão: Garzanti, 1986.

Portal: ©Encyclopaedia Britannica do Brasil Publicações Ltda.

PORTAL: ITAÚ CULTURAL (www.itaucultural.org.br) – 11/09/2009

MORAIS, Frederico. Cronologia das artes plásticas no Rio de Janeiro: da Missão Artística

Francesa à Geração 90 : 1816-1994. Rio de Janeiro: Topbooks, 1995. 559p.

ZANINI, Walter (org.). História geral da arte no Brasil. Apresentação Walther Moreira Salles.

São Paulo: Fundação Djalma Guimarães : Instituto Walther Moreira Salles, 1983. 2v., il. color.

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Portal: ©Encyclopaedia Britannica do Brasil Publicações Ltda.

PORTAL: ITAÚ CULTURAL (www.itaucultural.org.br) – 11/09/2009


Rodrigo José Guergolet

Ribeirão Pires, 15 de setembro de 2009


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