ProduçãoOrganização

Mecenas Prog. PrincipalEstrutura financiada por

Parceria institucional

Apoio Institucional

Parceiros media

Apoio comunicação

Hotel oficial Transporte Oficial

Mecenas Júnior e Famílias

3

programação principal

Mecenas Programação Principal

Admirável Mundo Novo Shakespeare 400 Anos

O brave new world,

That has such people in’t!

“Oh, admirável mundo novo,

Que tal gente nele tem!”

William Shakespeare, A Tempestade, Ato V, Cena I

Cistermúsica 2016

Alexandre Delgado e Rui Morais, direção artística

Rui Morais, diretor executivo

Dulce Alves, assistente do diretor executivo

Susana Martins, diretora de produção

Henrique Bértolo, Vítor Santos, produção e apoio técnico

Inês Silva, assistente de produção (estágio)

David Mariano, diretor de comunicação

Mário Ferreira (Óbidos Produções), direção técnica

Brochura Cistermúsica 2016

Alexandre Delgado, edição

David Mariano, coordenação

Alexandre Delgado e David Mariano, tradução de textos

ÍndiceRomeu & Julieta de Gounod 10

Ludovice Ensemble 20

Henschel Quartett 26

Caricature of She 32

Vasco Dantas 36

The Orlando Consort 44

Banda Sinfónica de Alcobaça 48

Face Two Phase 54

Play False 60

Officium Ensemble 66

Alma Mater 72

Manuel Campos + Alia Kache 82

Coro Gregoriano de Lisboa 90

Duo Piaolin 96

EGO | Orquestra Estágio Gulbenkian 102

Elena Kelessidi e João Paulo Santos 110

Orquestra Euro-Atlântica 116

8

9

Nota de AberturaO ano de 2016 traz consigo a marca da celebração de duas grandes efemérides da cultura univer-

sal, os 400 anos da morte de William Shakespeare e de Miguel de Cervantes Assinalada oficial-

mente à data de 23 de abril, a obra destes dois grandes vultos, considerados, respetivamente, os

pais do Teatro e da Literatura modernos, é indissociável do tempo em que viveram, o tempo de

um Mundo Novo!

A grande herança que Portugal deu ao Mundo foi a grande aventura dos Descobrimentos

Marítimos e a consequente primeira globalização que se seguiu Da Península Ibérica para os

quatro cantos do Mundo, Portugueses e Espanhóis abriram novas rotas e puseram em contacto

diferentes povos, civilizações e culturas Nesses tempos fervilhantes de mudança, Shakespeare e

Cervantes, através das suas obras, deixaram-nos pistas valiosas e intemporais para nos ajudarem

a compreender o mundo e a nós mesmos

No que toca ao bardo isabelino, há uma obra que o une definitivamente a Alcobaça Romeu e

Julieta, o par imortal da ficção literária, que serviu de inspiração a maravilhosas obras do génio

humano, presta a sua homenagem ao par imortal da nossa História, D Pedro e D ª Inês de Castro,

no local que os vê aguardar serenamente pelo fim dos tempos, o Mosteiro de Alcobaça Por

certo será uma experiência emocionante assistir aos concertos dedicados a amantes que nos

lembram a verdadeira universalidade do Amor neste monumento Património da Humanidade

De 26 de junho a 31 de julho o Festival Cistermúsica volta a ser “um clássico para todos” em

Alcobaça, valorizando variados espaços deste concelho Uma vez mais com a qualidade que a

sua Direção Artística nos vem habituando em cada edição e com uma programação que versa

grandes obras e autores, compositores e artistas nacionais e estrangeiros, composições raras e

novas combinações que unem também a Música à Dança

Um evento para todos e para todas as idades, que este ano dá a volta ao Mundo e nos demonstra

que será sempre mais o que nos une que o que nos separa, independentemente de todas as dife-

renças – a Música cumprirá sempre este desígnio da Humanidade Venham a Alcobaça participar

neste sonho tornado realidade e sejam bem-vindos à XXIV edição do Festival Cistermúsica

Paulo Jorge Marques Inácio

Presidente da Câmara Municipal de Alcobaça

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ApresentaçãoA 24 ª edição do Cistermúsica assinala os 400 anos da morte de William Shakespeare e adota

como lema a alusão deste ao “admirável mundo novo” que portugueses e espanhóis mostraram

ao mundo, frase que — antes de servir de título à célebre novela futurística de Aldous Huxley — é

pronunciada por Miranda em A Tempestade

Mas se há peça de Shakespeare que tem especialmente a ver com a terra onde estão sepultados

Pedro e Inês, é Romeu e Julieta; por isso lhe são dedicados os concertos de abertura e de encer-

ramento A abrir o Cistermúsica, a Orquestra e Coro da Academia de Música de Alcobaça, em

coprodução com a OperaTellers, apresentam a ópera Roméo et Juliette de Gounod, numa versão

encenada por Carlos Antunes e com narração da atriz Filomena Gonçalves, num espetáculo

pensado para toda a família A encerrar, a recém criada Orquestra Euro-Atlântica, dirigida por

Osvaldo Ferreira, interpreta a abertura Romeu e Julieta de Tchaikovski e a 2 ª suite do bailado

homónimo de Prokofiev, num programa que culmina com uma das obras mais populares de

todo o reportório sinfónico: a Sinfonia do Novo Mundo de Dvořák

Outra ópera, essa oriunda (e emblemática) no novo mundo, é Porgy and Bess de George

Gershwin Sob a direção do seu maestro titular Rui Carreira, a excelente Banda Sinfónica de

Alcobaça apresentará a suite que Gershwin compôs com base nesta famosa ópera, Catfish Row,

num programa que inclui ainda música de Leonard Bernstein: a abertura de Candide e as danças

sinfónicas de West Side Story, musical inspirado precisamente em Romeu e Julieta.

Numa programação que tem o luxo de incluir dois concertos sinfónicos, ouviremos o glamoroso

e cinematográfico concerto para violino de Korngold e a mais clássica e popular sinfonia de

Chostakovich interpretadas pela Orquestra Estágio Gulbenkian, dirigida pela maestrina Joana

Carneiro e com a participação da grande violinista Chloë Hanslip, com um programa que contra-

põe os Estados Unidos da América e a União Soviética no seu melhor

Ainda em torno de Shakespeare, a cena do túmulo de Romeu e Julieta inspirou o Adagio do 1 º

quarteto de cordas de Beethoven e esse foi o pretexto para convidar um dos mais reputados

quartetos do mundo, o Henschell Quartett, que na sua primeira vinda a Portugal tocará também

Mozart e Schulhoff No âmbito da música portuguesa, teremos um concerto dedicado a esse

exato contemporâneo de Shakespeare que foi Estêvão Lopes-Morago, de quem ouviremos

obras sacras em estreia moderna interpretadas pelo Officium Ensemble A efeméride também

é apropriada para recordar a princesa portuguesa que foi rainha de Inglaterra e por isso o Ludo-

vice Ensemble faz-nos ouvir música portuguesa, inglesa e italiana da Capela de D Catarina de

Bragança, com diversas estreias modernas em Portugal

Porque em 2016 se comemoram também os 400 anos da morte de Miguel de Cervantes (já assina-

lada o ano passado no Cistermúsica com Don Quijote de Richard Strauss), o conceituado Orlando

Consort faz o seu aguardado regresso a Alcobaça oferecendo-nos um programa que celebra Shakes-

peare em paralelo com Cervantes, juntando canções da época, escritas para as peças de ambos

Pela orquestra de cordas Alma Mater, ouviremos a bela Suite para Cordas de Armando José

Fernandes — que não é tocada há precisamente quatro décadas — e o arrebatador Concerto em

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Ré de Joly Braga Santos E porque é indispensável disfrutar das obras mais conhecidas e aprecia-

das pelo grande público, no mesmo programa destacam-se — pela primeira vez no Cistermúsica

— As Quatro Estações de Vivaldi, tocadas pela talentosa violinista Ana Pereira

No maior mosteiro cisterciense de Portugal (e um dos maiores do mundo) o reportório sacro

da Idade Média não pode deixar de estar presente Por isso o Coro Gregoriano de Lisboa, sob a

direção de Armando Possante, apresenta na Nave Central da Igreja de Santa Maria de Alcobaça

música da Liturgia de São Tiago Maior, adotando pela primeira vez a disposição em se situava

originalmente o cadeiral do coro dos monges

A voz deslumbrante de Elena Kelessidi, a mais destacada soprano da Grécia (nascida no

Cazaquistão), será ouvida num recital dedicado à melodia russa e com joias raras de Glinka,

Dargominski, Rimski-Korsakov, Tchaikovski e Rubinstein, incluindo canções populares russas

em versões do século XIX

Grande interesse suscita o espetáculo criado em parceria pelo percussionista alcobacense

Manuel Campos e a bailarina e coreógrafa norte americana Alia Kache (que fará uma residên-

cia artística durante o festival), num programa totalmente contemporâneo que, entre outras

obras, estreará duas encomendas do festival aos compositores António Chagas Rosa e Dimitrius

Andrikopoulos Da programação de dança, é de salientar também o espetáculo Play False, de

António Cabrita e São Castro, baseado em várias personagens criadas por Shakespeare

Continuando a impulsionar jovens intérpretes, o festival acolhe este ano os dois grupos estran-

geiros que venceram a mais recente edição do CIMCA, Concurso Internacional de Música de

Câmara “Cidade de Alcobaça”: o Duo Piaolin (piano e violino), da Coreia do Sul, num programa

com Beethoven, César Franck e Saint-Saëns, e o duo de marimbas Face Two Phase, de Espanha,

que tocará música das duas Américas Destaque ainda para o recital de piano por Vasco Dantas,

pianista virtuoso vencedor do Prémio de Interpretação do Estoril 2015, que incluirá obras de

Beethoven, Listz, Ravel e Gershwin

Contando com a programação paralela do Cistermúsica Júnior e Famílias que prossegue objetivos

didáticos, por um lado, e do Cistermúsica Off, que promove laços entre a música e outras formas

de expressão artística, por outro, o Festival de Música de Alcobaça prossegue o seu modelo cultu-

ral de serviço público, numa edição que pretende atrair um público cada vez mais vasto

A programação de 2016 mantém assim a filosofia habitual no Cistermúsica de conjugar obras

raras com outras bem conhecidas do grande público e dar destaque à música portuguesa antiga

e recente Mantém ainda a habitual estratégia de convidar reputados grupos e artistas estran-

geiros, mas também de dar oportunidades aos melhores agrupamentos e intérpretes nacionais,

bem como de acolher e incentivar jovens valores Valorizar o Mosteiro de Alcobaça e contribuir

para o turismo, levando a música a múltiplos espaços e freguesias do concelho e alargando

parcerias com outros Mosteiros de Cister e com outros concelhos do país são, ano após ano,

objetivos deste festival

Alexandre Delgado e Rui Morais

Direção Artística

Romeu & Julieta de GounodVamos contar uma ópera

Espetáculo de Abertura

26 de junho, domingo, 21h30 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Claustro do Rachadouro)

Patrocínio Apoio

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Vamos contar uma ópera... Romeu & Julieta

a partir da ópera de Charles Gounod

A ópera, graças ao poder da música, afina o sentimento e torna-o apto a bem receber impres-

sões de beleza; aqui o próprio patético se sente à vontade para se exprimir, porque a música o

ajuda e o maravilhoso, tão difícil de traduzir no palco, encontra finalmente a forma teatral que

lhe convém.

Friedrich von Schiller (1759-1805)

Orquestra e Coro da Academia de Música de Alcobaça

Carla Simões, soprano (Julieta)

Carlos Monteiro, tenor (Romeu)

Jorge Martins, barítono (Mercúcio / Frei Lourenço)

Rita Pereira e Oxana Khurdenko, direção do coro

Renato Tomás, direção da orquestra

Armando Vidal, piano e direção musical

Filomena Gonçalves, narração

Carlos Antunes, encenação

Tiago Patrício, adaptação de textos

Co-produção: Academia de Música de Alcobaça · OperaTellers

Agradecimentos: Associação Musical Lisboa Cantat e OPART/Teatro Nacional de São Carlos

Espetáculo de Final de Ano da Academia de Música de Alcobaça

Junior e Famílias

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SinopseA ação tem lugar em Verona, Itália, no século XIV O 1.º Ato passa-se em casa da família Capuleto,

onde decorre um grande baile de máscaras; é o aniversário de Julieta e toda a gente comenta a

sua beleza Há vários desconhecidos mascarados, entre os quais Romeu e Mercúcio, membros

da família rival, os Montéquio Entre a vontade de abandonar a festa e as brincadeiras do seu

amigo Mercúcio, Romeu fica em êxtase com a beleza da aniversariante Romeu e Julieta falam e

declaram o que sentem um pelo outro Mas Julieta fica chocada, tal como Romeu, ao perceber a

identidade da pessoa por quem se apaixonou O 2.º Ato decorre à noite, no jardim dos Capuletos:

Romeu segue a luz do quarto de Julieta, uma luz que compara à do sol Os guardas dos Capu-

letos procuram-no, mas, depois de se afastarem, Julieta aparece e os dois declaram o seu amor

Romeu receia despertar daquilo que parece ser um sonho, Julieta propõe-lhe que se casem

Ao despedir-se, Julieta volta para casa e Romeu parte absorto em adoração É no 3.º Ato que a

união acontece: Frei Lourenço, numa cerimónia preparada à pressa a pedido dos jovens, casa

Romeu e Julieta; conhece os riscos associados, mas tem esperança que esta união acabe com

a rivalidade entre as duas famílias Montéquios e Capuletos encontram-se na rua e lutam, com

um desfecho trágico: Mercúcio morre e Romeu, que tentou evitar a luta, vinga-se tirando a vida

do Capuleto que matou o seu amigo No 4.º Ato, Romeu, que foi condenado ao exílio, passa com

Julieta a última noite antes de partir; é a sua noite de núpcias Romeu ouve a cotovia anunciar o

amanhecer do dia, sinal de que terão de se separar; Julieta prefere que seja o rouxinol a cantar

e que a noite se prolongue Declarando amor eterno, Romeu parte e Julieta fica transtornada ao

saber que o pai a quer casar com Páris Vai ter com Frei Lourenço, dizendo-lhe que prefere morrer

a casar com Páris Respondendo ao seu pedido de ajuda, Frei Lourenço oferece-lhe uma poção

que fará com que ela pareça morta e assim se mantenha até que Romeu a venha buscar No 5.º

Ato Frei Lourenço tenta enviar uma carta a Romeu a explicar o seu plano, mas o mensageiro

morre e não a leva ao seu destino, deixando Romeu acreditar que Julieta morreu de facto O

longo sono dela é retratado num interlúdio musical que introduz a chegada de Romeu ao túmulo

dela Com intenção de morrer junto à sua amada, Romeu leva veneno consigo, que bebe de um

trago Julieta acorda e o reencontro é vivido intensamente, até que o veneno começa a fazer

efeito Julieta declara não estar preparada para viver sem Romeu e apunhala-se; os dois, unidos

para a eternidade, entregam-se a Deus, pedindo perdão

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Notas à MargemUma história intemporal dá forma a este espetáculo A tragédia Romeo and Juliet de William

Shakespeare (1564-1616) serviu de base a Jules Barbier e Michel Carré para o libreto da ópera

Roméo et Juliette de Charles Gounod (1818-1893) À medida que as personagens de Romeu e

Julieta ganhavam vida, Gounod sentia-se cada vez mais mergulhado na sua história de amor

Ao terminar um dos duetos, o compositor comentava: “Consigo vê-los tão bem! Sinto-me perto

deles Mas será que os vi com atenção? Se ao menos eles me pudessem responder e dar-me um

sinal de aprovação! ( ) Li este dueto vezes sem conta, e ouvi-o com toda a minha alma Está tudo

ali, na música: Julieta estreitando o seu amor, a ansiedade de Romeu e os seus beijos de delírio ” A

estreia deu-se no Théâtre Lyrique de Paris, a 27 de abril de 1867

Numa colaboração entre a Academia de Música de Alcobaça e os OperaTellers, este espetáculo

é um trabalho de conjunto, uma criação baseada na ópera de Charles Gounod e na tragédia de

William Shakespeare, concebida como projeto de final de ano Trata-se de uma “ópera participa-

tiva” que envolve músicos, intérpretes, criadores e técnicos Um projeto que pretende proporcio-

nar novas experiências e vivências a quem nele participa, despertando pessoas interessadas

e críticas, seja como intérpretes, seja como ouvintes, para que a música em geral, e a ópera em

particular, façam cada vez mais parte do nosso quotidiano

Carla SimõesAluna de Ana Paula Russo na Escola de Música do Conservatório Nacional, terminou o Curso de

Canto com a classificação máxima – 20 valores - em julho de 2005 Trabalhou posteriormente

com Sarah Walker, Tom Krause, Elisabete Matos, Rudolph Knoll (Mozarteum de Salzburgo),

Mara Zampieri, Jill Feldman, Lucia Mazzaria, Donald Maxwell, Laura Sarti, Lilian Watson e João

Lourenço Da sua lista de papéis operáticos constam, entre outros, Pamina em A Flauta Mágica,

Donna Anna em Don Giovanni e Fiordiligi em Così fan Tutte (Mozart), Clarice e Lisetta em Il

Mondo della Luna de Avondano, Nora em Riders to the Sea de Vaughan Williams, Condessa

Ernesta em As Damas Trocadas e Rosina em O Basculho da Chaminé de Marcos Portugal, Norina

em Don Pasquale e Rita na ópera homónima de Donizetti, Paride e Pallade da ópera Paride ed

Elena de Gluck, Pepa na Vingança da Cigana e Albina em A Saloia Namorada de Leal Moreira e

A Voz da Lua na estreia absoluta da ópera Crioulo de Vasco Martins Estreou-se no TNSC, como

solista, em 2006 Apresenta-se frequentemente em recital com repertório diversificado do

barroco ao contemporâneo e, na oratória, destacam-se as interpretações das obras Gloria de

Vivaldi, Magnificat de Bach, Hymno Lusitano de Bomtempo, Ode para o dia de Santa Cecília de

Handel, Lauda per la Nativitá del Signore de Respighi, Requiem Alemão de Brahms e Requiem de

Verdi Em junho de 2011 recebeu o 2 º Prémio de Voz Feminina no Concurso Nacional de Canto

Luísa Todi e é presença assídua nos palcos nacionais, como o TNSC, TMSL, TNSJ, CCB, entre

outros É licenciada em Direito pela FDL

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Carlos MonteiroIniciou os seus estudos musicais no Conservatório Regional de Setúbal e licenciou-se em Ciên-

cias Farmacêuticas na Faculdade de Farmácia da Universidade de Lisboa Fez o curso de Canto

na Escola de Música do Conservatório Nacional de Lisboa, na classe de Rute Dutra Concluiu,

com nota máxima, a licenciatura em Canto da Escola Superior de Música de Lisboa na classe

de Luís Madureira Trabalhou técnica e estilo com Jill Feldman, Maria Cristina Kiehr, Howard

Crook, Susan Waters, Enza Ferrari, Elisabete Matos, Yvonne Minton, Tom Krause e Claudio

Desderi Como coralista destacam-se as participações em várias produções da Fundacio CIMA

entre 2014 e 2016 com o ensemble La Capella Reial de Catalunya sob a direção do maestro Jordi

Savall, em produções do coro da Fundação Calouste Gulbenkian, do coro do Teatro Nacional

de São Carlos (TNSC), do coro da Casa da Música e em produções da Associação Musical Lisboa

Cantat É membro do Grupo Vocal Olisipo e entre vários concertos em que se apresentou como

solista destacam-se a Missa em fá maior de Francisco António de Almeida (Cistermúsica 2013), o

programa Magnificat & Jubilate de Jordi Savall & Le Concert des Nations (Acadèmia de Formació

Professional da Fundação CIMA e cover do tenor solista em 2013), a Serenade op 31 de Britten, sob

a direção de Jean-Sébastien Béreau (Leiria, 2013), o papel de tenor em Le Roi David de Honegger,

com o maestro Paulo Lourenço (CCB, 2014), The Messiah de Handel com a Orquestra Clássica do

Sul e o maestro Cesário Costa (Faro, 2014); Oster-Oratorium BWV 249 de Bach com a Orquestra XXI

e o maestro Dinis Sousa (2014), Cisne em Carmina Burana de Carl Orff com a Banda de Música da

Força Aérea, maestro Élio Murcho (Aula Magna, 2014 e 2015, Lagoa, 2015) Em ópera interpretou

os seguintes papéis: Peppe em Rita de Donizetti, Pierre em A Vingança da Cigana de Leal Moreira,

D Fábio em O Basculho de Chaminé de Marcos Portugal, Don Ottavio em Don Giovanni de Mozart,

Commissario di Polizia em Il Signor Bruschino de Rossini, Basilio e Don Curzio em Le Nozze di

Figaro de Mozart Participou em várias gravações: coleção Compositores Portugueses XX/XXI e

Fernando Lopes-Graça – obra coral a capella da Associação Musical Lisboa Cantat; Lux in Tenebris,

Obras de Jean-Sébastien Béreau – edição La Mà de Guido; Os Seis Órgãos da Basílica de Mafra,

edições RTP; Magnificat & Concerti de Antonio Vivaldi e Johann Sebastian Bach, La Capella Reial

de Catalunya, Le Concert des Nations, Jordi Savall – edição Alia Vox; Guerre & Paix, La Capella

Reial de Catalunya, Le Concert des Nations, Jordi Savall – edição Alia Vox

Jorge MartinsNatural de Lisboa, tem interpretado repertório desde o barroco ao contemporâneo em oratória

e música de câmara, incluindo recitais de compositores portugueses do século XX e algumas

gravações em CD Em ópera já foi Buona Fede (Il Mondo della Luna), Colas (Bastien et Bastienne),

Noye (Noye’s Fludde), Gasparo (Rita) Masetto (Don Giovanni) com a Op – Companhia Portuguesa

de Ópera (Op) e a Orquestra do Algarve, Uberto (Serva Padrona) e Luka (The Bear) para o CAMJAP

– Gulbenkian, Zuniga (Carmen) com a Orquestra do Norte e também com a Orquestra das Beiras,

Yamadori (Madama Butterfly), Fiorello (Il Barbiere di Siviglia), Belcore (L’Elisir d’Amore), Brighella

(Arlecchinata), Marchese, Barone (La traviata), Silvio (Pagliacci) com a Op , Senhor Milhões (O Doido

e a Morte) para a Companhia de Teatro de Almada (CTA), Médecin (Jérémy Fisher), Ogre (Le petit

poucet), Tonio (Pagliacci) para a Companhia de Ópera do Castelo, o papel titular de Don Giovanni

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com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, dois personagens n’O Nariz, Papageno (Die Zauber-

flöte), Ben (The Telephone), Lesbo (Agrippina), Marco (Gianni Schicchi), papel titular n’O Basculho

de Chaminé no TNSC, barítono na estreia absoluta de W de José Júlio Lopes com a Culturgest e

Coisa-em-si Trabalhou sob a direção musical de Teresita G Marques, José Manuel Brandão, Rui

Pinheiro, Pedro Moreira, Armando Vidal, João Paulo Santos, José Ferreira Lobo, Max Rabinovitsj,

Etienne Lamaison, Tadeusz Serafin, Donato Renzetti, Osvaldo Ferreira, Jean-Sébastien Béreau,

Giovanni Andreoli, Tapio Tuomela, Xaver Poncette, Julia Jones, Nicholas Kok, Fernando Fontes,

Martin André, António Lourenço, Ricardo Bernardes, Pedro Amaral e em encenações de Jorge

Listopad, Ronny Lauwers, Carlos Avilez, Andrea Lupi, Paula Gomes Ribeiro, Carla Lopes, João

Lourenço, Eike Ecker, Francesco Bondí, Karoline Gruber, Michael Hampe, Joaquim Benite, Michel

Dieuaide, André e Teodósio, Pedro Wilson, Figueira Cid e Lígia Roque

Renato TomásRenato Tomás nasceu em 1980 no distrito de Santarém, iniciou os seus estudos musicais no seio

das bandas filarmónicas do concelho de Azambuja sob a orientação do seu Maestro Manuel

Fernandes Valério Prossegue os seus estudos na Escola de Música do Conservatório Nacional

de Lisboa na classe de Tuba (Eufónio) do professor Nuno Fernandes Obteve grau licenciatura

em “Interpretação musical” pelo Departamento da Escola de Artes e Música da Universidade de

Évora no instrumento Eufónio, sob orientação do professor Jarret Butler Frequentou diversas

masterclasses e workshops com diversos Artistas/professores de Eufónio e Tuba: Steven Mead,

Jukka Myllys, Adam Frey, Thomas Rüedi, Antony Caillet, Francois Thulliet, Sérgio Carolino,

Bastien Baumet, entre outros Desde do ano de 2009 tem vindo a desenvolver o seu percurso

de formação na área da direção de orquestra, participou em diversas masterclasses com os

maestros Mitchell Fennell, Jo Conjaerts, Carlos Marques, Alberto Roque, Robert Houlihan, Steven

Davis e Dr Reed Thomas Colaborou com o Agrupamento de Escolas Fernão do Pó de Bombarral

nas AEC’S onde desenvolveu uma orquestra de agrupamento Orff, tendo como modelo o grande

Pedagogo Musical “Pieree Van Hauwe” Participou em várias masterclasses na área da pedagogia

musical bem como formação pelo Ministério da Educação DGIDC No período entre os anos 2012-

2014 prestou serviço na Banda Militar dos Açores, paralelamente assumiu como responsável

pela escola de música e Maestro da Banda Nossa Senhora dos Remédios da Bretanha, dirigiu a

Banda Lealdade de Vila Franca do Campo e Banda Harmonia Mosteirense, ambas da Ilha de São

Miguel, Açores Atualmente integra os quadros da Banda Sinfónica do Exército (BSE) com o posto

de 1º sargento músico, executante em Eufónio Leciona na AMA (Academia Musica de Alcobaça),

no CCR (Conservatório Caldas da Rainha), na Escola de música do CCMB (Circulo Cultura Musical

Bombarralense), acumulando nesta escola as funções de Coordenador/Diretor pedagógico É

Diretor Artístico do Estágio para Sopros e percussão da Ribeira Grande, São Miguel-Açores No

ano de 2015 assume a coordenação da escola de música e Maestro da Banda de Música da SFM

(Sociedade Filarmónica Maiorguense) No presente ano letivo 2015/2016 encontra-se a frequen-

tar o Curso de Licenciatura em Música na variante Direção de Orquestra de Sopros (DOS) na

Escola Superior de Música de Lisboa (ESML)

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Armando VidalFez carreira de pianista colaborando com grandes nomes nacionais e internacionais do canto, prin-

cipalmente no campo da ópera, tendo sido maestro durante largos anos no Teatro Nacional de São

Carlos Destacam-se recitais e gravações com Oliveira Lopes, Mara Zampieri, Elsa Saque, Fiorenza

Cossotto, Ivo Vinco, Carlos Guilherme e Carlo Bergonzi Foi professor no Conservatório Nacional de

Lisboa e na Escola Superior de Música de Lisboa Gravou música para os filmes Amor de Perdição,

Mon Cas e Os Canibais de Manoel de Oliveira, assim como vários CDs, destacando-se A Canção

Portuguesa com Carlos Guilherme e Casablanca com o Real Teatro de Queluz, além de programas

para a rádio e a televisão Realizou inúmeros concertos na Europa, em África e na Ásia e desde 1980

dirige orquestras em variados programas de concerto, oratória e ópera tais como Carmina Burana,

Barbeiro de Sevilha, Elixir d’Amor, D. Pasquale e Bodas de Fígaro, assim como versões com piano de

La bohème, A Flauta Mágica, Così fan tutte, Palhaços e várias óperas portuguesas

Filomena GonçalvesIniciou a carreira de atriz há mais de três décadas no Teatro Animação de Setúbal, tendo

passado pelo Teatro Experimental de Cascais e pela Barraca, bem como, por várias produções

independentes É sobretudo em televisão que tem um amplo currículo, quer como atriz quer

como produtora Desenvolveu projetos percorrendo caminhos considerados importantes para a

afirmação da ficção nacional, abordando temas, personagem e autores portugueses consagrados

e momentos emblemáticos da memória coletiva, com títulos como Conde de Abranhos, Alves dos

Reis, O Processo dos Távoras, Ferreirinha, João Semana, Pedro e Inês e Quando os Lobos Uivam Por

circunstâncias pessoais, tem vindo a sentir-se próxima do público mais jovem, reconhecendo

a importância de cativar novos espetadores informados e com capacidade crítica, tendo aceite

com entusiasmo o convite dos OperaTellers para integrar este relevante projeto

Carlos AntunesCarlos Antunes nasceu em Lisboa, estudou Piano e Canto no Conservatório Nacional e

formou-se em Arquitetura na Faculdade de Arquitetura da UTL Participou no primeiro curso de

Encenação de Ópera realizado pela Fundação Calouste Gulbenkian e pelo Teatro Nacional de

São Carlos, no âmbito do Programa Criatividade e Criação Artística Encenou a ópera Mavra de

Stravinsky apresentada na Fundação Gulbenkian, na Madeira, em Palmela e Alcobaça Em 2007

foi convidado a encenar a primeira audição da ópera A Montanha de Nuno Côrte-Real, apresen-

tada no Grande Auditório Gulbenkian Trabalhou e estudou nos Estados Unidos com o encena-

dor Robert Wilson Colabora regularmente com o TNSC, tendo participado em várias produções

de ópera, entre elas Rheingold, Das Märchen, La Rondine, Rake’s Progress, Dialogues des Carmélites,

Flowering Tree ou Nabucco Desde 2005 trabalha regularmente com o artista António Viana na

produção do seu trabalho e no design de exposições e museus Atualmente está a realizar o

estudo e catalogação de um arquivo de música portuguesa dos séculos XVII/XVIII, bem como

o estudo e edição de compositores portugueses do mesmo período O seu trabalho envolve

também a realização de vídeo, cenografia e desenho de luzes

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Tiago PatrícioNasceu no Funchal em 1979 e passou a sua infância em Trás-os-Montes Frequentou a Escola

Naval em 1998/1999, foi farmacêutico e concluiu o Mestrado em Teoria da Literatura na Universi-

dade de Lisboa Venceu vários prémios em poesia (Daniel Faria, Natércia Freire) e o Prémio Agus-

tina Bessa-Luís com o seu primeiro romance Publicou vários romances e novelas, entre os quais

Trás-os-Montes, Mil Novecentos e Setenta e Cinco, O Princípio da Noite e Pavilhão K Fez residências

em Praga, Skopje, Aizpute, Tunes, Esmirna, Segóvia, Nova Iorque e Edimburgo Escreve para as

companhias Estaca Zero e Ponto Teatro (Porto) e para a companhia teatromosca (Sintra) e publi-

cou as peças Checoslováquia, Paternidade, Estância, UtopiaTM e Eternidade Escreveu canções para

uma cantora japonesa e murais para um projeto de arte contemporânea na Letónia Alguns dos

seus textos foram traduzidos e publicados no Egito, na Letónia, na Eslovénia e na República Checa

Orquestra e Coro da Academia de Música de AlcobaçaA Academia de Música de Alcobaça (AMA) é uma escola de ensino especializado de música e

dança, autorizada pelo Ministério da Educação desde 2002, que resultou da iniciativa da Banda

de Alcobaça dando assim sequência ao trabalho de formação de jovens músicos desenvolvido

desde 1985 Com um corpo docente composto por 60 professores, a AMA conta com perto de

2000 alunos em toda a sua oferta educativa, sendo a sua atividade principal os Cursos Artísticos

Especializados de Música e Dança frequentados por cerca de 600 alunos No âmbito da disci-

plina de classe de conjunto, a maioria dos alunos do curso de música frequentam diversos Coros,

sendo que os alunos de instrumento a partir de um determinado nível podem também frequen-

tar classes de conjunto instrumentais, entre as quais a Orquestra de Sopros e a Orquestra de

Cordas Para este espetáculo de final de ano letivo – Ópera Romeu & Julieta – o Coro é composto

por alunos de Coro do 4º e 5º grau do curso básico de música, alunos do curso secundário e dos

cursos profissionais, professores da AMA e ainda o Coro da Banda de Alcobaça, num trabalho

coordenado pelas professoras Rita Pereira e Oxana Khurdenko Já quanto à Orquestra ela resulta

da junção da Orquestra de Sopros e da Orquestra de Cordas, da responsabilidade dos professores

Rui Carreira e Rodrigo Queirós, respetivamente Foi para a AMA um desafio artístico fantástico

construir com a OperaTellers uma produção com esta ambição e uma grande honra poder fazer

parte do espetáculo programado para a abertura do Cistermúsica 2016 – Festival de Música de

Alcobaça

Operatellers no Palco a Despertar o Futuro!A ópera é um dos espetáculos mais completos e apreciados desde a sua génese A sua extraordi-

nária multidisciplinariedade (envolvendo música vocal e orquestral, texto, cenografia, ence-

nação, coreografia, design e tantas outras áreas) permite criar universos, ambientes e imagens

capazes de, facilmente, arrebatar o público, incendiar-lhe a imaginação e fazê-lo sonhar

Certo é que, numa sociedade em que somos diariamente inundados de propostas que compe-

tem pelo nosso interesse e tempo livre, a ópera tem cada vez mais dificuldade em ultrapassar

20

os obstáculos que enfrenta: o custo de produção, a complexidade logística, em muitos casos a

barreira da língua, a frequente acusação de ser um género elitista Os Operatellers têm como

missão fazer com que as gerações futuras e os públicos menos habituados aprendam a amar a

ópera e a vê-la como parte integrante da sua vida cultural

O encanto de ouvir uma história, de seguir as palavras emotivas de alguém que nos fala à imagi-

nação, está enraizado em nós, nas nossas memórias e vivências passadas Ouvir contar uma

ópera é permitir que histórias sobre textos de grandes escritores, como Shakespeare, inspirados

em vidas e aventuras de figuras míticas e humanas, deuses e heróis imortais que fazem parte da

nossa cultura ancestral e contemporânea, nos possam deslumbrar mais ainda quando acompa-

nhadas pela música magistral dos grandes compositores

É esta a estratégia dos Operatellers: criar espetáculos que lancem a semente de um futuro

público que se deixe levar pelos deliciosos arrepios que a voz humana nos arranca do peito, com

gargalhadas e lágrimas Essa é a magia da ópera: sabêmo-lo porque tornou as nossas vidas mais

belas e é com essa beleza que queremos encher os corações do público atual e futuro É essa a

nossa vocação e o nosso compromisso

21

Ludovice EnsembleA Capela de Dona Catarina de Bragança

2 de julho, sábado, 21h30 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Sala do Capítulo)

23

Uma menina destinada a uma grande missão

Manuel Rodrigues Coelho (ca 1555-1635): Kyrie do 1º tom

D. João IV (1604-1656): Adjuva nos, Domine a 4

Partida para Inglaterra e bodas dissimuladas

João Lourenço Rebelo (ca 1610-1665): Nunc Dimitis a 4 & 5 per versus

Filipe de Magalhães (ca 1565-1652): Gloria in excelsis da Missa ‘Ó Soberana Luz’ a 5

Esperanças e temores dos primeiros anos

Nicola Matteis (fl 1670-1710): Prelúdio em ré

Claude Desgranges (fl 1660-1670): Domini quid multiplicati sunt **

Usquequo Domine *

Esplendores soalheiros numa corte gélida

Miguel Ferreira (fl c 1660-c 1710): Suite em sol *

Giovanni Sebenico (ca 1640-1705): Laudate Pueri Dominum a 3 ****

Política e diplomacia

Vicenzo Albrici (1631-1696): Laboravi clamans rauce a 5 ***

Henry Purcell (1659-1695): Beati omnes qui timent Dominium a 4

Giovanni Battista Draghi (ca 1640-1708): Sonata a 3 em sol

- intervalo -

Humilhação de uma rainha sem descendência

Mathew Locke (1621-1677): Super flumina Babylonis a 4 ****

Audi, Domine, clamantes ad te a 5 ****

Angústia e embuste: a “conspiração papista”

Mathew Locke (1621-1677): Organ Voluntary in a

Henry Purcell (1659-1695): Moteto “Jehova, quam multi sunt a 5”

Fim de uma missão e regresso a Portugal

Diogo Dias Melgás (1638-1700): Memento homo a 4

Recordare Virgo Mater a 8

Ludovice EnsembleFernando Miguel Jalôto, órgão e direção

Orlanda Velez Isidro e Mónica Monteiro, sopranos

André Lacerda e Marco Alves dos Santos, tenores

Hugo Oliveira, barítono

Lilia Slavny e Reyes Gallardo, violinos

Sofia Diniz, viola de gamba

Jesús Fernandez Baéna, teorba

* Edição do Professor Doutor Peter Leech; primeira audição em Portugal

** Edição do Professor Doutor Peter Leech; primeira audição moderna

*** Edição de F Miguel Jalôto; primeira audição moderna

**** Primeira audição em Portugal

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Notas à MargemAn excelent Musique perform’d by the ablest Masters both French and English, on Theorba,

Viols, Organs and Voices as an exercise against the coming of the Queene, as purposely

compos’d for her chapel.

John Evelyn, 1662

D Catarina de Bragança (1638-1705) foi a filha mais velha de D João IV e de D Luísa de Gusmão,

e irmã dos reis de Portugal D Afonso VI e D Pedro II Prometida em casamento a Carlos II de

Inglaterra no contexto das alianças diplomáticas indispensáveis à reconquista da soberania

portuguesa no processo da restauração da independência nacional, D Catarina partiu em 1662

para Inglaterra, onde se deram as cerimónias (uma católica, em segredo, outra anglicana, em

público) Este casamento, essencial para garantir a proteção de Portugal pelas forças inglesas, foi

um dos maiores feitos diplomáticos da época e Dona Catarina seguira para Inglaterra consciente

(nas suas próprias palavras) de “servir Portugal e os portugueses”

Rainha católica num país protestante anglicano e fortemente hostil para com os “papistas”, foi

acusada de conspiração e traição; casou com um homem frívolo, inconstante e infiel; dotada de

uma saúde frágil, foi incapaz de gerar um herdeiro para o trono Por estas e várias razões Catarina

foi uma mulher infeliz, que sem nunca menosprezar o seu papel político, apenas encontrou

refúgio e consolo na sua fé e na arte da música – ou não fosse filha do rei melómano e compositor

D João IV

Assegurado no contrato de casamento o direito a ter uma capela católica própria em todas as

residências reais inglesas por si habitadas, D Catarina viu para si estabelecida em Inglaterra uma

grandiosa capela real com 26 sacerdotes portugueses e ingleses, incluindo seis franciscanos da

ordem de São Pedro de Alcântara (Arrábidos), que tinham por missão cantar o cantochão no

serviços diários A capela oficiava sobretudo em St James Palace, a residência real, e em Somer-

set House, onde estava sediada a corte de D Catarina

Numa fase inicial os músicos da capela eram sobretudo portugueses que viajaram com D

Catarina, em número de nove, incluindo um mestre de capela Vários destes músicos regressa-

ram ainda em 1662 a Portugal, mas D Catarina conservou junto de si alguns deles – como Miguel

Ferreira – durante toda a sua estadia em Inglaterra Segundo notáveis testemunhos da época – de

John Evelyn e Samuel Pepys – o repertório da Capela era de autores portugueses e executados

segundo a tradição portuguesa, o que muito chocou os ingleses e granjeou comentários pouco

abonatórios

Durante a sua longa presença em Inglaterra, D Catarina não só dispôs de uma grande capela, com

vinte e quatro músicos, incluindo cinco moços de coro, dois violinistas, dois organistas e cantores

vários, como esta foi dotada de alguns dos melhores intérpretes, franceses, ingleses e italianos

Teve ao seu serviço alguns dos mais famosos compositores da época Podemos brevemente

mencionar o compositor francês Claude Desgranges, diretor de uma “troupe” de músicos france-

ses trazidos por Carlos II do seu exílio em França; os compositores italianos Vicenzo e Bartolo-

meo Albrici, Pietro Cefalo e Giovanni Sebenico (este de origem croata), todos anteriormente ao

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serviço da rainha Cristina da Suécia; o grande compositor inglês Matthew Locke, autor de várias

obras sacras para D Catarina, e que foi organista da sua capela Neste mesmo cargo foi sucedido

pelo não menos famoso Giovanni Baptista Draghi

Ainda em contacto com D Catarina estiveram o virtuoso violinista Nicola Matteis e o “Orpheus

Britannicus”, Henry Purcell, que compôs algumas obras devocionais católicas para D Catarina e

o seu restrito círculo de católicos ingleses Regressada a Portugal em 1692, D Catarina não dispen-

sou no seu Palácio da Bemposta uma esplendorosa – ainda que mais pequena – capela, que

interpretava um repertório cosmopolita e variado, como sempre foi o gosto desta extraordinária

rainha de Inglaterra

A maior parte das obras selecionadas para este programa nunca foi antes ouvida em Portugal;

muitas delas procedem de manuscritos ingleses atualmente preservados em Londres, York e

Oxford (Inglaterra) e em Uppsala (Suécia) e são transcritas especialmente para este programa por

Fernando Miguel Jalôto e pelo musicólogo britânico Peter Leech É concedido grande relevo às

obras portuguesas de Rebelo, Magalhães, D João IV e Melgás, aqui confrontadas com o melhor

repertório contemporâneo internacional, e interpretadas inovadoramente de forma a ilustrar

esse contacto Obras-primas de compositores consagrados como Locke e Purcell ombreiam com

joias desconhecidas de Albrici, Desgranges, Sebenico e Draghi, assegurando assim o deleite um

público variado, incluindo melómanos, curiosos e especialistas

Fernando Miguel Jalôto

Ludovice EnsembleO Ludovice Ensemble é um grupo especializado na interpretação de Música Antiga, sediado

em Lisboa e criado em 2004 por Fernando Miguel Jalôto e Joana Amorim, com o objetivo de

divulgar o repertório de câmara vocal e instrumental dos séculos XVII e XVIII através de interpre-

tações historicamente informadas, usando instrumentos antigos O nome do grupo homenageia

o arquiteto e ourives alemão Johann Friedrich Ludwig (1673-1752) conhecido em Portugal como

Ludovice O grupo trabalha regularmente com os melhores intérpretes portugueses especiali-

zados, e também como prestigiados artistas estrangeiros O Ludovice Ensemble apresentou-se

em Portugal em praticamente todos os festivais nacionais – Viana do Castelo, Braga, Porto, Gaia,

Espinho, Leiria, Alcobaça, Batalha, Óbidos, Lisboa, Évora, Beja, Loulé, Tavira e Funchal – e é uma

presença regular nas duas principais salas de Lisboa: o CCB (Grande e Pequeno Auditório) e a

Fundação Calouste Gulbenkian O Ludovice Ensemble apresentou-se no estrangeiro no festival

Laus Polyphoniae na Bélgica (AMUZ, Antuérpia), no festival Oude Muziek de Utrecht (Países

Baixos); nos festivais de La Chaise-Dieu, Musiques en Vivarais-Lignon, e Festes Baroques (França);

no Festival de Música Barroca de Praga (República Checa); nos Festivais Camiños de Santiago

de Jaca, Música Antiga de Daroca, Peñíscola, Ciclo de las Artes de Lugo, Febrero Lirico do Real

Coliseo Carlos III de San Lorenzo del Escorial, e Semana de Musica Antigua de Vitoria-Gasteiz

(Espanha) Gravou ao vivo para a RDP-Antena 2, a Rádio Nacional Checa (ČRo) bem como para

o canal de televisão francês MEZZO Em 2015 o Ludovice Ensemble comemorou os seus 10

anos com um concerto no CCB, onde apresentou também uma ópera no Grande Auditório em

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colaboração com o grupo belga Huelgas Ensemble Em 2016 viaja a Israel para concertos em

Telavive e Jerusalém, e apresenta-se de novo em Espanha, desta vez nos Festivais de Aranjuez e

Badajoz com a soprano espanhola Maria Hinojososa; regressa ao CCB para dois concertos com o

famoso violinista italiano Enrico Onofri e para os Dias da Música, e apresenta-se ainda no Museu

Gulbenkian, no Festival Cistermúsica, em Lagos e em vários outros locais

www ludoviceensemble com

Fernando Miguel JalôtoFernando Miguel Jalôto concluiu os diplomas de Bachelor of Music e de Master of Music no

Departamento de Música Antiga e Práticas Históricas de Interpretação do Conservatório Real

da Haia (Países Baixos) com Jacques Ogg Frequentou masterclasses com Gustave Leonhardt,

Olivier Baumont, Ilton Wjuniski, Laurence Cummings e Ketil Haugsand Estudou órgão barroco e

clavicórdio e foi bolseiro do Centro Nacional de Cultura É Mestre em Música pela Universidade

de Aveiro e presentemente frequenta o Doutoramento em Musicologia Histórica da Universi-

dade Nova de Lisboa É fundador e diretor artístico do Ludovice Ensemble É membro da Orques-

tra Barroca da Casa da Música do Porto e colabora com grupos especializados internacionais

como La Galanía, Oltremontano, La Colombina e Capilla Flamenca Toca regularmente com a

Orquestra e Coro Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica do Porto e o Coro Casa da Música Traba-

lhou já sob a direção de Ton Koopman, Roy Goodman, Christina Pluhar, Christophe Rousset,

Fabio Biondi, Antonio Florio, Harry Christophers, Andrew Parrott, Rinaldo Alessandrini, Chiara

Banchini, Enrico Onofri, Alfredo Bernardini, Laurence Cummings, Jaap ter Linden, Elizabeth Wall-

fish, Christophe Coin, Jacques Ogg, Dirk Snellings, Wim Becu, Marco Mencoboni e Paul McCreesh

entre muitos outros Gravou para as editoras Glossa, Ramée, Dynamic e Brilliant Apresentou-se

em vários festivais e concertos em Portugal, Espanha, França, Bélgica, Holanda, Reino Unido,

Áustria, Polónia, Bulgária, Israel e Japão

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Henschel Quartett ALEMANHA

Música de Câmara

03 de julho, domingo, 18h00 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Celeiro)

ESTREIA EM PORTUGAL

Patrocínio

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Ludwig van Beethoven

Quarteto de Cordas n º 1 em fá maior, op 18 n º 1

Allegro con brio

Adagio affettuoso ed appassionato

Scherzo. Allegro molto – Trio

Allegro

Erwin Schulhoff

Quarteto de Cordas n º 1

Presto con fuoco

Allegretto con moto e con malinconia grotesca

Allegro giocoso alla slovacca

Andante molto sostenuto

- intervalo -

Wolfgang Amadeus Mozart

Quarteto n º 22 em si bemol maior, KV 589

Allegro

Larghetto

Menuetto. Moderato

Allegro assai

Henschel QuartettChristoph Henschel & Catalin Desaga, violinos

Monika Henschel, viola

Mathias Beyer-Karlshøj, violoncelo

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Notas à Margem

Ludwig van Beethoven: Quarteto de Cordas n.º 1

Depois dos exemplos de Haydn e Mozart, o jovem Beethoven (1770-1827) sentiu-se algo intimi-

dado antes de abordar géneros como o quarteto e a sinfonia; por isso, só perto dos 30 anos se

lhes passou a dedicar Compostos entre 1799 e 1800, os seis quartetos opus 18 foram dedicados

ao Príncipe Lobkowitz, incansável impulsionador da sua carreira Embora estilisticamente próxi-

mos de Haydn e Mozart, já são um manifesto de uma nova época

O n º 1 (que foi escrito em terceiro lugar) é o mais marcante do conjunto e ganhou uma certa aura

primordial para posteridade Abre com um tema lapidar tocado em uníssono, um dos motivos

mais famosos da literatura para quarteto de cordas Nada podia parecer mais inevitável, como

uma ideia caída do céu, mas não foi assim que ela surgiu: Beethoven encheu dezasseis páginas

dos seus cadernos de esboços para encontrar a forma definitiva O resultado revelou potencial

para propulsionar o 1º andamento e extravasar para os seguintes A capacidade de criar um

mundo a partir de uma semente veio a ser uma imagem de marca de Beethoven e também

por essa razão este primeiro quarteto é profético O primeiro andamento é uma forma sonata

baseada no confronto entre um primeiro tema é afoito e varonil e um segundo tema delicado e

feminino

O Adagio affetuoso ed appassionato ilustra o fascínio de Beethoven por Shakespeare O próprio

compositor terá dito a Karl Friedrich Amenda, (dedicatário da primeira versão da obra) que se

inspirou na cena final de Romeu e Julieta; num esboço dos compassos finais, encontram-se as

palavras (em francês) “les derniers soupirs”, os últimos suspiros A despedida dos amantes teve

uma resonância profunda em Beethoven: este Adagio atinge um “pathos” avassalador para a

época, e não só Forma sonata com dois temas, repare-se na permanência do motivo gerador do

primeiro andamento, o característico volteio em torno de uma nota, que dá ênfase ao pungente

primeiro tema e delicadeza ao segundo

O modelo do Scherzo (Allegro molto) é herdado de Haydn e Beethoven faz, tal como o seu mestre,

desconcertantes tropelias com a métrica Quanto ao final, Allegro, lembra um comentário que

o compositor fez mais tarde acerca destes quartetos: “quando revi os primeiros manuscritos,

alguns anos depois, perguntei a mim mesmo se não estaria doido para ter posto num só trecho

aquilo que chegava para compor vinte; queimei os manuscritos, para que nunca mais fossem

vistos ” Nesta forma rondá-sonata, endiabrada e prolixa, Beethoven parece ter inserido tudo

quanto lhe veio à cabeça, divertindo-se como se tivesse chegado a hora do recreio

Erwin Schulhoff: Quarteto n.º 1

Nascido em Praga numa família de origem alemã e judaica, Erwin Schulhoff (1894-1942) foi um

defensor da revolução através da música, abraçando influências do jazz e do dadaísmo num

estilo emblemático do modernismo de entre as duas guerras, com uma obra especialmente

vasta no domínio instrumental Schulhoff estudou em Viena e completou os estudos superio-

31

res em Leipzig e Colónia, tendo regressado a Praga em 1923 Perseguido por ser comunista e

judeu (além de homossexual), depois da invasão da Checoslováquia pelos nazis acabou por ser

enviado para o campo de concentração de Wülzburg, onde morreu

O quarteto n º 1 foi composto em Praga em 1924 e denota um experimentalismo inquieto, abar-

cando referências à música tradicional checa e eslovaca Enquanto o breve primeiro andamento

explora uma energia motórica típica dos anos 20, o segundo evidencia um humor irónico e

caprichoso típico do compositor Depois da explosão de vida “étnica” do terceiro andamento, a

obra termina detendo-se numa enigmática meditação com sussurros de laivos expressionistas

Wolfgang Amadeus Mozart: Quarteto KV 589

1790 foi um ano difícil para Mozart O abatimento causado pela falta de dinheiro bloqueou-lhe

até o ímpeto criativo e entre a ópera Così fan tutte, estreada em janeiro, e o quarteto K 589, escrito

em maio, há um hiato de quase cinco meses durante os quais não escreveu praticamente nada,

traduzindo uma crise sem precedentes

Ninguém diria que Mozart escreveu uma música tão desanuviada num dos momentos mais

negros da sua vida Mas por trás dessa fachada descontraída, há uma força em construção: o

tema inicial, com os seus requebros amáveis, é decomposto para produzir misturas complexas

O segundo tema é entregue ao violoncelo, instrumento tocado pelo rei da Prússia, Frederico

Guilherme II — a quem são dedicados os três quartetos “prussianos”, dos quais este é o segundo

No desenvolvimento soltam-se alguns demónios e somos levados por tonalidades remotas

O Larghetto é uma página poética e sem vislumbre de perturbação Forma sonata sem desenvol-

vimento, nela o violoncelo tem de novo a parte de leão: os dois temas principais passam por ele e

são melodias dignas de um monarca

O minueto é o andamento mais extraordinário do quarteto K 589 de Mozart, em especial pela

sua secção central, o trio A energia motora com que o trio arranca lembra a célebre Eine Kleine

Nachtmusik: esse tipo de figuração, aqui aplicada a um encadeamento de acordes paralelos,

parece fazer ouvir o século XX a rolar ao longe, qual casa de máquinas, com as pontuações

nervosas do violoncelo a soar como chispas No fim Mozart concede-nos um daqueles momen-

tos que parecem planar acima da humanidade, como na Sinfonia Júpiter ou na Flauta Mágica,

antes de regressar ao requintado e discreto minueto

O breve final, Allegro assai, faz malabarismos de contraponto em ritmo de siciliana, com imitações

compactas a produzir efeitos de harmónio No seu tom ligeiro e brincalhão, é uma forma sonata

complexa e com um alto virtuosismo de escrita

Alexandre Delgado

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Henschel QuartettA carreira internacional do Henschel Quartett começou em 1994, quando Mathias Beyer-Karl-

shoj se uniu aos membros fundadores Christoph, Markus e Monika Henschel, iniciando a

sua dedicação exclusiva ao quarteto Em 1995 o Henschel Quartett obteve cinco prémios nos

Concursos Internacionais de Evian, Banff e Salzburgo e no ano seguinte ganhou o 1 º prémio e a

medalha de ouro no Concurso Internacional de Música de Câmara de Osaka A sua estreia nas

capitais mundiais da música, assim como uma aclamada transmissão em direto, em substituição

de última hora do Quarteto Juillard, por parte da BBC, marcaram o seu caminho para o prestígio

internacional Em 2016 o quarteto deu as boas-vindas a um famoso músico de câmara e solista,

Catalin Desaga, como novo membro do conjunto Ao longo do seu percurso musical o quarteto

atuou no Vaticano, na presença do Papa Bento XVI em março de 2010, viajou repetidamente

a Bruxelas como embaixador cultural da República Federal da Alemanha e atuou no Palácio

Real de Madrid com os Stradivarius da Coleção Real Em junho de 2012 foi o primeiro quarteto

europeu em vinte anos a interpretar o ciclo completo dos quartetos de cordas de Beethoven

na prestigiosa Suntory Hall de Tóquio No mesmo ano Monika Henschel assumiu a presidência

da recém fundada Associação de Quartetos de Cordas Alemães (VDSQ) e em 2013 Christoph

Henschel foi nomeado Catedrático de música de câmara da Universidade de Augsburgo Durante

as últimas temporadas cabe destacar atuações em Londres, Amsterdão, Nova Iorque (Carnegie

Hall), Washington (National Gallery), Yokohama e Tóquio Desde 1997 o Henschel Quartett dirige

o bem sucedido Festival de Cordas de Seligenstadt, que cada verão traz à cidade vários conjun-

tos de cordas As gravações do Quarteto Henschel para etiquetas como a Sony BMG, a EMI e a

Deutsche Grammophone têm recebido numerosos prémios, como o Prémio da Crítica do Disco

Alemão, uma nomeação para os MIDEM Awards e vários “CD do ano” (International MusicWeb)

As suas gravações têm sido recomendadas por publicações tão destacadas como a Gramo-

phone, The Sunday Times e Suddeutsche Zeitung O Quarteto Henschel dá masterclasses em

prestigiosas instituições internacionais, como a Yale University, a MIT Boston, o Royal Northern

College of Music de Inglaterra, a Universidade de Melbourne na Austrália e a Universidade Geidai

em Tóquio O grupo tem um forte compromisso social e participa num diálogo permanente com

o Ministério da Cultura da Baviera relativamente a projetos musicais com jovens de Munique,

cidade onde reside É desde 2006 Embaixador de Aldeias Infantis SOS

“O Quarteto Henschel é, sem dúvida, um dos melhores grupos do mundo, um magnífico

quarteto de cordas!”

Los Angeles Times

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Caricature of She EUA

Alia Kache/Kachal Dance

8 de julho, sexta-feira, 22h00 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Claustro D Afonso VI)

ESTREIA EM PORTUGAL

Patrocínio

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Alia Kache, coreografia

Alia Kache, Tyler Brown, Tara Bellardini, Chloe Davis, Shay Bland, interpretação

Aphex Twin, Trent Reznor e Atticus Ross, música

Alia Kache, paisagem sonora

Caricature of SheUma exploração da feminilidade através do movimento

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Notas à Margem O que significa ser mulher? Será suficiente existir apenas como um membro do género, ou será

a natureza feminina apenas aceitável se preenchermos um certo critério de feminilidade? Em

Caricature of She, um conjunto de bonecas de papel da moda ganham vida como mulheres,

envergando perucas idênticas e vestidos colados à pele que exploram caricaturas femininas,

analisando o que significa ser mulher em oposição ao papel de a desempenhar

A seleção áudio nesta apresentação pertence a Perfect 10 Face (a partir do livro How to Be a

Perfect 10) do utilizador do YouTube AuthorDianaPolska, e a Why Feminine Women Are Hot do

utilizador do YouTube Coach Corey Wade

Caricature of She apenas foi possível graças ao generoso apoio de Kathy Allison, The Beal Family,

Daniella Bozonne, Rev Charles Clark, Anthony & Gwyndolyn Crutcher, Seji Gammage, Denee

King, Allan Ledford, Gerald & Diane Mason, Stefan Monsen, Selena Moshell, Colin Ryan, Alissa

Brownrigg Small, Marcia Smith, St Mary’s C M E Church, Neil Totton, Robert Tye, Charmaine

Warren, Annette Willis, Mark McClain Wilson, Roderick & Saundra Wilson e Andre Zachery

Agradecimentos especiais a John Sloan III e The Helping Hands Campaign (www helpinghands-

campaign org), ao meu maravilhoso marido, Ryan Blackwell, e a todos os meus amigos e familia-

res

Alia Kache

Alia KacheAlia Kache (Chattanooga, Tennessee) teve a sua formação inicial no Center for Creative Arts e

no Chattanooga Ballet Pós-graduada pelo programa Ailey/Fordham BFA em 2004, juntou-se

seguidamente ao Ailey II, tendo-se apresentado também com Nathan Trice/RITUALS, Creative

Outlet, Genesis Dance Company e CeDeCe (Alcobaça, Portugal) Kache conta com aparições no

Laurie Simmon’s Music of Regret – Act III, no DVD Radio City Christmas Spectacular 75th Anniver-

sary e Codorniu Navidad 2007 (Barcelona, Espanha) Foi bailarina destacada em Aida no Big

League Theatrical, tendo igualmente atuado em The Lion King (Gazelle Tour) Como co-funda-

dora do Renegade Performance Group, Kache coreografou Broadway Cares e The Helping Hands

Campaign

www aliakache com

Tyler BrownTyler Brown (Owings Mills, Maryland) iniciou a sua formação na Peabody Preparatory em

Baltimore; sob a direção de Carol Bartlett Frequentou a Ailey School como bolseira Em 2012

juntou-se ao Ailey II Teve destaque na revista Essence (maio de 2014), no Dancing with the Stars

(Bulgária) e na MTVU Em 2014 estudou dança tradicional chinesa e atuou no Meet in Beijing

Dance Festival (2015)

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Tara BellardiniTara Bellardini (Mine Hill, New Jersey) estudou no East Movement Coast sob a direção de Billy

Larson Formou-se no Morris County School of Visual and Performing Arts e teve recentemente

honras de graduação no The Ailey School Certificate Program Frequentou ainda cursos intensi-

vos de verão na Cedar Lake Contemporary Ballet, tendo atuado em 2013 na Instalação de Cedar

Lake, Chess Bellardini atuou em Memoria com o Alvin Ailey American Dance Theater durante

as temporadas 2014 e 2015 no New York City Center Tem trabalhado com coreógrafos onde se

incluem Adam Barruch, Norbert De La Cruz III, Tracy Inman, Ray Mercer, Jennifer Archibald,

Amy Hall e Alexandra Damiani, e participou em obras de Andonis Foniadakis Está no seu

primeiro ano no Ailey II

Shay BlandShay Bland (Englewood, New JerseyJ) iniciou-se no estudo da dança no Progressive Dance

Studio sob a direção de Jolene Perry Formou-se na Professional Performing Arts High School e

frequentou a Rutgers University, onde foi premiada com a Bolsa James Dickson Carr Bland estu-

dou também na The Ailey School como bolseira e trabalhou com coreógrafos como Francesca

Harper, Christian von Howard, Earl Mosley, Camille A Brown, Christopher L Huggins, Ray Mercer,

Ronald K Brown Em 2013 juntou-se ao Ailey II sob a direção de Troy Powell Em 2015 Bland

entrou para a Elisa Monte Dance Este é o terceiro projeto de Bland com Kache

Chloe O DavisChloé O Davis é uma orgulhosa nativa de St Louis (EUA) Obteve o Bacharelato pela Universi-

dade de Hampton e a Licenciatura em Turismo e Gestão Hoteleira pela Universidade de Temple

Créditos: Cabin In The Sky (Encores); Hello Dolly (Riverside Theatre); Philadanco!; The Addams

Family (Tour); Sid The Science Kid Live (Tour) Chloé criou a DANCE FOR ALL: Creative Expres-

sions For The Disabled (DANÇA PARA TODOS: Expressões Criativas para Deficientes) destinada

a dar às pessoas com uma gama de deficiências a oportunidade de experimentar a alegria da

expressão artística Um especial agradecimento a toda a família e aos amigos que têm apoiado e

mostrado grande bondade!

Alia Kache/Kachal DanceAlia Kache/Kachal Dance é o projeto de uma companhia de dança contemporânea radicada

em Nova Iorque Fundada em 2016, a companhia tem feito progressos notáveis atuando no

Harlem Arts Festival, New York International Fringe Festival 2016 e ainda com uma apresentação

no Bryant Park Presents Modern Dance (produzido pela Inception to Exhibition) Excêntrica e

evocativa, Alia Kache/Kachal Dance baseia-se nas disciplinas do clássico e do contemporâneo

para explorar ideias tanto universais como pessoais através de íntimas experiências teatrais

Vasco DantasRecital de Piano

7 de julho, quinta-feira, 21h30 Auditório da Biblioteca Municipal da Nazaré**

9 de julho, sábado, 21h30 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Claustro D Dinis)*

14 de julho, quinta-feira, 21h30 Igreja Matriz de Pataias***

***Apoio: Paróquia de Pataias e União das Freguesias de Pataias e Martingança

*Patrocínio **Parceria

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Ludwig van Beethoven

Sonata n º 30 em mi maior, op 109 n º 30

Vivace ma non troppo - Adagio expressivo

Prestissimo

Andante molto cantabile ed espressivo

Franz Liszt/Niccolò Paganini

Grandes études de Paganini – Tema e Variações em lá menor

- intervalo -

Maurice Ravel

Gaspard de la nuit

Ondine. Lent

Le gibet. Très lent

Scarbo. Modéré

George Gershwin

Três Prelúdios

Allegro ben ritmato e deciso

“Blue Lullaby”. Andante con moto e poco rubato

“Spanish Prelude”. Allegro ben ritmato e deciso

Vencedor do Concurso de Interpretação do Estoril – Prémio El Corte Inglés 2015

40

Notas à Margem

Ludwig van Beethoven: Sonata op. 109 n.º 30

Beethoven cria nesta sonata uma imaginativa jornada por estados emocionais contraditórios,

que termina com uma reconciliação entre opostos O 1 º andamento é uma sonhadora fantasia

estelar em ritmo moderado que conduz a um 2 º andamento num agitato assustadoramente

focado, com a intensidade de um pesadelo Todos os antagonismos são, no entanto, curados

com um tema e variações finais que dão voz a emoções expandidas e conduzidas a nível lírico e

contrapontístico

O 1 º andamento é notável pela sua concentração, com uma exposição de apenas 16

compassos A obra começa com uma sucessão de afáveis harmonias divididas pelas duas

mãos, que parecem flutuar no ar e vibrar como as asas de um jovem pássaro Mas um

assustador arpejo de sétima diminuta apela a uma pausa nestas inocentes reflexões para

introduzir como tema secundário um leve dueto de soprano e tenor, antes de uma arreba-

tadora série de arpejos e escalas virem completar o discurso E é tudo: a exposição termina

quando ainda nem saímos da primeira página da partitura Esses três elementos contras-

tantes – harmonias esvoaçantes de acordes quebrados, dueto lírico e figurações que se

alastram pelo teclado – formam o conteúdo do andamento, dominando desenvolvimento,

reexposição e coda

Num gesto deliberado de aumentar o contraste entre os sons improvisados do primeiro anda-

mento e os sons premeditados do segundo, Beethoven passa de mi maior ao seu gémeo malé-

volo, mi menor O drama musical provém agora da luta entre um desenho ascendente e frenético

da mão direita e uma linha do baixo severa e descendente, tipo passacaglia, numa oposição entre

um clima de grande seriedade e um implacável instinto de avançar Não se trata de um scherzo

(não há ‘trio’ a meio da secção), mas sim de uma forma-sonata, aliás pouco ortodoxa, que parece

mais preocupada com o contínuo desenvolvimento contrapontístico do que com o contraste

entre primeiro e segundo temas Apesar do ritmo alucinante, o cromatismo generalizado serve

para aproximar-nos da fina margem do pathos deste andamento, feito de misteriosos murmúrios

e violentas explosões

O tema com variações do último andamento termina esta sonata num espírito de paz e reconci-

liação, por vezes com um toque de êxtase religioso Como poderia não ser assim, dada a sombra

de J S Bach que paira sobre a sonata desde os seus compassos iniciais? Os desenhos de acordes

arpejados do primeiro andamento recordam prelúdios d’O Cravo Bem Temperado, as candentes

exaltações de arpejos do terceiro andamento têm equivalente nas explosões de bravura espi-

ritual das tocatas para órgão de Bach Podemos encontrar mais referências explícitas ao mestre

de Leipzig no segundo andamento, que é percorrido por cânones e passagens em contraponto

duplo No final temos uma lenta melodia elegíaca com uma solenidade quase religiosa e a marca

rítmica da sarabanda (enfatizando o segundo batimento do compasso), harmonizada como um

coral luterano

41

Se a 1 ª variação é uma ária de ópera italiana para teclado, a 2 ª apresenta uma alternância de

mãos ao estilo hoquetus que destaca o tema com lampejos de melodia Instintos barrocos emer-

gem com mais fervor na 3 ª variação, um vigoroso exercício de contraponto duplo A 4 ª variação

engrossa a textura para um total de quatro vozes imitativas, conduzindo à textura ainda mais

severamente imitativa da 5 ª variação

Na 6 ª e última variação, Beethoven passa de uma harmonização de acordes simples para um

endemoninhado mar de figuras turbulentas e estrelas cintilantes no registo agudo, antes de

regressar pela última vez à melodia original, com toda a sua simplicidade Talvez um piscar de

olhos ao modo como Bach encerra as Variações Goldberg?

Franz Liszt/Niccolò Paganini: Grandes Études de Paganini, Tema e Variações

em lá menor

Acabado de chegar a Paris em 1831, vindo de Viena, o jovem Liszt aí ouviu pela primeira vez

Niccolò Paganini (1782-1840), tendo ficado fascinado com a livre expressividade da sua forma de

tocar Liszt mostrou imediatamente o seu desejo de recriar em piano o equivalente, em termos de

agilidade técnica e do potencial expressivo, daquilo que Paganini havia demonstrado no violino

Uma das suas tentativas para atingir os níveis de virtuosismo e génio que havia testemunhado em

Paganini foi completada em 1838 e revista em 1851: trata-se do conjunto de seis estudos transcritos

dos 24 Caprichos para violino solo, op 1, de Paganini O n º 6, incrivelmente virtuosístico, intitula-se

Tema e Variações em lá menor, à semelhança do último dos caprichos de Paganini Liszt escreveu

onze variações e uma coda, acrescentando múltiplas camadas de som ao capricho original

Maurice Ravel: Gaspard de la nuit

Gaspard de la nuit é considerada uma das obras mais originais, imaginativas, evocativas e tecnica-

mente complexas de todo o repertório para piano O seu compositor não fez segredo do cunho

surreal e alucinado da sua música, descrevendo-a como “três poemas românticos de virtuosismo

transcendental”, nos quais se empenhou em ultrapassar, em termos de pura dificuldade técnica,

a notável Islamey – Fantasia Oriental de Balakirev O grande pianista francês Alfred Cortot chamou

à composição “um dos exemplos mais impressionantes de engenho instrumental já inventados ”

Já o pianista Charles Rosen chamou ao segundo dos três andamentos (Le Gibet) “um ataque aos

nervos do ouvinte, uma criação de tensão através da insistência, como a tortura chinesa da água”,

enquanto o compositor Henri Gil-Marchex chegou a listar nela 27 técnicas de execução diferen-

tes Claramente, Gaspard de la nuit é algo de muito especial

A inspiração de Ravel para escrever Gaspard de la Nuit derivou de poemas vivos e macabros do

poeta romântico francês Aloysius Bertrand (1807-1841), que lhe foram dados a conhecer pelo

pianista Ricardo Viñes, seu antigo colega e amigo no Conservatório de Paris Em 1908 Ravel

escolheu três poemas da coletânea homónima de Bertrand, escrita em 1830; Viñes fez a estreia a

9 de janeiro de 1909 Cada andamento é dedicado a um músico diferente, respetivamente Harold

Bauer, Jean Marnold e Rudolph Ganz

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Ondine é uma bela e matreira fada da água que tenta atrair os homens mortais ao seu reino

mágico através de um canto sedutor Ravel retrata-a usando a tonalidade rara de dó sustenido

maior (sete sustenidos!) com brilhante e delicada música aquática, bem ajustada à descrição de

Bertrand dessa “Ondine, que desliza sobre as gotas de água ressoando nos segmentos em forma

de diamante da sua janela iluminada pelos raios sombrios da lua ”

Uma sinistra atmosfera de desolação e terror fantasmagórico impregna Le gibet As indicações

de dinâmica nunca se elevam acima de meio-piano. Em alguns dos sons mais estranhos de toda

a música, Ravel retrata um cadáver pendurado duma forca, oscilando ao vento contra um céu

encarniçado pelo pôr do sol O implacável repicar de um sino distante, representado por persis-

tentes oitavas em si bemol maior, desenha-se contra uma rica e variada paisagem harmónica

Tão penetrante é o repicar destas oitavas em si bemol maior que levou Le Gibet a ser apelidado

de “fantasia sobre uma só nota”

Scarbo: este andamento, não menos misterioso que Le gibet, retrata as imprevisíveis e relam-

pejantes aparições e desaparições do malicioso anão Scarbo, que muda de forma, tamanho e

cor sempre que quer Os cintilantes efeitos alucinatórios exigem uma tal destreza técnica que

granjearam a Gaspard um estatuto quase mítico entre os pianistas

George Gershwin: Três Prelúdios

Gershwin aprendeu a tocar sozinho a sua primeira música ao piano quando tinha 11 anos,

olhando apenas para as teclas de uma pianola Parece pois apropriado que, quatro anos mais

tarde, um Gershwin adolescente tenha abandonado a escola e começado a ganhar a vida

fazendo rolos de pianola Atuou também em clubes de Nova Iorque e trabalhou como “plugger”,

interpretando músicas para clientes potenciais de partituras na companhia de publicações musi-

cais Jerome Remick O trabalho melhorou as capacidades de improvisação do jovem compositor,

assim como as suas habilidades de interpretação, e aos 17 anos Gershwin publicou a sua primeira

música e composição a solo para piano Na altura em que que compôs Três Prelúdios, em 1926, já

causava sensação a nível internacional, tendo estreado Rhapsody in Blue com enorme sucesso

dois anos antes

O estilo de Gershwin, que combinou ragtime, blues, jazz e música clássica, soa hoje essencial-

mente “americano”, mas no seu tempo, os acordes e as escalas que usou não eram nada menos

que bizarros O primeiro prelúdio, uma curta e jazzística exclamação, abre com a uma frase

brilhante e direta ao estilo blues Segue-se uma lenta e maliciosa declaração, tipo piscadela de

olho, a que responde um grave e sonoro ostinato

O segundo prelúdio é, segundo Gershwin, “uma espécie de canção de embalar blues” Começa

com um tema melancólico e solitário, a que se acrescenta uma melodia corrida, também em

estilo blues, que dá sequência ao humor melancólico num registo mais agudo Uma breve secção

central introduz material mais brilhante, que decai novamente para o ostinato introspetivo, termi-

nando num modo tranquilo e despretensioso

O terceiro prelúdio, Agitato, tem uma pequena introdução antes de iniciar as suas frases meló-

dicas de pergunta e resposta O piano discorre com leveza, numa textura cheia de floreados No

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fim a reafirmação do tema é ostensiva, com o andamento e o ritmo a fazerem o piano subir até às

alturas de um arranha-céus

Vasco Dantas

Vasco DantasNascido em 1992, Vasco Dantas terminou recentemente a licenciatura com “1 ª classe e distinção”

no Royal College of Music (RCM), em Londres, sob a orientação do professor russo Dmitri Alexeev

e do professor sul-africano Niel Immelman Está atualmente a completar o curso de Mestrado

em Interpretação sob a orientação do professor alemão Heribert Koch, na Universidade de

Münster (Alemanha), após um ano de “Zertifikatsstudienjahr”, obtido com a nota máxima nesta

universidade Obteve mais de 50 prémios e distinções em concursos internacionais, destacan-

do-se a “Medalha de Mérito Dourada” atribuída pela Câmara Municipal de Matosinhos, o “Prémio

Casa da Música 2009”, o “Prémio Melhor Português” no Concurso Internacional de Viseu, o

“Prémio Antena 2 2013”, o 3 º Prémio no Concurso “Münster Steinway & Sons”, o Prémio “Esther

Fisher Prize” (melhor aluno de licenciatura do London Royal College of Music na Chappell

Medal Competition 2013), o “Prémio Henry Wood Trust 2011 e 2012”, o “Prémio Bolsa Fundação

e Círculo Richard Wagner Portugal” e assim como os seguintes 1 os Prémios: Concurso Interna-

cional do Porto “Santa Cecília”, Concurso de Interpretação do Estoril, Concurso Internacional

de Piano do Fundão, Concurso Internacional de Piano do Alto Minho, Concurso de Piano Ría

de Vigo, Concurso Internacional de Piano “Florinda Santos”, Concurso de Piano “Marília Rocha”,

Concurso de Piano Póvoa de Varzim, Concurso de Piano de Paços’ Premium, Concurso de Piano

Elisa Pedroso e Concurso de Música de Câmara “Maestro Ivo Cruz”, entre outros Em novembro

de 2015 estreou-se no continente asiático tocando a solo com a Hong Kong Symphonia no Hong

Kong City Concert Hall o Concerto n º 1 de Franz Liszt Em agosto de 2014 estreou-se no conti-

nente americano tocando a solo com a Orquestra Sinfónica do Espírito Santo, em Vitória – Brasil,

o Concerto n º 2 de Chostakovitch Em maio de 2013 estreou-se com a Orquestra Sinfónica do

Porto (Casa da Música) interpretando o Concerto para Quatro Pianos e Orquestra de Bach Em

janeiro de 2011 fez a sua estreia como solista na “Sala Suggia” da Casa da Música, com o recital de

abertura do Ciclo de Piano EDP 2011 Tocou também a solo com orquestras como a Hong Kong

Symphonia (China), a Orquestra Sinfónica do Estado do Espírito Santo (Brasil), a Jülich Sinfonieor-

chester e a Junges Sinfonieorchester Aachen (Alemanha), a Orquestra do Norte, a Orquestra

Sinfónica de Cascais e a Orquestra Clássica do Sul Teve oportunidade de trabalhar com maestros

de renome, tais como, Choi Sown Le, Dinis Sousa, Günter Neuhold, Martin André, Nicholas Kok,

Nikolay Lalov, Pedro Neves, Peter Sauerwein, Rui Pinheiro e Victor Hugo Toro Vasco Dantas

começou a estudar piano aos 4 anos na escola Valentim de Carvalho no Porto (Portugal) e aos

seis anos de idade fez a sua primeira apresentação pública, no Museu do Carro Elétrico do Porto

No ano 2000 foi admitido com distinção no Conservatório de Música do Porto, onde estudou

com a professora sueca Rosgard Lingardson, terminando o curso com a nota máxima Participou

em cursos de aperfeiçoamento de piano e violino com professores conceituados como Paul

Badura-Skoda, Boris Berman, Peter Donohoe, Luiz de Moura Castro, Álvaro Teixeira Lopes, Pedro

Burmester, Ian Jones, John Lill, Cristina Ortiz, Fausto Neves, Phillipe Cassard, Andrew Ball, Yuri

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Bogdanov, Betty Haag-Kuhnke, Sergei Covalenco, entre outros Foi diversas vezes aconselhado

pelos maestros Ivo Cruz e Martin André Paralelamente ao piano, aos sete anos iniciou o estudo

do violino, trabalhando com o prof José Paulo Jesus Destacou-se nas orquestras “Momentum

Perpetuum”, “Jovens dos Conservatórios Oficiais de Música”, Orquestra XXI e na Metropolitana de

Lisboa júnior, como concertino Atuou como pianista e violinista em centenas de eventos e em

variadas salas de renome na Alemanha, Brasil, China, Espanha, França, Itália, Grécia, Portugal,

Reino Unido e Suécia, tais como London Steinway Hall, Whiteley Hall, Amaryllis Fleming Concert

Hall, Regent’s Hall e Pallant House Gallery (RU); Hong Kong City Hall (China), Teatro Carlos Gomes

e Teatro Municipal de Barueri (Brasil), SchumannHaus Bonn, Düren Schloss Burgau (Alema-

nha), Stockholm Royal Palace (Suécia), Teatro de San Agustin e Auditório Caixa Nova de Vigo

(Espanha), Casa da Música, CCB, Europarque, Grémio Literário de Lisboa, Ateneu Comercial do

Porto, Teatro Helena Sá e Costa, Museu Romântico do Porto e Salão Árabe do Palácio da Bolsa

(Portugal) Tocou pela primeira vez em direto na RTP1 aos 6 anos de idade Foi entrevistado pelo

New York Times, Düren Zeitung, Aachen Zeitung, RTP1, Antena 2 e Porto Canal Gravou por diver-

sas vezes em CD a convite da Rádio Galega e da editora KNS Classical, com a la qual lançou o

seu CD a solo “Promenade” em fevereiro de 2015 com obras de Liszt e Mussorgski, recentemente

transmitido pelas rádios alemãs MDR Klassik e WDR 3 e pela Antena 2 (Portugal)

www vascodantas com

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The Orlando Consort REINO UNIDO

Cervantes & Shakespeare

10 de julho, domingo, 18h00 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Claustro D Afonso VI)

Patrocínio

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Música do Tempo de Cervantes

Anónimo

Corten espadas afiladas

Francisco de la Torre

Adorámoste, Señor

Juan Vasquez

La mi sola Laureola

Alonso de Mondéjar

Oyan todos mi tormento

Anónimo

Teresica hermana

Anónimo

Si la noche haze escura

Francisco Guerrero

Dezidme, fuente clara

Gabriel Mena

Aquella mora garida

Juan Vasquez

Gracias al cielo doy

Francisco Guerrero

En tanto que de rosa

Hombres, victoria, Victoria!

O dulce y gran con tenta

P. Alberch Vila

Recuerde el alma dormida

- intervalo -

Música do Tempo de Shakespeare

John Milton

Fair Oriana in the morn

Thomas Weelkes

Sing we at pleasure

John Farmer

Fair nymph, I heard one telling

William Byrd

This sweet and merry month of May

William Cornish

Adieu mes amours

Ah Robin, gentle Robin

Robert Johnson

Defiled is my name

Benedicam Domino

Thomas Morley

Adieu, you kind and cruel

John Wilbye

Draw on sweet night

Thomas Weelkes

The Andalusian merchant

Orlando Gibbons

The silver swan

Thomas Morley

Hard by a crystal fountain

The Orlando ConsortJulie Cooper e Cecilia Osmond, soprano

Angus Smith e Benedict Hymas, tenor

Matthew Venner, contratenor

Donald Greig, barítono

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Notas à MargemEm finais do séc XVI e inícios do séc XVII, dois dos maiores escritores que o mundo já viu traba-

lhavam em Espanha e Inglaterra – Miguel de Cervantes e William Shakespeare Neste programa

o Orlando Consort examina o fervilhante mundo musical que acompanhou as suas grandes

concretizações literárias, marcando o 400º aniversário da morte de ambos, em dias consecuti-

vos de abril de 1616

A música era um dos fatores de entretenimento que o público podia esperar ao assistir a uma

peça de Cervantes Canções a solo, duetos e trios pontuavam a ação e havia grupos de músicos

para preencher espaços entre as cenas e os atos As músicas seculares desse tempo por vezes

escolhiam temas heróicos, mas também abordavam romances apaixonados, pastorais e corte-

ses por natureza Este concerto apresenta música de pequena e grande escala a partir de um

número de coletâneas contemporâneas, incluindo o Cancionero Casanatense e o Cancionero de

Medinaceli com música de compositores como Vásquez, Flecha (o humorístico La Justa), Guer-

rero, Gutiérrez, Compañi e Torres

Em Inglaterra, a música era uma parte igualmente importante nas peças de William Shakespeare

Compositores contemporâneos famosos como Thomas Morley, Robert Johnson e Thomas

Tompkins contribuíram com canções para peças como A Tempestade, Como Vos Aprouver, O

Conto de Inverno, Rei Lear (editados, tal como Don Quijote, em 1605) e Noite de Reis

O Orlando Consort apresenta ainda uma seleção de madrigais de Os Triunfos de Oriana, peças

que celebram de forma exuberante o espírito confiante da época da rainha Isabel I de Inglaterra

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The Orlando ConsortCriado no Centro da Música Antiga da Grã-Bretanha em 1988, o Orlando Consort é atualmente

um dos mais importantes conjuntos vocais da Europa O seu trabalho combina a perfeição e

a seriedade dos seus programas com a frescura das suas interpretações, que cativam imedia-

tamente o público As suas propostas imaginativas e originais, somadas à sua mestria vocal,

fizeram que sejam uma referência mundial neste domínio Recentemente, o Orlando Consort

recebeu excelentes críticas pelas suas incursões na música contemporânea e no jazz, e pelos

seus surpreendentes programas educativos, concebidos para músicos amadores de todas as

idades e capacidades A sua impressionante discografia para as etiquetas Saydisc, Metronome,

Linn, Deutsche Grammophon e Harmonia Mundi EUA inclui uma coletânea de música de John

Dunstaple e o CD The Call of the Phoenix [cujo programa foi ouvido no Cistermúsica em 2007],

selecionados como CDs do ano de Música Antiga pela Gramophone Magazine em 1996 e 2003,

respetivamente As suas gravações de música de Compère, Machaut, Ockeghem, Josquin, Popes

and Anti-Popes, Saracen and Dove e Passion também foram candidatas no passado O lançamento

em 2008 da Messe de Notre Dame de Machaut e Scattered Rhymes do jovem compositor britâ-

nico Tarik O’Regan, com o Coro de Câmara da Filarmónica da Estónia, foram também candidatos

aos prémios da BBC Music Magazine Recentemente iniciaram um novo projeto a longo prazo de

gravação de todas as canções polifónicas de Guillaume de Machaut para a Hyperion Records e o

primeiro CD desta série foi incluído pelo New York Times no Top 10 de gravações de música clás-

sica de 2013 O Orlando Consort já se apresentou em muitos dos principais festivais da Grã-Breta-

nha e fez inúmeras visitas a França, Holanda, Bélgica, Alemanha, Itália, Suécia, Polónia, Repú-

blica Checa, Estónia, EUA e Canadá, América do Sul, Singapura, Japão, Grécia, Rússia, Áustria,

Eslovénia, Portugal e Espanha Têm sido artistas residentes em várias universidades, incluindo as

de Bangor e Durham, realizando frequentemente workshops em universidades e conservatórios

de música do mundo inteiro Outros destaques recentes incluem concertos no Carnegie Hall em

Nova Iorque e apresentações do seu projeto Mantra, explorando música histórica portuguesa e

goesa ao lado do brilhante intérprete de tabla Kuljit Bhamra, em Singapura e Lisboa

Banda Sinfónica de AlcobaçaA Tradição Norte-Americana

15 de julho, sexta-feira, 22h00 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Claustro do Rachadouro)

Rui Carreira, direção Carla Simões, soprano Barítono a anunciar

Patrocínio

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George Gershwin

Catfish Row (Suite Sinfónica baseada na ópera Porgy and Bess)

(Arranjo de Donald Hunsberger para banda sinfónica e dois cantores)

Leonard Bernstein

Abertura de Candide

(Transcrição de Clare Grundman)

Leonard Bernstein

Danças Sinfónicas de “West Side Story”

(Transcrição de Paul Lavender)

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Notas à Margem

George Gershwin: Catfish Row

Catfish Row, originalmente intitulado Suite de Porgy and Bess, é uma obra orquestral de George

Gershwin baseada na música da sua famosa ópera Gershwin completou esta obra em 1936 e a

sua estreia teve lugar na Academia de Música de Filadélfia em 21 de janeiro daquele ano, com

Alexander Smallens dirigindo a Orquestra de Filadélfia Gershwin fez a parte de piano na estreia,

incluindo o solo nos momentos iniciais Esta obra preserva algumas das músicas mais densas

e complexas que Gershwin escreveu Principais andamentos: Catfish Row contém a Introdução

JazzBo Brown Piano Blues, que foi cortada da ópera até 1976 (um motivo desta música é ouvido

pela primeira vez na introdução orquestral, que na verdade foi composta depois) e a primeira

apresentação de Summertime com uma pequena coda Em Porgy Signs ouve-se uma das árias

de Porgy: I Got Plenty o ‘Nuttin e o dueto Bess, You Is My Woman Now ligados por um solo de

violoncelo Fugue contém a música atonal e sombria do assassinato de Crown que acontece na

1ª cena do terceiro acto Já Hurricane apresenta a música relativa à sequência do furacão e Good

Morning, Sistuh corresponde ao prelúdio do terceiro ato relativo à cena final da ópera apresen-

tando também a canção final: Oh, Lawd, I’m on My Way

Leonard Bernstein: Candide

Compositor, maestro e pianista americano, foi um dos primeiros maestros, nascido nos EUA, que

dirigiu grandes orquestras mundiais, conquistando assim fama internacional e ganhando vários

prémios, nomeadamente um bom número de Grammys e o Prémio Internacional de Música da

UNESCO Com um papel relevante na divulgação da música clássica através de programas de

televisão e livros, num período de afirmação do Novo Mundo, Bernstein é um compositor que

liga os mais diversificados caminhos musicais às suas composições, influenciadas pelos mestres

que admira – Mahler, Britten, Stravinsky, Gershwin, Ives As suas obras mais conhecidas são os

musicais On the Town (1944), Wonderful Town (1953), Candide (1956) e o popular West Side Story

(1957)

Candide é uma opereta composta por Leonard Bernstein, baseada no romance homónimo de

Voltaire e com libreto escrito por Lilian Hellman A estreia de Candide foi em 1956, sendo em

1974 apresentada novamente, já com um novo libretto, da autoria de Hugh Wheeler Candide

foi originalmente concebida por Lilian Hellman como uma brincadeira com a música inciden-

tal, mas Bernstein ficou tão animado com essa ideia que convenceu Lilian a criar uma ópera

cómica Ouviremos neste concerto a abertura desta opereta que desde a sua estreia se tornou

muito popular Com um ritmo muito marcado, tem uma vitalidade que não é fácil de combinar

A pontuação feita pelos instrumentos de percussão logo a abrir não é inovadora, mas é extre-

mamente detalhada e subtil O xilofone, triângulo e glockenspiel são utilizados para destacar

algumas notas, por um lado, e para acentuar algumas passagens com o resto da orquestra, por

outro Já quanto aos tímpanos, bombo e caixa são combinados de uma forma muito inteligente,

criando estruturas rítmicas que, ocasionalmente, se entrelaçam também com o que o resto da

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orquestra Após a abertura extremamente viva, é apresentada uma secção central melodiosa A

concluir esta abertura é reexposto o tema inicial que evolui em crescendo e acelerando até ao

final apoteótico

Leonard Bernstein: Danças Sinfónicas do West Side Story

Obra orquestral de 1961, onde Leonard Bernstein, de uma maneira absolutamente extraordinária,

reúne elementos de jazz, mambo e rumba com uma incrível exuberância rítmica e variedade

expressiva O musical West Side Story obra essencial na história do teatro americano, estreado

em 1957, inspirado na história de Romeu e Julieta de W Shakespeare, acontece em Nova Iorque

por volta da década de 50 A rivalidade entre dois gangs de adolescentes e a respetiva intole-

rância é o tema principal Deste musical, Bernstein extrai nove danças que ganham autonomia

pelo seu caráter sinfónico e assim nasce pela genialidade de Bernstein a famosa obra Danças

Sinfónicas de West Side Story, onde este demonstra claramente a sua forte ligação com a orques-

tra e onde podemos encontrar duas das suas canções mais populares, na secção do Cha-Cha:

Somewhere e Maria Grande parte desta obra foi composta em simultâneo com a obra Candide

Rui CarreiraÉ natural de Leiria Começou a estudar Direção Coral com Eli Camargo em 1990 Posteriormente

teve aulas de Técnicas de Ensaio e Direção Coral com o Maestro Edgar Saramago e frequentou

vários Cursos Internacionais de Direção Coral sob orientação dos Maestros Lluis Virgili, Mont-

serrat Rios, Maite Oca, Josep Ramon Gil, Ger Hovius, John Ross, Vianey da Cruz, Alain Langrée e

Hübert Velten Frequentou, de 1999 a 2004, o Curso de Direção de Orquestra em Dijon (França) e,

de 2004 a 2007, os Estágios Internacionais de Direção de Orquestra de Leiria, ambos sob orienta-

ção do Maestro Jean-Sébastien Béreau

Fundou e dirigiu o Coro da Casa de Pessoal do Hospital de Santo André e o CcC (Coro de Câmara

Colliponensis), ambos de Leiria Dirigiu os Corais Misto e Masculino do Orfeão de Leiria assim

como o Coro de Câmara da Escola de Música do Orfeão de Leiria

Além dos Workshops de Páscoa e de Verão para Sopros e Percussão da Orquestra Metropolitana

de Lisboa (OML), dirigiu vários concertos com diferentes formações instrumentais da OML

Dirigiu o X e XI Cursos promovidos pela Federação de Bandas do Distrito de Leiria e INATEL Foi

convidado a dirigir o 1 º Estágio de Orquestra de Sopros e Percussão, em Ponta Delgada, o Festival

de Bandas Filarmónicas e Curso de Direção de Orquestra de Porto Judeu – Terceira, o VIII Estágio

de Orquestra, da Ourearte – Ourém, assim como a Orquestra das II Férias Artísticas do Município

de Tábua

Colaborou com o Maestro J S Béreau na Direção da Orquestra Sinfónica de Leiria Dirigiu em

concerto, no âmbito do Mestrado em Direção de Orquestras de Sopro, as Bandas Sinfónicas

da PSP, da GNR e do Exército, sob a orientação, respetivamente, dos Maestros F Hauswirth, J S

Béreau e M Fennell Dirigiu o Grupo de Música Contemporânea de Lisboa, estreando obras de

três compositores portugueses Dirigiu a obra “Au Bois de Cise”, do compositor Jean-Sébastien

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Béreau, no concerto comemorativo do XI aniversário do Ensemble de Palhetas Duplas, acompa-

nhando no piano solo, Ana Telles

Desde 2002, dirige a Banda Sinfónica de Alcobaça Na Academia de Musica de Alcobaça é profes-

sor das Classes de Naipe e Orquestra dos Cursos Profissionais de Música e dirige a Orquestra de

Sopros

Carla SimõesVer página 13

Banda Sinfónica de AlcobaçaA Banda de Alcobaça (BA) teve, na sua origem, um agrupamento musical composto apenas por

instrumentos de metal, a Fanfarra Alcobacense, que se extinguiu pouco tempo antes da funda-

ção da Banda A sua atividade durou de 1900 a 1912, tendo alcançado um alto nível artístico-mu-

sical que lhe valeu o honroso título de Real Fanfarra Alcobacense, concedido pelo rei D Carlos e

pela rainha Dona Amélia Fundada em 19 de março de 1920, a BA levou a sua música a inúmeras

localidades, atuando numa vasta área do território nacional durante quase 40 anos de atividade

Depois de um interregno de 28 anos, voltou à atividade em janeiro de 1985, graças ao empe-

nho de um grupo de alcobacenses que, para o efeito, criou uma escola de música, cujos frutos

permitiram à BA afirmar-se no panorama musical português, não só pela qualidade dos seus

jovens músicos, mas também devido ao repertório executado, mais próximo de uma orquestra

de sopros ou mesmo de uma banda sinfónica do que de uma banda filarmónica tradicional Foi,

por isso, natural a evolução para uma banda de concertos, totalmente assumida pela recente

designação Banda Sinfónica de Alcobaça, que explora o repertório específico para este tipo de

formação, sem prejuízo de uma forte aposta na música de compositores portugueses contempo-

râneos Nos últimos anos, a participação em concursos nacionais e internacionais, onde venceu

alguns prémios, consolidou a evolução artística do seu corpo musical, composto por alunos

avançados da Academia de Música de Alcobaça (a componente pedagógica da BSA é uma das

suas principais prioridades), alunos dos cursos superiores de música e ainda músicos amadores

que, através deste agrupamento, mantêm uma forte ligação à música Uma outra vertente muito

importante é a gravação de obras de referência para banda de concertos, tendo a BSA editado

três discos, o últimos dos quais com a participação de vários solistas Para o final deste ano está

previsto o lançamento de um quarto disco que contará também com a participação de solistas

de referência nacional

É de salientar ainda a participação nas últimas edições do Cistermúsica – Festival de Música de

Alcobaça – Cistermúsica, que com a apresentação da Carmina Burana, de Carl Orff em 2015, levou

a um recorde de assistência neste festival com mais de mil espetadores A atual temporada da

BSA tem o apoio da Direção-Geral das Artes

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Face Two Phase ESPANHA

Duo de Percussão

16 de julho, sábado, 21h00 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Claustro D Dinis)

ESTREIA EM PORTUGAL

Alto Patrocínio

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Anna Ignatowicz

Passacaglia

Astor Piazzolla

The History of Tango

Alejandro Viñao

Arabesco Infinito

Anders Koppel

Toccata

Face Two PhaseJulián Enciso Izquierdo, percussão

Joan Pérez-Villegas Morey, percussão

1 º Prémio da Categoria Júnior do IV Concurso Internacional de Música de Câmara “Cidade de

Alcobaça” (CIMCA)

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Notas à Margem

Anna Ignatowicz: Passacaglia

Passacaglia, dedicada ao duo polaco Hob-Beats, foi estreada em 2003 no âmbito da Acadeis Inter-

nacional de Marimba Katarzyna Mycka Escreveu Anna Ignatowicz: “Em termos de composição,

Passacaglia levou-me muito perto de Bach, mas, em termos de estilo, para mim não se trata de

uma obra barroca tardia nem neo-barroca, ou seja, não há nela estilização Esta é uma peça muito

importante para mim, pois encerra uma fase particular do meu percurso composicional ”

Embora o trabalho não siga estritamente a forma de uma passacaglia tradicional, um dramático

ostinato atravessa-se entre os dois intérpretes na maior parte da peça Este ostinato poderia ser

a representação contemporânea de Ignatowicz da tradicional linha de baixo do ostinato que

encontramos nas passacaglias da época barroca Marcado por ritmos pontuados, começa no

vibrafone com a marimba a tocar outros ritmos pontuados que, segundo Ignatowicz, devem soar

“atrasados” Passam de um para o outro durante a peça inteira e são ouvidos na marimba durante

a coda final

A compositora polaca Anna Ignatowicz completou o seu doutoramento em composição

em 1996 na Academia de Música Frederic Chopin em Varsóvia Aí estudou composição com

Vladimir Kotonski e piano e improvisação com Szabolcs Esztenyi Participou ainda em progra-

mas de verão que lhe permitiram colaborar com Louis Andriessen e com a compositora polaca

Hanna Kulenty Em 1994 recebeu o Prémio do Júri da Crítica no Fórum de Jovens Compositores

em Cracóvia por Loss of Memory para percussão a solo e gravação Muitas das suas obras para

marimba, incluindo Toccata (2001) e Passacaglia (2003) foram gravadas pela marimbista polaca

Katarzyna Mycka Atualmente, Ignatowicz é Professora Associada de Composição na sua alma

mater e secretária da União de Compositores Polacos

Astor Piazzolla: The History of Tango

O compositor argentino Astor Piazzolla foi introduzido no jazz, no tango e na música clássica

ainda muito jovem, tendo começado a sua carreira musical como menino prodígio, tocando

bandoneón Na década de 1940 atuou na banda de Anibal Troilo, um dos grandes grupos de

tango do século Ao mesmo tempo estudou composição com Alberto Ginastera em Buenos

Aires, e mais tarde com Nadia Boulanger em França, na década de 1950 Apesar dos seus esforços

dedicados na composição clássica, Boulanger fez-lhe a recomendação, que ficou célebre, de

prosseguir o tango como a sua principal forma de arte Esta insistência foi para ele o impulso que

lhe serviu para abraçar plenamente o tango e desenvolver aquilo a que chamou Nuevo Tango,

um moderno estilo de tango marcado por elementos de harmonia e ritmo do jazz, assim como

por técnicas de composição clássica

The History of Tango foi escrito em 1986, quando Piazzolla era financeiramente independente e

podia escrever de forma livre A peça cataloga a história do tango em intervalos de 30 anos Os

quatro andamentos intitulam-se Bordel 1900, Café 1930, Nightclub 1960 e Concert d’aujourd’hui

59

Bordel 1900 recorda em tom de brincadeira o tango na sua configuração original: os bordéis de

Buenos Aires O compasso binário (2/4) é uma característica dos tangos até 1915, com um ritmo

pontuado de habanera e um ritmo sincopado de milonga Café 1930 é o tango dos fumarentos

cafés onde foi criado para ser ouvido em vez de dançado; está repleto de harmonias melan-

cólicas, com grande flexibilidade de ritmos Nightclub 1960 é o tango apresentado em espaços

semelhantes aos do jazz contemporâneo Esta peça personifica muitos dos tangos maduros de

Piazzolla, pelas suas surpreendentes mudanças de tempo, pelos seus ritmos agressivos e pela

sua forma (rápido-rápido-lento-coda)

Alejandro Viñao: Arabesco Infinito

Nascido em 1951, Alejandro Viñao estudou composição com o compositor russo Jacobo Ficher

em Buenos Aires Em 1975 mudou-se para a Grã-Bretanha onde continuou seus estudos no Royal

College of Music e na City University em Londres Desde então tem residido no Reino Unido Em

1988 foi agraciado com um doutoramento em composição na City University

Viñao escreveu música numa vasta gama de géneros musicais, incluindo ópera, teatro musical,

música coral, instrumental e composições eletro-acústicas Esteve também envolvido na criação

de obras multimédia, tendo composto música para cerca de 20 filmes e produzido vários progra-

mas de rádio para a BBC

Eis a sua descrição desta peça: «A primeira vez que pensei em escrever um arabesco para

marimba e vibrafone foi ao ouvir o meu filho Matteo estudar Segundo Arabesco de Debussy ao

piano Pouco tempo depois considerei a peça de Debussy inserida num contexto de ideias sobre

a repetição derivadas da arte islâmica clássica, da teoria do caos e da geometria fractal

«Na arte tradicional islâmica, texturas ornamentais são muitas vezes construídas a partir de

uma única figura geométrica multiplicada em todas as direções, criando um padrão infinito Em

Arabesco Infinito tentei imitar esse tipo de construção

«Ideias semelhantes de ‘repetição imprevisível criativa’ podem ser encontradas na geometria

fractal e na teoria do caos No entanto, a teoria do caos também introduz a ideia de atraentes,

definidos como estados no sentido de que um sistema ou processo pode evoluir O que eu achei

fascinante nesse conceito foi que, embora um sistema se possa mover no sentido de um atraente,

pode dar a sensação de o fazer de uma forma caótica Isto sugere que a ordem pode ser criada

a partir do caos e que talvez um ato de criação possa fazer do caos uma condição necessária

Quis ter esse tipo semelhante de movimento na minha peça, uma direção que às vezes pudesse

parecer caótica, mas sempre impulsionada pela repetição de uma célula inicial ou padrão

Queria criar música onde uma figura rítmica e melódica muito simples – e arabesca – acabasse

por evoluir de forma imprevisível, mas sempre no sentido de um foco ou ponto de atração Estes

pontos de atração aparecem na peça como grooves, ritmos periódicos ou quase periódicos

repetitivos onde o nosso corpo se pode confortavelmente instalar O movimento ou a gravidade

de um groove para o próximo é o processo central da peça, a sua história complexa, em suma, a

sua essência

60

«Em Arabesco Infinito estava interessado na noção de que a repetição (aquele monstro temido da

cultura contemporânea) pode ser irracional e até mesmo desumanizante ou verdadeiramente

criativa de uma maneira profunda e misteriosa »

Anders Koppel: Toccata

Nascido em 1947 em Copenhaga, Anders Koppel foi co-fundador em 1967 do grupo de rock

Savage Rose Toca no trio Koppel-Andersen- Koppel, que integra o seu filho, o saxofonista Benja-

min Koppel Koppel recebeu por duas vezes o prémio cinematográfico dinamarquês Robert para

melhor banda sonora (1994 e 1996)

Koppel compôs a música de oito bailados para o New Danish Dance Theatre e música para mais

de 150 filmes, 50 peças de teatro e três musicais Compôs ainda mais de 90 obras para grupos

clássicos, música de câmara e 20 concertos, entre os quais dois concertos para saxofone e quatro

concertos para marimba

Esta peça é um dueto para marimba e vibrafone que extrai sons de inúmeras áreas musicais –

jazz, tango, música contemporânea e muitas mais O resultado é uma espécie de caleidoscópio

de diferentes estilos musicais reunidos numa única e emocionante peça de música

Independentemente do ponto em que começamos a escutar a peça, tanto podemos ouvir uma

valsa, uma caixa de música levemente ameaçadora como algo de agressivamente percussivo

Esta imprime sempre uma forte sensação no público graças à sua vasta gama de estilos e exce-

lente estrutura tonal

Face Two Phase

Face Two PhaseFace Two Phase nasceu nos finais de 2014 pela mão de dois estudantes da ESMUC (Escola Supe-

rior de Música da Catalunha) com a intenção de explorar o reportório para duo de percussão,

especialmente para a formação marimba-vibrafone e marimba-marimba No início de 2015

decidem apresentar-se no IV Concurso Internacional de Música de Câmara “Cidade de Alcobaça”

(CIMCA), onde obtêm o 1 º Prémio da Categoria Júnior por unanimidade, pelo qual são convida-

dos no Festival Internacional de Música de Câmara de Stellenbosch (África do Sul) e Cistermú-

sica – Festival de Música de Alcobaça

61

Play FalseAntónio Cabrita e São Castro

16 de julho, sábado, 22h30 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Claustro D Afonso VI)

63

António Cabrita e São Castro, conceito, coreografia e interpretação

João Frango, direção técnica

Catarina Morla, figurinos

Nuno Nogueira, confeção de figurinos

São Castro e António Cabrita, música

Murcof “Isaías I”, J S Bach “Passacaglia in C Minor”, música adicional

Patrícia Soares | Vo’Arte, produção e difusão

Vo’Arte, produção

Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo, Teatro Viriato, Pro-Dança, Companhia

Nacional de Bailado, apoio a residência artística

Catarina Câmara, Cláudio Hochman e Maria de Assis, agradecimentos

Espetáculo vencedor do Prémio Autores 2015 - Dança, Melhor Coreografia - Sociedade Portu-

guesa de Autores

64

Notas à MargemO ser humano é o único animal que procura um propósito de vida para além da simples neces-

sidade de sobrevivência Nesta viagem pela condição humana, pelo que somos e por aquilo que

nos condiciona, vemo-nos confrontados com a nossa existência histórica e social

Quem melhor do que Shakespeare para falar sobre os conflitos mentais, as emoções versus

razão, ou mesmo o que está para além das palavras? Através do recurso à psicologia e à análise

de personagens como Lady Macbeth, Hamlet, Romeu e Julieta e Richard III, somos impelidos a

refletir sobre o nosso próprio comportamento

Play False é uma expressão usada por Lady Macbeth no ato I da peça Macbeth Este espetáculo

é uma viagem através da condição humana, em que a matéria de pesquisa é o questionar com o

corpo Algo que trespassa a palavra, que não é escrito, mas que está presente e tem forma Uma

tradução do pensamento pela fisicalidade do corpo

O conflito mental desconstruído e desenlaçado através do corpo O movimento e a complexi-

dade humana na procura de significado, na busca pela descoberta de uma qualquer verdade,

ao responder a alguma pulsação da vida inter-individual Desenvolver uma forma de descrever

com o corpo e suas múltiplas capacidades físicas, todos os conflitos mentais inerentes à condição

humana Tentar encontrar uma ordem, ainda que efémera, até à próxima “guerra interior”

Nesta nova criação pretendemos trabalhar em torno da temática da condição humana O que

somos, o que nos condiciona, de que forma controlamos a definição de nós próprios quando

confrontada com o mundo e com os outros Até que ponto jogamos falso numa tentativa de

representação do eu e percecionamos esse jogo como algo autêntico ou o contrário

Depois de uma primeira residência artística, quisemos recorrer a algo concreto do ponto de

vista do estímulo criativo neste tema tão vasto que é a condição humana Algo que se misture no

mundo abstrato da dança Algo completamente oposto à nossa última criação, Wasteland

Quando pensámos em condição humana, ocorreu-nos automaticamente um nome Ninguém

explorou e conheceu tão bem a temática da condição humana como Shakespeare Soubemos

desde logo que não tínhamos como objetivo utilizar as obras teatrais como base para a criação

da peça, mas apenas recorrer a algumas das personagens criadas por Shakespeare

Play False eleva-nos não só à criação de uma personagem, mas também à própria desconstrução

da personalidade da personagem Muitas emoções falseiam-se, mas também se misturam com a

realidade Não queremos apropriar-nos literalmente do teatro, mas talvez retirar personagens que

nos estimulem a pesquisar, pensar, experimentar e construir no corpo algo que normalmente se

encontra no “layer” do pensamento filosófico – a condição humana

António Cabrita e São Castro

65

António CabritaAntónio Cabrita é licenciado pela Escola Superior de Dança (2008), formado pela Escola de

Dança o Conservatório Nacional (2000), estudou dança no Joffrey Ballet School em Nova Iorque

(2001), tem o curso de cinema da New York Film Academy (2001), e o curso de Criatividade

Publicitária da Restart em Lisboa (2004) Tem desenvolvido trabalho entre Portugal, Alemanha

e Bélgica, como bailarino, coreógrafo, ator,“vídeo-designer” e sonoplasta Trabalhou nos últimos

anos com Rui Horta, Né Barros, Silke Z , António Tavares, Tânia Carvalho, Ana Rita Barata, Pedro

Ramos, Feliz Lozano, Hofesh Shechter, Paulo Ribeiro, entre outros Participou em projetos e festi-

vais tais como o projeto “Colina”, “Repérages”, Festival Temps D’image, Festival InShadow, New Age

New Time, Festival Dance Dance Dance, “PT2013” Com o solo Volátil foi convidado a participar

no primeiro festival de solos em 2006, no Teatro MalaPosta Desde 2009 tem colaborado em

projetos com intérpretes com paralisia cerebral na companhia CiM Tem trabalhado como dese-

nhador de vídeo para peças em várias companhias de dança e teatro Também tem colaborado

em projetos multidisciplinares entre dança/linguagem computacional Em 2009 foi nomeado

para a categoria de novo talento, no Portugal Dance Awards Criou em 2009 o projeto To Fail

Coreografou no final de 2011 a peça 88 para a companhia QuorumBallet Tem dado workshops de

composição coreográfica e de vídeo em vários países europeus É artista residente na compa-

nhia alemã SilkeZ /Resistdance desde 2007 Foi nomeado em 2014 para os prémios SPA como

co-autor da peça Abstand de Luís Marrafa Em parceria com São Castro tem vindo a desenvolver

desde 2011 o projeto |acsc|, do qual já foram criadas as peças Wasteland, Play False e Tábua Rasa,

esta última em cocriação com Xavier Carmo e Henriett Ventura, coprodução da Companhia

Nacional de Bailado e Vo’Arte Ganhou com a peça Play False cocriada com São Castro o prémio

de melhor coreografia 2015 pela Sociedade Portuguesa de Autores

São CastroSão Castro iniciou a sua formação em dança no Balleteatro Escola Profissional do Porto, inte-

grando o Balleteatro Companhia entre 1997/99, em peças de Né Barros e Isabel Barros Fez parte

do elenco de As Lições, peça de Ricardo Pais no Teatro Nacional S João Concluiu a Licenciatura

na Escola Superior de Dança em 2002 Entre 2001 e 2004 integrou a Companhia Portuguesa

de Bailado Contemporâneo e em 2004/05 foi bailarina do Ballet Gulbenkian Como freelancer

trabalhou com Benvindo Fonseca, Sofia Silva, Rui Lopes Graça, Vasco Wellenkamp, Companhia

Paulo Ribeiro, Companhia Olga Roriz, André Mesquita, Tânia Carvalho e Luís Marrafa Em 2009

cria e interpreta o solo aTempo apresentado no IV Festival Internacional de Solos da Malaposta,

no Festival Internacional de Dança Contemporânea de Évora e na Plataforma Coreográfica Inter-

nacional da 18a Quinzena de Dança de Almada Como bailarina convidada, participa no projeto

Notion – Dance Fiction de Ka Fai Choy no Festival InShadow 2011 Coreografou para a Companhia

de Dança do Algarve, um dueto para alunos da Escola de Dança do Conservatório Nacional,

apresentado no International Youth Festival Expression, na Grécia e mais recentemente para

o Projeto Quorum Fez parte do elenco de Durações de um Minuto, projeto de Clara Andermatt

e Marco Martins, uma produção do Teatro Municipal São Luiz Em 2012, como intérprete da

Companhia Instável, integra o elenco de Shelters, 3 criações de Hofesh Shechter Desde 2011 tem

66

vindo a desenvolver o projeto |acsc|, uma colaboração artística com António Cabrita A peça

Play False de antónio cabrita e são castro |acsc| foi reconhecida com o Prémio Autores 2015 de

Dança | Melhor Coreografia, da Sociedade Portuguesa de Autores (SPA) Numa coprodução com

a Companhia Nacional de Bailado é cocriadora e intérprete de Tábua Rasa, com António Cabrita,

Xavier Carmo e Henriett Ventura Dá frequentemente aulas e workshops de dança contemporâ-

nea

João FrangoJoão Frango iniciou os seus estudos de dança clássica no Centro de Formação de Bailarinos

da CNB do Teatro Nacional de São Carlos Ao mesmo tempo, exerceu funções de Assistente do

Diretor de Cena da Companhia Nacional de Bailado Em 1984 rumou a Inglaterra, onde conti-

nuou os estudos de dança no Doreen Bird College of Performing Arts No ano de 1996 entrou no

Ballet Gulbenkian onde dançou durante 10 anos Depois de, em 1994, ter estudado Realização

de Vídeo/TV na ETIC em Lisboa, na temporada 1995/96, por solicitação da FCG, fez estágio

no departamento técnico do Nederlands Dance Theatre em Haia, tendo no final assumido as

funções de Diretor de Cena/Coordenador Técnico do Ballet Gulbenkian, cargo que exerceu até a

extinção da companhia Paralelamente trabalhou nas áreas da televisão e publicidade Atual-

mente, enquanto freelancer, trabalha como Diretor Técnico/Cena e Desenho de Luz nas áreas

de eventos empresariais, desportivos e espetáculo Destacando: Direção de Cena da Cerimónia

Protocolar dos II Jogos da Lusofonia no Pavilhão Atlântico; Direção Técnico do Musical A Canção

de Lisboa, entre outros, de Filipe La Féria; Direção Técnica e de Cena da Opera Crioulo no CCB;

Direção de Cena, em 2011/12, do Dutch National Ballet de Amsterdão, temporada comemorativa

dos 50 anos da Companhia Está ligado ao projeto |acsc| desde o seu início

Vo’ArteA Vo’Arte nasceu da vontade de produzir, promover e valorizar a criação contemporânea, através

do cruzamento de linguagens artísticas e do desenvolvimento de projetos nacionais e inter-

nacionais, apoiando o intercâmbio e a transdisciplinaridade na criação A Vo’Arte é um projeto

inovador que promove o diálogo e a descentralização cultural, com vista ao estreitamento das

relações entre comunidades e à formação de novos públicos Com 18 anos de atividades artísti-

cas, pedagógicas, sociais e públicas, a Vo’Arte acredita na cultura artística e continua a criar novos

espetáculos, festivais, exposições, instalações, performances, filmes, seminários e propostas de

programação envolvendo artistas consagrados e criadores emergentes Participou nas Capitais

Europeias e Nacionais da Cultura Porto 2001, Coimbra 2003 e Faro 2005, nas Expos Mundiais

Expo’98 e Saragoça 2008, no Euro 2004, no Mundial de Boccia 2010, no Festival Unlimited Dance

em Atenas (2015) com propostas de criação na área da dança/performance e cinema e formação

e em 2012 obteve em conjunto com a CiM – Companhia de Dança, a chancela do Ano de Portugal

no Brasil A Vo’Arte foi distinguida com o Prémio Nacional de Inclusão 2014 na categoria Cultura

Desporto e Lazer pelo trabalho desenvolvido ao nível da criação, inclusão, formação e programa-

ção cultural e artística transdisciplinar, nos últimos 18 anos Foi a grande vencedora do Prémio

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Acesso Cultura na categoria Acessibilidade Intelectual 2015 Obteve o reconhecimento presti-

giante do EFFE – Europe for Festivals, Festivals for Europe, 2015-2016 com o Festival InShadow A

Vo’Arte integra as redes CQD - Ciudades Que Danzam, StudioTrade,REDE - Associação de Estrutu-

ras para a Dança Contemporânea e é sócia do Acesso Cultura Tem Direção Artística de Ana Rita

Barata (coreógrafa) e Pedro Sena Nunes (realizador)

|acsc|antónio cabrita e são castro |acsc| é um projeto de colaboração artística entre os dois bailarinos

e coreógrafos – António Cabrita e São Castro – que se propõe ao cruzamento de interesses e

estímulos criativos como o movimento, imagem e som

Officium EnsembleEstêvão Lopes-Morago Redescoberto

17 de julho, domingo, 18h00 Convento de Santa Maria de Cós

Apoio: Paróquia de Cós e União das Freguesias de Cós, Alpedriz e Montes

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TENEBRÆ

Música inédita de Lopes-Morago para a Semana Santa

Estêvão Lopes-Morago (c 1575-1630)

Gloria Laus, 4vv

Missa Dominicalis, 4/5vv

Kyrie

Commissa mea, 6vv

Missa Dominicalis

Credo

Versa est in luctum, 4vv

Missa Dominicalis

Sanctus e Benedictus

Agnus Dei

Ut quid Domine, 4vv

Francisco Martins (c 1620-1680)

Tenebræ factæ sunt

Filipe de Magalhães (c 1565-1652)

Commissa mea, 6vv

Estêvão Lopes-Morago

1ª Lição 5ª feira Santa

Incipit Lamentatio, 4vv

9º Responsório 5ª feira Santa

Seniores populi, 8vv

Duarte Lobo (c 1565-1646)

Pater peccavi

Estêvão Lopes-Morago

1ª Lição 6ª feira Santa

De lamentatione Hieremiae, 4vv

9º Responsório 6ª feira Santa

Caligaverunt, 8vv

Jesu Redemptor II, 8vv

Officium EnsembleAriana Russo, Inês Lopes, Mariana Moldão e Sara Ramalhinho, sopranos

Catarina Saraiva, Manon Marques, Raquel Marques e Rita Tavares, contraltos

Bruno Sales e Pedro Matos, tenores

Pedro Casanova, Rui Borras e Sérgio Silva, baixos

Pedro Teixeira, direção

70

Notas à MargemNascido em Vallecas (Espanha) por volta de 1575, Estêvão Lopes-Morago detinha um domínio

irrepreensível do contraponto A sua formação foi feita no Colégio dos Moços de Coro da Sé de

Évora, para onde entrou com cerca de 8 anos, a idade média de entrada dos moços no colégio

Desempenhou o cargo de mestre de capela da Sé de Viseu nas primeiras décadas do século XVII,

desconhecendo-se o ano exato da sua morte, que foi posterior a 1628

A música de Lopes-Morago foi transcrita e publicada pelas edições Portugaliae Musica da

Fundação Calouste Gulbenkian, pela mão de Manuel Joaquim Pensava-se que quase toda a obra

teria sido transcrita para notação moderna, mas as investigações de José Abreu (Universidade de

Coimbra) vieram trazer a lume um conjunto amplo de obras inseridas numa fonte manuscrita,

com música para uma grande parte do ano litúrgico, sistematizada em grande detalhe

O presente programa enquadra-se, assim, num projeto maior que tem como principal objetivo

o estudo de uma fonte musical até à sua interpretação musical O alinhamento foi inteiramente

preparado a partir de uma fonte musical manuscrita que contém um conjunto vasto de obras

do compositor As obras selecionadas destinavam-se às celebrações do Domingo de Ramos e

Semana Santa, um dos momentos mais intensos do ano litúrgico Este repertório totalmente

inédito, recentemente estudado e transcrito pela primeira vez, inclui música para o ofício de

Matinas também conhecido por Triduum Paschal ou ofício das Trevas, incluindo Lamentações

e Responsórios e ainda uma Missa, um hino e um motete para as celebrações de Domingo de

Ramos

Este repertório revela-nos uma música única e de extraordinária capacidade expressiva de um

dos momentos mais distintos da nossa história da música

Pedro Teixeira

Pedro TeixeiraNascido em Lisboa, completou a licenciatura em Direção Coral na Escola Superior de Música

de Lisboa, obtendo na mesma instituição o grau de Mestre em Direção Coral em 2012 Iniciou os

seus estudos musicais na Academia de Amadores de Música em 1981, interessando-se mais tarde

pela prática e direção de música coral enquanto elemento do Coro da Universidade de Lisboa,

onde se iniciou na direção como assistente do maestro José Robert Foi precisamente com José

Robert que iniciou a sua formação enquanto diretor de coro, tendo mais tarde trabalhado com

Vasco Pearce de Azevedo, António Lourenço e Paulo Lourenço Foi professor na Escola Superior

de Educação de Lisboa, lecionando Educação Vocal e Direção Coral, no curso Música na Comu-

nidade Pedro Teixeira dirige atualmente dois grupos em Portugal: Coro Ricercare (desde 2001) e

Officium Ensemble, agrupamento profissional que fundou no ano 2000 e que se dedica à inter-

pretação de música renascentista vocal dos sécs XVI/XVII Dirigiu também o Coro Polifónico

Eborae Musica de 1997 a 2013 e o Grupo Coral de Queluz de 2000 a 2012 Com o Officium Ensem-

ble recebeu em 2002 o prémio “The most promising conductor of Tonen 2002” na Holanda,

concurso que atribuiu o 3º prémio a Officium nas categorias de música sacra e música secular

71

Também cantor, estudou canto na Escola de Música do Conservatório Nacional e é elemento do

Coro Gregoriano de Lisboa, no qual é solista Foi cantor no Coro Gulbenkian entre 2005 e 2012

Pedro Teixeira tem sido reconhecido como um dos mais proeminentes maestros de coro do

país, não só pela sua intensa atividade enquanto diretor de coro, como também pela sua sólida

e característica interpretação da música vocal Esse reconhecimento tem-no levado a trabalhar

a um nível internacional nos últimos anos – em Barcelona, dirige juntamente com Peter Phillips,

Ivan Moody e Jordi Abelló o workshop Victoria400 e é responsável pelas oficinas de Ensemble

Vocal e Direção Coral no Curso Internacional de Música Medieval e Renascentista de Morella

Colaborou com a Fundação Gulbenkian enquanto maestro preparador convidado do Coro

Gulbenkian, tendo preparado o coro para diversos concertos entre 2011 e 2014 É diretor artístico

das Jornadas Internacionais Escola de Música da Sé de Évora e responsável pela organização do

festival Eboræ Musica da Associação Musical de Évora, que conta já com dezasseis edições É

desde novembro de 2012 maestro titular do Coro de la Comunidad de Madrid

Officium EnsembleO Officium Ensemble tem-se estabelecido como um dos mais proeminentes grupos vocais

portugueses dedicados à música antiga A pureza do som que lhe é característico advém do

trabalho de fusão, emissão e equilíbrio que o grupo tem desenvolvido desde a sua criação,

sob a direção de Pedro Teixeira Aliados a esta característica, o empenho e expressividade dos

cantores do ensemble têm levado Officium Ensemble a ser aclamado pelas suas interpretações

marcantes, comprometidas e consistentes, em que a resposta ao texto desempenha um papel

essencial O repertório que domina e no qual se especializou estende-se por todo o período

do Renascimento e início do Barroco, dedicando-se com especial enfoque à música antiga

portuguesa e especificamente à música da Sé de Évora, abarcando também as escolas franco-

-flamenga, espanhola e inglesa da era Tudor O Officium Ensemble une uma sólida interpretação

a uma reiterada investigação musicológica, recorrendo a impressos e manuscritos da época no

sentido de oferecer execuções historicamente informadas, para além de possibilitar ao público

primeiras audições de várias obras em tempos modernos O grupo tem atuado em inúmeros

locais e festivais de música antiga, desde as Jornadas Internacionais Escola de Música da Sé

de Évora e Festival Música em São Roque, passando pelos festivais Terras sem Sombra, Dias da

Música (CCB), Festival de Órgão de Lisboa e Festival AMUZ Laus Polyphoniae em Antuérpia,

entre outros Da temporada 14-15, destacam-se concertos no Festival Internacional de Música de

Setúbal e no Ciclo de Música Antiga Reencontros (Palácio Nacional de Sintra) Já esta temporada,

atuou no Festival de Música Antiga Oude Muziek de Utrecht e integrou uma vez mais a tempo-

rada Música em São Roque Em 2016 atuará de novo no Festival Oude Muziek (Utrecht), assim

como no Festival Internacional de Música de Marvão e no Cistermúsica (Alcobaça) Officium

Ensemble gravou para o canal Mezzo, juntamente com a Orquestra Divino Sospiro, assim como

para a rádio clássica belga Klara, surgindo também no programa televisivo “Percursos da música

portuguesa” Os seus concertos são frequentemente retransmitidos pela rádio clássica portu-

guesa RDP Antena2 Gravou recentemente Magnificat, ou a insubmissa voz, obra de João Madu-

reira em estreia absoluta O mesmo CD inclui obras de Estêvão Lopes-Morago e Magnificat primus

tonus, de Filipe de Magalhães, em primeira audição moderna Recentemente, realizou a estreia

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absoluta de Tropário para uma pastora de ovelhas mansas, a propósito do centenário das apari-

ções de Fátima, com obras de Alfredo Teixeira, Carlos Marecos, João Madureira, Nuno Côrte-Real,

Rui Paulo Teixeira e Sérgio Azevedo, escritas para ensemble vocal, piano e acordeão A formação

base de doze cantores é maleável de acordo com o repertório, juntando mais cantores sempre

que necessário A manutenção de uma estética sonora e interpretativa de excelência é o axioma

que rege todo o trabalho de Officium Ensemble, na ambição incessante pela qualidade como

veículo de homenagem a um dos mais ricos períodos da história da música ocidental

73

Alma Mater22 de julho, sexta-feira, 21h30 Centro Cultural Gonçalves Sapinho – Benedita

75

Armando José Fernandes

Suite para Orquestra de Cordas

Preludio: Allegro ben misurato

Allegretto grazioso

Recitativo e Duo: Andantino tranquillo – Andante

Capriccio: Poco allegretto e giusto

Antonio Vivaldi

As Quatro Estações op 8

Concerto n º 1 em mi maior RV 689, “A Primavera”

Allegro

Largo

Allegro pastorale

Concerto n º 2 em sol menor RV 315, “O Verão”

Allegro non molto

Adagio e piano – Presto e forte

Presto

- intervalo -

Concerto n º 3 em fá maior RV 293, “O Outono”

Allegro

Adagio molto

Allegro

Concerto n º 4 em fá menor RV 297, “O Inverno”

Allegro non molto

Largo

Allegro

Joly Braga Santos

Concerto em Ré para orquestra de cordas, op 17

Largamente maestoso – Allegro

Adagio non troppo

Allegro ben marcato

Alma MaterAna Pereira, violino

Pedro Neves, direção

Ana Pereira, Romeu Madeira, David Ascensão e Vítor Vieira, violinos I

Ana Filipa Serrão, José Teixeira e José Teixeira, violinos II

Joana Cipriano, Jorge Alves e Sandra Martins, violas d’arco

Marco Pereira e Paulo Gaio Lima, violoncelos

Margarida Afonso, contrabaixo

76

Notas à Margem

Antonio Vivaldi: As Quatro Estações

Durante a sua vida, Antonio Vivaldi (Veneza 1678 – Viena 1741) ganhou renome como composi-

tor, violinista virtuoso e personagem fora do vulgar Cem anos depois da sua obscura morte, foi

esquecido Em meados do século XIX os estudiosos começaram a redescobri-lo, mas apenas

como derivado da florescente investigação sobre Bach, pois o mestre alemão havia transcrito

várias obras do seu contemporâneo italiano mais velho Algumas peças ganharam lugar no

reportório e, no segundo centenário da sua morte, os musicólogos já tinham uma ideia precisa de

quem ele tinha sido, mas para o público em geral ainda era apenas um nome pouco conhecido

Em 1950 o violinista americano Louis Kaufmam despertou interesse tocando As Quatro Estações

num programa radiofónico da CBS, mas só com a chegado dos discos LP é que Vivaldi voltou a

ser quem era

Os seus concertos, dos quais existem mais de 500, estão por toda a parte Muitos foram escritos

para o Ospedale della Pietà, um orfanato veneziano para raparigas, com o qual Vivaldi esteve asso-

ciado de 1703 até 1740 e que era famoso pela qualidade da sua música Antes de juntar à Pietà

como maestro di violino, Vivaldi estudara com o seu pai, violinista na catedral de São Marcos, e

fora ordenado padre Nunca celebrou missa, atribuindo isso a uma doença congénita, um aperto

de peito (“strettezza di petto”) que pode ter sido angina de peito ou algum tipo de asma

A sua fama como compositor cresceu As suas óperas eram muito requestadas, a sua música

era publicada em Amsterdão, a encomenda do famoso Gloria veio da corte de Luís XV em Paris,

foi por duas vezes convidado a tocar para o Papa, e viajou para centros musicais importantes

como Dresden, para cuja orquestra escreveu uma série de imaginativos concertos Com o passar

dos anos, porém, as suas relações com a Pietà desgastaram-se e a sua cotação junto do público

veneziano declinou Em 1740 abandonou a sua cidade natal Não sabemos nada sobre essa

sua última viagem, nem para onde foi primeiro, nem que planos ou esperanças acalentava ao

começar a percorrer territórios fustigados pela Guerra da Sucessão Austríaca O seu nome surge

nos livros de registos da Pietà a 12 de maio de 1740 e voltamos a encontrá-lo no registo de enterros

da paróquia de Santo Estevão, em Viena, a 28 de julho de 1741 Tinha morrido nesse dia, de acordo

com o registo do médico legista, de uma inflamção interna (“an Innrem Brand”)

Para a maioria dos ouvintes de hoje, Vivaldi é o compositor das deliciosas e pitorescas Quatro Esta-

ções e, de forma tão surpreendente quanto imerecida, objeto de muito pouca curiosidade para

além disso Mas as Estações são apenas quatro dos 221 concertos para violino de Vivaldi, e isso não

é nem metade do seu catálogo total de concertos A este há que acrescentar mais de 100 sonatas e

obras instrumentais diversas Chegamos então às suas obras vocais — secções de missas, salmos,

hinos, antífonas, motetos, cantatas para solista, serenatas, três oratórias e mais de 40 óperas — tudo

terra incognita não apenas para o público em geral mas para muitos profissionais

Os concertos que compõem As Quatro Estações fazem parte de uma coleção com o título pito-

resco de Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, que se pode traduzir como O Teste da Harmonia

77

e da Invenção, embora possamos reforçar a ideia frisando que cimento sugere um teste particu-

larmente difícil, que envolve uma percentagem de risco, e que armonia significa algo simultanea-

mente mais vasto e mais específico do que parece à primeira vista, nomeadamente a música em

geral, por um lado, e as técnicas caprichosas da armonia imitativa, ou música descritiva, por outro

Vivaldi é altamente engenhoso na maneira como integra boletins metereológicos delicio-

samente detalhados e pinceladas de pintura de género na forma do concerto Os ritornelos

estabelecem um “afeto” de base para cada estação, enquanto os episódios a solo permitem a

ilustração de detalhes pictóricos vívidos e sempre variados Ao mesmo tempo, Vivaldi escreveu

quatro concertos com notável brilho violinístico, sobretudo se tivermos em conta os ornamentos

que ele acrescentava ao texto escrito durante as execuções É de presumir que o próprio Vivaldi

foi o primeiro a tocar estes concertos, muito provavelmente com a orquestra privada do Conde

Wenceslas Morzin, dedicatário do opus 8 Morzin era um aristocrata boémio do corpo diplomá-

tico, e no decorrer dos seus deveres passou um tempo considerável em Veneza, onde contratou

Vivaldi como maestro da sua orquestra privada (O filho de Morzin deu a Haydn o seu primeiro

emprego a sério )

Quando publicou As Quatro Estações, Vivaldi usou palavras para tornar explícitas as suas

intenções pictóricas, e cada concerto inclui um comentário que vai indicando exatamente ao

violinista quando é que os zéfiros sopram, os pássaros cantam, o cão ladra ou o caminhante

escorrega no gelo

Michael Steinberg

A Primavera

[I. Allegro]

Chegou a Primavera e festejando

A saúdam as aves com alegre canto,

E as fontes ao soprar dos zéfiros

Correm com doce murmúrio

Uma tempestade cobre o ar com negro manto

Relâmpagos e trovões são eleitos a anunciá-la;

Logo que ela se cala, as avezinhas

Tornam de novo ao canoro encanto

[II. Largo]

E eis que sobre o florido e ameno prado,

Ao agradável murmúrio das folhas

Dorme o pastor com o cão fiel ao lado

[III. Allegro]

Ao som festivo da pastoral Zampónia

Dançam ninfas e pastores sob o abrigo amado

Da primavera que surge brilhante

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O Verão

[I. Allegro non molto — Allegro]

Sob a dura estação, pelo sol incendiada,

Lânguidos homem e rebanho, arde o pinheiro;

Liberta o cuco a voz firme e intensa,

Cantam a rola e o pintassilgo

O doce zéfiro expira, mas uma disputa

É improvisada por Bóreas com seus vizinhos;

E chora o pastor, porque suspenso

Teme feroz borrasca e o seu destino

[II. Adagio — Presto — Adagio]

Toma dos membros lassos o repouso

O temor dos relâmpagos e os feros trovões;

E de repente inicia-se o tumulto furioso!

[III. Presto]

Ah! Que os seus receios são verdadeiros:

Troa e fulmina o céu grandioso

Quebra as espigas e desperdiça os grãos

O Outono

[I. Allegro]

Celebra o aldeão com danças e cantos

Da feliz colheita o belo prazer

E inflamados muitos pelo licor de Baco

Terminam com sono o seu desfrute

[II. Adagio molto]

Faz cada um interromper danças e cantos

O ar temperado que dá prazer;

E a estação convida uns tantos

Ao gozar de um dulcíssimo sono

[III. Allegro]

O caçador, ao amanhecer, na caça,

Com trompas, espingardas e cães, irrompe;

Foge a fera, mas seguem-lhe o rastro

Já exausta e apavorada com o grande rumor,

Por tiros e mordidas ferida, ameaça

Uma frágil fuga, mas cai e morre oprimida!

O Inverno

[I. Allegro non molto]

Tremer agachado entre a neve argêntea;

Ao sopro severo do terrível vento

Correr, batendo os pés a todo o momento;

E bater os dentes pelo frio excessivo

[II. Largo]

Junto ao lume passar os dias quieto e contente

Enquanto lá fora a chuva tudo molha;

[III. Allegro]

Caminhar sobre o gelo com passo lento

Pelo temor de cair neste intento;

Rodopiar, escorregar e cair por terra;

De novo sobre o gelo correr com vigor,

Sem que ele se rompa ou se quebre

Sentir passando pela porta fechada

Siroco, Bóreas e todos os ventos em guerra;

Eis o Inverno, mas ainda assim, que traga

alegria

79

Armando José Fernandes: Suite para Orquestra de Cordas

Armando José Fernandes (Lisboa 1906 – 1983) estudou no Conservatório Nacional com

Alexandre Rey Colaço, Lourenço Varela Cid, Luís de Freitas Branco e António Eduardo da

Costa Ferreira Enquanto jovem formou com Croner de Vasconcelos, Fernando Lopes-Graça e

Pedro do Prado o chamado “Grupo dos Quatro”, que defendia uma modernização da lingua-

gem e do estilo musicais Armando Fernandes quis dedicar-se especialmente à chamada

“música pura”, não mostrando qualquer interesse pela música teatral Em Paris, onde se

instalou em 1931, contactou com músicos como Roger Ducasse, Nadia Boulanger, Paul Dukas

e Igor Stravinsky, seguindo os cursos destes na École Normale de Musique e estudando piano

com Alfred Cortot De regresso a Lisboa, lecionou na Academia de Amadores de Música e

ingressou em 1942 no Gabinete de Estudos Musicais da recém criada Emissora Nacional, que

lhe proporcionou as condições para compor a maioria das suas obras A partir de 1953 entrou

para o quadro do Conservatório Nacional como professor de composição, lugar que ocupou

até à reforma

Armando José Fernandes cultivou sobretudo os géneros de câmara e concertantes, aproximan-

do-se estilisticamente dos modelos franceses que mais prezava, em particular Fauré e Ravel

Tinha especial predileção por Ravel e são notórias as afinidades de temperamento entre ambos,

marcadas pela discrição e por uma profunda seriedade profissional e artística

No que respeita à costela neoclássica, que é a que melhor o define como compositor, foi sensível

às influências de Stravinsky e Nadia Boulanger No dizer de Nuno Barreiros, nota-se na sua obra

um acentuado construtivismo baseado em formas da grande tradição da música europeia dos

séculos XVII e XVIII, como a forma-sonata, o rondó, o scherzo, a forma canção, a fuga, o tema com

variações e o coral variado

A Suite para Orquestra de Cordas foi escrita para o Gabinete de Estudos Musicais da Emissora

Nacional em 1950 O Prelúdio (Allegro ben misurato), em compasso de 3/8, tem ecos de forlanas

e barcarolas O 2 º andamento é um Allegretto grazioso com função de scherzo que alterna os

compassos de 6/8 e 9/8 O terceiro andamento começa com um recitativo protagonizado pela

violeta (Andantino tranquillo), seguido de um duo de violino e violoncelo (Andante) A obra

termina com um Capriccio (Poco Allegretto e giusto)

Por razões que custa compreender – sobretudo tendo em conta a escassez do reportório portu-

guês para orquestra de cordas – esta é uma das obras menos tocadas de Armando José Fernan-

des e desconhecemos a data da sua estreia Nunca foi gravada em disco e a última execução

integral de que temos notícia deu-se há 40 anos (1976)

Joly Braga Santos: Concerto em Ré

Joly Braga Santos (Lisboa 1924 – 1988) fez o essencial da sua sólida formação de compositor como

aluno particular de Luís de Freitas Branco, de quem foi o mais importante discípulo O seu catá-

logo, iniciado em 1942, foi marcado em 1946 pela estreia da sua 1.ª Sinfonia, que teve o impacto de

revelar aos 22 anos um sinfonista nato

80

A primeira fase da produção de Joly reflecte os ensinamentos de Luís de Freitas Branco e tem

como coordenadas principais um idioma modal, com raízes históricas na polifonia renascentista

portuguesa e na música tradicional portuguesa, em especial do Alentejo

Entre 1959 e 1960, Joly estudou em Roma com Virgilio Mortari e Gioacchino Pasqualini O

contacto com as novas correntes estéticas contribuiu para uma viragem na sua linguagem musi-

cal, em direção a um livre cromatismo por vezes próximo da atonalidade, incorporando coorde-

nadas da nova vanguarda sem abdicar dum estilo pessoal essencialmente lírico e baseado no

elán melódico e ritmo A partir dos anos 70 e até à sua morte, a sua produção conheceu algumas

reaproximações ao tonalismo e ao modalismo, num espírito de síntese que pode ser encarado

como uma «3 ª fase»

A vasta produção de Joly Braga Santos inclui seis sinfonias, numerosas obras sinfónicas e

concertantes, três óperas, música vocal, coral e de câmara, música para cinema, etc Também

ativo como regente, estudou com Hermann Scherchen e exerceu o cargo de diretor da Orques-

tra Sinfónica do Porto Membro fundador da Juventude Musical Portuguesa, foi professor de

composição do Conservatório Nacional e exerceu ainda atividade como crítico musical e

articulista

O exuberante Concerto em Ré é uma das obras emblemáticas da primeira fase de Joly, já por

diversas vezes gravada em disco Transcrevemos de seguida (pela sua raridade e relevância

histórica) a nota de programa que Nuno Barreiros assinou aquando da estreia, ocorrida no Teatro

Monumental a 12 de maio de 1952, num concerto promovido pela Juventude Musical Portuguesa

com a Academia de Instrumentistas de Câmara da Emissora Nacional, dedicatária da partitura

Refira-se que a folha de sala desse concerto (cujo programa incluía a Tentação da Morte das

Tentações de São Frei Gil de Luís de Freitas Branco e o Concerto em si bemol maior para piano e

orquestra de Armando José Fernandes) vinha acompanhada de exemplos musicais autógrafos

dos compositores, dos quais aqui reproduzimos aqui os referentes ao Concerto em Ré de Joly

Braga Santos

“Este Concerto, em ré, escrito nos fins de 1950 e em princípios do ano seguinte, compõe-se de

três andamentos O primeiro consta de uma introdução – Largamente maestoso – em que é

apresentada, nos violinos em uníssono e sobre um desenho rítmico obstinado dos violoncelos

e contrabaixos, a raiz cíclica (ex 1), que desenvolve e fornecerá elementos e sugestões para a

maior parte do material temático utilizado na obra Segue-se uma forma-sonata ditemática A

1 ª ideia (ex 2), no modo dório, surge nos segundos violinos; retomam-na os primeiros violinos e

depois o violoncelo solo e o violino solo A ponte é constituída por um diálogo entre o quarteto

solista e o tutti orquestral Ao 2 º tema (ex 3), que vem nos violinos divididos, justapõe-se um

contra-tema dos violoncelos e contrabaixos Uma reexposição regular sucede ao período do

desenvolvimento

“O segundo andamento é um A-B-A (forma canção simples) Os segundos violinos fazem ouvir o

tema (ex 5) pela primeira vez e um desenho rítmico das violas e violoncelos (ex 4) mantém-se

em toda a secção inicial A parte central, em si menor, é um desenvolvimento contrapontístico

sobre um curto motivo de quatro notas (ex 6) Na reexposição o tema volta na viola solo

81

Pedro NevesPedro Neves é maestro titular da Orquestra Clássica de Espinho, assumindo recentemente o

cargo de maestro convidado da Orquestra Gulbenkian Atualmente é doutorando na Univer-

sidade de Évora, sendo o seu objeto de estudo as seis sinfonias de Joly Braga Santos Pedro

Neves foi maestro titular da Orquestra do Algarve entre 2011 e 2013, e é convidado regularmente

para dirigir a Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, a Orquestra Sinfónica Portuguesa, a

Orquestra Metropolitana de Lisboa, a Orquestra Filarmonia das Beiras, a Orquestra Clássica do

Sul, a Orquestra Clássica da Madeira, a Joensuu City Orchestra (Finlândia), a Orquestra Sinfónica

Fig. 01 – Exemplos musicais autógrafos de Joly Braga Santos para o programa da estreia do “Concerto em Ré” em 1952

O terceiro e último andamento toma a forma de rondó A orquestra toda e em seguida o quarteto

solista entoam o estribilho (ex 7) A primeira copla, em pizzicati, vem nos violoncelos A segunda

(ex 8), em lá maior, é confiada ao violino solo Uma pequena coda conclui o andamento ”

Alexandre Delgado

82

de Porto Alegre (Brasil) e a Real Filarmonia da Galiza (Espanha) Em 2012 colaborou pela primeira

vez com a Companhia Nacional de Bailado dirigindo a Bela Adormecida de P Tchaikovsky No

âmbito da música contemporânea tem colaborado com o Sond’arte Electric Ensemble, com o

qual realizou estreias de vários compositores portugueses e estrangeiros, realizando digressões

pela Coreia do Sul e Japão , com o Grupo de Música Contemporânea de Lisboa, e com o Remix

Ensemble Casa da Música É fundador da Camerata Alma Mater, que se dedica à interpretação de

repertório para orquestra de cordas, e com a qual tem recebido uma elogiosa aceitação por parte

do público e da critica especializada Pedro Neves iniciou os seus estudos musicais na sua terra

natal, estudou violoncelo com Isabel Boiça, Paulo Gaio Lima e Marçal Cervera, respetivamente

no Conservatório de Música de Aveiro, Academia Nacional Superior de Orquestra em Lisboa

e Escuela de Música Juan Pedro Carrero em Barcelona, com o apoio da Fundação Gulbenkian

No que diz respeito à direção de orquestra estudou com Jean Marc Burfin, obtendo o grau de

licenciatura na Academia Nacional Superior de Orquestra, com Emilio Pomàrico em Milão e com

Michael Zilm, do qual foi assistente O resultado deste seu percurso faz com que a sua personali-

dade artística seja marcada pela profundidade, coerência e seriedade da interpretação musical

Ana PereiraÉ natural de Lanhelas (8 de agosto de 1985) Iniciou estudos musicais na banda da sua terra

natal, ingressando aos 12 anos na Escola Profissional de Música de Viana do Castelo, na classe de

violino do professor José Manuel Fernandéz Rosado Aqui terminou o curso básico com a classi-

ficação máxima Começou logo nesta fase de aprendizagem a ser distinguida em concursos: no

Prémio Jovens Músicos 2002 obteve o 3º prémio de Violino Nível Médio e o 3º prémio de Música

de Câmara Nível Médio Participou no 1º concurso de violino Tomás Borba, sendo premiada

com o 2º prémio Selecionada para a Academia Nacional Superior de Orquestra, começou a

estudar com o professor Aníbal Lima, licenciando-se com a classificação máxima, no ano de

2007 Ainda no ano de 2005 obteve o 2º Prémio no concurso Jovens Músicos/Nível Superior e

um ano depois o 1º prémio No ano de 2007 venceu a modalidade de Música de Câmara/Nível

Superior, como 1º violino do Quarteto Artzen, grupo que fundou na ANSO Mais recentemente,

foi vencedora do Prémio Jovens Violinistas 2011 Fez durante toda a formação masterclasses

com prestigiados violinistas, nomeadamente Serguei Arantounian, Anotoli Swarzburg, Evélio

Teles, Zófia Kuberska-Wóyciska, Gerardo Ribeiro, Eugene Gratovich, Irina Tseitlin, Michael

Tseitlin Carmelo de los Santos, Günter Seifert, Igor Oistrach As suas qualidades interpretativas

levaram-na a ser concertino da Orquestra Sinfónica da Escola Profissional de Música de Viana

do Castelo, da Orquestra Académica Metropolitana, Orquestra Sinfonietta de Lisboa e Orquestra

de Ópera Portuguesa Foi também eleita como concertino para a Orquestra Nacional de Jovens

APROARTE 2002 e para o II Estágio da Orquestra Sinfónica Académica Metropolitana Tocou em

diversas orquestras: Sinfonietta do Porto, Sinfonietta de Lisboa, APROARTE, Orquestra Sinfónica

da Escola Profissional de Música de Viana do Castelo, Orquestra Metropolitana de Lisboa,

Orquestra de Ópera Portuguesa e OrchestrUtópica Apresentou-se como solista com a Orquestra

Gulbenkian, Orquestra Académica Metropolitana, Orquestra do Algarve e Orquestra Metropoli-

tana, em Portugal e no estrangeiro Atua regularmente como concertino da Orquestra Sinfonietta,

da Orquestra de Ópera Portuguesa e Orquestra Metropolitana de Lisboa É membro fundador da

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camerata de cordas Alma Mater e do quarteto Artzen Integra desde 2008 a Orquestra Metropoli-

tana de Lisboa, passando em outubro desse ano a ocupar o lugar de Concertino adjunto Passou

em 2009 a fazer parte do corpo docente da Academia Superior de Orquestra da Metropolitana

Alma MaterFundada recentemente, a camerata de cordas Alma Mater é constituída por jovens talentos

portugueses, já com grande distinção no panorama musical nacional e internacional Os

elementos que integram este ensemble são vencedores de várias edições do Prémio Jovens

Músicos, assim como distinguidos com prémios em concursos internacionais Nos seus currícu-

los contam-se lugares de destaque, entre os quais chefes de naipe de orquestrais profissionais,

residências artísticas, e atividade camarística regular e de grande relevo A Camerata Alma Mater

conta ainda com os prestigiados pedagogos destes jovens talentos, Aníbal Lima (violino) e Paulo

Gaio Lima (violoncelo), que mantêm ainda uma carreira artística inconfundível A camerata é

dirigida por Pedro Neves, um dos mais promissores maestros portugueses, com uma maturidade

e veracidade interpretativa notável Visível no panorama musical é ainda a sua experiência

alargada , tanto como violoncelista, professor e maestro Tendo-se já apresentado em concerto

na abertura do festival Música nos Açores, a Camerata Alma Mater conquistou por parte do

público e da crítica uma aceitação e elogio extremamente positivo A Alma Mater ambiciona a

possibilidade de continuação deste projeto de grande profissionalismo, podendo assim abordar

repertório e sonoridades de uma formação ainda não existente no nosso país

Manuel Campos + Alia KacheRecital de Percussão e Dança

23 de julho, sábado, 21h30 Cine-Teatro de Alcobaça – João d’Oliva Monteiro

Manuel Campos, percussão Alia Kache, coreografia

Patrocínio

85

António Chagas Rosa

Dance of the Fool

Estreia absoluta – Obra encomendada pelo Cistermúsica

Dimitris Andrikopoulos

Diálogos

Estreia absoluta – Obra encomendada pelo Cistermúsica

Christos Hatzis

Fertility Rites, 1.º e 2.º andamento

Iannis Xenakis

Rebonds A e B

Ana Branco, Eduarda Horta, Inês Duarte e Raquel Machado (Academia de Dança de Alcobaça),

intérpretes

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Notas à Margem

António Chagas Rosa: Dance of the Fool

Dance of the Fool (ou Dança do Bobo) é o título da obra para percussão solo que escrevi para

Manuel Campos, eminente músico português e meu querido amigo, para integrar a edição de

2016 do Cistermúsica – Festival de Música de Alcobaça O título da obra revela a filiação numa das

temáticas propostas pelo festival – a obra do dramaturgo inglês Shakespeare –, o que me permitiu

revisitar a obra deste autor que mais me fascina: King Lear Nesta tragédia, a dualidade Rei/Bobo

desaparece misteriosamente a meio do III ato, precisamente a meio da peça Para onde terá ido o

Bobo, já que ele é essencial para a ação e entendimento de si futuros do personagem Rei? Muitos

creem que ambos se fundem na pessoa do Rei daí até ao final do último ato No meu imaginário,

criei uma espécie de “dança final” em homenagem ao Bobo, representando a minha visão interior

de um personagem que, mais do que anda, dança agilmente É como que uma proposta dessa

mobilidade do Bobo, antecedendo o momento em que sai de cena

O instrumental utilizado privilegia as peles, às quais se acrescentaram pontualmente sons produ-

zidos por pequenos instrumentos de sopro (uma corneta de brinquedo, um chamariz de pássaro,

etc ) Criei um discurso musical rápido e compacto, pleno de assimetrias, cuja sonoridade

convoca imagens de música primitiva não ocidental

António Chagas Rosa

Dimitris Andrikopoulos: Diálogos

Diálogos é uma obra composta para Manuel Campos Em Diálogos o músico entra em conversa

e interage consigo próprio A parte da electrónica funciona como um espelho, uma segunda

pessoa com quem o intérprete conduz este processo e através desta interação cria uma rede de

padrões e ritmos ao longo da obra

Dimitris Andrikopoulos

Christos Hatzis: Fertility Rites

Fertility Rites, para uma marimba de cinco oitavas com amplificação, faz parte de uma série

de trabalhos compostos nos anos 1990 O fio condutor que atravessa todos estes trabalhos é o

canto de garganta Inuit O meu fascínio pelos Inuit e sua cultura deu-se em 1992 na sequência

da criação de um documentário/composição radiofónico para a CBC Radio intitulado The

Idea of Canada Essa foi a primeira vez que ouvi esta estranha e assombrosa música Anos mais

tarde vi-me envolvido num projeto similar, concentrando-me desta vez inteiramente na cultura

Inuit, e o canto de garganta Inuit em particular Este projeto posterior levou o produtor da CBC

Keith Horner e eu à ilha Baffin no Canadá onde passámos duas semanas gravando cantores de

garganta e entrevistando anciões das comunidades Inuit em Iqaluit e Cape Dorset O material

gravado foi eventualmente usado em quatro composições (incluindo esta), sendo as outras três

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Footprints in New Snow, um documentário/composição radiofónico de 38 minutos, Nunavut para

quarteto de cordas com gravação e Hunter’s Dream, uma miniatura de um minuto encomendada

pelo teclista rock Morgan Fisher para um CD de miniaturas que este produziu na altura no Japão

O título da obra deriva das próprias canções de garganta Numa das nossas entrevistas em Iqaluit,

Horner e eu aprendemos que as canções de garganta eram originalmente um rito de fertilidade,

um apelo ao acasalamento xamanístico que as mulheres entoavam quando os homens estavam

fora a caçar O katajjaq (jogos vocais) neste peça são usados para evocar esta prática primordial A

sua sugestividade sexual é mais realçada pelo processo eletrónico (baixar o tom uma oitava ou

mais dá ao som original uma aparência de respiração pesada), ou justapondo o katajjaq a outros

tipos de música afetuosa e estilisticamente mais familiar ao ouvinte, tal como a “sonoridade fran-

cesa” do segundo andamento ou o estilo tango do terceiro A acrescentar às gravações katajjaq,

a parte gravada consiste em sons de marimba pré-gravados (normais, ‘dobrados’ e curvados),

os quais, em termos de timbre e de tratamento musical, representam uma extensão virtual das

capacidades do instrumento Num sentido programático estes representam os ‘pensamentos’

ou ‘instintos’ do intérprete em contraste com o instrumento em palco que representa a sua voz

Às vezes o que é ‘sentido’ e o que é ‘dito’ é diametralmente oposto, como no primeiro andamento

onde a delicada e não possessiva música para marimba e os prolongados e obscuros chamamen-

tos na gravação se contradizem entre si Mas no fim os dois mundos, interior e exterior, fundem-se

num abandono desinibido e na celebração da vida e da sexualidade

Christos Hatzis

Iannis Xenakis: Rebonds

Um imenso ritual abstrato, um conjunto de movimentos e de batimentos sem qualquer contami-

nação folclórica, música pura cheia de ritmos maravilhosos e florescentes, que vão para além do

drama e da tempestade A nova obra-prima

Jacques Lonchampt

Manuel CamposManuel Campos (1971) é um dos nomes destacados do panorama da percussão portuguesa

contemporânea, ao mesmo tempo que ensina e coordena a Área de Percussão da Escola Supe-

rior de Música e Artes do Espetáculo do Porto, de cujo Grupo de Percussão é diretor artístico

Iniciou a sua formação musical na Escola de Música da Sociedade Filarmónica Vestiariense

Monsenhor José Cacella, concluindo esse primeiro estádio na Escola Profissional de Música

de Espinho Obteve, pelo seu desempenho artístico e académico, uma bolsa da Fundação

Calouste Gulbenkian para estudar na Escola Superior de Música de Würzburg (Höchschule

für Musik Würzburg), sob orientação dos professores Siegfried Fink e Mark Lutz Estudou ainda

no Rotterdam`s Conservatorium, onde obteve, sob direção de Robert van Sice e Miguel Bernat,

o seu Diploma UM (Solista) em Marimba A sua formação como músico e instrumentista é

completada pelas participações em masterclasses de nível internacional, das quais se desta-

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cam as realizadas com nomes tão importantes do panorama internacional da percussão como:

Evelin Glennie, Keiko Abe, Sunergy, Robert van Sice, Fritz Hauser, Glen Velez, Les Percussions de

Strasbourg, Percussion Group Cincinnati, Markus Leoson, Nebojsa Zivkovic, Daniel Berg, Miguel

Bernat, Leight H Stevens, Silvio Gualda, Kroumata Percussion Group Repartindo atualmente a

sua atividade entre a pedagogia e a carreira como instrumentista, destaca-se a sua condição de

percussionista no Drumming – Grupo de Percussão, agrupamento de que é co-fundador, e que

possui um destacado currículo internacional, para além de músico efetivo do Remix Ensemble

Casa da Música, cuja formação integra desde a fundação, no ano 2000, no âmbito da Porto 2001

– Capital Europeia da Cultura, deste que é um dos grandes agrupamentos de referência europeia

e mundial na música contemporânea Apresentando-se regularmente nos maiores palcos nacio-

nais, já no plano internacional, o Remix Ensemble possui no seu historial, e entre outras, atuações

em Valência, Roterdão, Huddersfield, Barcelona, Estrasburgo, Paris, Orleães, Bourges, Reims,

Antuérpia, Madrid, Norrköping, Viena, Amsterdão, Berlim, Paris, Estrasburgo, Orleães, Madrid,

Witten, Bruxelas, Huddersfield, Hamburgo e Frankfurt Presentemente regido pelo maestro titular

Peter Rundel, o agrupamento foi já dirigido pelos maestros Stefan Asbury, Ilan Volkov, Kasper

de Roo, Pierre-André Valade, Rolf Gupta, Peter Rundel, Jonathan Stockhammer, Jurjen Hempel,

Matthias Pintscher, Franck Ollu, Reinbert de Leeuw, Baldur Brönnimann, Emilio Pomàrico, Pedro

Neves, Heinz Holliger, Brad Lubman Paul Hillier e Peter Eötvös Data de 2004, o primeiro álbum

(duplo) gravado pelo Remix Ensemble Casa da Música, contendo registos em estúdio e ao vivo

de obras de Pauset, Azguime, Nuno Côrte-Real, Peixinho, Dillon, Staud e Nunes, encontrando-se

ainda disponíveis registos dedicados a obras de Emmanuel Nunes (editoras Numérica e West-

deutscher Rundfunk WDR) Bernhard Lang (Villa Concordia), António Pinho Vargas (Numérica)

e Wolfgang Mitterer (Casa da Música), Klaus Ib Jorgensen (Da Capo) e Janes Dillon (Aeon) A difer-

sificação e ecletismo do repertório do Remix Ensemble Casa da Música e respetivos músicos e

diretores ficam amplamente atestados pelas suas incursões pela música cénica, acompanha-

mento de filmes, dança e jazz, a par da promoção de numerosos workshops com compositores

como António Pinho Vargas, Brice Pauset, Emmanuel Nunes, Frédéric Durieux, Heiner Goebbels,

Iris ter Schiphorst, James Dillon, Magnus Lindberg, Mark-Anthony Turnage, Luís Tinoco, Georges

Aperghis, Helmut Lachenmann, Bernhard Lang, Matthias Pintscher, Harrison Birtwistle, David

Horne, Wolfgang Mitterer, Hans Abrahamsen, Karin Rehnqvist, entre outros Salienta-se ainda

a atividade de Manuel Campos como percussionista free-lancer em projetos a solo e/ou em

colaboração com orquestras e agrupamentos musicais diversos, bem como a direção artística

de diferentes projetos ligados à interpretação musical Destacam-se as suas colaborações com

as Orquestras Gulbenkian, Nacional do Porto, Sinfónica Portuguesa e Metropolitana de Lisboa

bem como com as formações de referência no panorama português da música contemporânea

como sejam a Oficina Musical (fundada por Álvaro Salazar) ou o Grupo Música Nova (fundado por

Cândido Lima)

Alia KacheVer página 34

89

António Chagas RosaNasceu em Lisboa em 1960 Concluiu o Curso Superior de Piano no Conservatório Nacional de

Lisboa em 1981 e a Licenciatura em História na Universidade Nova de Lisboa em 1983 Como

bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian, fez entre 1984 e 1987 uma pós-graduação em Piano

e Música de Câmara do séc XX no Conservatório Sweelinck de Amesterdão, sob a orientação

de Alexander Hrisanide De 1987 a 1992, com bolsa da Secretaria de Estado da Cultura, realizou

o Curso Superior de Composição no Conservatório de Roterdão com Klaas de Vries e Peter-

-Jan Wagemans Durante a sua permanência na Holanda, António Chagas Rosa foi também

maestro-repetidor no Muziektheater de Amesterdão e professor na classe de ópera no Conser-

vatório Sweelinck A sua produção de compositor inclui música de câmara, sinfónica, duas

óperas e numerosos ciclos de canções Recebeu encomendas do Festival Internacional de

Música de Macau, da Fundação Calouste Gulbenkian, da Casa da Música Porto, da Radiodifusão

Portuguesa, do Teatro Nacional de São Carlos, da Fundação Casa de Mateus, do Nederlands

Kamerkoor (Amesterdão), do Klangforum e Festival Jeunesse (Viena), do Grupo Drumming de

Percussão, do coro de câmara Les Éléments de Toulouse, etc As suas obras têm sido tocadas em

festivais de música contemporânea em Portugal, Espanha, França, Holanda, Alemanha, Suíça,

Áustria, Suécia, Ucrânia, E U A, Venezuela, Hong-Kong e Japão O seu ciclo de canções Songs of the

Beginning foi premiado em 1994 pela Associação Holandesa de Compositores A ópera Melodias

Estranhas, com libreto de Gerrit Komrij, foi-lhe encomendada pelas cidades do Porto e Roterdão,

Capitais Europeias da Cultura em 2001, tendo sido estreada no Schouwburg de Roterdão em

Dezembro de 2001 Um dos seus discos monográficos inclui As Feiticeiras (Actes-Sud, 2006), uma

cantata cénica com poema de Maria Teresa Horta, encomenda do Ensemble Musicatreize de

Marselha – valeu ao ensemble uma Victoire de la Musique/2007 (Radio France), tendo a obra

sido apresentada em Paris, na Cité de la Musique, em Maio de 2008 Editou em 2010 um CD

monográfico com uma seleção de obras escritas na última década entre 1998 e 2008 (Pas-de-

-Deux, Portugaler) Acaba de ver editado um terceiro CD monográfico com obras para percussão

(Mares, com o Drumming GP, MPMP) António Chagas Rosa é professor auxiliar na Universidade

de Aveiro (Departamento de Comunicação e Arte) onde, desde 1996, ensina Música de Câmara

Aí se doutorou em 2006 com uma tese sobre as relações entre ritmo e semântica em Os Jardins

Suspensos op. 15, de Schoenberg

Dimitris AndrikopoulosDimitris Andrikopoulos nasceu em 1971 em Larissa (Grécia) Começou os seus estudos musicais

de Viola d’Arco e de Teoria Musical obtendo em 1989 os diplomas em Harmonia e em Orques-

tração de Orquestra de Sopros Em 1992 em Atenas, diplomou-se nos cursos de Viola d´Arco e

de Contraponto Continuou os seus estudos de composição na Holanda, na Escola Superior de

Música e Dança de Roterdão com Klaas de Vries Em maio de 2004, concluiu a pós-graduação em

Composição e ao mesmo tempo, foi-lhe atribuído o Prémio de Composição da Escola Superior

de Música e Dança de Roterdão Um dos seus interesses principais é a interação das diferentes

disciplinas na música e principalmente a combinação da música acústica e electrónica Foi

selecionado como Participante Ativo para o Centre Acanthes 2005 em Metz onde trabalhou com

90

W Rihm, P Dusapin e A Solbiati A sua obra Nyx para orquestra foi executada no Concerto Final

pela Orchestre National de Lorraine Colaborou com vários grupos, em vários países europeus

como, Asko Ensemble, Mondrian Quartet, Remix Ensemble, Nederlands Ballet Orkest, Orchestre

National de Lorraine, a Orquestra Nacional de Atenas, Colors Contemporary Music Group, !Ynx

Ensemble, Duo Palmos, Jazz Orchestra of Matosinhos, Drumming Grupo de Percussão e intér-

pretes como Miquel Bernat, Sérgio Carolino, João Barradas, Manuel Campos, Fernando Ramos,

Margriet van Reisen, Lefki Karpodini, Lorenda Ramou entre outros Ganhou vários prémios de

Composição como, em maio de 2002, o Primeiro Prémio no concurso NOG para Jovens Compo-

sitores, com a obra Antiparathesis para Violino e Orquestra Em 2010 foi-lhe atribuído o COMPASS

Price (Centre for Composition and Associated Studies) da Universidade de Birmingham para a

obra Metamorphoses I para Ensemble Em 2012 foi-lhe atribuído o “ITEA / Harvey Phillips Award

for Excellence in Composition” para a obra Anathema I para Contrabass Tuba e Bayan Foi Artista

Residente no ano de 2013 do CCC, Caldas da Rainha Em 2013 concluiu com sucesso o seu douto-

ramento em composição na Universidade de Birmingham Desde 2004 é docente de composi-

ção na Escola Superior de Música, Artes e Espetáculo (ESMAE) do Instituto Politécnico do Porto

onde atualmente ocupa o cargo do Diretor do Departamento de Música

Academia de Dança de AlcobaçaA Academia de Dança de Alcobaça (ADA) é a designação dada aos cursos de dança ministrados

na Academia de Música de Alcobaça (AMA), uma escola de ensino especializado de música e

dança, autorizada pelo Ministério da Educação desde o ano de 2002 Para além da sua atividade

letiva, a ADA tem produzido anualmente espetáculos, quer para o público infantil quer para o

público em geral, que têm sido objeto das melhores críticas, sendo de destacar a coreografia “À

Noite No Mosteiro” apresentada o ano passado no âmbito da programação de dança do Cistermú-

sica

Para a participação na edição deste ano foram selecionadas as alunas que frequentam o curso

secundário de dança que interpretarão uma coreografia da responsabilidade da bailarina e

coreógrafa norte-americana Alia Kache

91

Coro Gregoriano de LisboaLiturgia de São Tiago Maior

24 de julho, sábado, 18h00 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Nave Central)

93

S. Jacobi, Apostoli

Ad Matutinum

Antiphona ad Invitatorium- Regem apostolorum cum Psalmus 94

Ad Laudes

Hymnus - Te nostra laetis laudibus

Antiphona - Dum perambularet Dominus

Antiphona - Relictis igitur

Antiphona - Sedere autem mecum

Antiphona - Assumpto Jesus Petro

Antiphona - Occidit Herodes Jacobum

Responsorium - Constitues eos principes

Ad Missam

Introitus - Mihi autem nimis honorati sunt

Kyrie IV

Graduale - Constitues eos principes

Alleluia - Ego vos elegi de mundo

Offertorium - In omnem terram

Sanctus IV

Agnus Dei IV

Communio - Ego vos elegi de mundo

Ad Vesperas

Antiphona - Quicumque voluerit cum Magnificat

Ad Completorium

Antiphona - Salve Regina

Coro Gregoriano de LisboaArmando Possante, solista e direção

António Gonçalves · Carlos Jorge Ançã · Miguel Pires de Matos · Pedro Santos Ferreira · Miguel

Gonçalves Silva · Rui Teixeira · Jorge Rodrigues · Tiago Oliveira · Pedro Rodrigues · Pedro Pombo

94

Notas à MargemO Coro Gregoriano de Lisboa apresentará vários momentos musicais da liturgia de S Tiago Maior,

cuja festa se celebra a 25 de julho São Tiago, também chamado Boanerge (Filho do Trovão), foi

um dos doze apóstolos de Jesus Cristo Tiago terá viajado até à Hispânia, tendo sido responsável

pelo início da sua evangelização Segundo uma tradição lendária, após o seu martírio e deca-

pitação às ordens de Herodes no ano 44, o seu corpo terá sido transportado de Jerusalém para

a Galiza e sepultado no lugar de Compostela que, em sua homenagem, foi renomeado como

Santiago de Compostela Santiago tornou-se um dos maiores destinos mundiais de peregrinação,

sendo considerada por muitos como a terceira cidade sagrada do Cristianismo, depois de Roma

e Jerusalém, sendo próprio S Tiago o padroeiro dos peregrinos

O concerto centra-se na recriação da estrutura musical da Liturgia da Missa, passando por todas

as peças do Próprio, específicas desta festa e que acompanham os principais momentos da

cerimónia, o Introitus na entrada do celebrante, o Graduale e o Alleluia, nos quais o coro e o solista

respetivamente respondem à primeira leitura e aclamam a leitura do Evangelho, e o Offertorium

e Communio que acompanham as procissões dos momentos correspondentes (Ofertório e

Comunhão) Juntámos a estas peças alguns dos cânticos do Ordinário (Kyrie, Sanctus e Agnus

Dei), peças de estrutura muito mais simples e que se destinavam a ser cantadas pela Schola

Cantorum, o coro especializado, em conjunto com toda a assembleia de fiéis, tendo-se neste caso

optado por peças dedicadas aos apóstolos

A Missa será no nosso concerto enquadrada pela Liturgia das Horas, tal como o é na estrutura

litúrgica Cantaremos excertos de vários dos serviços, começando pelo primeiro, as Matinas, do

qual interpretaremos o primeiro chamamento à oração, Domine, labia mea aperies, respondido

por Et os meum annuntiabit laudem tuam (Senhor, tu abres os meus lábios - E a minha boca anuncia

os teus louvores), ao qual se segue imediatamente o Salmo 94, salmo invitatório, que em todos os

dias do ano convida os fiéis para o louvor Serão também interpretadas por nós peças cantadas

nos ofícios de Laudes e Vésperas, sendo de destacar o canto do Magnificat, o Cântico de Nossa

Senhora, cantado diariamente em Vésperas

Concluímos o nosso concerto da mesma forma que se conclui a liturgia do dia, com a antífona

dedicada a Nossa Senhora cantada no fim do ofício de Completas Salve Regina seria a antífona

cantada nesta altura do ano, havendo mais três para outras épocas Após o canto desta antífona

mariana os monges retiravam-se em silêncio para as suas celas, confiantes na proteção de Maria

sobre as suas almas e na salvação eterna

Coro Gregoriano de LisboaFundado em 1989 por Maria Helena Pires de Matos, então professora responsável pela cadeira

de Canto Gregoriano da Escola Superior de Música de Lisboa e desde 2011 dirigido por Armando

Possante, o Coro Gregoriano de Lisboa tem como objetivo a divulgação do Canto Gregoriano

através do seu estudo e execução, tendo desenvolvido uma intensa atividade de concertos em

mais de 50 cidades no continente e ilhas Nos seus mais de 20 anos de atividade destacam-se a

95

participação no evento Lisboa 94 Capital Europeia da Cultura, nas Jornadas de Música Antiga da

Fundação Calouste Gulbenkian, no Ciclo de Concertos de Páscoa na Casa da Música, a digressão

nacional por ocasião dos 300 anos da morte do Padre António Vieira, em colaboração com a

Comissão Nacional para as Comemorações dos Descobrimentos Portugueses, a organização em

1999 e 2001 do Festival Internacional de Canto Gregoriano de Tomar, a participação nas filma-

gens e banda sonora do filme Quem és tu? de João Botelho, a 1ª apresentação em Portugal da obra

de Messiaen Et exspecto resurrectionem mortuorum, com a Orquestra Metropolitana de Lisboa

sob a direção de Michael Zilm e as comemorações dos 20 anos do Festival Música em São Roque

O Coro Gregoriano apresentou-se já em vários países, nomeadamente no Japão (1995), Bélgica

(1997 e 2003, no Festival Internacional de Canto Gregoriano de Watou), Luxemburgo (1999 e

2004 nas Jornadas de Canto Gregoriano da Abadia de St Maurice de Clervaux), Suíça (2000 no

XII Festival de Música medieval e renascentista “Cantar di Pietre”), Itália (2007, no VIII Congresso

Internacional de Canto Gregoriano em Florença) e Marrocos (2007, no Festival de Músicas Sagra-

das do Mundo em Fès) Para além da participação em vários programas de televisão e rádio, com

destaque para o programa Percursos da Música Portuguesa da RTP, o Coro Gregoriano editou

cinco trabalhos discográficos: uma gravação ao vivo da Missa pela Chuva editada pela EPAL em

1999 e os restantes editados pela DECCA – Liturgia de Santo António (1993) que recebeu o CHOC

do Le Monde de la Musique, Missa pela Paz (1997) – contemplado com o Diapason d’Or da revista

Diapason , Liturgias de Santos Europeus do 1º Milénio (2004) e Os Apóstolos (2011), nomeado para o

prémio Autores da SPA como melhor trabalho de Música Erudita

Armando PossanteArmando Possante fez os seus estudos musicais no Instituto Gregoriano de Lisboa e na Escola

Superior de Música de Lisboa, onde concluiu os Cursos Superiores de Direção Coral, com o

Professor Christopher Bochmann, Canto Gregoriano, com a Professora Maria Helena Pires de

Matos, e Canto, com o Professor Luís Madureira Estudou Canto em Viena com a Professora Hilde

Zadek e frequentou masterclasses de canto com os professores Christianne Eda-Pierre, Chris-

toph Prégardien, Siegfried Jerusalem e Jill Feldman Frequentou também cursos de Canto Grego-

riano em Itália e Portugal com os professores Nino Albarosa, Johannes Göschl, Alberto Turco e

Luigi Agustoni É professor no Instituto Gregoriano de Lisboa, na Escola Superior de Música de

Lisboa e na Fundação INATEL Orientou workshops de Canto e música coral no Canadá, Ingla-

terra, Singapura e em Portugal, destacando-se as Jornadas Internacionais de Música da Sé de

Évora, onde trabalhou frequentemente ao lado de Owen Rees e Peter Phillips É diretor musical

e solista do Grupo Vocal Olisipo e do Coro Gregoriano de Lisboa e membro convidado do Neder-

lands Kamerkoor, tendo-se apresentado em concertos na Alemanha, Bélgica, Bulgária, Canadá,

Espanha, Finlândia, França, Holanda, Inglaterra, Itália, Japão, Luxemburgo, Marrocos, Polónia,

Singapura e Suiça Conquistou o 3º prémio e o prémio para a melhor interpretação de Bach no 1º

Concurso Vozes Ibéricas, o 3º prémio e o prémio para a melhor interpretação de uma obra portu-

guesa no Concurso Luisa Todi de 2003 e o 1º prémio no 7º Concurso de Interpretação do Estoril

Foi-lhe atribuído como maestro o prémio Bärenreiter para a melhor interpretação de uma obra

renascentista no concurso C A Seghizzi em Itália e, com o Grupo Vocal Olisipo, quatro primeiros

prémios e vários prémios de interpretação em concursos internacionais na Bulgária, Finlândia e

96

Itália Gravou cerca de duas dezenas de discos com grande reconhecimento crítico, pelos quais

recebeu, entre outras distinções, o Choc du Monde de la Musique e o Diapason d’Or Apresenta-se

regularmente com a pianista Luiza da Gama Santos em recitais de Lied, tendo já interpretado

obras como os ciclos Winterreise de Schubert, Dichterliebe de Schumann e Lieder eines Fahrendes

Gesellen de Mahler Como solista de oratória interpretou com as principais orquestras do país

obras como Missa em Si m, Oratória de Natal e Magnificat de Bach, Messias de Handel, A Criação

de Haydn, Nona Sinfonia de Beethoven, Petite Messe Solennelle de Rossini, L’enfance du Christ de

Berlioz, Carmina Burana de Orff e as missas de Requiem de Mozart, Bomtempo, Fauré, Duruflé,

Lopes Graça e Eurico Carrapatoso Estreou-se em ópera no papel de Guglielmo em Così fan Tutte

de Mozart, tendo posteriormente participado em produções das óperas L’Amore Industrioso, As

Variedades de Proteu, Dido and Aeneas, The Fairy Queen, Venus and Adonis, La déscente d’Orphée

aux Enfers, La Donna di Génio Volubile, La Dirindina, A Floresta, Corpo e Alma, Jeremias Fisher, O

Sonho e L’Elisir d’Amore

97

Duo Piaolin COREIA DO SUL

Recital de Violino e Piano

28 de julho, quinta-feira, 21h30 Igreja Matriz de São Martinho do Porto

ESTREIA EM PORTUGAL

Apoio: Paróquia de São Martinho do Porto e Junta de Freguesia de São Martinho do Porto

99

Ludwig van Beethoven

Sonata para violino e piano n º 2 em lá maior, op 12 n º 2

Allegro vivace

Andante, più tosto Allegretto

Allegro piacevole

Cesar Franck

Sonata para Violino e Piano em lá menor

Allegretto ben moderato

Allegro

Recitativo – Fantasia: Moderato – Molto lento

Allegretto poco mosso

Camille Saint-Saëns

Dança Macabra

Duo PiaolinShinhae Yu, violino

MiHyang Yu, piano

1 º Prémio da Categoria Sénior do IV Concurso Internacional de Música de Câmara “Cidade de

Alcobaça” (CIMCA)

100

Notas à Margem

Ludwig van Beethoven: Sonata para violino n.º 2

Antes de encetar a sua lendária caminhada para desenvolver a sinfonia, durante os seus

primeiros anos em Viena Beethoven prosseguiu um caminho como executante e compositor de

música de câmara As obras que daí resultaram serviam não apenas para ser publicadas e utili-

zadas por outros, mas sobretudo para ser usadas pelo próprio Nessa época Beethoven estudava

com Haydn, Albrechtsberger e Salieri, mestre capela da corte imperial Também se aproximou de

um círculo de aristocratas que o patrocinaram e em cujos palácios atuava

Em finais do século XVIII havia em França, Itália e Alemanha uma longa tradição de sonatas para

tecla com “violino obligato” Prosseguindo essa tradição, as dez sonatas de Beethoven, compos-

tas entre 1798 e 1812, assumiram um lugar chave na história da música de câmara para violino e

piano Não há dúvida de que nas suas primeiras sonatas Beethoven foi influenciado pelas sona-

tas tardias de Mozart, mas os seus professores queixavam-se de ser excessivamente autocon-

fiante e mesmo teimoso na sua busca da originalidade Numa época de crescente popularidade

do piano, este estava a ser reforçado com um aumento de extensão e de matizes na sonoridade

A construção do violino também se desenvolvera e este tornara-se um instrumento mais rico e

poderoso Embora o primeiro conjunto de sonatas para violino e piano op 12, dedicado ao seu

professor Salieri, tenha vindo a ser ofuscado pelas posteriores sonatas Primavera e Kreutzer, são

composições firmemente assentes nas convenções do estilo clássico, mas com individualidade

suficiente para causar admiração e surpresa O primeiro crítico a escrever sobre o op 12 queixou-

-se de que as peças eram “fortemente sobrecarregadas de dificuldades inusuais” e que lhe faziam

sentir como se tivesse “saído cansado e desgastado depois de ter caminhado por uma sedutora e

espessa floresta ”

Cada uma das três sonatas é em três andamentos, com um allegro em forma-sonata, um anda-

mento lento e um rondó final Sendo o compositor um brilhante pianista, com experiência como

violinista e violetista e contando entre os seus amigos e colegas alguns dos melhores violinistas

da época, as suas sonatas demonstram uma verdadeira cooperação entre os dois instrumentos

Na Sonata n º 2 em lá maior o piano arranca com um brilhante tema baseado num motivo de

duas notas, enquanto o violino repete acordes no registo médio Os dois parceiros vão parti-

lhando cada novo desenho e cada nova figuração que vão surgindo O segundo andamento, em

lá menor, oferece uma paisagem mais carregada e temperamental, mas a boa disposição regressa

no jocoso rondó final, com simplicidade e múltiplas surpresas

Linda Mack

Cesar Franck: Sonata para Violino e Piano

Nascido em Liège em 1822, Cesar Franck teve um início de vida ensombrado por um pai domi-

nador que tinha grandes ambições para o seu filho inegavelmente talentoso Procurando a fama

e a riqueza que esse talento podia trazer à família, o pai de Franck mudou-se com ela para Paris

101

em 1835, acabando por inscrever o filho no Conservatório de Paris em 1837 Em 1845, a falta de

reconhecimento geral e a fraca receção que teve a estreia da sua primeira obra de grande fôlego,

Ruth, terão contribuído para que o jovem Franck tenha cortado de vez relações com os pais

Magoado pelas críticas e pela permanente pressão a que fôra sujeito, retirou-se quase completa-

mente da vida pública e ganhou a vida como professor e organista até que em 1858 foi nomeado

organista de Ste Clotilde Instalado no seu novo cargo, Franck foi obrigado a fornecer música

para os serviços e os seus dotes de improvisação tornaram-se lendários, mas só muito mais tarde

voltou a sério à composição Apesar da sua obediente participação nos primeiros concertos da

Société Nationale de Musique de Saint-Saëns, só voltou a escrever obras de fundo a partir de 1875,

prosseguindo até à sua morte em 1890

A sonata para violino de Franck tornou-se uma das mais conhecidas e apreciadas do género Foi

escrita em 1886 como presente de casamento para o seu amigo violinista, Ysayë Apresentada

ao noivo na manhã do casamento, teve a sua primeira execução, depois de um ensaio apres-

sado, durante o copo de água Teve mais tarde a sua primeira audição pública numa galeria em

Bruxelas, sendo de novo executada por Ysayë O programa era longo e como não eram autoriza-

das velas na galeria, foi-se instalando o receio de que a execução tivesse que ser interrompida

por falta de luz Ysayë e o seu pianista tocaram na penumbra e felizmente conseguiram concluir

quase na escuridão completa, tocando de memória

A obra condensa limpidamente a história dos felizes noivos O 1 º andamento evoca os primei-

ros sinais de atração, que acabam por crescer até atingir grandes rasgos de paixão O casal,

agora unido, enfrenta a sua primeira zanga no 2 º andamento, em que ouve o lado rejeitado nas

suplicantes passagens suaves, enquanto a fúria violenta das passagens mais rápidas ilustra o

conflito Tudo se resolve no meditativo e tranquilo 3 º andamento, até que o famoso final sugere

engenhosamente a própria cerimónia da boda Escrito em cânone, o violino segue exatamente o

piano e depois os papéis invertem-se, espelhando a repetição dos votos de casamento A escrita

suave e solene evoca a oração e de novo há grandes arrobos de emoção que pontuam o discurso,

até ouvirmos os celebrativos sinos parisienses pouco antes do fim

Nicholas Burns

Camille Saint-Saëns: Dança Macabra

Há quatro poemas sinfónicos escondidos no meio do gigantesco catálogo orquestral do

compositor, organista e pianista francês Camille Saint-Saëns (1835-1921) Os primeiro, segundo e

quarto colheram inspiração nas narrativas mitológicas de Ônfale, Faetonte e Hércules O terceiro,

contudo, correspondeu a um poema contemporâneo de Henri Cazalis (aliás Jean Lahor) Esses

versos narram uma frenética dança demoníaca que tem lugar depois da última badalada da

meia-noite – a hora das bruxas Saint-Saëns completou a sua Dança Macabra em 1875 e publicou

a partitura um ano depois Também fez vários arranjos, entre eles para violino e piano e para dois

pianos

Alguns músicos da orquestra indignaram-se com a representação literal da Danse macabre e

só relutantemente participaram na estreia a 3 de fevereiro de 1875, num programa do Concert

102

Nacional dirigido por Edouard Colonne O crítico Adolphe Julien queixou-se de que a peça “tem

tudo menos uma ideia musical, boa ou má ” A seguir descrevia-a como uma aberração ou uma

aldrabice ” As audiências, pelo contrário, encontraram grande satisfação diabólica partitura

orquestral Os sinos batem a meia-noite na véspera do dia de todos os santos A morte, tocando

num violino bizarramente desafinado, convoca esqueletos das suas sepulturas (sugeridos na

versão orquestral pelo chocalhar de “ossos” dum xilofone) para dançar uma valsa macabra – uma

paródia ominosa do cântico do Dies irae da Missa dos Mortos Essas figuras espectrais dançam

até que o galo canta a anunciar o amanhecer, fazendo com que regressem aos seus túmulos até

ao ano seguinte

Todd E. Sullivan

103

EGO | Orquestra Estágio GulbenkianConcerto Sinfónico

29 de julho, sexta-feira, 21h30 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Claustro do Rachadouro)

Joana Carneiro, direção Chloë Hanslip, violino

Parceria Patrocínio

105

Erich Wolfgang Korngold

Concerto para Violino e Orquestra em ré maior, op 35

Moderato nobile

Romanze

Allegro assai vivace

- intervalo -

Dmitri Chostakovitch

Sinfonia n º 5 em ré menor, op 47

Moderato

Allegretto

Largo

Allegro non troppo

106

Notas à Margem

Erich Korngold: Concerto para Violino

Tal como o eternamente popular Concerto para Violino de Mendelssohn, o Concerto para

Violino de Erich Korngold é uma obra tardia de um menino prodígio que contradiz qualquer

sugestão de que o compositor tenha perdido o jeito uma vez passada a sua brilhante infância

Parte da riquíssima tradição vienense em que Korngold foi educado dava como adquirido que os

grandes artistas eram dotados de um total domínio dos seus recursos técnicos; outra parte partia

do princípio de que a grande arte era profundamente expressiva Por isso, na esteira de Wagner

e à sombra de Strauss e Mahler, o jovem Korngold demonstrou dotes prodigiosos de inventiva

musical, um domínio magistral de vozes e instrumentos e uma inquestionável devoção a uma

expressão romântica e apaixonada

Perfeito para Hollywood, podemos nós dizer hoje, embora devamos recordar que a extraordi-

nária sofisticação e energia romântica que caracteriza as partituras de filmes dos anos 30 e 40

foram em grande medida uma criação de Korngold e de outros refugiados dos teatros de ópera

europeus As suas 23 músicas de filme, escritas sobretudo para a Warner Brothers, não foram

uma traição da sua educação vienense, como foi sugerido por muitos críticos petulantes, mas

sim uma extensão da mesma estética que ele sempre seguira

Reciprocamente, o seu trabalho para os estúdios enriqueceu a sua produção sinfónica

Nenhuma obra ilustra isso mais claramente que o Concerto para Violino, cujos três andamen-

tos usam temas de filmes produzidos entre 1937 e 1939 Ou será que as partituras dos filmes se

basearam em temas do concerto? As origens da obra não são claras, embora o grande violinista

Huberman tenha sugerido isso durante vários anos Em 1945, quando Korngold decidiu dar à

obra a sua forma definitiva, os melhores anos de Huberman já tinham chegado ao fim e por isso

foi Heifetz que ficou encarregado de fazer a estreia Esta deu-se em Saint Louis a 15 de fevereiro

de 1947, seguindo-se execuções pouco depois em Chicago e em Nova Iorque Em 1953 Heifetz

fez uma magnífica gravação com a Filarmónica de Los Angeles, que permanece inultrapassada

apesar das belas e numerosas gravações que têm surgido em anos recentes

Korngold ateve-se à tonalidade favorita de todos os concertos para violino (ré maior) e ao plano

favorito em três andamentos À maneira clássica, o primeiro andamento é alternadamente lírico

e enérgico, o segundo é uma Romanza de uma beleza sublime em sol maior, e o final é vibrante

e animado, com o seu quê de dança popular O solista é constantemente chamado a exibir um

virtuosismo extremo, com a parte solista a ser muitas vezes colocada no extremo agudo, no qual

só o violino, entre todos os instrumentos, é capaz de cantar com a sua voz pura e angelical A

orquestra raramente ocupa o primeiro plano, mas a riqueza de cores do seu acompanhamento,

especialmente de vibrafone, xilofone, harpa e celesta, dá-lhe um suporte mágico

Hugh Macdonald

107

Dmitri Chostakovitch: Sinfonia n.º 5

O mais destacado compositor da União Soviética foi também um dos maiores compositores do

século XX Dir-se-ia que qualquer outro músico que tivesse aceitado servir de porta-estandarte

a uma ditadura feroz estaria condenado ao esquecimento depois da sua morte; mas no caso de

Chostakovitch (1906-1975) isso não aconteceu Quatro décadas depois da sua morte, continua

a ser um dos compositores mais tocados do século XX: a sua ópera Lady Macbeth do Distrito de

Mzensk é considerada uma das mais importantes do século, os seus quinze quartetos são o mais

imponente acervo depois dos de Beethoven e, no topo de uma produção incrivelmente vasta,

que abarca concertos, bailados, música de cinema, para piano, para voz, estão as quinze sinfonias,

que fazem dele o mais importante sinfonista posterior a Mahler

A sinfonia mais tocada de Chostakovitch — estreada em 1937 em Leninegrado, sob a direcção de

Evgeni Mravinski — foi uma obra-charneira para o compositor Surgiu como resposta àquele que

foi provavelmente o momento mais traumático da sua vida, decorrente da reação horrorizada

de Estaline à ópera Lady Macbeth do Distrito de Mzensk, em 1936: acusado do pecado mor de

“formalismo” num artigo publicado no Pravda, Chostakovitch foi renegado por todos aqueles que

antes o haviam elogiado e durante semanas não dormiu e passou as noites vestido, à espera que

o viessem buscar para desaparecer sem deixar rasto, como aconteceu a muitos intelectuais e

artistas soviéticos

A 5 ª sinfonia significou um renascer para a vida Elogiada nos meios oficiais como “a resposta

de um artista a justas críticas”, com ela Chostakovitch afastou-se das vias mais experimentais

e modernistas da sua juventude, procurando dar maior inteligibilidade à sua música, com um

uso mais contido da dissonância e acrescida clareza tonal O compositor concentrou as ideias e

deu-lhes uma limpidez como que talhada no mármore, criando um vasto fresco mahleriano com

uma estrutura clássica em quatro andamentos

O primeiro andamento é uma forma sonata com uma carga trágica Começa com um cânone a

duas vozes cujos saltos melódicos e ritmo cortante, de uma premência agreste, convergem até

atingir um esforçado uníssono Uma melodia desolada dos violinos plana no registo agudo, com

uma solidão entranhada: é a sonoridade de uma música emblemática do século XX, escrita a

dois anos da II Guerra mundial e em plena asfixia totalitária O segundo grupo temático abre com

outra longa melodia nos violinos, de uma serenidade sonhadora e melancólica É notável a capa-

cidade de criar tal diversidade de atmosferas apenas com as cordas, facto que traduz um novo

rumo para Chostakovitch, mais expressivo e introspetivo, inflexão curiosamente parecida com a

que se deu com Mahler a partir da sua 5ª sinfonia, com o célebre Adagietto para cordas e harpa

O desenvolvimento traz uma progressão militarizante em que os temas vão perdendo o rosto

humano Todos acabam por se sobrepor de forma bélica, as cordas desaparecem e ficamos

apenas com a pulsar infernal da percussão e o primeiro tema convertido numa fanfarra

sardónica e monstruosa A reexposição começa com uma distorção frenética do início, quatro

vezes mais veloz, como uma loucura agressiva e sem freio; quanto ao sonhador segundo tema,

regressa nos metais, num cânone de lentidão granítica Quando a orquestra irrompe de novo

com o 1º tema dir-se-ia a voz de todo um povo, que é cortada de forma brutal e com um acento de

108

catástrofe Depois do idílio passageiro do segundo tema, a coda é uma metamorfose trágica: sem

estridências, aparentemente sem qualquer violência, Chostakovitch regressa a ré menor como

um sopro glacial em que os temas pairam como espectros

O 2 º andamento dá largas à verve irónica de Chostakovitch, num minueto entre o pesadão,

o rústico e o ridículo Se Mahler era um dos compositores que Chostakovitch mais admirava,

Offenbach era outro: o mestre da opereta fascinava o compositor russo, que o considerava um

génio da música satírica Na secção central há um solo de violino (acompanhado de harpa e

pizzicatos, com uma prosaica harmonização) que parece um descendente direto de Orfeu nos

Infernos A sátira tem aqui uma certa dose de bonomia burlesca: é como um olhar malicioso

sobre a artificiosidade ridícula do “grand monde” e a bruteza terra-a-terra que esta camufla

O Largo, de reminiscências tchaikovskianas, tem uma dimensão patética diferente de tudo

quanto Chostakovitch escrevera até então: um desespero pungente, uma tristeza que se entra-

nha e nos sufoca, por fim uma dolorosa renúncia, o fantasma de um lamento, com um efeito

inaudito de celesta e harmónicos da harpa O que torna essa passagem final mais pungente é o

facto de essa fragilidade se aplicar ao tema que antes deu origem ao clímax mais dilacerante e

patético do andamento Entre esses dois extremos, a música erra por atmosferas semi-arcaicas,

em que o ar se torna rarefeito como se houvesse um frio que nos cerra a alma, numa dos anda-

mentos mais comoventes de Chostakovitch

O final tem uma certa bombasticidade que contribui para o sucesso da obra Numa entrevista

dada aquando da estreia, Chostakovitch disse que era “uma resposta otimista aos momentos

intensamente trágicos dos andamentos anteriores” Mas a verdade parece estar longe disso;

especialmente na coda, que soa forçada e pouco convincente Tratando-se uma forma sonata, é

no mínimo estranho que o luminoso 2 º tema, que devia representar a “vitória”, não seja reexposto

no fim do andamento Se Chostakovitch quisesse simbolizar o triunfo usaria aí esse tema, e não

apenas uma simplificação esquemática do 1º tema Nas memórias ditadas a Volkov (cuja auten-

cidade foi contestada, apesar das verdades que encerram), Chostakovitch confessaria: “Creio que

o que se passa na 5ª sinfonia é claro para toda a gente É como se nos batessem com um bastão

dizendo ‘vocês têm é que estar alegres, vocês têm é que estar alegres’ - e uma pessoa se levantasse,

tremelicante, e fosse embora a murmurar ‘temos é que estar alegres, temos é que estar alegres’ ”

Alexandre Delgado

Joana CarneiroJoana Carneiro é Maestrina Convidada da Orquestra Gulbenkian e Diretora Artística do projeto

Estágio Gulbenkian para Orquestra Em 2009 assumiu as funções de Diretora Musical da

Sinfónica de Berkeley, sucedendo a Kent Nagano e tornando-se no terceiro maestro a ocupar

o lugar nos 40 anos de atividade da orquestra Esta colaboração irá prolongar-se até 2016-2017

Nascida em Lisboa, diplomou-se em Direção de Orquestra pela Academia Nacional Superior

de Orquestra Concluiu o mestrado na Northwestern University e o doutoramento na Universi-

dade do Michigan Em 2002 foi Conducting Fellow da American Symphony Orchestra League

na Filarmónica de Los Angeles Trabalhou com os maestros Esa-Pekka Salonen, Kurt Masur e

109

Christoph von Dohnányi e dirigiu a Filarmónica de Londres como uma das três maestrinas

escolhidas para a Allianz Cultural Foundation International Conductors Academy Foi assistente

de Esa-Pekka Salonen na estreia mundial de Adriana Mater, de Kaija Saariaho, na Ópera de Paris

Mais recentemente, dirigiu a ópera A Flowering Tree, de John Adams, na Ópera de Chicago, na

Cité de la Musique, na Fundação Calouste Gulbenkian e na Ópera de Cincinnati Em 2010 dirigiu

apresentações de Oedipus Rex e da Sinfonia de Salmos de Stravinsky, numa encenação de Peter

Sellars para o Festival de Sydney que ganhou o Prémio Helpmann Em 2004 foi agraciada pelo

Presidente da República Portuguesa com a Comenda da Ordem do Infante Dom Henrique

Chloë HanslipChloë Hanslip (n 1987) estabeleceu-se como uma artista de eleição na cena internacional Extre-

mamente talentosa, fez a sua estreia no BBC Proms em 2002 e em concerto nos Estados Unidos

em 2003, tendo-se apresentado nalguns dos maiores espaços do Reino Unido (Royal Festival

Hall, Wigmore Hall), da Europa Continental (Musikverein em Viena, Laeiszhalle em Hamburg,

Louvre e Salle Gaveau em Paris, Hermitage em São Petersburgo), assim como no Carnegie Hall,

no Metropolitan Arts Space em Tóquio e no Arts Centre de Seoul As suas apresentações têm

incluído a Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Philharmonia Orchestra, Royal

Philharmonic Orchestra, Filarmónica de Londres, Beethoven Orchester Bonn, Bern Symphony

Orchestra, Bremen Philharmonic, City of Birmingham Symphony, Royal Liverpool Philharmonic,

BBC National Orchestra of Wales, Lahti Symphony, Moscow State Symphony, Norwegian Radio,

Real Filharmonia Galiza, Viena Tonkünstler Orchester, Hamburg Symfoniker, Czech National

Symphony, Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, Orchestra Regionale Toscana, Helsingborg

Symphony, Royal Flemish Philharmonic e a Tampere Philharmonic Orchestra Aos seus compro-

missos acrescentam-se a Cincinnati Symphony, Detroit Symphony, Houston Symphony, Tokyo

Metropolitan Symphony, Malaysia Philharmonic, Adelaide Symphony, Auckland Philharmonia e

a Singapore Symphony Orchestra Tem colaborado com maestros como Sir Neville Marriner, Sir

Andrew Davis, Mariss Jansons, Paavo Järvi, Charles Dutoit, Michail Jurowski e Jeffrey Tate Chloe

Hanslip grava para a Hyperion e o seu primeiro lançamento na editora apresenta os Concertos

para Violino de Vieuxtemps (Royal Flemish Philharmonic Orchestra/Brabbins) O seu CD das

Sonatas de York Bowen com Danny Driver foi recomendada pela Gramophone (Choice) e The

Strad, e as suas outras gravações para a Hyperion incluem os Concertos de Glazunov/Schoeck

e as Sonatas para Violin de Medtner Outras gravações notáveis incluíram os Concertos de Bruch

com a London Symphony Orchestra (Warner Classics), pela qual ganhou o prémio Echo Klassik

para “Best Newcomer” (2002) e “Young British Classical Performer” no Classical Brits (2003), e uma

gravação altamente aclamada do Concerto para Violino de John Adams com a Royal Philhar-

monic Orchestra/Slatkin O amplo e vasto repertório de Hanslip abrange concertos de Britten,

Prokofiev, Beethoven, Brahms, Korngold, Shostakovich, Barber, Bernstein, Delius, Mendelssohn,

Bruch, Elgar, Tchaikovsky, Walton e Sibelius, assim como obras contemporâneas de Adams, Glass,

Corigliano, Nyman, Huw Watkins, Peter Maxwell Davies e Brett Dean Intérprete empenhada

de música de câmara, participa regularmente no Open Chamber Music de Prussia Cove e no

Kuhmo Chamber Music Festival na Finlândia Os seus parceiros de recitais integram Angela

Hewitt, Danny Driver, Igor Tchetuev e Charles Owen

110

Como destaques da temporada 2015-16, tem atuações com a Royal Philharmonic, Kristiansand

Symphony, Kymi Sinfonietta, Sinfonia Lahti, Flanders Symphony, Symphony Orchestra of Milan

Giuseppe Verdi, Prague Symphony, Ulster Orchestra, Bournemouth Symphony, BBC National

Orchestra of Wales e, nos EUA, uma tourné na Florida com a Buffalo Philharmonic Orchestra

Com Danny Driver, seu habitual companheiro de recitais, percorre a Irlanda e o Reino Unido

Chloë Hanslip estudou durante dez anos com o pedagogo russo Zakhar Bron Trabalhou igual-

mente com Christian Tetzlaff, Robert Masters, Ida Haendel, Salvatore Accardo e Gerhard Schulz

Toca com um Guarneri del Gesu de 1737

Estágio Gulbenkian para OrquestraLançado em julho de 2013, o Estágio Gulbenkian para Orquestra, sob a direção artística da

maestrina Joana Carneiro, é um projeto que promove a experiência orquestral de elevado nível

técnico-artístico entre a comunidade de jovens instrumentistas portugueses ou residentes em

Portugal e facilita a transição entre a fase final da vida académica e a sua entrada no mundo das

orquestras profissionais Cerca de 90 músicos de talento excecional, com idades compreendi-

das entre os 16 e os 26 anos, são escolhidos através de rigorosas provas de seleção realizadas

anualmente em vários locais do país, preparando obras do repertório sinfónico sob a orientação

de tutores especializados e de maestros com alargada experiência neste domínio Em 2014, no

seu curto mas intenso percurso, os elementos desta orquestra de jovens tiveram oportunidade

de, ao lado da Orquestra Gulbenkian, participar nos concertos de reabertura do Grande Auditório

Gulbenkian, realizando igualmente concertos no âmbito do Festival Internacional de Música

da Póvoa de Varzim, do Festival das Artes de Coimbra e do Festival Jovens Músicos Em 2015, a

digressão incluí concertos no Grande Auditório da Fundação Calouste Gulbenkian, no Festival

Música de Marvão, no Festival de Internacional de Música de Verão de Paços de Brandão, no

Festival das Artes de Coimbra e no Teatro Aveirense Alguns dos elementos do Estágio colabora-

ram ainda com o Festival Cantabile em Setembro de 2015 Nas palavras de Joana Carneiro “é uma

grande alegria participar num projeto que tem a ver com a juventude portuguesa que dedica o

seu tempo à música (…) É um espaço pré-profissional de crescimento” O presente concerto, com

obras chave do repertório sinfónico, é resultado de mais uma edição deste projeto

111

Elena Kelessidi GRÉCIA · ESTREIA EM PORTUGAL

João Paulo Santos30 de julho, sábado, 21h30 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Celeiro)

Patrocínio

113

Mikhail Glinka (1804-1857)

Não me tentes em vão

A uma lira

Recordo um belo momento

Alexander Dargomijski (1813-1869)

Vejo que ainda o amo

O rapaz e a rapariga

Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908)

Na noite silenciosa op 40 n º 3

O vento op 43 n º 2

O rouxinol e a rosa op 2 nº 2

Piotr Ilitch Tchaikovski (1840-1893)

No baile op 38 n º 3

Se ao menos eu tivesse sabido op 47 n º 1

Anton Rubinstein (1829-1894)

A noite

- intervalo -

Alexander Varlamov (1801-1885)

Não me deixes

Bandeira branca

Não a acordes ao amanhecer

Oh, não me beijes!

A neve sopra

Pyotr Bulahov (1822-1885)

Não quero!

Os meus sinos

Não, não te amo!

Três Velhas Canções Russas

Andrew Oppel (1872-1932): Esquecer-te

Yevgeny Yuriev (1882-1911): Ding Ding Ding

Ivan Vasiliev (1810-1870): Duas guitarras

Elena Kelessidi, soprano

João Paulo Santos, piano

114

Notas à MargemFora da Rússia, por vezes é surpreendente descobrir, para lá das sinfonias, que o reportório de

canções do século XIX cobre um vasta diversidade de estilos musicais e poéticos, embora haja

um aspeto que imediamente distinga as diferentes tradições, que é a cor das palavras A língua

russa, com os seus agregados de consoantes e vogais líquidas e escuras, tem um fascínio único,

e é também uma das línguas mais compensadoras e expressivas para um cantor A prática

quase universal entre os compositores russos de colocar uma nota por sílaba produz uma união

especialmente forte entre palavras e música, com linhas vocais intimamente desenhadas pelos

acentos e o fraseio poético Só a língua já torna a canção erudita russa – que normalente adopta a

designação francesa ‘romance’ – muito diferente do Lied alemão e da mélodie francesa

Embora o início do século XIX tenha assistido a um maravilhoso desabrochar de poesia, pintura

e arquitetura na Rússia, a música só começou a ganhar um voz verdadeiramente nacional nas

décadas de 1830 e 1840, em grande parte nas óperas de Mikhail Glinka Embora mergulhado

desde a infância em sons da música popular russa, Glinka começou por ser atraído pelos estilos

francês e italiano que predominavam nos salões cosmopolitas de São Petersburgo As suas

primeiras canções têm uma individualidade e um charme que definem um grande melodista e

um grande apreciador da voz humana Escrita em finais da década de 1820, Para uma Lira foi, na

verdade, escrita originalmente sobre versos italianos Fogo nas minhas veias é de 1838, altura em

que Glinka explorava maneiras de compor num idioma essencialmente russo Também essa

foi escrita para um poema diferente, mas Glinka achou mais tarde que o poema de Puchkin se

ajustava na perfeição

Os versos de Alexander Puchkin foram tão influentes na música como na poesia: em primeiro

lugar, encorajavam qualquer qualquer pessoa que os musicasse a ser clara, concisa e direta

Rapaz e Rapariga de Dargomijski é um modelo de concisão e meiga perspicácia, sem nenhuma

palavra ou nota fora do sítio Vejo que aindo o Amo causa efeito pela sua repetição da frase inicial,

sugerindo um estilo cada vez mais desesperado de declamação

Rimski-Korsakov é muito mais conhecido pelas suas óperas e música orquestral do que pelas

suas canções, das quais escreveu perto de 80, a maior parte delas muito tarde na sua carreira,

já na década de 1890 O Rouxinol e a Rosa é, contudo, uma das suas primeiras, datando de 1866,

quando ele era ainda cadete na marinha imperial russa As quintas vazias do acompanhamento

e os intervalos aumentados na parte vocal são elementos chave no vocabulário do orientalismo

que atraiu tantos russos enquanto o seu império se expandia a sul e a leste para o coração da

Ásia

Quando Cesar Cui acusou Tchaikovski de ter pouco cuidado com as nuances e os acentos dos

versos, este defendeu-se: “O mais importante na música vocal”, frisou, “é a reprodução verdadeira

da emoção e do estado de espírito ” Tanto na ópera como na canção, os valores puramente musi-

cais são de uma importância suprema “Não hesitaria um instante em sacrificar a verdade literal

à verdade artística Tais verdade diferem intrinsecamente, e eu nunca conseguiria esquecer a

segunda ao procurar a primeira ” Mais ainda, ao comparar verdade ‘real’ e verdade ‘artística’, “as

duas são tão completamente diferentes que confundi-las, comparando discurso falado e canção,

115

é simplesmente desonesto ” Das mais de 100 canções de Tchaikovski, muitas são elegantes

romances de salão que atraíam intérpretes amadores Raramente pôs em música poesia de

primeira qualidade (musicou poucos poemas de Puchkin, por exemplo), provavelmente por

sentir que os versos convencionais lhe deixavam mais liberdade para interpretar musicalmente

Muitas vezes atingiria níveis de expressão e lançaria desafios aos seus intérpretes que fazem da

suas canções uma parte importante e muito pessoal da sua produção Mostram uma invulgar

compreensão de vários aspetos do amor (sobretudo amores infelizes) e incluem estilizações de

canções populares, cenas dramáticas e muitas vezes a combinação de ambas

Andrew Huthi*

Elena KelessidiNascida no Cazaquistão, a soprano grega Elena Kelessidi fez a sua estreia no Covent Garden no

papel de Violetta de La traviata depois de ter vencido um concurso, o que levou ao arranque da

sua carreira internacional Outros teatros onde se apresentou incluem a L’Opéra Bastille, a Metro-

politan Opera, a Wiener Staatsoper, a Bayerische Staatsoper, a Berlin Staatsoper, a De Nederlandse

Opera, a Canadian Opera Company, a Dallas Opera, a Portland Opera, Ha amburgische Staatsoper,

a Opéra de Monte Carlo, a Baltimore Opera Company, o Tokyo Bunkamura Hall, a Deutsche Oper

Berlin, a Opernhaus Zürich, a Wiener Festwochen, a Opéra de Montpellier, o Bregenz Festival, o

Teatr Wielki de Varsóvia, o Odeon de Herodes Atticus e o Megaron Mousikis (Atenas) Os seus

papéis incluem Liù de Turandot, Cleópatra de Giulio Cesare, Shamakhan Tzaritza de O Galo de

Ouro, Mimi de La bohème, Giuletta de I Capuleti e i Montecchi, Amina de La sonnambula, Tatiana

de Evgeni Oneguin, Gilda de Rigoletto, Susanna de As Bodas de Fígaro, Marguerite de Faust, Micaela

de Carmen, Desdemona de Otello, Eurídice de Orfée et Euridyce, Donna Anna e Zerlina de Don

Giovanni Nas suas mais recentes atuações está a aclamada aparição no papel de Marta de The

Passenger tanto no Bregenz Festival como no Teatr Wielki em Varsóvia Fez a sua estreia no papel

de Adina de L’Elisir d’Amore, Nedda de I Pagliacci – na nova produção de Graham Vick no Odeon

of Herodes Atticus, Hanna Glawari de Die Lustige Witwe, Rosalinda de Die Fledermaus, Donna

Elvira de Don Giovanni e Fox de Cunning Little Vixen, para a Ópera Nacional Grega Regressou ao

Palais Garnier da Opéra National de Paris como Liouba em La Cerisaie na encenação de Philippe

Fénelon para O Jardim das Cerejeiras de Checkov Tem também aparecido regularmente em

concertos e fez a sua estreia portuguesa como Gilda na Casa da Musica um concerto de Rigoletto

Outros concertos incluem um recital em Londres para a série de recitais Rosenblatt tendo a sua

estreia indiana dado-se em Mumbai com a 9ª Sinfonia de Beethoven O seu último CD, A Russian

Romance, acompanhado por Malcolm Martineau, está disponível na editora Onyx

João Paulo SantosNascido em Lisboa, concluiu o Curso Superior de Piano no Conservatório Nacional desta

cidade na classe de Adriano Jordão Trabalhou ainda com Helena Costa, Joana Silva, Constança

Capdeville, Lola Aragón e Elizabeth Grümmer Na qualidade de bolseiro da Fundação Calouste

Gulbenkian, aperfeiçoou-se em Paris (1979-84) Depois de ter ocupado o cargo de Maestro Assis-

* Excerto do texto incluído no CD A Russian Romance da etiqueta Onyx

116

tente do Coro do Teatro Nacional de São Carlos (1984) foi nomeado Maestro Titular (1990-2004)

Atualmente é Diretor de Estudos Musicais e Diretor Musical de Cena do mesmo Teatro Desde

1990, desenvolve também intensa atividade como chefe de orquestra, tendo-se estreado com

a ópera The Bear, de William Walton, encenada por Luis Miguel Cintra, para a RTP Seguiram-se

Let’s Make an Opera (Britten); Help, Help, the Globolinks! (Menotti), na Culturgest; Sweeney Todd

(Sondheim), no Teatro Nacional D Maria II; Albert Herrin (Britten), Neues vom Tage (Hindemith)

e Le Vin herbé (Martin), no Teatro Aberto (2001) Tem sido convidado a dirigir estreias absolutas

de obras dos compositores António Chagas Rosa, António Pinho Vargas e Eurico Carrapatoso

No São Carlos dirigiu Renard e Les Noces (Stravinsky), The English Cat (Henze), Orphée aux enfers

(Offenbach), O Nariz (Chostakovitch) e, em co-produção com a Culturgest, Hanjo (Hosokawa)

e Pollicino (Henze) em estreia em Portugal Na qualidade de pianista, apresenta-se a solo, em

grupos de câmara, acompanhando cantores e em duo com a violoncelista Irene Lima desde

1985 Do seu repertório destaca-se a interpretação da integral das Sonatas para piano e outros

instrumentos de Hindemith Gravou vários discos, um dos quais com obras de Erik Satie e Luís de

Freitas Branco (EMI Classics) Foi galardoado com o Prémio “Acarte 2000” pela direção musical de

The English Cat

117

Orquestra Euro-AtlânticaConcerto de Encerramento

31 de julho, domingo, 19h00 Mosteiro de Santa Maria de Alcobaça (Claustro do Rachadouro)

Osvaldo Ferreira, direção

119

Piotr Ilitch Tchaikovski

Romeu e Julieta, Abertura-Fantasia

Serguei Prokofiev

Romeu e Julieta, Suite n º 2 do bailado, op 64b

Montéquios e Capuletos

Julieta como Menina

Frei Lourenço

Dança

Despedida de Romeu e Julieta

Dança das Raparigas das Antilhas

A Sepultura de Romeu e Julieta

- intervalo -

Antonín Dvořák

Sinfonia n º 9 em mi menor, “Do Novo Mundo”

Adagio

Adagio – Allegro molto

Largo Molto vivace

Alegro con fuoco

120

Notas à Margem

Piotr Ilitch Tchaikovski: Romeu e Julieta

Uma das melhores e mais amadas obras de Tchaikovski, a Abertura-Fantasia Romeu e Julieta,

baseada em Shakespeare, não atingiu depressa nem com facilidade a sua forma definitiva Em

1869, o seu colega e compositor russo Balakirev sugeriu ao jovem Tchaikovski (então com 29

anos) que escrevesse uma peça de concerto baseada na tragédia de Shakespeare Indo mais

longe, Balakirev apontou a Tchaikovski um tema possível, as tonalidades que devia usar e muitos

outros detalhes – no fundo procurando moldar a construção da obra Balakirev, contudo, não

ficou satisfeito com os primeiros esboços que Tchaikovski lhe enviou Quando a obra foi estreada

em 1870, o compositor também não ficou satisfeito e decidiu fazer uma grande revisão, publican-

do-a no verão seguinte Dez anos depois, Tchaikovski voltou a revê-la e só então foi publicada na

sua forma definitiva

Mais do que um poema sinfónico programático que segue o enredo de Romeu e Julieta, a

Abertura-Fantasia é uma obra em forma sonata que sublinha três temas memoráveis da tragédia

A introdução, com uma melodia tipo coral declamada por clarinetes e fagotes, representa Frei

Lourenço O primeiro tema principal, incluindo escalas velozes, metais e percussão, coloca

em cena a contenda mortal entre Montéquios e Capuletos Vem então o tema apaixonado dos

amantes, seguido de mais um episódio da luta entre as famílias O tema de amor regressa com

intensidade acrescida, e nessa altura a coda é apresentada como uma marcha fúnebre marcada

pelos tímpanos, juntamente com o tema de Frei Lourenço, representando o personagem cujas

tentativas para ajudar conduziram ao desastre Aquilo que Shakespeare consegue na peça,

Tchaikovski também consegue com a música: um equilíbrio entre o ódio dos clãs e a paixão dos

jovens amantes

Linda Mack

Serguei Prokofiev: Romeu e Julieta (2.ª Suite)

No início da década de 1930, ao fim de nove anos passados nos Estados Unidos e depois em

França, Serguei Prokofiev (1891-1953) começou a pensar em regressar à Rússia Enquanto jovem

audacioso, na Rússia ele havia sido louvado ou rejeitado como modernista; na América e em

França fora visto como um representante da velha Rússia que ele deixara para trás

Em 1934 Prokofiev entrou em conversações com o Teatro Kirov em Leninegrado para escrever

um bailado lírico; sugeriram-lhe Romeu e Julieta, mas depois recuaram Em 1935 Prokofiev

assinou um contrato com o Teatro Bolchoi de Moscovo para um bailado baseado na peça de

Shakespeare, mas o Bolchoi veio a rejeitar a obra, dizendo que era “impossível de dançar” Em

1937 o compositor acabaria por assinar um contrato com a Escola de Bailado de Leninegrado

para fazer a estreia, cujo êxito conduziu a produções subsequentes da companhia de bailado do

Teatro Kirov e posteriormente do Teatro Bolchoi

121

De forma pragmática, Prokofiev adaptou a sua música de bailado para duas suites orquestrais

que captam a atmosfera essencial do bailado e se tornaram firmes favoritos do reportório de

concerto

A segunda suite abre com “Montéquios e os Capuletos”, música que pertence ao início do bailado

e inclui a dança formal de Julieta com Páris, escolhido pela família dela para ser o seu noivo

“Julieta como Menina” pertence à 2 ª Cena do 1 º Ato e ilustra a natureza brincalhona de Julieta,

que tem apenas 14 anos A música termina suavemente com Julieta a ver o seu reflexo num espe-

lho e a perceber que está no limiar de se tornar uma mulher “Frei Lourenço” representa o padre

bondoso que faz amizade com os jovens amantes, primeiro com uma melodia confiada a fagotes,

tuba e harpa, depois com outra tocada pelos violoncelos em divisi

Em “Despedida de Romeu e Julieta”, Romeu está no quarto de Julieta pouco antes do amanhe-

cer; juram o seu amor antes de Romeu partir e Julieta contempla o seu destino Na “Dança das

Raparigas das Antilhas”, escravas das Índias Ocidentais dançam na festa de casamento de Julieta

e Páris Este traz pérolas como presente para a sua noiva; quando esta cai inerte, ninguém se

apercebe de que a sua morte é só aparente

Richard Thompson

Antonín Dvořák: Sinfonia “Do Novo Mundo”

A chegada de Dvořák à América a 26 de setembro de 1892 foi um triunfo da persistência de Jean-

nette Thurber, fundadora do Conservatório Nacional de Música de Nova Iorque Ela esperava

que a contratação desse exuberante nacionalista de grande reputação daria uma sólida base

à sua instituição e formaria compositores americanos que poderiam competir com quaisquer

outros do mundo Antonín Dvořák (1841-1904) mostrou-se inicialmente relutante em deixar a sua

amada Praga e enfrentar os rigores de uma viagem marítima até ao Novo Mundo para uma aven-

tura tão incerta, mas as sucessivas propostas da senhora Thurber acabaram por lhe vencer as

resistências Ela também esperava que ele, além de ensinar jovens músicos americanos, compu-

sesse novas obras especialmente para o público americano Um projeto potencial era uma ópera

baseada na Canção de Hiawatha de Longfellow, que Dvořák apreciara anos antes numa tradução

checa A ópera nunca se materializou, mas o assunto teve influência na sua sinfonia mais famosa,

composta nos Estados Unidos

Era claro para Dvořák que o consideravam mais que uma celebridade Esperavam grandes coisas

dele Escreveu a um amigo morávio, fingindo-se aterrado, que os jornais americanos estavam a

escrever coisas “simplesmente terríveis — vêem em mim, dizem eles, o salvador da música e sei lá

que mais ” Mas ao fim de alguns meses escreveu a amigos em Praga, mais tranquilo: “Os america-

nos esperam ( ) que eu lhes mostre a terra prometida e o reino de uma arte nova e independente,

em resumo, que crie uma música nacional Se a pequena nação checa pode ter tais músicos,

dizem eles, porque não poderão eles também, com um país tão vasto e com tantos habitantes?”

Nos primeiros meses não houve tempo para compor, mas no fim do outono começou um livro

de notas com ideias musicais e a 19 de dezembro fez os seus primeiros esboços na América Um

122

dia depois anotou, na segunda página, uma das suas invenções melódicas mais conhecidas: a

melodia confiada ao corne inglês no início do andamento lento da sinfonia Do Novo Mundo Nos

dias seguintes esboçou outras ideias numa dúzia de páginas do livro, muitas que foram usadas

na sinfonia, outras guardadas para obras posteriores e algumas deixadas de lado Finalmente,

a 10 de janeiro de 1893, Dvořák abriu uma nova página e começou a escrever o fluxo contínuo

do discurso musical (apenas com algumas indicações básicas do acompanhamento) de todo o

primeiro andamento Daí até concluir a sinfonia, a 24 de maio, conciliou na medida do possível a

composição e as aulas

Nenhuma obra de Dvořák causou tanta discussão como a Sinfonia Do Novo Mundo O próprio

compositor deu o pontapé de saída com uma entrevista publicada no Herald de Nova Iorque a 21

de maio, quando estava a terminar o último andamento Foi citado nos seguintes termos: “Estou

contente por saber que o futuro da música neste país tem que se basear naquilo a que chama-

mos melodias dos negros Essa tem que ser a verdadeira base de qualquer escola de composição

séria e original fundada nos Estados Unidos Quando vim para aqui no ano passado eu já tinha

essa impressão, que agora se desenvolveu e se tornou uma convicção assente Esses temas belos

e variados são o produto da terra Não há nada em todo o espectro da composição que não

possa ser fornecido por essa fonte ”

Noutra ocasião Dvořák complicou o assunto declarando que estudara a música dos índios

americanos e mesmo que a achara espantosamente semelhante à dos negros Esta ideia era

certamente errónea, ou pelo menos simplista demais — e provavelmente tem mais a ver com a

ligação mental do compositor entre esta sinfonia e a sua ópera inacabada sobre Hiawatha do que

com citações musicais concretas

Seja como for, os comentários de Dvořák chamaram muito a atenção Os diligentes repórteres

americanos abordaram compositores europeus e perguntaram-lhes a opinião deles e depois

escreveram que a maior parte dos compositores achava que as recomendações de Dvořák eram

pouco exequíveis ou mesmo impraticáveis Assim, quando a nova sinfonia apareceu, seis meses

depois, toda a gente queria saber se ele seguira os seus próprios conselhos Apareceram por

todo o lado pretensões de que o material melódico da sinfonia era tirado de música negra, ou de

música índia, ou talvez de ambas Noutra entrevista, pouco antes da estreia, Dvořák enfatizou

que procurara o espírito e não a letra de melodias tradicionais, incorporando as suas qualidades,

mas desenvolvendo-as “com a ajuda de todas as conquistas do ritmo, do contraponto e do colo-

rido orquestral modernos ”

Apesar do desmentido do compositor, as descrições da sua busca das fontes da música foram

sendo cada vez mais embelezadas e no fim do século podia-se ler, até nas notas de programa da

Orquestra Sinfónica de Boston, por exemplo, que o material temático da sinfonia “é em grande

parte feito a partir de melodias dos negros das plantações do sul ”

E no entanto há testemunhos que merecem crédito relativas a algumas pretensões de influência

étnica Um deles é de Victor Herbert, então conhecido como maestro e o principal violoncelista

da sua geração (ainda não começara a compor as operetas que o tornariam famoso) Herbert

era responsável pela cadeira de violoncelo do Conservatório Nacional e trabalhava muito de

123

perto com Dvořák no seu primeiro ano na instituição Herbert recordou mais tarde que o jovem

compositor e cantor negro Harry T Burleigh, então aluno do Conservatório, dera a Dvořák algu-

mas das melodias para a sinfonia Acrescentou que “já vi isto ser negado — mas é verdade ” É certo

que em várias ocasiões Burleigh cantou espirituais para Dvořák, que mostrara grande interesse

por ele como um dos mais talentosos alunos da escola Tenha ou não dado melodias concretas

a Dvořák, certamente Burleigh familiarizou-o com os tipos de melodias característicos do espiri-

tual, incluindo a frequente utilização da escala pentatónica

O título que Dvořák acrescentou à sinfonia — quase à última hora — também tem sido muito

escrutinado, provavelmente demasiado, em discussões sobre o caráter nacional da obra O

assistente do compositor, um jovem músico checo chamado Kovařik, escreveu que “havia e há

muitas pessoas que pensavam e pensam que o título deve ser interpretado como uma sinfonia

‘americana’, isto é, uma sinfonia com música americana É uma ideia muito errada! Este título

significa simplesmente ‘Impressões e Saudações do Novo Mundo’ — como o próprio mestre

explicou mais de uma vez ”

Tudo somado, a influência americana parece ser essencialmente uma ornamentação exótica

num quadro de fundo característico do compositor checo Hoje, um século depois da estreia da

obra, não nos preocupa tanto a questão de esta ser ou não verdadeira música americana, sobre-

tudo agora que os compositores americanos deixaram há muito de funcionar como imitadores

da arte europeia Mesmo assim, há poucas razões para duvidar da óbvia sinceridade de Dvořák

quando escreveu a um amigo checo, enquanto a compunha, que “nunca teria escrito a sinfonia

‘tal e qual’ se não tivesse visto a América ”

Uma das características mais apelativas das melhores obras de Dvořák é a sua reserva aparen-

temente inesgotável de invenção melódica A facilidade aparente com que ele cria ingénuas

canções folclóricas esconde o labor que se encontra nos esboços, refinando, triando e esco-

lhendo aquelas que serão realmente utilizadas, muitas vezes modificando-as consideravelmente

entre o ponto de partida e o resultado final Dvořák, contudo, não penava a inventar ideias temá-

ticas tanto como se preocupava com a maneira de as interligar (As suas incertezas nessa fase da

construção revela-se por vezes nos esboços, que por vezes interrompia precisamente na ligação

entre os temas para fazer outros esboços preliminares )

Depois de uma introdução lenta que aflora o tema principal, a trompa toca uma suave fanfarra

sincopada sobre um trémulo das cordas Esse é um dos vários temas que irão regressar ao longo

da sinfonia como elementos unificadores O ritmo pontuado que se lhe contrapõe conduz a

harmonia para sol menor e para um tema de âmbito reduzido (apresentado por flauta e clari-

nete) sobre uma pedal Este ilumina-se ao mudar para sol maior e para o momento mais memorá-

vel do Allegro: um novo tema (talvez uma recordação inconsciente do espiritual negro Swing low,

sweet chariot) apresentado pela flauta solo no registo grave; também as quatro primeiras notas

desta canção irão reaparecer depois muitas vezes

Os dois andamentos centrais inspiram-se parcialmente, segundo Dvořák, em passagens de A

Canção de Hiawatha O andamento lento foi sugerido pelo funeral de Minnehaha na floresta, mas

Dvořák também lhe instilou muito da sua saudade da Boémia (talvez não seja mero acaso que a

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letra que depois se associou a esta melodia seja Goin’ home, “voltando para casa”) A introdução

desse andamento é uma das ideias mais lapidares de Dvořák: em sete acordes modula de mi

menor, a tonalidade do primeiro andamento, para ré bemol maior, tonalidade do segundo anda-

mento O mesmo encadeamento reaparece, com modificações, a fechar este Largo

A imagem de Dvořák para o terceiro andamento era a dança índia na cena do casamento de

Hiawathe, referindo-se decerto à dança de Pau-Puk-Keewis, que, depois de dançar “num passo

solene” começava um passo muito mais animado; mas é quase impossível encontrar algo que

se chame “música índia” nesta dança tão checa A turbilhonante secção inicial tem os mesmos

requebros e ambiguidades rítmicas do furiant checo, e as restantes ideias melódicas são valsas,

ora graciosas, ora enérgicas

O último andamento é basicamente uma forma sonata, mas Dvořák não se afasta muito da tona-

lidade de base e usa temas surpreendentemente regulares O musicólogo Michael Beckerman

mostrou recentemente que é possível ler ritmicamente a narrativa poética de Longfellow refe-

rente à suprema batalha entre Hiawatha e o seu arqui-inimigo Pau-Puk-Keewis sobre a música da

secção inicial, e sugere que esses versos estavam claramente na mente do compositor quando

a compôs Perto do fim, regressam elementos dos três andamentos anteriores em combinações

contrapontísticas (a mais surpreendente das quais é a rica progressão harmónica do segundo

andamento tocada fortíssimo por metais e madeiras sobre o tumulto da cordas) De alguma

forma, nas páginas finais temos o Dvořák checo, o Dvořák americano e até uma forte lufada de

Wagner (por momentos parece que a Vénus de Tanhäuser vai irromper do Venusberg) numa

inebriante mistura que conduz a sinfonia à sua exuberante conclusão

Steven Ledbetter

Osvaldo Ferreira Osvaldo Ferreira, na qualidade de diretor convidado, irá apresentar-se em 2016/2017 com a

Orquestra Filarmónica de S Petersburgo, a Orquestra do Luxemburgo, a Orquestra Gulbenkian,

a Orquestra Sinfónica de Nuremberga e Bühnen-Halle na Alemanha, a Orquestra Sinfónica da

Venezuela (onde gravará um novo CD) e com a Orquestra do Estado Russo em Moscovo, entre

outras Atualmente é Diretor Artístico da Orquestra Euro-Atlântica na Europa e da Sociedade de

Concertos de Brasília Foi diretor musical e regente titular da Orquestra Sinfónica do Paraná de

2011 a 2014, Diretor Artístico e Maestro Titular da Orquestra do Algarve de 2005 a 2011 e diretor da

Oficina de Música de Curitiba de 2008 a 2014 Gravou vários CDs com obras de autores portu-

gueses com a Orquestra Sinfónica da Póvoa de Varzim para a Editora Numérica e um CD duplo

com Sinfonias de Mozart Com a Orquestra do Algarve, apresentou-se em Viena, Bruxelas, Lisboa,

Sevilha, Porto, Curitiba e Londres No seu percurso destaca-se o seu trabalho à frente de impor-

tantes orquestras, tais como a Orquestra Filarmónica de S Petersburgo, a Orquestra Sinfónica de

Roma, a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica Brasileira, a Orquestra de Praga, a Orquestra

Filarmónica de Lodz, a Orquestra Filarmónica da Silésia, a Orquestra Sinfónica de Nuremberga,

a Orquestra Filarmónica da Rádio da Renânia, a Orquestra Nacional do Porto, a Orquestra do

Theatro Municipal do Rio de Janeiro, o Mozarteum de S Petersburgo, a Orquestra Sinfónica Portu-

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guesa, a Orquestra do Teatro Olímpico de Vicenza, a Orquestra da Extremadura de Espanha, a

Orquestra da Catalunha, a North Shore Orchestra em Chicago, a Orquestra do Festival de Aspen

nos Estados Unidos e ainda a Orquestra Nacional da Venezuela Realizou Mestrado em direção

de orquestra em Chicago e pós-graduação no Conservatório de S Petersburgo, na classe de Ilya

Mussin Foi laureado em 1999 no Concurso Serguei Prokofiev, na Rússia Recebeu o “Fellowship”

do Aspen Music Festival nos EUA, onde frequentou a American Conductors Academy Foi

assistente de Claudio Abbado em Salzburgo e Berlim Estudou ainda com Jorma Panula e David

Zinman, foi bolsista do Ministério da Cultura de Portugal e da Fundação Calouste Gulbenkian em

Lisboa

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