portefolio sobre arte contemporanea

PORTEFÓLIO DIGITAL

Professor Miguel Azevedo

«COMPOSIÇÃO PLÁSTICA

CONTEMPORÂNEA COM O TEMA

DIREITO À DIFERENÇA!»

OBJETIVOS Objetivo A REFLETIR O QUE É A ARTE CONTEPORÂNEA: PRINCIPAIS MOVIMENTOS ARTÍSTICOS CONTEMPORÂNEOS. Objetivo B RESPONDER A INQUÉRITO SOBRE ARTE CONTEPORÂNEA.

Objetivo C REALIZAR UM SÍMBOLO PARA O «PES» - PROJETO DE EDUCAÇÃO PARA A SAÚDE, NO ÂMBITO DE UM CONCURSO DA ESCOLA. Objetivo D TRANSFORMAR ROSTOS DE «VEDETAS» E DE SEUS PARES, UTILIZANDO FORMAS DE ANIMAIS E DE OUTRAS TRADIÇÕES CARNAVALESCAS.

Objetivo E ASSOCIAR DESENHOS E INCLUIR MENSAGENS.

Objetivo F FILMAR A EXPOSIÇÃO DAS COMPOSIÇÕES REALIZADAS.

Objetivo G REFLEXÃO FINAL, COMENTANDO A AFIRMAÇÃO: OBSERVANDO-SE AS COMPOSIÇÕES PLÁSTICAS ELABORADAS, PODE-SE CONCLUIR QUE O TIPO DE FORMAS E SUA ORGANIZAÇÃO, UTILIZADAS, APROXIMAM-SE DE OUTROS TEMAS OU ESTILOS CONTEMPORANEOS ESTUDADOS.

Objetivo A

REFLETIR O QUE É A ARTE CONTEPORÂNEA: PRINCIPAIS MOVIMENTOS ARTÍSTICOS CONTEMPORÂNEOS.

Arte contemporânea – O que é ?

Andy Warhol.

Animais ameaçados, 1983.

A Arte Contemporânea Internacional inicia-se na

década de 60, quando surgem sinais de esgotamento

no movimento abstracionista, marcando a volta do

figurativo. A arte contemporânea pretende restaurar os

valores humanos e resgatar a preocupação com a

natureza. Ciência, tecnologia e humanismo

confraternizam. A arte de hoje é marcada pela herança

cultural, e seu inesgotável repertório de signos, que

são identificados também na sociedade pós-guerra,

com sua necessidade de produção em massa para

atender uma permanente insatisfação. Artistas e

espectadores têm participação na obra. O espectador

passa a ser visto como um associado na criação.

Para compreender-se a Arte Contemporânea, do

século 21 temos de conhecer movimentos que

apareceram desde o século 19…

Movimento Cubista

Criaram uma nova linguagem que transformas as

formas da natureza em figuras geométricas,

observadas em diferentes pontos de vista, linhas e

superfícies. Utiliza tons apagados, como cinzentos,

verdes e castanhos. Em 1912 Picasso, Braque e

Gris começaram a incorporar material gráfico, dando

importância ao discurso escrito, como pelo uso da

técnica da colagem, colando páginas de diário e papeis

pintado e outros incomuns como a madeira e tapeçaria.

Movimento Futurista

Surgiu em 1909 com a publicação do Manifesto

Futurista, pelo poeta italiano Filippo Marinetti.

Valorizavam a sobreposição das imagens para dar a

ideia de dinâmica, a deformação dos objetos, fazendo

os seus aspetos interpenetrarem-se continuamente a

um só tempo.

Abandonavam a distinção entre arte e design e

abraçavam o design tipográfico da época e a

propaganda como forma de comunicação. Tiveram

grande repercussão no dadaísmo, no concretismo, e no

design gráfico pós-moderno.

Movimento Dadaísta0

O movimento dadaísta é um movimento antiartístico,

antiliterário e antipoético porque questiona a existência

da arte, da literatura e da poesía. Assim, procura

renovar a expressão mediante o cruzamento de ideias e

respetivos materiais que antes seriam difíceis de

conjugar.

O Dadaísmo propunha a espontaneidade, o que é

actual e a crónica. Artistas como Picabia, Kurt

Schwitters e Marcel Duchamp , usaram objetos aos

quais chamou ready-mades, empregando materiais

como papeis usados, um secador de garrafas ou um

urinol.

Movimento Surrealista

Este movimento procura restaurar os poderes da

imaginação, e, para além de querer criar uma arte nova,

pretende ainda criar um homem novo. Negando a

realidade que a sociedade nos impôe como a única

verdadeira. Usa símbolos e sua linguagem metafórica

simbolista, ou a ilusão óptica, a ciência e a religião. O

pintor surrealista Salvador Dalí afirmou "A única

diferença entre Eu e os Surrealistas é que Eu sou o

Surrealismo".

Movimento Expressionista:

Van Gogh

Van Gogh propõe, em vez da simples

descrição objetiva da realidade, uma arte pessoal e

intuitiva, que represente a expressão do inconsciente

coletivo da sociedade, valorizando a "expressão" de

sentimentos, nem que seja necessária a

deformação da realidade. Esta linguagem leva a que o

espetador compreenda e assim aproxime das obras de

arte, fator que estará na origem do crescimento

exponencial das galerias de arte e dos museus.

Movimento Abstracionista

A arte abstrata ou abstracionismo é geralmente

entendido como uma forma de arte (especialmente nas

artes visuais) que não representa objetos próprios da

nossa realidade concreta exterior. Ao invés disso, usa

as relações formais entre cores, linhas e superfícies

para compor a realidade da obra, de uma maneira "não

representacional".

Expressionismo Abstrato Os expressionistas utilizavam a arte como uma forma

de refletir o seu estado físico/ espiritual como o

purificar a angústia. Reflete uma rutura entre o artista e

o ambiente que o envolve, fato que o torna num ser

introvertido e alienado da sociedade. Com o advento

do nazismo, o expressionismo foi considerado como

"arte degenerada".

Movimento Fauvista

Este movimento utilizava a cor de um modo

provocativo , recriando a realidsade com novas cores,

para expressar «sentimentos» exaltando os contrastes

cromáticos. Os artistas «fauves» vão trabalhar com a

teoría da cor RGB (Red- vermelho, Green- verde, Blue-

azul) interpretando o que são cores primárias,

secundárias e complementares. Artistas como Matisse

defendiam a simplificação e espontaniedade do

desenho e da pintura com traços toscos e

descontinuados, ou toques de pincel rápidos y

vigorosos. Os temas escolhidos para pintar eram

varios: o mundo rural ou o urbano, os interiores ou a

pintura ao ar livre, a figura humana ou ainda afirmar a

alegría de viver.

Movimento Neoplasticista

Mondrian

Para este movimento, a arte deve afastar-se da

representação da natureza, porque é uma criação

humana artificial. Artistas como Mondrian e Theo van

Doesburg pintavam com cores primárias (vermelho,

amarelo, azul) no seu estado máximo de saturação

como também o branco e o preto, para parecerem mais

artificiais, ou seja, com maior intervenção do homem e

menos da natureza.

Claramente um movimento de arte de pesquisa, foram

essenciais para a arquitetura moderna, assim como

para a formulação do que hoje se conhece por design.

Fazem parte do universo cultural da Bauhaus.

Fundando o movimento De Stijl, os artistas valorizavam

o que é estrutural e o equilíbrio assimétrico,

combinando linhas e ângulos retos e atribuindo valores

semelhantes a combinações de linhas e cores

diferentes para atingir um equilíbrio dinâmico que

tocasse a "beleza universal" e provocasse a emoção de

beleza que, por sua própria característica, é "cósmica"

e "universal". A composição dá certa liberdade de

escolha quanto à disposição dos elementos e do ritmo.

O que ocorre é a redução drástica da influência

individual, aumentando significativamente o caráter

universal da obra

Neoplasticismo na arquitetura

Os arquitetos neste movimento procuravam "uma casa

que se diria feita não para, e sim pelos moradores,

utilizando elementos pré-fabricados", abolindo

elementos ornamentais, com superfícies lisas,

rejeitando a aparência rústica. Por exemplo, na "Casa

Schröder", projetada por Thomas Gerrit Rietveld (1888-

1964), visava-se um ambiente que fosse uma expressão

artística, com linhas retas, planos e cores básicas

(conforme pregou Mondrian em sua obra "Le Néo-

plasticisme: principe général de l’équivalence

plastique").

Movimento Construtivista to Construtivista

Movimento estético instaurado na Rússia de 1914, que

negava a arte pura e assimilava influências da

indústria.

O termo arte construtivista foi introduzida pela primeira

vez por Malevich para descrever o trabalho

de Rodchenko , que realizou trabalhos expressionistas

abstratos, mas também influenciou o design moderno.

Dedicou-se ainda ao fotorrealismo, destacando o

posicionamento e o movimento dos objetos no espaço

e a composição diagonal dinâmica, fotografando

desportos e desfiles, eliminando sempre o detalhe

desnecessário.

Movimento Pop Arte Roy Lichtenstein Keith Haring.

Surgiu no Reino Unido e nos Estados Unidos, no final

da década de 1950. Marca a passagem da modernidade

para a pós-modernidade, na cultura ocidental.

Pretendia definir a cultura pop, criticando a sociedade

capitalista pelos excessivos objetos de consumo,

utilizando signos estéticos com cores inspiradas na

publicidade ou usando produtos com cores intensas,

fluorescentes, brilhantes e vibrantes, ou ainda

reproduções de objetos do cotidiano em tamanho

consideravelmente grande, em materiais como gesso,

tinta acrílica, poliéster, látex.

O artista Andy Warhol retratou ídolos da música

popular e do cinema, como Michael Jackson, Elvis

Presley, Elizabeth Taylor, Marlon Brando e a sua

favorita, Marilyn Monroe, tentando mostrar o quanto as

personalidades públicas são figuras impessoais e

vazias; mostrava isso associando a técnica com que

reproduzia estes retratos, numa produção mecânica ao

invés do trabalho manual. Da mesma forma, utilizou a

técnica da serigrafia para representar a impessoalidade

do objeto produzido em massa para o consumo, como

as garrafas de Coca-Cola e as latas de sopa Campbell.

São também de realçar os artistas.

Movimento Arte conceptual

Marcel Duchamp, (1950) iníiciou as obras conceptuais,

que chamou de «readymades», com materiais como

fotografias, mapas e textos como definições de

dicionário, tentando também mostrar a sua recusa em

produzir objectos de luxo - função geralmente ligada à

ideia tradicional de arte - como os que podemos ver em

museus. Em arte conceptual, a ideia ou conceito é o

aspecto mais importante da obra, em vez do artefato.

Significa que a ideia torna-se a máquina que origina a

arte. No planeamento, as decisões são tomadas

antecipadamente, enquanto a execução torna-se um

assunto secundário, em alguns casos, a obra reduz-se

a um conjunto de instruções escritas que descrevem a

obra, sem que esta se realize de fato.

Fazem parte artistas como Nino Cais ou Clemente

Greenberg, Sol Lewitt, Yoko Ono e Lawrence Weiner. O

movimento estendeu-se, aproximadamente, de 1967 a

1978. Foi muito influente, contudo, na obra de artistas

subsequentes, como no caso de Mike Kelley ou Tracy

Emin que são por vezes referidos como

conceptualistas da segunda ou terceira geração, ou

pós-conceptualistas.

Movimento Minimalista

Neste movimento pretendeu-se o uso de poucos

elementos para estudar novas estéticas de composição

a partir de estruturas bi ou tridimensionais que podem

ser chamadas de "objetos". O uso de cores neutras ou

a ausência de cores pretendia transmitir ao observador

uma perceção fenomenológica nova do ambiente onde

se inseriam. Um dos artistas atuais que faz instalações

com objetos destas caraterísticas, é Gabriel Orozco,

que podes conhecer no blog

http://arteseanp.blogspot.pt/2012/01/gabriel-orozco-

arte-do-ready-made.html,

O design minimalista focalizou-se numa parcela da

população, chamada de Yuppies, ou novos ricos, que

pretendiam expor sua riqueza a partir do despojamento

formal de seus objetos, criando "não-objetos", dada a

sua inutilidade, e, contrariando assim o movimento

Funcionalista alemão, que pretendia a ergonomia.

Movimento Op Art

Op Art significa “arte óptica”. Defendia para arte

"menos expressão e mais visualização". A vida rápida

das cidades contribuiu para a perceção do movimento,

tal como a evolução da ciência, principalmente os

estudos psicológicos sobre a vida moderna e da Física

sobre a Óptica. Surge com Victor Vasarely, desde 1930

e as suas obras são em geral abstratas, criando a

ilusão de perspetiva, dando a impressão de movimento,

clarões ou vibração, parecendo inchar ou deformar-se.

Usam diferentes níveis de iluminação, apenas o preto e

o branco ou contrastes violentos de cores

complementares para produzir ilusões de movimento.

A técnica "moire", aplicada no trabalho "Current", de

Bridget Riley, é um bom exemplo. Nela, há a criação de

um espaço móvel, produzindo um efeito denominado

"whip blast" (explosão do chicote).

O estilo de Riley é marcado por listras que se

sobrepõem, curvas onduladas, discos concêntricos e

quadrados ou triângulos que se repetem.

Artistas são da Op Art como Victor Vasarely, Ad

Reinhardt, Keneth Noland Alexander Calder, Youri

Messen-Jaschin.

Movimento Arte Povera

Este desenvolveu-se originalmente na segunda metade

da década de 1960 na Itália. Os seus adeptos utilizam

materiais de pintura (ou outras expressões plásticas

não convencionais, como por exemplo areia, madeira,

sacos, jornais, cordas, terra e trapos) com o intuito de

"empobrecer" a obra de arte, reduzindo os seus

artifícios e eliminando as barreiras entre a Arte e o

quotidiano das sociedades. Os artistas voltaram a sua

atenção para as temáticas da natureza e seus

derivados, rompendo com os processos industriais e

revelando a sua crítica ao empobrecimento de uma

sociedade guiada pelo acumular de riquezas materiais.

Movimento Body Art

As obras de body art, como criações conceituais, são

um convite à reflexão. Suas origens encontram

referências no início do séc.XX na premissa de Marcel

Duchamp que afirma "tudo pode ser usado como uma

obra de arte", inclusive o corpo. Além de Duchamp,

podem ser considerados precursores da body art o

francês Yves Klein, que usava corpos femininos como

"pincéis vivos", o americano Vito Acconci e o italiano

Piero Manzoni. Há casos em que a body art assume o

papel de ritual ou apresentação pública, apresentando,

portanto, ligações com o Happening e a Performance.

Outras vezes, sua comunicação com o público dá-se

através de documentação, por meio de videos ou

fotografia.

Movimento Fotorrealismo

Fotorrealismo é uma escola de pintura que utiliza

imagens obtidas pela fotografia. Tal como a arte pop, o

fotorrealismo reagia também contra a inundação de

imagens produzidas pela fotografia, fazendo por isso

uma seleção de imagens, focando a atenção do público

para a realidade que descreviam: o paisagismo, o

retrato, a natureza-morta e os cenários urbanos. Outros

abordavam ícones culturais da classe média, investidos

de grande apelo emocional, como carros de corrida,

motocicletas e objetos e bens de consumo que

significavam progresso e um estilo de vida confortável

e desejável. Outros ainda preferiam reproduzir fotos

antigas, criando obras memorialistas e nostálgicas,

numa espécie de arqueologia da vida urbana.

O termo Fotorrealismo é atualmente usado também

para designar uma técnica de computação gráfica para

criação de imagens imitativas da realidade, sendo

largamente utilizada no design de videogames. Neste

movimento, são divulgadas as obras de Richard Estes,

Ralph Goings, Chuck Close, Charles Bell, Audrey Flack,

Don Eddy, Robert Bechtle e Tom Blackwell. Na

escultura, produzirão com iguais princípios essenciais,

os artistas Duane Hanson e John DeAndrea.

Movimento Graffiti

Destaca-se neste movimento Banksy, que é também

pintor, ativista político e diretor de cinema inglês. Sua

arte de rua satírica e subversiva combina humor negro

e graffiti feito com uma distinta técnica de estêncil. Em

telas e murais faz suas críticas, normalmente sociais,

mas também comportamentais e políticas, de forma

agressiva e sarcástica, provocando em seus

observadores, quase sempre, uma sensação de

concordância e de identidade. Apesar de não fazer

caricaturas ou obras humorísticas, a primeira reação de

um observador frente a uma de suas obras será o riso

espontâneo, involuntário e sincero, assim como suas

obras.

O conselho municipal de Bristol determinou a

preservação de todas as obras de Banksy na cidade.

Em Portugal: «Movimento Planetarismo»

O movimento de Arte Contemporânea chamado

“Planetarismo”, foi criado por Margarida António, em

em Portugal, em 2001. Este defende que aTécnica,

Espírito e Ciência (TEC) devem estar em perfeito

equilíbrio e harmonia na obra de arte. Defende que a

arte deve usar formas que transmitam o bem, o belo, a

paz, o progresso e nunca promover o horror, o mal, o

sofrimento e a guerra. Margarida António, deu uma

conferência na qual salientou o vocabulário visual da

obra “Guernica” de Pablo Picasso, destacando como o

artista utilizou significâncias e o simbolismo para

ilustrar a guerra civil espanhola.

Guernica simboliza a emoção forte perante a destruição

de inocentes, pelos Nazis na sua cidade natal, a Basca

Guernica. Representa corpos cujas formas quebram

regras, porque surgem alteradas, torcidas. A falta de

cor intensifica o que acontece a nível físico, neste caso

um drama: preto, azul e branco, como fora uma

reportagem fotográfica captando o «agora».

Nesta pintura com colagem, o cavalo é um símbolo que

representa, segundo Picasso, «o povo de Guernica», e

representa simbolicamente ou em linguagem

metafórica o seu sofrimento, enquanto o touro,

representa a «brutalidade e escuridão». Mede 3,5m por

7,8 m e pode ser visto em Madrid, em edifício

construído pelo arquiteto português Siza Vieira.

Objetivo B

ESCREVER ACERCA DA ARTE CONTEPORÂNEA.

FAZ UMA REDAÇÃO, SALIENTANDO AS CARACTERÍSTICAS QUE MAIS TE INTERESSAM , DA ARTE CONTEMPORÂNEA. SUGESTÕES:

a) Uso de variadas técnicas: . fixação de objectos . colagem . pintura a óleo/acrílico

. materiais incomuns b) salienta emoções fortes.... c) uso de onomatopeias d) a espontaneidade, o aleatório

e) acontecimentos do dia a dia f) salienta o acontecimento físico… g) capta o «agora», o imediato h) uso de símbolos i) uso de linguagem metafórica j) uso de ilusões ópticas.

(ex.: formas torcidas, expressando dor) k) uso de signos/símbolos… l) usa a deformação da realidade -formas que quebram regras… (novas reinventando a realidade) m) a defesa da natureza…

n) reflete progressos da ciência, tecnologia e humanismo o) relembra a herança cultural p) ajuda o espectador a entender e assim a participar na obra. m) valoriza o figurativo q) ajuda a expressar valores humanos, ajudando a restaurá-los.

r) aproxima a arte pintura e escultura do design…

Objetivo C

REALIZAR UM SÍMBOLO PARA O «PES» - PROJETO DE EDUCAÇÃO PARA A SAÚDE, NO ÂMBITO DE UM CONCURSO DA ESCOLA.

CONCURSO PARA CRIAÇÃO DE

LOGÓTIPO PARA O ESPAÇO JOVEM

Objectivo

Criação de um logótipo para o

Gabinete de Apoio ao Aluno,

denominado “Espaço Jovem”, para

utilização em documentos e

execução de uma pintura/graffiti

no gabinete.

Destinatários

Todos os alunos do 3º ciclo da Escola

E. B. 2, 3 de Sande

As participações podem ser

individuais ou coletivas.

Pode ser apresentado mais do

que um trabalho por

participante/equipa.

Natureza do trabalho

Do logótipo devem constar,

obrigatoriamente, as designações

Espaço Jovem e Escola E. B. 2, 3

de Sande e as caraterísticas do

mesmo devem relacionar-se com

a função do Gabinete em questão.

Apresentação dos trabalhos

Os trabalhos a concurso não podem

conter indicações pessoais do

aluno/equipa, ou qualquer elemento

que os permita identificar, sob pena de

exclusão.

Os trabalhos deverão permitir a

sua plena utilização em

diferentes suportes, sem perda de

definição, mesmo quando

reduzido.

A cada trabalho deve ser anexado

um documento onde conste um

pequeno texto sobre o significado

do logótipo criado.

O trabalho não deverá conter

assinatura ou qualquer sinal que

identifique o autor ou a equipa.

Os trabalhos deverão ser entregues

na Direção, num envelope A4,

com a indicação no exterior de

“Logotipo Espaço Jovem”.

Deverá acompanhar o trabalho

um envelope fechado com os

dados do autor/equipa (nome,

morada, telefone, e-mail, ano e

turma).

Deverão ser entregues duas versões

do trabalho: uma a cores, outra a

preto e branco, em papel (formato

A4) e em ficheiro formato Jpeg.

Critérios para apreciação dos

trabalhos

Criatividade/Inovação.

Qualidade artística.

Coerência e coesão.

Adequação ao objectivo do concurso.

Alusão aos elementos referidos: Escola

E. B. 2, 3 de Sande e Espaço Jovem.

Entrega dos trabalhos

Candidatura: Espaço Jovem até dia 11

de janeiro

Entrega das propostas/trabalhos: até

dia 15 de Março

SUGESTÕES DE IDEIAS PARA O LOGOTIPO

TRAÇAR METAS DIÁRIAS.

ADPOTAR VALORES.

OUVIR O CORAÇÃO E A RAZÃO.

AFASTAR PRECONCEITOS.

AGIR PARTINDO DE CONVICÇÕES.

REFAZER CAMINHOS.

SUGESTÕES DE IMAGENS

ALGUNS SÍMBOLOS A

INTEGRAR A COMPOSIÇÃO

FINAL

«DIREITO À DIFERENÇA» -

ALGUMAS REFLEXÕES.

ALGUMAS REFLEXÕES SOBRE

OS SÍMBOLOS REALIZADOS

Este desenho foi inspirado em muitas

ações que os adolescentes fazem. No

pensamento da pessoa “ que amamos “,é

uma fase “adolescência” em que

começam a descobrir dentro de si algo

deferente “o gostar de alguém “.

Bruno Nogueira, turma 9º 2

A razão pela qual eu desenhe foi para

mostrar o amor entre as pessoas e o

quanto é importante gostarmos uns dos

outros. A amizade é importante e este

desenho mostra isso.

Nº 18, turma 9º2

Eu fiz este desenho com a intenção de

mostrar que também a música pode

simbolizar o amor.

João Correia, nº11, turma 9º2

Eu fiz o meu desenho inspirado no amor e

na música.

Alexandra Marques, nº2, turma 9º2

Nós fizemos um puzzle que representa

que devemos pensar com o coração e a

razão e devemos fazer o que deve ser

feito.

Nº 14 e nº18, turma 9º2

Mostrar que o amor muda a nossa vida, e

quanto o amor é importante para a nossa

vida. Todos precisamos de amor nas

diversas formas, na amizade, na família,

no grupo de amigos, onde cada um

participa até de namorados ou casados.

Criei esta imagem para dizer que as

pessoas não precisam de ser perfeitas

para se amarem, serem felizes. …basta

duas almas que se completem, que se

adorem….é preciso lutar e acreditar até

ao último segundo e a última lágrima

derramada pelo nosso rosto.

Nº3, turma 9º 3

- a distancia só cria sofrimento e parte

corações.

- não importa se tu estás perto ou longe, o

que importa é que tu existes para que eu

possa sentir a tua falta.

-distancia é ruim, mas isso não atrapalha

o NOSSO AMOR.

-tudo perdeu o sentido sem você aqui.

-amar não é apoderar-se do outro para

completar-se mas dar-se ao outro para

completá-lo.

-tenho medo de te perder, medo que você

me esqueça, que você me deixe e não

volte mais.

Ana Rocha nº1, turma 9º3

Quando se gosta verdadeiramente de

alguém o amor vence tudo, tal como a

amizade.

Diana Nº 5, turma 9º3

Eva Nº7, turma 9º3

Magda Nº17, turma 9º3

A alturas na vida que agimos com o

coração, mas devemos pensar com a

cabeça,ou seja tentar equilibrar!

Gabriela, turma 9º3

Amor, assunto que nunca compreendi! E

que tal uma ajudinha?

Simplesmente é tudo tão complicado

agora!

Quero perceber os outros e quero que

eles me percebam.

Maria de Fátima, nº19, turma 9º3

Quero transmitir alguém que está em

dúvida entre dois caminhos e que o

caminho a seguir é decisão só dele.

Nº 9, turma 9º5

Mostrar ajudar quem mais precisa. Quem

tem dificuldades, quem tem problemas, ou

seja quem tem o coração magoado.

Nº 3, turma 9º5

Eu fiz esta imagem com a intenção de

mostar a partilha de amor entre as

pessoas.

Nº 4, turma 9º5

Quero transmitir que toda a gente tem o

direito de seguir o seu coração.

Maria Eduarda Novais nº 14, turma 9ª6

Tânia Alexandra Guedes nº24, turma

9º6

Nós escolhemos este desenho porque

retrata a paixão pela música e a felicidade

de viver.De ser feliz ao lado das pessoas

que amamos a palavra “love” é o amor

que anda no ar.

Rita e Marco, turma 9º6

O rapaz segura o guarda-chuva que

simboliza o abrigo do amor, que é um

sentimento especial de cada pessoa.

Rui Madureira nº21, turma 9º6

Nesta imagem, quero transmitir que em

cada ser existe um sentimento, o AMOR.

Quem ama ESCUTA, ouve, e segue o que

o coração diz. Não guardes o

sentimento, mas sim, demonstra-o.

Marta Monteiro nº15, turma 9º6

Soraia Soares nº22, turma 9º6

O coração estava triste e quando

começou a ficar feliz foi-se reconstruindo

como um puzzle.

André Cardoso Nº1, Jorge Cardoso nº

17, turma 9º7

Desenhei…para dizer que o gabinete

ajuda-nos a seguir o caminho certo. Os

pés significam que aquele é o caminho

certo. Devemos deixar que nos ajudem,

não nos deixar ajudar é ser ingrato.

Desenhei uma pessoa em tamanho

grande para dizer que somos importantes

e que temos de cuidar de nós. E é isso,

escolher o caminho certo e deixar que nos

ajudem. Nº 22, turma 9º7

O que quis transmitir foi que o amor das

pessoas tem que ser eterno.

José Filipe, Nº 19, turma 9º7

Com este desenho pretendemos

demonstrar que o nosso coração está

sempre em mudança, que tão depressa

está bem como está mal (completamente

partido aos bocadinhos) isso devido às

pessoas que pertencem à nossa vida.

O nosso coração todos os dias se

modifica, essa é a razão de termos feito

um coração e um sinal de manutenção.

Joana Silva nº10, turma 9º7

Luciana Inácio nº20, turma 9º7

Joana e Luciana, turma 9º 7

Objetivo D

TRANSFORMAR ROSTOS DE VEDETAS E COLEGAS INSPIRADAS EM TRADIÇÕES CARNAVALESCAS.

IMAGENS E TÉCNICAS SUGERIDAS LINK «VEDETAS»: http://issuu.com/miguelyeswecan/docs/a_5_vedetas?mode=window&viewMode=doublePage

LINK «ROSTOS E ANIMAIS»: http://issuu.com/miguelyeswecan/docs/a5_rosto_e_animais___seus_volumes_e_texturas?mode=window&viewMode=doublePage

LINK «TÉCNICAS UTILIZADAS»: http://issuu.com/miguelyeswecan/docs/a_5__desenho_de_letras_e_t_cnicas_utilizadas?mode=window&viewMode=singlePage

INICIANDO «O DIREITO À DIFERENÇA» 9º: VEDETAS DIFERENTES

7º: COLEGAS DIFERENTES

Objetivo E

ASSOCIAR DESENHOS E INCLUIR MENSAGENS.

Objetivo F

FILMAR A EXPOSIÇÃO DAS COMPOSIÇÕES REALIZADAS. EXPOSIÇÃO NA CANTINA: http://youtu.be/9lacCP6bKtA

EXPOSIÇÃO NA SECRETARIA: http://youtu.be/ABmELp3dc48 EXPOSIÇÃO NA SALA DE CONVÍVIO: http://youtu.be/BoWYwdU5YhY

Objetivo G REFLEXÃO FINAL, COMENTANDO A AFIRMAÇÃO: OBSERVANDO-SE AS COMPOSIÇÕES PLÁSTICAS ELABORADAS, PODE-SE CONCLUIR QUE O TIPO DE

FORMAS E SUA ORGANIZAÇÃO, UTILIZADOS, APROXIMAM-SE DE OUTROS TEMAS OU ESTILOS CONTEMPORÂNEOS ESTUDADOS.

REFLEXÃO FINAL

Pode afirmar-se que o tipo de formas utilizadas e a sua organização, ou seja o estilo utilizado é contemporâneo, dado que

utiliza formas - rostos -transformados de um modo diferente, tal como ainda símbolos que apontam a uma mensagem ou tema

comum, o «direito à diferença». Este tema, de reinvindicação social é contemporâneo do momento de crise que a Europa atravessa. A

técnica utilizada da «colagem» facilitou a associação de formas, sendo por sua vez uma técnica tipicamente contemporânea.

FIM.