INTRODUÇÃO

Este trabalho pretende mostrar a importância da dança aplicada em escolas de ensino

fundamental. Para sua realização buscou-se através de bibliografias a origem das danças, sua

historia e costumes de povos de diferentes lugares. Nilza (1999) coloca que as danças folclóricas

estão presentes em quase todos os paises e enquanto algumas são ligadas ao culto, outras

reproduzem fatos heróicos que merecem ser lembrados. De qualquer forma elas possuem

incomparável valor folclórico por tratar de vários aspectos do dia a dia das pessoas e por ser um

componente cultural da humanidade importantíssimo, assim como o folclore brasileiro que

representa a cultura de uma determinada região, é riquíssimo em danças que representam as

tradições de um povo.

Para Portinari (1989) o Brasil explora muito mal sua grande riqueza - “o folclore”, e a

tendência é que se não for bem trabalhado, venha a desaparecer igualmente aconteceu com antigas

tradições.

Nesse estudo, pretende-se usar a dança na escola como forma de resgate cultural, pois se

acredita que compreendendo, apreciando e contextualizando danças de diversas origens culturais

torna-se possível discutir preconceitos e valores.

O 1º capítulo trata de uma breve história da dança mundial, dando ênfase às danças

folclóricas que são riquezas pouco exploradas e vão desaparecendo junto com outras antigas

tradições. Cada estado tem seu folclore, no qual a dança é componente de enorme tradição.

Serão citadas no 2º capítulo as principais danças e festas folclóricas pertencentes a cada

região do Brasil, bem como suas manifestações e influencias culturais.

No 3º capítulo abordam-se as relações entre dança, educação e educação física, visto que a

dança não é somente uma habilidade corporal, pois a criança utiliza-se dela para buscar

conhecimentos de si mesma e de tudo que a rodeia.

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Finalmente no 4º capitulo elaborou-se um projeto de aplicação dessas danças nas escolas

públicas seguindo as sugestões do PCN de artes que tem como propósito o desenvolvimento

integrado do aluno, onde experiência motora permite observar e analisar as ações humanas

propiciando o desenvolvimento expressivo que é o fundamento da criação estética.

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I - HISTÓRIA DA DANÇA

A dança é uma das artes mais complexas e mais antigas, para entendê-la é preciso que se

volte no tempo. De acordo com Magalhães (2005), os primeiros registros de movimentos do corpo,

de expressões corporais, datam de 14.000 anos atrás, e só no séc. XX, a dança passa a ser

pesquisada como uma das mais importantes manifestações do homem em aspectos sociais,

religiosos, culturais, entre outros, utilizando-se de documentos iconográficos para mapear tanto a

sua origem como a sua função.

Segundo Caminada (1999), a dança nasceu da necessidade de expressar uma emoção, de

uma plenitude particular do ser, de uma exuberância instintiva, de um apelo misterioso que atinge

até o próprio mundo animal. Ela na forma mais elementar, se manifesta através de movimentos que

imitam as forças da natureza que parecem mais poderosas ao homem. Afirma-se que no seu

primórdio a dança foi uma manifestação naturalista, com gestos desordenados e através da repetição

e da sincronia dos movimentos é que ela se constituiu.

O homem pré-histórico da era Paleolítica gravava nas cavernas o que era importante, assim

como a caça, a alimentação, a vida e a morte, onde provavelmente as figuras dançantes fizessem

parte de rituais religiosos. Para Bregolato (2007; pág. 73), a dança é tão antiga como a própria vida

humana, nasceu na expressão das emoções primitivas, nas manifestações, na comunhão mística do

homem com a natureza. O homem que ainda não falava se utilizou do gesto rudimentar para

expressar suas emoções num ritmo natural.

No período Neolítico o homem aprende a cultivar e se organizar em grupos e em cidades.

Surge um esboço de classe sacerdotal, que vai “supervisionar” os rituais de dança, não os deixando

ao acaso das inspirações individuais. Dessa forma, a dança deixa de ser participativa para se tornar

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representativa: o homem deixa de entrar em contato com os espíritos para começar a representar os

mitos e os Deuses.

A dança nasceu da religião, e era fruto da necessidade de expressão do homem, onde se

movimentavam ritmicamente para se aquecer, se comunicar, aplacar os deuses e exprimir alegria.

As primeiras danças humanas eram individuais e se relacionavam à conquista amorosa. As danças

coletivas também aparecem na origem da civilização e sua função associava-se à adoração das

forças superiores ou dos espíritos para obter êxito em expedições guerreiras ou de caça ou ainda

para solicitar bom tempo e chuva. (FARO, 1986)

Curt Sachs citado por Ellmerich (1964, p.14), estabelece uma ordem cronológica da

evolução das danças na pré-história:

Danças circulares, sem contato corporal entre os participantes;

Danças de imitação animal;

Danças convulsivas;

Danças em serpentina;

Danças eróticas;

Danças em circulo duplo;

Danças funerárias;

Danças com máscaras;

Danças aos pares (casal);

Danças em diversos círculos;

Danças em que homens e mulheres se colocam em linhas opostas;

Danças de pares mistos;

Danças de pares abraçados;

Danças do ventre.

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Caminada (1999; pág.21) comenta assim a evolução das danças na pré-história:

No período paleolítico inferior e na cultua primitiva básica, apenas existia a dança circular

sem contato.

No paleolítico médio, surgiu a dança coletiva, solta em harmonia com o corpo, de caráter

imitativo;

No paleolítico superior, das ultimas culturas primitivas, observou-se a formação individual e

coral, quase sem nenhum contato; a forma serpentina já era encontrada.

No período mesolítico dos primitivos agricultores, surgiram às danças eróticas, danças em

circulo duplos, fúnebres e com máscaras.

No neolítico, já com duas culturas distintas: a campesina e a senhoril, desenvolveu-se a

dança em diversos círculos, a dança coral, dança aos pares e a dança do ventre.

Na cultura grega, a dança fazia parte do cotidiano dos homens. Estava nos ritos religiosos,

nas cerimônias cívicas, nas festas, na educação das crianças, e era frequentemente vinculada

aos jogos, em especial os jogos olímpicos.

Os gregos consideravam a dança como dom dos imortais e como um meio de comunicação

entre os homens e os deuses. Esses eram invocados pelas danças nas situações mais diversas, onde

pouco a pouco foram adquirindo um conjunto de passos, gestos, o que hoje denominamos

coreografia.

Segundo Caminada (1999), a dança em Roma não foi uma expressão artística poderosa; ela

não se vinculou a religião ou ao teatro. Os romanos desprezavam a dança, sendo considerada

inicialmente incompatível com o espírito de um povo conquistador e só com a penetração da cultura

grega, esse quadro começou a ser revertido.

Por volta de 200 a.C., introduziram-se as coreografias gregas e a dança se tornou mais

importante na vida publica e passou a ser moda nos costumes das famílias romanas.

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Na Idade Média, em se tratando das danças populares, encontramos os mesmos motivos das

danças primitivas. O cristianismo conseguiu atenuar, mas não apagar completamente o sentido

pagão dessas danças.

O carnaval é a festa mais popular sob o ponto de vista psicológico; trata-se de uma válvula

de escape, sem duvida necessária, para que o povo, durante um curto período, possa expandir seus

sentimentos, suas alegrias e seus desejos, recalcados no severo de servidão feudal e tutelado pelo

clero fanático. (ELLMERICH, 1964, p.20).

Para Faro (1987), a evolução da dança apresenta a seguinte trajetória: o templo, a aldeia, a

praça, o salão e o palco; E divide-se em três formas distintas: étnica, folclórica e teatral, fazendo

uma ligação da dança de salão com a folclórica e a teatral, onde o salão inclui todas as danças que

passaram a fazer parte da vida da nobreza européia da idade média. Para esse mesmo autor (1987) a

dança étnica está ligada às cerimônias religiosas.

No Brasil, encontramos provas da vinculação entre dança e o ato religioso, por exemplo, nos

povos indígenas e no candomblé, onde ocorreu um sincretismo, que permitiu que essas religiões

sobrevivessem. O candomblé exemplifica o caso de uma etnia importante, pois essa religião veio da

África com os escravos e se proliferou. Os negros identificaram seus orixás com os santos da igreja

e surgiram varias religiões que são seguidas até hoje. No candomblé, a dança serve para invocar,

apaziguar ou agradecer aos deuses por graças obtidas. Já na dança indígena, o índio expressa seus

sentimentos de alegria ou tristeza, pedindo e agradecendo com uma seqüência de movimentos que

representam uma verdadeira coreografia. Um exemplo típico de dança étnica é o carnaval brasileiro,

onde se festeja os 40 dias da Quaresma.

A dança religiosa fez parte da liturgia nas missas até o século

XII, quando foi interrompida, pois a igreja naquele momento

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histórico tinha uma enorme influencia, e dizia que o corpo não

devia se entregar aos prazeres, pois que o bem do homem só

está na alma, e todo mal vem da carne. O corpo que é carnal

foi colocado como um obstáculo da alma, portanto, ele devia

ser punido e ignorado, assim, muitas manifestações corporais

foram consideradas pecado, e a dança uma delas.

(BREGOLATO, 2007; p.90).

A dança folclórica e a dança étnica estão intimamente ligadas sendo difícil saber o limite

entre elas. Segundo Portinari (1989), tem-se por étnica a dança produzida por uma comunidade

racial e culturalmente homogênea, transmitida de geração em geração, com mínimos acréscimos ou

modificações; Dança folclórica é aquela produzida espontaneamente numa comunidade com laços

culturais em comum, resultantes de um longo convívio e troca de experiências.

As danças folclóricas realmente nasceram, em principio, das danças religiosas. Os ritos antes

celebrados dentro dos templos foram aos poucos sendo liberados pelos sacerdotes e passaram a ser

realizados em praça pública, onde o povo começou a participar transformando-se em manifestações

populares, que deixaram de ser religiosas e passaram a ser folclóricas.

A dança teatral surgiu nos cenários cortesãos e palacianos. Inicialmente dança de corte,

executada em um palco com a finalidade de divertir, logo teve que se sujeitar as regras severas.

Uma das danças cortesãs de execução mais complexa foi o minueto, depois foi a valsa, e com ela se

iniciou a passagem da dança em grupo, ao baile de pares, onde há a ligação com a dança de salão.

A dança de salão, ou dança social, encontra sua origem nas

danças populares realizadas nas praças das aldeias, aonde

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essas danças chegaram até os refinados salões dos castelos da

realeza de forma estilizada, onde os movimentos executados

pelo povo simples das aldeias sofreram transformações e

foram substituídos por outros com características de suavidade

e elegância nos gestos. (RANGEL, 2002, p.36).

A configuração de um gênero de dança circunscrito ao âmbito teatral determinou o

estabelecimento de uma disciplina artística, onde se deu o desenvolvimento do ballet e mais tarde o

sapateado e o swing. Enfim, a dança teatral envolve vários estilos, entre eles, o ballet clássico que

surgiu para agradar a corte, o neoclássico e o moderno que se opõe ao clássico.

As danças existem em quase todos os países do mundo, umas são ligadas a manifestações de

culto, outras evocam fatos épicos, acontecimentos dignos de serem rememorados como exemplos

de coesão social. De qualquer maneira, apresentam incomparável valor folclórico, visto que

conjugam os mais diversos aspectos da vida cotidiana, associando a música ao gesto, à cor, ao

ritmo, ao sentido lúdico, aos atributos da resistência física em manifestações de saúde, alegria e

vigor. (NILZA, 1999).

A progressão da dança, de cerimônia religiosa à arte dos povos, não é aleatória, mas obedece

a padrões sociais e econômicos que tiveram efeito semelhante sobre as demais artes, nasceram da

necessidade latente na criatura humana de expressar seus sentimentos, desejos, sonhos e traumas

através das formas mais diversas. (FARO, 1998, P.16).

1.1 Dança Folclórica

O conceito de dança folclórica usado por Bregolato (2007) é que ela:

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Representa uma das manifestações espontâneas da gente dos

campos e das cidades. Ela não tem autor conhecido, é obra do

povo que a cria, e que vão passando de geração a geração,

valorizando e perpetuando a tradição de uma cultura. A dança

representa a cultura regional, pois retrata seus valores,

crenças, trabalho e significado. (pág. 88).

Recorremos a Faro (1998) para compreender como surgiu a dança folclórica e para ele é

muito difícil responder com datas, e o que se pode é citar etapas do desenvolvimento das sociedades

e dos costumes que levaram às manifestações populares de dança, já fora do rígido controle dos

líderes religiosos. As manifestações coreográficas dos camponeses de diversos países tinham

significado religioso, e é provável que essas danças fossem dirigidas por sacerdotes dentro de

figurações de cunho místico preestabelecido.

O aumento da população, a expansão das áreas urbanas e suburbanas, a comunicação entre

as nações e o progresso técnico e mental da humanidade devem ter contribuído para uma ruptura

entre o religioso e o popular.

As danças sempre foram um importante componente cultural da humanidade. O folclore

brasileiro é rico em danças que representam as tradições e a cultura de uma determinada região.

Estão ligadas aos aspectos religiosos, festas, lendas, fatos históricos, acontecimentos do cotidiano e

brincadeiras. (ROCHA, 2008; p. 01)

Segundo Lucena (1997), embora as danças folclóricas sejam preservadas pela repetição, vão

mudando com o tempo, mas os passos básicos e a música assemelham-se ao estilo original. Todos

os países têm algum tipo de dança folclórica e a maioria pertence apenas a sua nação.

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Laban (1990) citado por Bregolato (2007), conta que as danças folclóricas dos países

europeus, têm origem na idade média. Elas são provenientes dos bailes e danças campestres, que o

povo dançava a seu modo para sua diversão. As danças populares internacionais têm um ritmo que

se associa ao seu lugar de origem, como exemplo: Rumba (Cuba), Tarantela (Itália), Samba

(Brasil), Dança do Ventre (Arábia), Ula Ula (Havaí), Flamenca (Espanha).

De acordo com Portinari (1989), no Brasil, a dança folclórica é uma das tantas riquezas mal

exploradas que vão desaparecendo junto com outras antigas tradições. Cada estado tem seu folclore,

no qual a dança é componente de enorme tradição, embora às vezes nem conste oficialmente como

patrimônio cultural. O negro foi a máxima importância para a formação da música e das danças

brasileiras, sendo que os escravos africanos trazidos de diferentes partes do continente,

representando diversos graus de cultura, trouxeram o extraordinário senso de ritmo e o movimento

que os portugueses não tinham.

Os índios e os africanos dançavam descalços com sentido religioso e mágico, chegando ao

transe. O convívio entre brancos, negros e índios seria determinante para a formação do folclore

musical e dançante.

O folclore ganhou impulso nas zonas campestres, e é nelas que até hoje se manifesta com

maior influencia e credibilidade. O homem do campo manteve por mais tempo o sentido religioso

de suas danças, mas não ficou infenso as mudanças que a humanidade sofreu com progresso, o que

trouxe novas idéias e novos costumes. Assim, as manifestações folclóricas nasceram dentro desse

ciclo de progresso com forma de expressão popular que avançou no tempo e no espaço, devido a

uma soma de circunstâncias de cunho sociológico. (FARO, 1986).

17

1.2 Folclore Brasileiro

O Folclore é um conteúdo riquíssimo, que revela sabedoria e entretenimento. É também

considerado conjunto de mitos, crenças, histórias populares, lendas, tradições e costumes, que são

transmitidos de geração em geração, que fazem parte da cultura popular. A cultura popular está

diretamente vinculada ao estudo profundo da cultura de vários elementos formadores de nossa

nacionalidade.

A população brasileira é constituída na sua maioria pela mistura de índios, negros e brancos.

E isso influiu nos nossos costumes e no nosso folclore, que variam de uma região para outra, devido

aos grupos de imigrantes que nelas localizaram.

Faro (1986, p.24), comenta que somos o resultado de uma salada racial, aonde descendentes

de alemães, italianos, espanhóis, portugueses, japoneses, ucranianos e árabes vieram somar, à nossa

vida, uma parcela de seus usos e costumes. Nossa herança folclórica é o resultado direto de todas

essas influências.

As manifestações folclóricas são sempre muito antigas e desde sempre os homens quando se

reúnem se divertem jogando, cantando, e dançando, as praticas que foram aprendidas na infância

pela observação dos pais e avós. Não só diversões, mas também as artes manuais como o bordado e

a cerâmica, superstições, crendices, receitas, etc.

Segundo Faro (1998), os especialistas dividem o folclore brasileiro em dois grupos

principais:

> O urbano, aquele que é parte integrante da vida das populações citadinas e que domina

principalmente no Norte e no Nordeste do Brasil;

> O rural, que ocupa a maior parte do Sul e Centro-Oeste, mas que se desenvolve

principalmente nas aldeias e vilarejos, fora dos grandes centros urbanos.

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A dança pode-se dizer, é um fato folclórico completo, pois possui todas as suas principais

características. É a manifestação espontânea de uma coletividade, sendo, portanto coletiva e aceita

pela sociedade onde subsiste. Tem como cenário normal as ruas, largos, praças públicas e possui

estruturação própria através da reunião de seus participantes e ensaios periódicos. As danças

brasileiras, não só pela quantidade e variação, como pela sua freqüência, são as expressões mais

fiéis de nosso espírito musical. (MEGALE, 1999).

Caminada (1999, p. 468) completa: Com suas crendices, superstições, lendas, cantos e

danças, o folclore brasileiro é riquíssimo, ainda que pouco ou nada utilizado pelos coreógrafos

brasileiros. É nossa história, contada por gente simples, de origens as mais diversas, de fundo

místico, histórico, guerreiro heróico ou patriótico, preservada oralmente de geração para geração, de

forma pura, autêntica, com a única finalidade de manter vivas velhas tradições, tais como alertar

contra assombrações, e passar o tempo.

II - DANÇAS FOLCLÓRICAS BRASILEIRAS

Segundo Caminada (1999) entende-se por dança folclórica a manifestação de grupo, de

estrutura simples, apenas com mestre e dançadores, com coreografia própria, desprovida de texto

dramático, com ou sem vestimenta determinada, executada por um grupo aberto, que não envolve

um número determinado de participantes.

As danças para Assumpção (1967) são uma das práticas folclóricas brasileiras de maior

importância, e ao fazermos este estudo temos que considerar a dança como prática única, e com

partes representadas, fazendo duas divisões do folclore dançado: 1 - aquele onde a dança é o fim

último, que denominamos apenas de Danças; 2 - as danças acompanhadas de partes representadas,

chamadas de bailados.

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As danças são divididas, classificadas e analisadas de acordo com alguns fatores e

significados que nos fazem entender melhor suas origens e evoluções.

Ellmerich (1964) cita que para maior distinção dividem-se as danças brasileiras em danças

comuns e danças dramáticas; enquanto as comuns são dançadas a noite, as dramáticas são

representadas durante o dia. Danças dramáticas, dada aos bailados brasileiros de caráter folclórico,

foram denominadas pelos folcloristas de folguedos populares e entende-se por este, toda

manifestação folclórica nos seus fatores dramático, coletivo e estrutural.

De acordo com Caminada (1999), as danças podem ser analisadas da seguinte forma:

Formação > em circulo, em fileiras, em pares etc.

Finalidade > ritual de intenção religiosa ou de caráter profano.

Origem > indígena, africana ou européia, podendo ser de Portugal, Espanha ou de vários

países.

Pinto (1983) mostra que os folcloristas classificam as danças brasileiras por suas origens e

essas podem ser vistas da seguinte forma:

a) De inspiração ameríndia (indígena americana) como a caboclinha, caipó, cateretê e

caruru;

b) De inspiração européia (espanhóis, holandeses, portugueses) como bumba-meu-boi,

cana-verde, chegança, quadrilha, chula, São Gonçalo, flamenca, fandango e frevo.

c) De inspiração africana como o baião, batuque, coco, jongo, maxixe, samba, congada,

lundu, maracatu e Moçambique.

Pinto (1983) cita também sua classificação quanto ao número de participantes: solista

(frevo); par enlaçado (valsa); par solto (marca de anu); danças de conjunto (fandango).

Para Bregolato (2007) a maioria das danças folclóricas se constitui dos significados que até

então estavam diretamente ligados à vida da pessoa. São eles:

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Religiosos (místicos);

Guerreiros (as guerras faziam parte da vida de praticamente todos os povos durante um

grande período histórico);

Produtividade nas colheitas;

Funerárias (comum entre os primitivos);

Mímicas (quando imitam alguma coisa);

Lúdicas (como as de criança).

Podendo ser ainda tranqüilas, agitadas e frenéticas.

Segundo Assumpção (1967), as influências das danças indígenas no nosso folclore não

foram muito grandes, tendo as mesmas se perdido com o desaparecimento das tribos. Já a influência

do africano é enorme, pois o único prazer que os escravos encontravam eram dançar nas senzalas.

Os portugueses também foram uma grande influência, pois trouxeram suas danças coletivas.

2.1 Danças Indígenas

Heitor citado por Ellmerich (1964) classifica as danças indígenas da seguinte maneira:

Rituais (religiosas, guerreiras, venatórias, funerárias e báquicas).

Recreativas (coletivas e individuais).

De acordo com a disposição e os movimentos coreográficos são divididas em: roda, cordão

ou fila, grupos opostos, saltatórias e imitativas.

As características das danças diferem de uma tribo para outra e os sexos não se misturam

durante a execução. O uso de máscaras é comum e reproduzem animais ou seres sobrenaturais.

A dança dos mascarados, comentada por Volpatto (1995), era costume muito antigo entre os

índios da América do Norte. A máscara é encontrada em diferentes culturas e acredita-se que foi

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uma evolução das primeiras pinturas e tatuagens que os índios usavam em suas caçadas e que

depois passaram a fazer parte de cerimônias religiosas como símbolos mágicos. As danças eram

acompanhadas de cantigas, cujo conteúdo era o louvor das proezas da guerra e de caça tanto dos

indivíduos como da tribo e os mascarados imitavam as vozes dos animais que representavam. Estas

máscaras não têm nada ver com culto e estas festas não parecem ter outra origem, senão de

aproveitar a ocasião para celebrar uma boa colheita ou caça.

Outras danças indígenas, também são encontradas, como por exemplo: Aruanã, çairé,

coroconô, guaci, jacundá, poracé, tatuturema, tocandyra, toré, tucanayra e urucapé.

2.2 Danças Afro-Brasileiras

As danças africanas variam muito de região para região, mas a maioria delas possui

características em comum. Os participantes geralmente dançam em filas ou em círculos, raramente

dançam a sós ou em par. As danças chegam a apresentar, algumas vezes, até seis ritmos ao mesmo

tempo e seus dançarinos podem usar máscaras ou enfeitar-se. (VOLPATTO, 1995)

De acordo com Pinto (1983) os negros trouxeram suas embaixadas, que são: formas

dramáticas, dividida em cortejo (desfile e dança) e embaixada (a representação). A mais conhecida

é o congo.

As danças populares mais caracteristicamente nordestinas vieram do negro e são as que mais

se fizeram ao contato da terra e da gente. As danças nascidas no nordeste são: o côco > dança

socializada; o quilombo > dança dramática; o samba do matuto > próximo da dança dramática e

transição do maracatu; e o frevo > dança generalizada.

O negro influenciou na formação de danças e cantos. A música característica, onde

sobressaem  o batuque, o samba, ao lado de instrumentos típicos, sobretudo os de percussão, se

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congregaram na nossa orquestra popular, principalmente nas danças puramente africanas em que

são imprescindíveis e a que muitas dão nome.

As danças de origem africana são: cambinda, catopé, congada, congo, cucumbi, maculêlê,

maracatu, Moçambique, quilombo, ticumbi, turundu.

2.3 Danças Européias

As danças no Brasil, salvo as indígenas e aquelas trazidas pelos negros, são quase todas,

adaptações das danças européias, cuja forma geral foi folclorizada, ou então receberam empréstimos

de movimentos, passos e figurações, como a polca, a valsa, quadrilha, mazurcas, etc. As principais

danças de origem ibérica (Portugal e Espanha) no Brasil, sem contar as religiosas, como a de São

Gonçalo, e as Folias de reis e do Divino, são as danças do Fandango. (MEGALE, 1999).

A dança gaúcha teve influência nitidamente européia e diverge muito das demais praticadas

no restante do Brasil. A principal influência foi a dos portugueses, que trouxeram o seu modo alegre

e expansivo de dançar. A tirana foi contribuição espanhola para os gaúchos. Esse tipo de dança é

muito usado em rodeios que cada vez mais se tornam populares no Brasil.

De acordo com Ellmerich (1964), a dança espanhola apresenta três aspectos: o regional, que

são festas ao ar livre; o flamenco, danças executadas nos tablados das tabernas; e o clássico, danças

de formas mais artísticas como o bolero, jaleo, etc. Outras danças espanholas, também são

encontradas, como: abejón, alegria, almorrajas, baila de ibio, bamba, boleras, etc. Já a maioria das

danças portuguesas são “canções dançadas”, que geralmente são encontradas da seguinte forma:

danças de pares, em cadeia ou circulares, como o bailarico, as saias, ciranda, corridinho, etc.

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2.4 As principais danças do Brasil

2.4.1 Região Norte

Segundo Cortês (2000), a população nortista recebeu grande influência das três raças

formadoras de nossa etnia, com destaque para o índio. As tradições portuguesas, indígenas, negras e

nordestinas miscigenaram-se na Região Norte, criando uma cultura riquíssima, onde as celebrações

populares tradicionais tomam grande significado. A difícil realidade de sobrepujar os obstáculos e

desafios da floresta faz dos habitantes da Amazônia um povo vitorioso, que reflete nas suas festas,

danças, lendas e mitos toda a alegria e felicidade de viver em harmonia com a floresta.

Uma das maiores características da danças do norte do Brasil é a sensualidade do

entrelaçamento dos pares, envolvidos com músicas de ritmos quentes e o predomínio das

percussões, instrumentos de sopro e de corda. O principal instrumento típico da região é o carimbo.

As principais danças são: Carimbó, Retumbão, Lundu, Xote Bragantino, Siriá, Vaqueiros

do Marajó, Marabaixo, Jacundá, Batuque e Boi-de-Máscara.

Existem também as festas populares tradicionais da Região Norte, que são: O Boi-Bumbá de

Parintins, O Círio de Nazaré, A Festa de São Joaquim, Festa do Çairé e A Marujada em Bragança

Paraense.

2.4.2 Região Nordeste

De acordo com Cortês (2000), a região nordeste por ter sido a primeira zona de ocupação do

Brasil, teve grande influência das tradições africanas, que compuseram a massa de trabalhadores

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escravos. A Bahia ainda guarda essa herança, sendo o Estado com maior contingente da população

negra do Brasil, onde se observa a profunda relação da cultura africana com seus festejos e danças.

A maior característica das danças do Nordeste é a alegria, realçada pelo ritmo frenético das

bandas de pífanos, acordeões, triângulos, zabumbas, matracas, fanfarras e cantos que enaltecem a

cultura nordestina, enchendo de sons as festas e danças da região.

As principais danças são: Guerreiro, Frevo, Xaxado, Quilombo, Caninha Verde, Maracatu,

Caboclinhos, Ciranda, Coco e Capoeira.

As festas populares tradicionais da Região Nordeste são: Lavagem da Igreja do Bonfim na

Bahia, Folguedos Natalinos em Alagoas, Bumba-Meu-Boi no Maranhão, Festas de São João em

Campina Grande, Caruaru e Estância, Candomblé, Carnaval em Recife e Olinda e Romaria em

Juazeiro do Norte.

2.4.3 Região Centro-Oeste

A identidade do povo do Centro-Oeste é formada segundo Cortês (2000), pela convergência

de povos de outras áreas do Brasil, que juntamente com os índios nativos deram origem aos

mestiços, atualmente a maioria da população. A proximidade com o Paraguai e a Bolívia trouxe

grandes influências nas festas, danças e músicas típicas regionais.

A maior característica das danças do Centro-Oeste do Brasil é a miscigenação de varias

culturas, dentre as quais se destacam a forte influência espanhola, presente principalmente no

folguedo da cavalhada e em danças que apresentam palmeados e sapateados existentes na fronteira

do Paraguai e Bolívia.

As principais danças são: Catira/Cateretê, Chupim, Cururu, Siriri, Engenho de Maromba,

Cavalhada.

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As festas populares tradicionais da Região Centro-Oeste são: Festa de São João em

Corumbá, Semana na cidade de Goiás, Procissão do Fogaréu, Festa do Divino em Pirenópolis, Festa

de Nossa Senhora do Caacupé.

2.4.4 Região Sudeste

Segundo Cortês (2000), as festas e as tradições culturais traduzem, de forma comemorativa,

a imensa riqueza cultural da região, revelando um povo miscigenado. As comemorações típicas e de

intenso valor religioso em Minas Gerais são um legado vivo da influência católica no período

colonial. No Rio de Janeiro e em São Paulo, desponta o carnaval como a maior festa profana e

popular do mundo.

Envolvidas por contrastes, as danças e folguedos do Sudeste têm como uma de suas

características as homenagens prestadas aos santos de devoção, nas suas grandes celebrações

religiosas.

As principais danças são: Ticumbi, Congos, Moçambique, Catopés, Jongo (bate-caixa),

Caboclinhos ou Caiapós, Folia de Reis, Marujos, São Gonçalo do e Calango Mineiro.

As festas populares tradicionais da Região Sudeste são: Alardo, Festa de São Sebastião,

Carnaval no Rio de Janeiro, Festa de Nossa Senhora em Minas Gerais, Festa de Santa Cruz em São

Paulo e Festa do Divino em Diamantina.

2.4.5 Região Sul

Segundo Cortês (2000) a formação cultural do povo da Região Sul decorre da miscigenação

das culturas indígenas, dos bandeirantes paulistas e dos imigrantes europeus. Esses transferiram seu

26

estilo de vida para o Brasil, mantendo assim suas tradições presentes em vários aspectos, como

moradias, culinárias, danças, festas e o folclore local.

A maior característica das danças do sul é o romantismo, evidenciado no espírito de

fidalguia e de respeito, encontrado especialmente naquelas danças existentes no Rio Grande do Sul.

As principais danças são: Caranguejo, Chimarrita, Pezinho, Balaio, Maçanico, Rancheira,

Pau-de-Fita, Tatu, Chula, Tirana do Lenço, Xará-Grande, Anu, Tonta e Recortado.

As festas populares da Região Sul são: Oktoberfest em Blumenau, Festa de nossa Senhora

dos Navegantes, Boi-De-Mamão em Santa Catarina, Fandango no Paraná e Festa Nacional da Uva

em Caxias do Sul.

III - Dança e Educação

A dança possui definições relacionadas a vários enfoques, envolvendo sempre o movimento,

como: relação com os deuses, relação consigo, com os outros e com a natureza; transcendência;

emoção, expressão, sentimentos; símbolos, linguagem e comunicação; interação entre aspectos

fisiológicos, psicológicos, intelectuais, emocionais; tempo, espaço, ritmo; arte; educação.

(RANGEL, 2002 p.22)

Segundo Marques (2005), para que se possa compreender e desfrutar estética e

artisticamente da dança é necessário que nossos corpos estejam engajados de forma integrada com o

seu fazer-pensar. A grande contribuição da dança para a educação do ser humano, é educar corpos

que sejam capazes de criar pensando e re-significar o mundo em forma de arte.

Nanni (2002), fala sobre o processo de transformação do homem, que se verifica,

27

Através das artes, ciências e filosofia, pela liberação de suas

potencialidades manifestadas pelo sentir, pensar e agir. O

processo criativo facultado pela Dança Educacional é um

substancial alimento para o espírito, concorrendo para o

desenvolvimento das potencialidades do homem, favorecendo

seu total crescimento físico, mental e emocional. Através da

arte, o homem cria, se sensibiliza, se expressa, comunicando-

se e humanizando-se. (pág.129)

Nanni (2000) ainda coloca que a dança possibilita a Educação Integral, pois faculta:

Perfeita formação corporal;

Espírito socializador;

Possibilita o processo criativo;

Desenvolve os aspectos éticos e estéticos.

Ao trabalhar com a dança se tem uma rede imensa sendo tecida com diferentes texturas,

cores, tamanhos, estruturas, complexidades. Esta rede de dança e educação, baseada nos

relacionamentos entre os conteúdos da dança, os alunos e a sociedade, não ignora os sentimentos e a

sensibilidade humana, possibilitando o aumento de nossa capacidade de encontrar novos e

diferentes modos de construir e reconstruir um mundo mais significativo para o próprio indivíduo.

(MARQUES, 1999 p.94)

Garaudy (1980), citado por Rangel (2002), apresenta uma visão de dança que contempla a

integração dos aspectos físicos, mentais e espirituais, afirmando que a dança é uma das raras

atividades humanas em que o homem se encontra totalmente engajado: corpo, espírito e coração.

Rangel (2002) cita também a visão de Fux (1983), para quem a dança é uma atividade que deveria

28

ser contemplada nas escolas, onde através dela, emergiria também um novo homem, com menos

medo e percepção de seu corpo como meio expressivo em relação com a própria vida.

A atividade de dança na escola pode desenvolver na criança a compreensão de sua

capacidade de movimento, mediante um maior entendimento de como seu corpo funciona. Assim,

poderá usá-lo expressivamente com maior inteligência, autonomia, responsabilidade e sensibilidade.

(PCN, 2001)

Para Nanni (2002), a educação pelo movimento constitui um fator essencial e efetivo para

que o ser humano desenvolva suas capacidades, habilidades e integralmente suas potencialidades. A

importância de a criança perceber o seu corpo, suas capacidades, suas relações com as outras,

comunicar-se e expressar suas emoções e sentimentos é feita através do movimento. Esse

movimento constitui uma atividade essencial e dinâmica que se vê na vida da criança, permitindo

que ela execute tarefas e resolva problemas.

Segundo o PCN (2001), toda ação humana envolve a atividade corporal. A criança é um ser

em constante mobilidade e utiliza-se dela para buscar conhecimento de si mesma e daquilo que

rodeia, ela se movimenta nas ações do seu cotidiano e correr, pular, girar e subir nos objetos são

algumas das atividades dinâmicas que estão ligadas à sua necessidade de experimentar o corpo e

sendo assim, a ação física é necessária para que a criança harmonize de maneira integradora as

potencialidades motoras, afetivas e cognitivas.

A dança em si pode ser entendida como a conjunção de todos os elementos presentes na cultura

que lhe atribui significados sociais, quer seja pela produção sistematizada do conhecimento, quer seja

pelas técnicas corporais apresentadas pelas pessoas envolvidas em sua criação. São as técnicas corporais

que contribuem para as construções dos significados das composições coreográficas apresentadas

profissional ou popularmente. Os significados podem ser conduzidos por um diretor, um coreógrafo,

pelo professor-artista (MARQUES, 2005).

29

Marques (2005) ainda ressalta os conteúdos específicos da dança, que são: aspectos e estruturas

do aprendizado do movimento (aspectos da coreologia, educação somática e técnica), disciplinas que

contextualizem a dança (história, estética, apreciação e crítica, sociologia, antropologia, música, assim

como saberes de anatomia, fisiologia e cinesiologia) e possibilidades de vivenciar a dança em si

(repertórios, improvisação e composição coreográfica).

Percebe-se que o campo de abrangência destes conteúdos é rico e diversificado, porém não deve

ser entendido como "receita de bolo", numa visão tradicional, mas sim auxiliar e acrescentar ao processo

de ensino-aprendizagem aspectos diretamente relacionados ao corpo, à dança, à pluralidade cultural

levando a uma (re) leitura de mundo totalmente voltado para nossa realidade histórica e social.  Acima

de tudo a escola deve estar sensível aos valores e vivências corporais que o indivíduo traz consigo,

permitindo desta forma que conteúdos trabalhados, se tornem mais significativos. (GARIBA, 2005).

Rangel (2002) mostra na figura seguinte as definições da dança de forma expressiva,

sentimental, poética e outras que retratam de forma peculiar a dimensão humana.

30

Relação com os Deuses

Relação consigo mesmo, com os outros e com a natureza.

M

Emoção, expressão O Símbolos, Linguagem

V

Sentimento I Comunicação

M

Transcendência E Tempo, Ritmo, Espaço

N

Educação T Arte

O

Interação entre os aspectos fisiológicos, psicológicos e emocionais.

Fonte: RANGEL, 2002 PAG.70

3.1 Dança e Educação Física

Segundo Rangel (2002), a Educação Física na tentativa de olhar o homem como ser-no-

mundo, que se relaciona consigo mesmo, com os outros e com as coisas, busca contribuir através de

suas propostas de atuação, com atividades lúdicas que envolvem desde o jogo, o esporte, a ginástica

e a dança.

O Trabalho de Educação Física nas séries iniciais do ensino fundamental é importante, pois

possibilita aos alunos desenvolverem habilidades corporais e a participação em atividades culturais,

31

com finalidades de lazer, expressão de sentimentos, afetos e emoções, contribuindo para a

construção de um estilo pessoal de exercer suas práticas, buscando o desenvolvimento da

autonomia, da cooperação, a participação social e a afirmação de valores e princípios democráticos.

(PCN, 1997)

A dança, como é proposta pela área de Arte nos PCN (1997), tem como propósito o

desenvolvimento integrado do aluno. A experiência motora permite observar e analisar as ações

humanas propiciando o desenvolvimento expressivo que é o fundamento da criação estética. Os

aspectos artísticos da dança, como são ali propostos, são do domínio da arte e assim apresentados:

A dança na expressão e na comunicação humana: reconhecimento do corpo e das

características individuais; experimentação das formas de locomoção; seleção de

gestos e movimentos observados em dança e criação de coreografias.

A dança como manifestação coletiva: integração e comunicação com os outros por

meio dos gestos e dos movimentos.

A dança como produto cultural e apreciação estética: reconhecimento das

modalidades e combinações de movimentos apresentadas em várias danças; as

concepções estéticas nas diversas culturas, considerando as criações regionais,

nacionais e internacionais, e os agentes sociais em diferentes épocas e culturas.

De acordo com Bregolato (2007), na perspectiva da formação do ser humano em sua

totalidade, os conteúdos da Educação Física Escolar se desenvolvem em três dimensões que são

trabalhados de forma integrada, tendo momento que enfatizam uma ou outra dimensão:

Das práticas dos movimentos corporais: ginástica, jogos, esportes

danças, mímicas, relaxamento etc.

32

Da contextualização teórica: o como e o porquê das praticas de

movimentos corporais, e da relação deles com a vida como um todo.

De princípios de valores de atitudes: desenvolvimento de

comportamentos voltados a formação de seres humanos que possam construir um mundo

mais harmonioso.

Já os conteúdos da Educação Física no ensino fundamental (1º e 2º ciclos) segundo o PCN

estão divididos em três blocos, que deverão ser desenvolvidos ao longo de todo o ensino. Os blocos

articulam-se entre si, têm vários conteúdos em comum, mas guardam especificidades. São eles:

Fonte: PCN, 1997 pág.46

Se tratando da dança, que se encaixa no bloco das atividades rítmicas e expressivas, onde se

inclui as manifestações da cultura corporal, através da expressão e comunicação por gestos e

músicas, os alunos poderão conhecer as qualidades do movimento expressivo como leve/pesado,

forte/fraco, rápido/lento, fluido/interrompido, intensidade, duração e direção, sendo capaz de

analisá-los a partir destes referenciais; conhecer algumas técnicas de execução de movimentos; ser

capazes de construir coreografias e valorizar e apreciar as manifestações expressivas.

Cunha (1992), citado por Rangel (2002), fala sobre a dança criativa, destinada as escolas de

1º e 2º graus, tendo como objetivo desenvolver uma ação pedagógica coerente, estimulando a

criatividade, baseando-se em analises de técnicas da dança adequada as series inicias, com enfoque

na educação psicomotora.

Para Marques (1999), a dança criativa surgiu em oposição à dança em que o aluno deve

aprender movimentos codificados e rígidos sem qualquer interferência pessoal, podendo ter

33

Esportes, jogos, lutas e ginásticas.

Conhecimentos sobre o corpo

Atividades rítmicas e expressivas

oportunidade de experimentar, explorar, expandir, representar e “colocar o seu” no processo de

configuração de gestos e movimentos.

Podemos pensar que diferentes modalidades para o ensino de dança hoje se inserem nas

vivencias contemporâneas do espaço e de tempo, fazendo, assim, com que as barreiras espaciais

sejam diluídas, permitindo que transitemos igualmente por vários lugares.

Um dos problemas enfrentado pela dança na escola, é o preconceito em relação ao gênero.

Para Nanni (2002), o preconceito do sexo masculino com relação ao ato de dançar talvez se

fundamente no conceito errôneo da sociedade moderna que coloca a sensibilidade que é

fundamental para o trabalho criativo como uma característica feminina.

Dançar, compreender, apreciar e contextualizar danças de diversas origens culturais pode ser

uma maneira de se trabalhar e discutir preconceitos e de incentivar os alunos a criarem danças que

não ignorem ou reforcem negativamente diferenças de gênero. (MARQUES, 2005).

Incorporar a dança na escola e relacionar a educação com a motricidade humana pode ser

uma nova linguagem da educação física podendo também possibilitar relações com outras áreas do

conhecimento, arte, história, entre outras. Através da dança trabalhamos as posturas mais

adequadas, aprendendo a lidar com tempo e espaço. Ajustando-se a esses elementos, trabalhamos

também a disciplina e a capacidade de se colocar no meio. A dança pode e deve ser trabalhada

como elemento cultural e avaliativo, com os objetivos de promover a sociabilização e o ritmo.

Metodologicamente deve-se trabalhar com a dança viabilizando o foco de interesse de

aprendizagem do aluno através de comunicação verbal para dirigir a atenção dos mesmos. Existem

algumas etapas para transmitir a dança aos alunos, são elas:

Incentivação: atribuir objetivos comuns ao grupo;

Realização: distribuir tarefas;

Sistematização: organização e aprendizagem;

34

Avaliação: verificação dos resultados.

Para avaliar é necessário analisar a evolução do comportamento motor, e das habilidades

levando em consideração a seqüência de ensaios da coreografia e a adequação rítmica de cada um.

Para se trabalhar melhor a dança é importante dividir em faixas etárias, por exemplo: de 5 a 7 anos,

onde se tem que utilizar movimentos fundamentais, com boa distribuição rítmica e formas básicas e

de 8 a 10 anos, utilizando os movimentos fundamentais unidos com movimentos elaborados, formas

e combinações mais complexas e maior precisão.( TARDIVO, 1999)

IV - A APLICAÇÃO DE DANÇAS FOLCLÓRICAS BRASILEIRAS N0S PRIMEIROS ANOS DO ENSINO FUNDAMENTAL

Uma forma interessante de se trabalhar as danças folclóricas nas escolas, é preparar um

festival de danças. Cada ano, da educação infantil ao 4º, poderá representar uma região do Brasil. A

escolha da dança deverá ser feita pela professora juntamente com os alunos, onde se levará em

consideração a faixa etária e o nível de dificuldade de cada dança. Escolhida a região, será proposta

uma pesquisa cultural sobre a mesma, bem como uma pesquisa sobre a história e o desenvolvimento

da dança típica, as principais características, movimentos, vestuário, curiosidades e etc.

4.1 – Educação Infantil

Região > nordeste

Dança > frevo

Esta dança teve origem nos movimentos da Capoeira. Os capoeiristas necessitavam de um

disfarce para acompanhar as bandas, já que eram perseguidos pela polícia. Assim, modificaram seus

golpes acompanhando a música, originando o "Passo" (a dança do Frevo) e trocando suas antigas

35

armas pela sombrinha. éDe início, era o guarda-chuva comum, geralmente velho e esfarrapado, hoje

estilizado, pequeno para facilitar a dança, e colorido para embelezar a coreografia. Atualmente a

sombrinha é o ornamento que mais caracteriza o passista e é um dos principais símbolos do

carnaval de Pernambuco.

O frevo é rico em espontaneidade e em improvisação, permitindo ao dançarino criar, com

seu espírito inventivo, os passos mais variados, desde os simples aos mais malabarísticos, possíveis

e imagináveis. (MEGALE, 1999)

Para ensinar o frevo `as crianças da pré-escola que têm geralmente entre cinco e seis anos e

movimentos mais limitados, teremos que fazer adaptações consideráveis, pois os principais passos

como a dobradiça, parafuso, bandinha, corrupio e chão de barriguinha, requerem muita técnica,

mesmo assim podemos criar passos simples, fáceis de se executar e que agradarão a todos.

Música: Festa do interior, Elba Ramalho.

Traje: Meninas: collant branco, saias coloridas que podem ser feitas de TNT, sapatilha de

carnaval e a sombrinha como adereço, podendo usar materiais alternativos para a sua confecção.

Meninos: camisa aberta com um nó, bermudas coloridas, também feitas de TNT, e a

sombrinha como adereço.

Coreografia: Formar duas fileiras, uma de meninos e outra de meninas, posicionadas

verticalmente uma ao lado da outra no palco. Todos dançam levantando a sombrinha e trocando de

lugares, meninos com meninas. Em cada troca executar giros em torno si levantando e abaixando a

sombrinha. Após as repetições formar uma fila única horizontal e dar passos para a direita e para a

esquerda sempre mexendo a sombrinha. Em seguida segurar a sombrinha com uma mão e a outra

colocar na cintura, pular sobre uma perna só com a outra levemente suspensa ao lado fazendo troca

de pernas. A finalização se dará com as crianças voltando à posição inicial, os meninos agachados e

as meninas a sua frente com a sombrinha levantada.

36

4.2 – 1º ano

Região > sudeste

Dança > jongo

O jongo é uma dança de origem africana que chegou ao Brasil através dos escravos,

difundindo-se nas regiões cafeicultoras, o que explica sua presença quase que exclusiva no sudeste

do País. Os principais instrumentos de percussão utilizados são o caxambu e o tambu, assim

também como candongueiro, a cuíca e a guaía (chocalho). Os dançarinos em roda exibem passos e

coreografias que exigem grande agilidade, desenvolve-se em dois ritmos, um lento e um rápido, e a

musica é cantada por solista. A coreografia varia conforme a localidade. Em São Paulo, a dança se

desenvolve em volta dos instrumentistas, sempre em roda e no sentido anti-horário. Extremamente

criativo e de difícil execução, o jongo dá a seus praticantes a fama de feiticeiros. Não há

indumentária especifica nem data para a realização. (CÔRTES, 2000)

O jongo é uma dança que requer muita habilidade e agilidade, mas se torna interessante e

divertida quando se cria coreografias adaptadas às crianças.

Música: Rosário de Maria, Grupo Jongo da Serrinha.

Traje: Meninas: collant branco, saias longas feitas de chitão, faixa no cabelo do mesmo

tecido da saia e descalças.

Meninos: calça de tecido leve branca, sem camiseta e descalços.

Coreografia: Todos num circulo intercalados meninas e meninos, dançam juntos colocando

primeiro a perna direita à frente, depois à esquerda e pulo para trás (direita esquerda e pulo). Após

varias repetições os meninos se dirigem ao centro da roda e começam a executar passos de capoeira

como, parada de mãos, estrela, mortais etc., enquanto as meninas continuam executando o mesmo

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passo só que na hora do pulo para trás batem palmas. Meninos de volta aos seus lugares,

executando o mesmo passo agora sem palmas e sem pulo, mas com um giro, direita esquerda e giro.

4.3 – 2º ano

Região > centro-oeste

Dança > catira/cateretê

O Cateretê é uma das danças mais genuinamente brasileira. É de origem indígena, tal qual o

seu próprio nome, tirado da língua Tupi. É uma espécie de sapateado brasileiro executado com

"bate-pé" ao som de palmas e violas. Tanto é exercitado somente por homens, como também pó um

conjunto de mulheres. Essa dança é conhecida e praticada, largamente, no interior do Brasil,

especialmente nos Estados de Minas Gerais, São Paulo, Goiás e, também, em menor escala, no

Nordeste. Principalmente em Goiás, mas também em muitas outras regiões é denominado "Catira".

É interessante a coreografia registrada por Rossini Tavares de Lima, em seu livro “Melodia e Ritmo

no Estado de São Paulo, que assim dizia, “Para começar o Catira, o violeiro puxa o rasqueado e os

dançadores fazem a “escova”, isto é, um rápido bate-pé, bate-mão e seis pulos”. A seguir o violeiro

canta parte da moda, ajudado pelo “segundo e volta ao “rasqueado”. Os dançadores entram no bate-

pé, bate-mão e dão seis pulos.  Prossegue depois o violeiro o canto da Moda, recitando mais uns

versos, que são seguidos de bate-pé, bate-mão e seis pulos. Quando encerra a moda, os dançadores

após o bate-pé- e bate-mão, realizam a figura que se denomina "Serra Acima", na qual rodam uns

atrás dos outros, da esquerda para a direita, batendo os pés e depois as mãos. Feita a volta completa,

os dançadores viram-se e se voltam para trás, realizando o que se denomina "Serra Abaixo", sempre

a alternar o bate-pé e o bate-mão. Ao terminar o "Serra Abaixo" cada um deve estar no seu lugar,

afim de executar novamente o bate-pé, o bate-mão e seis pulos". (ZUCONNI, 2004)

38

A catira é uma dança que exige muita atenção da criança, precisando coordenar as batidas

dos pés e das mãos ao ritmo da música.

Música: Tiro a queima bucha, Vieira e Vieirinha.

Traje: Camisa xadrez de manga longa, calça jeans, bota, chapéu e lenço. O traje será o

mesmo para meninos e meninas.

Coreografia: Formar duas fileiras, uma em frente à outra, podendo ser uma de meninas e

outra de meninos ou intercalados. Ao ritmo da música na parte cantada uma fileira bate palmas

enquanto a outra sapateia. Na parte instrumental, todos batem palmas sem sapatear. Na parte

cantada, a fila que bateu palmas sapateia e a outra bate palmas. Voltando a parte instrumental todos

sapateiam até o final.

4.4 – 3ºano

Região > Sul

Dança > pau de fitas

A Dança Pau de Fitas é uma tradição milenar, originária do meio rural, trazida pelos

imigrantes europeus para o Rio Grande do Sul. Popularizou-se como dança de pares ensaiados,

elaborada por grupos específicos que desenvolvem coreografias para apresentá-la em festas

especiais. Chefiado por dois participantes denominados Mestre Leão e Senhora Dona Mestre, o

grupo realiza evoluções em torno de um mastro de mais ou menos 3 metros de altura e 4

centímetros de diâmetro, de onde pendem fitas de mais ou menos 4 metros de comprimento, com 1

ou 2 centímetros de largura. O objetivo da coreografia é realizar, por meio de movimentação das

fitas seguras pelas mãos dos dançarinos, figuras no mastro. Estes trançamentos ou figuras tomam o

nome de: “Trama”, “Trança” ou “Rede de Pescador”. O número de casais dançantes tem sempre

que ser par, para que os desenhos no mastro possam ser realizados. Os passos utilizados para

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realizar os movimentos durante a dança são normalmente os de rancheira, valseados que têm

marcação forte no primeiro compasso. (CÔRTES, 2000)

A dança Pau de Fitas é a dança folclórica mais presente nas escolas e é geralmente dançada

nas festas do ciclo junino. O grau de dificuldade da coreografia será de acordo com a faixa etária e a

facilidade de movimentos das crianças que irão dançá-la.

Música: Pra sempre minha vida, Grupo Tradição.

Vestuário: Meninas: vestidos longos floridos ou xadrez, laços ou flores na cabeça.

Meninos: calça jeans e camisa xadrez.

Coreografia: Os casais se posicionam um a frente do outro, meninas com a mão direita

levantada segurando a fita e a outra o vestido, meninos seguram a fita com a mão esquerda e a outra

para trás. Começam dançando no lugar um para o outro. Viram-se para o mastro, indo para o centro

ora as meninas ora os meninos. Voltando à posição inicial, com os meninos um pouco mais para

dentro, andam em roda em sentido contrário, depois mudam de sentido e voltam. Dançam

novamente no lugar um para o outro, e começam a trançar as fitas, ora os meninos passam debaixo

da fita das meninas, ora as meninas passam debaixo da fita dos meninos. Vão rodando até

encontrarem seus pares, onde param e dançam um para o outro, isso se repete até trançarem a fita

toda no mastro. A destrança poderá ou não ser feita, isso dependerá da facilidade e do interesse das

crianças.

4.5 – 4º ano

Região > norte

Dança > lundu

Lundu é uma dança de origem africana, assim como seu canto, trazida pelos escravos

bantos. O Lundu, do mesmo modo que o "maxixe” eram danças que possuíam uma forma "branda"

40

e a uma forma "selvagem". Essa última tinha como tema da dança, o convite feito pelo homem à

mulher. A dança desenvolvia-se, a princípio, com a recusa da mulher, mas, ante a insistência do seu

companheiro ela termina por ceder. A movimentação era tão carregada de sensualismo e lubricidade

que, ao tempo, a Corte, ao tomar conhecimento do fato, solicitou às autoridades à proibição da

dança. A coreografia na forma "branda", segue as linhas gerais do Batuque ou Samba. Homens e

mulheres dançam soltos, formando um semicírculo onde cada par, após dançar no centro, volta ao

seu lugar; no final todos dançam juntos. Com as adaptações locais o "Lundu" sofreu diversas

modificações, principalmente na indumentária. Ao contrário do primitivismo africano, apresenta

todas as características marajoaras, razão por que passou a ser chamado de "Lundu marajoara". As

mulheres se apresentam com lindas saias longas, coloridas e bastante largas, blusas de renda branca,

pulseiras, colares, brincos vistosos e flores no cabelo. Os homens vestem calças de mescla azul-

claras e camisas brancas com desenhos marajoaras. Os pares se apresentam descalços.

(VOLPATTO, 1995)

Música: Lundu, Ricardo Kenji.

Vestuário: Meninas: Blusa branca curta, saia longa e muito larga, colares e flores no cabelo.

Meninos: camisa branca, calças largas e colares. Todos descalços.

Coreografia: As meninas entram de braços abertos dançando lentamente com um leve

rebolado. Levantam uma das mãos e com a outra seguram a saia, girando em torno de si, trocam as

mãos e giram novamente mudando a direção do giro. Com as duas mãos para cima formam uma fila

indiana e vão andando fazendo um circulo. Nesse momento os meninos entram e se posicionam ao

lado de suas parceiras. Em circulo, lado a lado com as cabeças encostadas, meninas segurando a

cabeça dos meninos, giram lentamente afastando o corpo um do outro. Vão trocando de par e

repetindo o mesmo movimento até chegar ao seu par novamente. Desmacha-se o circulo e os casais

se espalham, meninos ajoelham-se e as meninas dançam ao redor deles com movimentos mais

41

rápidos. Os pares dançam com as testas encostadas. Terminando a dança, meninos pegam as

meninas no colo para a pose final.

42

CONSIDERAÇÕES FINAIS

Vemos em todo decorrer do trabalho que nosso país é muito rico em tradições, culturas e

consequentemente danças folclóricas. Podemos em uma viagem imaginaria e ao mesmo tempo real

pelas bibliografias vistas buscar nas regiões brasileiras, a real importância de se aplicar essas danças

nas aulas de educação física escolar.

Marques (1999; p. 94) mostra que: ao trabalhar com a dança se tem uma rede imensa sendo

tecida [...]. Esta rede de dança e educação, baseada nos relacionamentos entre os conteúdos da

dança, os alunos e a sociedade, não ignora os sentimentos e a sensibilidade humana, possibilitando

o aumento de nossa capacidade de encontrar novos e diferentes modos de construir e reconstruir um

mundo mais significativo para o próprio indivíduo.

Ao incorporar a dança na escola e relacionar a educação com a motricidade humana estamos

criando uma nova linguagem da educação física o que nos possibilita como dito no trabalho,

relações com outras áreas do conhecimento.

Trabalhamos também através da dança as posturas mais adequadas, aprendendo a lidar com

tempo e espaço, a disciplina e a capacidade de se colocar no meio. A dança pode e deve ser

trabalhada como elemento cultural e avaliativo, com os objetivos de promover a sociabilização e o

ritmo.

Com a finalização da pesquisa e aprofundamento dos conhecimentos sobre as danças

folclóricas brasileiras e a dança educação pode-se obter subsídios para implementar ações e projetos

na escola visando a valorização da cultura nacional - que é rica em manifestações populares e

religiosas - para o desenvolvimento de habilidades corporais com finalidades de expressão de

sentimentos, afetos e emoções, contribuindo assim para a construção de um estilo pessoal ao

43

exercer suas práticas, buscando o desenvolvimento da autonomia, da cooperação, a participação

social e a afirmação de valores e princípios democráticos. (PCN, 1997)

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