teoria musical aplicada ao...

Teoria musical aplicada ao violão

Teoria musical

aplicada ao violão

Bruno Grünig

Edição 1 - 2014

! Bruno Grünig! 2

Índice

Introdução! 6

Cifras e sinais utilizados! 7

As notas musicais! 8

As doze notas musicais! 8

A diferença entre tom e semiton! 8

As notas musicais no braço do violão! 9

Escala Cromática! 9

Afinação do violão! 10

Tipos de afinação! 10

Como afinar o violão! 11

Outras afinações! 12

Capotraste! 12

Imagens de diapasão! 12

Partitura! 13

Como saber a tonalidade pela partitura! 15

Divisões da música! 18

Tempo! 18

Metrônomo tradicional! 19

INCLUIR SOM! 19

Compasso! 19

INCLUIR SOM! 20

Divisão! 20

Acordes no compasso! 21

Tablaturas! 23

! Teoria musical aplicada ao violão! 3

Como funciona a tablatura! 23

Sinais da tablatura! 24

Escalas! 26

A importância das escalas! 26

Tipos de escalas! 27

Escala maior! 27

Escala menor natural! 28

Achando uma escala menor natural através de uma escala maior (E vice-versa)! 28

Escala menor harmônica! 29

Escala menor melódica! 29

Escala pentatônica maior! 30

Escala pentatônica menor! 30

Escala de blues! 30

De onde vêm as escalas?! 31

Outras escalas! 31

Escalas no braço do violão ! 33

Oitavas! 38

Oitavas no violão! 38

Cantando “uma oitava acima” ou “uma oitava abaixo”! 39

Hora do recreio ! 41

Tonalidade! 42

Como é determinada a tonalidade de uma música?! 42

As tonalidades na partitura! 44

Transporte de tonalidade! 45

Fazendo o transporte no dia a dia! 47

Campo harmônico ! 48

! Bruno Grünig! 4

Variações dos acordes! 49

Acordes relativos! 49

Formação de acordes! 51

De onde vêm os acordes?! 51

Acordes naturais! 51

Tipos de acordes alterados! 54

Formatos dos acordes! 61

Ritmo ! 65

A bateria e o ritmo! 66

Sensibilidade! 66

Ritmos ao violão! 67

Quantos ritmos?! 68

Ritmos complexos! 68

Ritmo no compasso! 69

Melodia e solo! 70

E na música popular?! 70

E uma melodia cantada ou tocada sem acompanhamento?! 70

Voz e violão! 71

A música completa! 72

Estrutura musical! 73

Sequências de acordes! 76

Onde é que eu “entro”?! 76

Analisando uma música! 78

Conclusão! 81


Introdução

Existem sete notas musicais. Estou aqui relutando com a idéia de que “isso todo mundo sabe”. Quando eu era criança, talvez isso fosse verdade. Mas hoje, com a queda de qualidade no ensino em nosso país (Brasil, claro), creio que nem isso “todo mundo sabe”.

Acredite, caro leitor, quando eu era criança e estudava o primeiro grau, a minha escola - estadual - tinha:

• Piscina• Quadra de jogos• Anfiteatro• Sala de música• Laboratório de química completo• Professores altamente qualificados

Portanto, com aulas de música pelo menos uma vez por semana, quem não soubesse as sete notas musicais... repetia. Ah, sim... isso era outra coisa que existia à época. Repetência.

Mas... vamos deixar isso pra lá e partir ao que interessa.

Na verdade, como você verá no decorrer do livro, não são bem somente sete notas musicais. Se contarmos os semitons (calma... você vai ver isso também), temos então doze notas musicais.

Tudo (ou quase tudo) na música origina-se destas notas. Com as notas musicais montamos acordes, escalas, melodias, solos e tudo mais.

Poderíamos dizer que as notas musicais sempre existiram. Um pássaro cantando emite notas musicais, por exemplo.

O que não existia eram as regras e representação gráfica para estas notas. Ou sejam, elas eram apenas sons.

Por exemplo... quando você toca qualquer corda do violão, apertada em alguma casa ou não, está emitindo uma nota musical.

Foi criado então um sistema de representação das notas musicais, bem como algumas regras para que ao ler as notas numa partitura, o músico pudesse executar aquela canção.

Mas eu não vou aqui neste simples livro aprofundar-me em altas teorias musicais. Pelo contrário, tento simplificar ao máximo as coisas. Mostrando apenas o suficiente para que você saiba o que está fazendo ao tocar seu violão.

Mãos à obra, então.

! Bruno Grünig! 6

Cifras e sinais utilizados

Existem sinais e cifras destinados a simplificar a representação de notas musicais. Utilizamos alguns deles neste livro, portanto procure memorizá-los. Não é difícil, mas você precisa ter certeza de que entendeu o que cada um deles quer dizer.

Por exemplo: se eu escrever o tempo todo “dó sustenido” ou “lá bemol”, a explicação torna-se comprida e enfadonha. Portanto o que você verá é: C# (dó sustenido) e Ab (lá bemol).

Para representar as notas musicais (e acordes também) usamos letras:

A = LáB = SiC = DóD = RéE = MiF = FáG = Sol

Para representar os semitons, usamos:

# = sustenidob = bemol

IMPORTANTE: Como você verá mais adiante, pouco usaremos o “b” (bemol), pelo simples motivo de que uma mesma nota pode ser representada pelos dois sinais. Veja porque:

Dadas as notas A e B, temos entre elas um semiton. Este semiton pode ser chamado de Bb (si bemol, meio tom abaixo de si) ou de A# (lá sustenido, meio tom acima de lá). Mas é a mesma nota. Por isso, simplificamos a coisa e só usamos bemol quando for estritamente necessário. Na verdade o uso do bemol só é mesmo necessário em partituras. Suponhamos que uma partitura tenha as notas A e A#. Se escrevermos a partitura com # o músico sempre irá tocar o A como sustenido. Mas a partitura tem as duas notas, A e A#. Portanto, neste caso, teremos que representar o A# como Bb.

Por isso, daqui por diante representaremos os semitons como #, sabendo que isso nos basta.

Obs: Caso você não esteja familiarizado... Um sinal # ao lado de uma nota ou acorde, aumenta esta nota ou acorde em meio tom. O bemol (b) diminui a nota ou acorde em meio tom. Portanto... C# = C aumentado em meio tom. E Ab = A diminuído em meio tom.


As notas musicais

Para atingir o propósito deste livro, vamos sempre associar a teoria à prática. No violão, é claro. E também, para “abrir o horizonte”, mostrar correlações das notas musicais com o piano. Isto com certeza enriquecerá o seu conhecimento de música.

Muito bem. Então temos, basicamente, sete notas musicais. Acontece que entre algumas destas notas existem o que chamamos de semiton. Ou seja, um som algo mais agudo do que a nota anterior. Ou mais grave do que a próxima nota. Exemplo:

Dó - Dó sustenido - Ré

A nota do meio (dó sustenido), é meio tom mais alta (mais aguda) do que o dó. E meio tom mais baixa (mais grave) do que o ré. Portanto... são três notas distintas.

A palavra “sustenido” significa “meio tom acima”. Ou seja... mais alto mais agudo. Quando falamos em notas musicais “acima”, “mais altas” ou “abaixo”, “mais baixas”, não estamos falando de volume. Estamos falando de “mais graves” ou “mais agudas”.

Por exemplo: no seu violão, apertando a sexta corda ( a de cima, mais grossa), na terceira casa, temos a nota sol. Uma casa adiante (quarta casa), temos um sol sustenido, meio tom acima do sol. Uma casa para trás (a segunda casa), temos um fá sustenido, meio tom abaixo do sol.

As doze notas musicais

C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B, C

Aí temos portanto, as sete notas musicais, mais os cinco semitons que, é claro, também são notas musicais. Repare que não existem semitons entre E e F nem entre B e C. Portanto:

Não existem: B# nem CbNão existem: E# nem Fb

A diferença entre tom e semiton

Ocorreu-me agora que você talvez esteja querendo saber qual seria mais importante... um G ou um G#? Um D ou um D#? A resposta: são iguais. Uma música pode ser composta na tonalidade G ou G#. E qualquer música pode ser tocada em qualquer tonalidade. Portanto... não existem “notas mais importantes”.

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As notas musicais no braço do violão

No braço do violão, as notas musicais aparecem desta mesma forma. De meio em meio tom. Cada casa do braço do violão representa uma nota.

No sentido das tarraxas para o corpo do violão as notas aumentam (mais agudas)

No sentido do corpo para as tarraxas as notas diminuem (mais graves)

No diagrama acima, vemos todas as notas musicais no braço do violão, até a casa 15. No lado esquerdo do diagrama, as notas das cordas soltas (E, A, D, G, B e E). De baixo para cima, da sexta corda (a mais grossa), até a primeira corda (a mais fina).

Neste diagrama, os semitons estão representados em # e b, apenas a título de ilustração, e para que você visualize como, na prática são exatamente as mesmas notas, com nomes diferentes. Então... G# = Ab e C# = Db e assim por diante. Por isso, como já foi dito, não é necessário usar o bemol. Ficamos apenas com o # (sustenido), para efeitos práticos.

Escala Cromática

É chamada escala cromática aquela que tem todas as notas musicais, incluindo os semitons. Exemplo:

C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B

No caso acima, começamos da nota C, mas uma escala pode começar em qualquer nota.

Repare como no braço do violão, cada corda tem suas notas numa escala cromática. Cada casa do violão representa meio tom.

A corda 6 (a mais grossa), começa com a nota E (corda solta). E vai seguindo numa escala cromática: F, F#, G, G#... etc. A mesma coisa acontece com as demais cordas.


Afinação do violão

Para obter estas notas musicais nas cordas do violão, é necessário que estas estejam, como se diz, afinadas. Afinar o violão é isso: apertar ou desapertar as cordas, para obter as notas corretas.

Quanto mais você aperta uma corda, mais alta (mais aguda) a nota obtida ficará. E vice-versa, claro.

Quando colocamos cordas novas num violão, a princípio elas ficam frouxas. À medida que vamos apertando, a nota vai subindo. Até chegarmos à nota desejada. Se apertamos demais, dizemos então que a nota “passou”. Ou seja, ficou aguda demais, mais alta do que o necessário. Por exemplo: Se apertamos a sexta corda um pouco demais, teremos, ao invés da nota E, a nota F. Se passou muito, teremos talvez F#.

Se todas as cordas estiverem desafinadas, evidentemente não teremos as notas corretas em nenhuma casa. O violão está então desafinado.

Tipos de afinação

Existem diversos tipos de afinação para o violão. Mas o mais utilizado, considerado “padrão”, é o que usamos neste livro:

Corda 6 - E *Corda 5 - ACorda 4 - DCorda 3 - GCorda 2 - BCorda 1 - E *

* Repare como temos duas notas E. Na corda 6 e na corda 1. Mas temos uma corda bem grossa e outra bem fina. A nota da corda 1 é a mesma, porém duas oitavas acima da nota da corda 6. Mais adiante você saberá mais sobre oitavas.

Muitos se perguntam: mas porque estas notas? Porque não outras notas? A corda 6, por exemplo... poderia ser um C? A resposta é: sim, poderia. Mas isto implicaria em muitas modificações na maneira de se tocar o instrumento. E provavelmente muitas dificuldades.

Acontece que o violão como o conhecemos hoje, foi profundamente estudado. Algumas boas almas, lá atrás no tempo, fizeram testes, tentativas (muitas) e chegaram a este resultado, que possibilita-nos tocar o instrumento com bastante lógica e relativa facilidade.

Conforme você for tomando intimidade com o violão, você poderá perceber quanto estudo foi preciso para chegar a este resultado. As notas no violão não são as que são por acaso.

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Como afinar o violão

Hoje em dia (2013), temos afinadores eletrônicos, inclusive incorporados aos violões elétricos. Uma “mão na roda”, como se dizia antigamente. Mais fácil, impossível. Estes “mágicos” instrumentozinhos são de uma precisão incrível. Mas... nem sempre foi assim. Antigamente, nem tanto tempo atrás, o negócio era o ouvido. Através de uma nota de referência (a nota A, da quinta corda solta), afinava-se a corda 5 e por comparação, as outras. Assim:

• Uma vez a corda 5 afinada...• Aperta-se a corda 6 na casa 5 e afina-se a corda 6 para obter a mesma nota da corda 5

solta. • Aperta-se a corda 5 na casa 5 e afina-se a corda 4 com o mesmo som.• Aperta-se a corda 4 na casa 5 e afina-se a corda 3.• Aperta-se a corda 3 na casa 4 (esta é diferente) e afina-se a corda 2.• Aperta-se a corda 2 na casa 5 e afina-se a corda 1.

Para um principiante, isto não é muito fácil. Porque o ouvido se engana. Umas poucas pessoas têm bastante facilidade para distinguir pequenas diferenças entre notas musicais. A maioria... não tem.

Um truquezinho para afinar o violão assim, é que quando a corda que está sendo afinada chega perto da nota correta, ela começa a vibrar, quando você toca a corda de referência. Se você continua apertando e ela pára de vibrar, a nota já passou. Está acima da nota de referência.

De qualquer maneira, hoje os afinadores eletrônicos estão disponíveis em quase todo lugar, e a um preço bem em conta. Mas... se você leva violão a sério, deve praticar a afinação acima explicada. Ou mesmo através de comparação com outro instrumento (piano, teclado). Isso vai enriquecer o seu conhecimento e sensibilidade musical.

Entretanto, não acredite em gente maldosa que diz que se você não consegue afinar perfeitamente o instrumento “de ouvido”, não serve para tocar violão. Isso não é verdade. Como eu já disse, poucas pessoas tem ouvido muito apurado. E isso não significa que as outras pessoas não possam tocar qualquer instrumento.

De mais a mais, a prática, o tempo dedicado ao instrumento, vai por si só educando o ouvido.

Obs: A nota A, referência para afinação, era obtida geralmente através de uma espécie de apito, chamado diapasão. Outro diapasão é parecido com uma forquilha que, ao ser batida contra alguma superfície, emite a nota A.

IMPORTANTE: Jamais toque num violão desafinado. Nem para treinar. Treinar ou tocar com o instrumento desafinado “treina” o ouvido com o som errado. E depois... vira confusão!


Outras afinações

Conforme já foi dito, existem outras afinações. Por exemplo: C aberto, G aberto. Nestes casos, as cordas são afinadas com outras notas. Consequentemente, acordes e escalas ficam também diferentes. Porém, estas afinações são mais utilizadas em casos específicos, para algumas músicas.

Outro recurso usado algumas vezes por alguns artistas, é afinar o violão meio tom abaixo. Isso não modifica os formatos de escalas e acordes. Mas serve apenas para obter um som diferente, um pouco mais grave. E também não é um recurso muito utilizado.

Capotraste

O capotraste é uma barra que se prende ao braço do violão. Para cada casa aumenta a afinação em meio tom. É bastante utilizado, para obter sonoridades diferentes e até mesmo transportar tonalidade, em alguns casos.

Portanto... ficamos com a afinação padrão. Aprendendo acordes, escalas, melodias e solos na afinação padrão, você estará tocando, como se diz, “no diapasão”, ou seja, uma referência de afinação universal, para todos os instrumentos. Desta maneira, quando for tocar, por exemplo, numa banda, o seu instrumento estará afinado de conformidade com os demais.

Imagens de diapasão

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Partitura

Eu disse, no início, que não iríamos usar partitura. E não vamos mesmo. Mas esta parte do livro serve para que você pelo menos tenha noção de notação musical.

Um músico de uma orquestra, por exemplo, toca lendo as notas musicais (e mais que isso), numa partitura, que é uma folha com pentagramas, onde se escreve as notas musicais e demais símbolos necessários à execução da música.

Um pentagrama nada mais é do que um conjunto de cinco linha e quatro espaços. Nele são representadas as notas, que são como pequenas bolinhas. Veja um exemplo abaixo.

Como você pode ver, algumas notas ficam nos espaços, enquanto outras ficam sobre as linhas. A grande letra parecida com um “S”, do lado esquerdo da partitura, chama-se clave de sol, indicando que a nota da segunda linha é um sol. A clave de sol é utilizada para grande parte dos instrumentos. O violão é um deles. Para o contrabaixo, por exemplo, é necessário utilizar outra clave, porque as notas são muito mais graves.

Veja abaixo a representação das cordas do violão num pentagrama.


Na imagem acima, não está presente a clave de sol, mas o pentagrama é na clave de sol. Você deve ter reparado que as duas notas na parte de baixo do pentagrama são acompanhadas de traços. São linhas suplementares, que indicam que aquela nota é mais grave. Estas linhas podem ser usadas na parte de cima do pentagrama, indicando então que as notas são mais agudas.

Se você pedir a um músico que execute o que vê no pentagrama acima no violão, ele simplesmente - é óbvio - tocará as cordas soltas do violão. Ou, num outro instrumento, tocará as mesmas notas, correspondentes às cordas soltas do violão.

Os nossos dois exemplos de pentagrama, já trazem uma outra diferença. As notas no primeiro são bolinhas com o centro em branco. No segundo, são bolinhas totalmente pretas.

Esta é uma das maneiras usadas para determinar o valor das notas. Ou seja, quanto tempo elas devem durar, soar na música. Assim, as notas brancas valem um tempo. Veja o quadro abaixo:

Não vamos entrar em detalhes, mas a tabela acima já dá uma boa idéia de como a música é representada. Numa melodia, as notas têm durações diferentes, é claro. Algumas vezes várias notas são tocadas juntas no mesmo tempo em que, mais adiante são tocadas menos notas. Então é necessário representar estas notas de forma diferente, para que o músico saiba como tocá-las.

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Além disso, há outros sinais, como por exemplo as pausas. É claro... uma música não é feita só de sons. É feita de silêncios também. Quando, num trecho da música nenhuma nota deve ser tocada, utiliza-se a pausa. E para cada tipo de nota usa-se uma pausa diferente. Ou seja, as pausas também precisam ter valor.

Aí você diz... “Tudo bem, mas pra que vai me servir isso?”. Resposta: não se preocupe agora. Apenas procure assimilar algo disso. Mais adiante você vai me agradecer. Isto é, se realmente continuar estudando violão.

Mas... para que você não fique aí meio frustrado, vou lhe dar uma das utilidades de conhecer pelo menos notação musical básica.

Como saber a tonalidade pela partitura

Eu me lembro quando estava começando a tocar, e já tocava diversas músicas, minha mãe mostrou-me uma partitura do coral da igreja, para ver se eu conseguia tirar o acompanhamento. Decepção... eu não tinha a mínima idéia. Não consegui. Pelo menos não pela partitura.

Mas isto é muito fácil, na verdade.


Acontece que uma partitura, além das notas, pausas e outros símbolos, contém também, no início, a quantidade e localização dos chamados “acidentes”. Que nada mais são do que os sustenidos e bemóis.

Por estes acidentes, sabemos em qual tonalidade está a música. Vejamos...

Veja o quadro acima. No início do pentagrama, temos a clave de sol e a indicação do compasso (no caso, 4/4). Veremos compasso mais adiante. Repare que no primeiro pentagrama (DO = C), não temos nenhum sustenido e nenhum bemol. Por isso sabemos que a música está em C (dó maior) ou Am (lá menor) relativa de C.

E porque? Porque a escala de C (dó maior) não tem sustenidos nem bemóis.

Seguindo adiante, temos G (sol maior), cuja escala tem um sustenido. E assim por diante.

Então, suponhamos que eu já soubesse disso lá atrás, na história da partitura da minha mãe... e suponhamos que a partitura tivesse três sustenidos (#). Eu saberia então que a música estaria na tonalidade de A (lá maior). Ou F#m (fá sustenido menor), cuja tonalidade é relativa de A.

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Ah, meu Deus! Agora lá vem esse cara complicar as coisas com essa tal de relativa. O que é isso? Muito simples. Tonalidades e acordes relativos são aqueles que têm, em suas escalas, as mesmas notas. Fácil.

Então, a escala de C tem as mesmas notas que a escala de Am.

Escala de C = C, D, E, F, G, A, BEscala de Am = A, B, C, D, E, F, G

Repare que as notas não só são as mesmas, como obedecem a mesma sequência. Começando da sexta nota da escala maior e seguindo adiante, você acha a escala menor. Isso vale - é claro - para qualquer escala.

Mas não se preocupe muito com isto agora. Mais adiante você verá este tema com mais detalhes.

O importante é ter uma noção geral de notação musical.


Divisões da música

Muitos pensam que música é algo somente intuitivo, aleatório. Simplesmente arte. Mas não. A música tem regras. A música tem a sua “matemática”, a sua lógica. Porque se não tivesse, como faríamos para que várias pessoas tocassem juntas? Uma banda com cinco, seis músicos já seria difícil. Imagine uma orquestra, com dezenas de músicos, instrumentos diferentes e tudo mais. Seria o caos. Bagunça total.

Por isso, ao longo do tempo foram criadas regras. Assim como a representação gráfica das notas na partitura, como já vimos.

Agora imagine você que tivéssemos uma determinada música. Com inúmeras notas, acordes, pausas, etc. Sem regras, colocaríamos as notas em seqüência e pronto. Mas dividindo a música em partes, fica mais fácil compreender e executar.

Para isso temos três componentes: Tempo, Compasso e Divisão.

• Tempo - Indica o andamento (velocidade) da música• Compasso - Indica a divisão da música em grupos de sons (notas)• Divisão - Chamamos de divisão o “lugar” que as notas vão ocupar dentro de um

compasso.

Vamos por partes.

Tempo

O próprio nome já está dizendo. O tempo, na música, determina a pulsação da música. Associamos o tempo musical ao relógio. Uma música de tempo 60, irá pulsar 60 vezes por minuto, ou seja, um pulso por segundo. Um tempo de 120, dois pulsos por segundo.

A maioria das músicas populares ficam entre 60 e 150. Mas nada impede que uma música tenha uma pulsação maior ou menor.

Para marcar o tempo da música, usamos o metrônomo. Um instrumento que pode ser regulado para qualquer tempo de música. 60, 120, 80, 82, 65... etc.

Veja a seguir a imagem de um metrônomo tradicional. É um instrumento mecânico, que se aciona manualmente, após a regulagem do tempo desejado. Quando acionado, ele emite um “clique” para cada tempo, sendo que no tempo 1 o clique é mais pronunciado.

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Metrônomo tradicional

Existem - hoje em dia - metrônomos eletrônicos. Até mesmo online. E também conjugados com afinadores eletrônicos. Praticidade...

Compasso

O compasso divide a música em grupos de notas e pausas. Incluem-se aí também os acordes. O compasso, na partitura, é representado por uma fração (4/4 por exemplo). Dizemos então que uma música “está no compasso de quatro por quatro”.

E o que isso quer dizer? Vamos lá...

O número de cima da fração determina quantas unidades de tempo o compasso tem. O número de baixo determina em quantas partes uma nota semibreve será dividida dentro do compasso. E aí está a “matemática” da música.

Como você viu anteriormente, existem diferentes tipos de notas musicais. A cada um destes tipos atribui-se um tempo, baseado na fórmula do compasso.

Então uma nota semibreve valerá sempre um tempo. Num compasso 4/4 portanto, teremos 4 semibreves em cada compasso. Dependendo da melodia, usaremos as outras notas para “preencher” o compasso.

Agora, portanto, juntamos Tempo e Compasso. Como seria isso na prática?


Suponhamos que uma música tenha o tempo de 60 (para facilitar a compreensão). E o compasso seja 4/4. Teremos então 4 cliques para cada compasso. Se tivermos apenas 4 semibreves no compasso, cada nota ocupará o espaço de um tempo.

Se tivermos 3 semibreves e uma pausa de semibreve... teremos então três notas e um silêncio. O silêncio pode estar em qualquer dos tempos. Difícil? Calma... você vai entender logo.

E como é isso na prática? Numa música de verdade? Veja um exemplo abaixo.

A primeira nota, sem preenchimento, é uma mínima, que no compasso quatro por quatro (4/4) vale dois tempos. Todas as demais notas são semínimas e cada uma vale um tempo. A barra vertical antes do segundo grupo de 4 notas é a divisão de compasso. No exemplo, então, temos apenas dois compassos.

Veja como ficou claro. Se fossemos executar o trecho acima, num tempo de 60, ficaríamos 2 tempos na primeira nota (branca) e um tempo e cada uma das demais notas.

Para acordes, a regra é a mesma. Acordes são também representados por notas. Como um acorde é um agrupamento de notas, as notas (três para um acorde natural) ficariam sobrepostas.

Atualmente existem partituras que trazem apenas a melodia e os acordes acima do pentagrama, representados por cifras.

Mas... existe ainda um terceiro componente... vamos ver então o que é...

Divisão

Cuidado para não confundir. A música é dividida em compasso. O compasso é dividido em tempos. Mas a divisão da qual falamos aqui, não é nenhuma destas.

Chamamos de divisão a posição das notas dentro do compasso em relação ao tempo. Numa partitura, por exemplo, se não houver indicação alguma, as notas serão divididas igualmente pelos tempos. Como no nosso exemplo:

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Então, no exemplo, a nota 1 começaria exatamente no tempo 1. A nota 2 exatamente no tempo 3 (porque a nota 1 ocupa 2 tempos). E a nota 4 exatamente no tempo 4.

Porém, muitas e muitas vezes, as notas podem não começar ou terminar nos tempos exatos. Aí é que entra a divisão.

Para que você compreenda melhor, vamos subdividir o tempo. Suponhamos que ao invés de 1,2,3,4 tivéssemos:

1 - 1,25 - 1,5 - 1,75 - 2 ....etc...

Então, uma nota poderia começar um pouco depois do tempo 1. No 1,25 ou 1,5. Isto é divisão.

Quer um exemplo? Escute a música “Seu amor ainda é tudo” na versão de João Mineiro & Marciano. Depois escute a mesma música na versão de Bruno & Marrone.

Logo no início da música, João Mineiro & Marciano começam a cantar no tempo 1 exatamente. Então neste caso, as duas primeiras notas (na palavra “muito”) duram um pouco mais.

Já Bruno e Marrone começam um pouquinho depois. Uma pequena fração de tempo depois. As duas primeiras notas duram um pouco menos. E nenhuma das duas versões está errada. As duas duplas apenas utilizaram divisões um pouco diferentes.

Já outra coisa é cantar fora de tempo. Pegando o mesmo exemplo, se um cantor começar a cantar no tempo 2 ou 3... estará errado. Fora do tempo.

Nota: Eu falo muito no compasso 4/4 (quatro por quatro), porque é o mais utilizado em músicas populares. Rock, pop, sertanejo, etc.

Acordes no compasso

Para quem toca violão sem ler partitura, os acordes são representados por cifras. Assim como representamos as notas neste livro. C, D... etc.


Dentro de um compasso, podemos ter um ou mais acordes. Por exemplo: suponhamos que uma música num compasso 4/4 tenha em um ou mais compassos, três acordes. Dependendo da melodia, Um acorde poderia ocupar 2 tempos e os outros dois um tempo cada um. Não há regra. Tudo depende da melodia, como ela “pede” que os acordes sejam tocados.

Podemos ter apenas um acorde. Este acorde pode ocupar os quatro tempos. Ou não. Ele pode ocupar apenas dois tempos e silenciar os outros dois, por exemplo. Assim como as notas.

* * *

Portanto, agora você já tem uma boa noção de Tempo, Compasso e Divisão.

Mais uma vez, vale lembrar: Não se preocupe em “decorar” tudo isso. Apenas estude com calma. O seu cérebro irá se encarregar do restante.

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Tablaturas

Para todo aquele que estuda/toca violão ou guitarra, foi criado um quase substituto da partitura. A tablatura. O “quase” deve-se ao fato de que a tablatura por si só não é capaz de fornecer todas as informações que a partitura fornece. Resumindo...

É possível tocar todas as partes e detalhes de uma música com uma partitura. Mas isto não é possível com a tablatura.

A tablatura traz somente as casas do violão/guitarra que devem ser tocadas e mais algumas informações, como ligaduras, etc. Para utilizar uma tablatura, é necessário ouvir a música original, para saber o tempo, compasso, etc.

Porém, é um ótimo recurso para representar graficamente um solo, por exemplo. E geralmente é usada para esta finalidade. Por exemplo: uma determinada música tem alguns pequenos solos, entre suas partes. Mais algo assim na introdução e o solo principal. É possível representar estes solos na tablatura. Então, ouvindo a música e acompanhando a tablatura, é possível executar o solo.

Como funciona a tablatura

A tablatura nada mais é do que a representação gráfica das seis cordas do violão ou guitarra. Cada linha tracejada é uma corda. A linha de baixo é a corda mais grossa (6 - E). Sobre as linhas são inseridos números, que correspondem às casas a serem tocadas. Veja abaixo uma tablatura sem nenhuma nota.

Repare que do lado esquerdo estão as cifras que representam as cordas do violão soltas.

Veja abaixo a representação das notas soltas do violão na partitura e na tablatura.


Como você pode ver, representamos as cordas soltas com o número 0 (zero). Casa 1 com o número 1 e assim por diante. A tablatura acima é bastante simples, é claro. Uma tablatura de um solo com muitas notas, intrincado, naturalmente fica mais “cheia” e deve ser estudada com mais calma. Veja um exemplo não tão difícil abaixo:

A tablatura acima manda iniciar o solo na casa 14 da corda 2 (B). Depois tocar novamente a mesma casa, fazendo um pull off para a casa 12. Depois tocar a casa 10. Casa 10 novamente e fazer um hammer para a casa 12. Depois corda 1 casa 9. Volta para corda 2, casa 12 com pull off para a casa 10 e termina na casa 11. Naturalmente se você fizer este solo sem saber e sem ouvir o solo original, ficará “perdido”. Mas ouvindo a música faz perfeito sentido.

Sinais da tablatura

Vamos ver agora o que significam os sinais (letras e outros) usados numa tablatura.

• v = Vibrato - Consiste em manter a corda pressionada, levando-a de leve para cima e para baixo.

• p = Pull off - Em português seria “puxar para fora”. É o ato de tocar uma nota e soltá-la para que soe a outra nota.

• h = Hammer - Em português seria “martelo”. É o ato de tocar uma nota e “martelar” outra uma ou mais casas adiante.

• (/) = Slide up - Em português seria “deslizar acima”. Consiste em tocar uma nota e deslizar o mesmo dedo uma ou mais casas adiante.

• (\) = Slide down - Tocar uma nota e deslizar uma ou mais casas para trás.

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• b = Bend - É o ato de tocar uma nota e “empurrar” a corda para cima ou para baixo, fazendo com que soe outra nota meio ou um tom acima.

• r = Release - Quer dizer soltar. Quando se faz um bend e se deve soltar em seguida. • t = Tap - Consiste em “bater” na corda na casa indicada com um dedo da mão direita.• x = Tocar a nota amortecida

Estes são os principais sinais usados na tablatura. Eventualmente o criador da tablatura pode acrescentar outros, para explicar um detalhe. Devemos levar em consideração a limitação da tablatura. É praticamente impossível representar exatamente o que um guitarrista ou violonista faz, através de sinais gráficos. Mas a tablatura cumpre bem o papel de indicar quais notas devem ser tocadas. O restante deve ser aprendido ouvindo a música.

Lembre-se também de que as tablaturas existentes por aí na internet, são criadas por pessoas comuns, que gostam de colaborar e compartilhar. E estas pessoas podem errar. Portanto, nem sempre uma tablatura que você encontra está correta. Pode conter erros. E levar você a pensar que “não consegue”. Mais uma vez... é preciso escutar bem a música.

Por outro lado, mesmo que a tablatura esteja correta, isto não quer dizer que você vai “bater o olho” e tocar. Tudo na vida exige esforço. Para que você tenha idéia, recentemente resolvi treinar um solo que é muito comprido, tem muitas notas e detalhes. Pois bem... treinando de quinze a trinta minutos, pelo menos quatro vezes na semana, levei três meses para tocar corretamente o solo. Ufa! É muita coisa? Demora muito? Ora, eu acabo de completar 56 (cinquenta e seis) anos de idade (em 2013). E ainda estou aprendendo. Qual é a pressa? Demora? Demora sim. Mas vale a pena. Aprender violão ou qualquer outra coisa que valha a pena... dá trabalho. Sentar a bunda no sofá e ver televisão não dá. É preciso escolher.


Escalas

Notas musicais “soltas” ou mesmo agrupadas de qualquer maneira, não servem para grande coisa. Por isso elas são organizadas em escalas.

Escalas são, portanto grupos de notas. A diferença entre os diversos tipos de escalas, está nos intervalos, ou seja, a distância em tons ou semitons de uma nota para outra. Tomemos como exemplo a escala de C (dó maior) e a escala de Am (lá menor). Como já vimos, estas duas escalas são relativas (possuem as mesmas notas), porém em ordem e com intervalos diferentes. Veja

Escala de C = C(1)D(1)E(1/2)F(1)G(1)A(1)B(1/2)CEscala de Am = A(1)B(1/2)C(1)D(1)E(1/2)F(1)G(1)A

Acima, as duas escalas, de C e Am. Os números entre parêntesis indicam os intervalos entre as notas. Ou seja, seguindo a escala cromática, temos estas quantidades de tons ou semitons entre estas notas. Veja:

Escala cromática = C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B, C

Na escala cromática o intervalo entre todas as notas é de 1/2 tom. Então de C para C# temos meio tom. A próxima nota é D. Como “andamos” mais uma nota, então, de C para D temos um tom. Repare agora lá em cima, na escala de C. Entre o C e o D temo o número 1. Um tom. E assim por diante.

Usando a fórmula acima, podemos “montar” qualquer escala, maior ou menor, baseando-nos na escala cromática.

Fórmula de intervalos para escalas

Escala maior = 1,1,1/2,1,1,1,1/2Escala menor = 1,1/2,1,1,1/2,1,1

Começando da nota que dá nome à escala, basta aplicar a fórmula e achar a escala. Vamos ilustrar com a escala de C# (dá sustenido maior), com sua notas destacadas dentro da escala cromática:

1 1 1/2 1 1 1 1/2C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B, C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B

O mesmo procedimento utilizamos para as demais escalas.

A importância das escalas

Para que você tenha idéia da grande importância das escalas, basta dizer que sem elas não existe música. Quase tudo na música vem das escalas. Melodias, acordes, solos. Nem é preciso dizer mais. Escalas são essenciais.

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Tipos de escalas

Existem diversos tipos de escalas. Mas a escala “pai” de todas as outras é a escala maior. A escala maior pode (quase) ser definida assim “É como nós ouvimos música”. O ouvido humano identifica-se fortemente com a escala maior.

Por isso a maioria das músicas mais populares são feitas na escala maior.

Mas - infelizmente ou felizmente - isto não significa que não seja preciso conhecer e estudar as outras escalas. Mas não antes de conhecer a escala maior. Certa vez um aluno consultou-me, porque um amigo lhe havia dito que era muito importante estudar os modos gregos. Eu perguntei a ele o que sabia de escalas. Ele respondeu: “nada”. Ora, era evidente que o amigo do meu aluno deveria lhe ter dito para estudar primeiro a escala maior. De onde se derivam todas as outras.

E mais: como uma grande parte das músicas populares são feitas na escala maior... nem é preciso ir muito adiante... sabendo a escala maior, é possível tocar grande parte das músicas de sucesso...

Não cabe aqui estudarmos todas as escalas. Estudaremos portanto, as mais importantes, para iniciantes e intermediários no estudo de violão. São elas:

• Escala maior• Escala menor natural• Escala menor melódica• Escala menor harmônica• Escala pentatônica menor• Escala pentatônica maior• Escala de blues

Escala maior

Já vimos anteriormente, inclusive a fórmula numérica dos intervalos das escalas maiores. Mas vamos reforçar. A partir da nota que dá nome à escala, basta seguir a quantidade de intervalos (tons ou semitons). Veja a tabela abaixo:

Intervalos>Escala de

1 1 1/2 1 1 1 1/2

C (dó maior) C D E F G A B C

D (ré maior) D E F# G A B C# D

G (sol maior) G A B C D E F# G

A (lá maior) A B C# D E F# G# A


Foram dados apenas quatro exemplos de escalas maiores acima. As demais - é claro - seguem as mesmas regras.

Escala menor natural

Vamos rever através de nova tabela:


1 1/2 1 1 1/2 1 1

Cm (dó menor) C D D# F G G# A# C

Dm (ré menor) D E F G A A# C D

Gm (sol menor) G A A# C D D# F G

Am(lá menor) A B C D E F G A

Achando uma escala menor natural através de uma escala maior (E vice-versa)

Você já viu o conceito de escalas relativas. Para achar uma escala relativa menor a partir de uma escala maior, basta iniciar a nova escala a partir da sexta nota da escala maior. No exemplo abaixo, temos a escala de D (ré maior) e vamos achar sua escala relativa. Para facilitar a compreensão, repetimos as notas da escala duas vezes.

Escala de D (Em negrito a escala relativa = Bm)

1 2 3 4 5 6 7 8/1 2 3 4 5 6 7 8

D E F# G A B C# D E F# G A B C# D

Veja as notas em negrito, a partir da coluna 6. Aí está a escala relativa de D. Que é Bm. Lembre-se: uma escala relativa de outra escala maior é sempre uma escala menor. E vice-versa.

E o contrário? Achar a escala maior através da menor natural? é possível também. Veja a tabela abaixo. Usamos a escala de Bm. Agora, a partir da terceira nota achamos a escala de D.

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Escala de Bm (Em negrito a escala relativa = D)

1 2 3 4 5 6 7 8/1 2 3 4 5 6 7 8

B C# D E F# G A B C# D E F# G A B

Escala menor harmônica

A escala menor harmônica tem apenas uma nota diferente da escala menor natural. A sétima nota fica meio tom acima. Na escala natural a sétima nota fica um tom acima da sexta nota. Na escala harmônica fica um tom e meio acima. Veja a tabela abaixo:


1 1/2 1 1 1/2 *1 1/2 1

Cm (dó menor) C D D# F G G# * B C

Dm (ré menor) D E F G A A# * C# D

Gm (sol menor) G A A# C D D# * F# G

Am(lá menor) A B C D E F * G# A

Escala menor melódica

Teoricamente existem dois tipos de escala menor melódica. Ascendente e descendente. Mas na prática há somente uma, a ascendente, porque a descendente é igual à escala menor natural. Veja a escala melódica ascendente abaixo. En relação à escala menor natural, duas notas são diferentes. A sexta e a sétima. Ambas meio tom acima da escala menor natural.


1 1/2 1 1 *1 *1 1

Cm (dó menor) C D D# F G *A * B C

Dm (ré menor) D E F G A *B * C# D

Gm (sol menor) G A A# C D *E * F# G

Am(lá menor) A B C D E *F# * G# A

Estamos comparando escalas menores. Mas não se esqueça que todas as escalas vêm da escala maior. Basta você comparar a escala maior com qualquer outra e ver quais


notas foram modificadas. Repare como a escala menor melódica ascendente ilustrada acima é quase igual a uma escala maior. Apenas a terceira nota é diferente.

Escala pentatônica maior

Mais uma vez reportamo-nos à escala maior. Uma escala pentatônica tem apenas cinco notas (penta = 5). Repare que sempre ilustramos uma nota a mais, para “fechar a escala”. O que há de diferente entre a escala pentatônica e a escala maior? Simples. Foram retiradas duas notas da escala maior. Mais especificamente os semitons. As notas 4 e 7. No caso da escala de C, foram retiradas as notas F e B.


1 1 1 1/2 1 1 1/2

C pentatônica maior C D E G A C

G pentatônica maior G A B D E G

A pentatônica maior A B C# E F# A

Escala pentatônica menor

Vamos, para facilitar, relacionar esta escala à escala menor natural. Assim como na escala maior, foram retirados os semitons. Mais especificamente as notas 2 e 6. No caso da escala de Cm foram retiradas as notas D e G#.


1 1/2 1 1 1 1/2 1

C pentatônica menor C D# F G A# C

G pentatônica menor G A# C D F G

A pentatônica menor A C D E G A

Escala de blues

Há outras variantes da escala de blues. Esta é uma das mais usadas. Na prática pode-se obter esta escala a partir da escala pentatônica menor. Basta acrescentar o que se chama de “blues note”. Após a terceira e quinta notas da escala pentatônica menor, acrescenta-se meio tom.

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Escala de blues


1 1/2 1 1/2 1/2 1 1/2 1/2 1/2

C blues C D# F F# G A# B C

D blues D F G G# A C C# D

A blues A C D D# E G G# A

De onde vêm as escalas?

Já mencionamos anteriormente que todas as escalas vêm da escala maior. Veja o quadro abaixo, que comprova isto. O último quadro do lado direito de cada escala diz o que foi feito na escala maior para obter a nova escala.

Escala 1 2 3 4 5 6 7 8

Maior C D E F G A B C

Menor natural C D D# F G G# A# C Graus 3, 6 e 7 estão 1/2 tom abaixo.

Menor harmônica C D D# F G G# B C Graus 3 e 6 meio tom abaixo.

Menor melódica C D D# F G A B C Grau 3 meio tom abaixo.

Pentatônica maior C D E G A C Graus 4 e 7 foram eliminados.

Pentatônica menor C D# F G A# C Graus 3 e 7 eliminados. Graus 2 e 6 meio tom acima.

Blues C D# F F# G A# B C Graus 2, 3, 4 e 6 meio tom acima.

Outras escalas

Existem outras escalas, é claro. Muitas. As acima listadas são as mais utilizadas na música contemporânea ocidental. Sendo que - repetindo - a escala maior é a mais utilizada. O motivo? O nosso ouvido tem facilidade para “reconhecer” escala maior. Como


a escala menor natural é - nas relativas - igual à escala maior, nosso ouvido também identifica-se com ela. Músicas escritas em outras escalas, podem soar “esquisitas” aos nossos ouvidos. Mas não que não tenham seu valor musical. É claro que têm. Mas não são tão largamente aceitas como músicas feitas na escala maior.

Você agora tem suficiente informação sobre escalas. Estas informações são muito importantes para compreender melodias, solos, acordes. Procure assimilar o máximo que puder. Mais uma vez... não tente decorar e sim, aprender.

Mais um lembrete: uma escala não é uma música. Por mais que você toque escalas no violão ou guitarra, não estará tocando música. Estará apenas exercitando, treinando escalas.

Porque então treinar escalas? Porque, como já foi dito, das escalas é que são feitas as melodias, os acordes e solos. Conhecendo e treinando escalas você estará mais apto a executar melodias, solos e acordes.

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Escalas no braço do violão

Vejamos agora - indo ao que interessa - como são as escalas no braço do violão.

Em primeiro lugar, vamos relembra as notas no braço do violão.

Repare, no diagrama acima, como cada corda começa com uma determinada nota e segue em frente, meio tom para cada casa, até chegar na casa 12, onde se repete a mesma nota da corda solta. Isto significa que, a partir da casa 12, tudo se repete. É como se o braço do violão (e também da guitarra) começasse novamente. A diferença é que as notas são as mesmas, porém mais agudas. Ao atingirmos a casa doze temos a mesma nota da corda solta, porém uma oitava acima. Ou seja, dentro da escala, “andamos” oito notas adiante. Veja no diagrama abaixo, somente as notas da escala de C.

Escala de C com todas as notas desde a corda solta até a casa 12

Repare que agora, para tocar a escala, temos que “pular” notas. Ou seja, as notas não marcadas com o quadrinho verde, não pertencem à escala de C.


O diagrama acima mostra as notas, e é possível tocar esta escala seguindo os quadrinhos. Porém isto não é muito prático, porque não sabemos, através deste diagrama, em que sequência vamos tocar.

Por isso, devemos então utilizar as tablaturas, que podem mostrar onde começar, e também para onde ir. E quando voltar.

Veja a tablatura abaixo. Ela mostra a escala de C, conforme o diagrama acima, mas somente até a oitava casa. Neste caso, existe uma continuidade na escala. Começamos da corda 6 solta, avançando no sentido vertical. Chegando à casa 5 da corda 1, voltamos, mas agora usando um novo caminho, até chegarmos à casa 3 da corda 6. Então seguimos na mesma corda, para a casa 5, 7 e 8 e novamente usamos outro caminho para descer.

Escala de C desde corda 6 solta até a corda 1, casa 8.

E|-----------------------------0-1-3(/)5-3---------------------------------------------------------5-7-8-B|-----------------------0-1-3-----------6-5-3---------------------------------------------5-6-8-------G|-------------------0-2-----------------------5-4-2---------------------------------4-5-7-------------D|-------------0-2-3---------------------------------5-3-2-----------------------5-7-------------------A|-------0-2-3---------------------------------------------5-3-2-----------5-7-8-----------------------E|-0-1-3---------------------------------------------------------5-3(/)5-7-8-----------------------------

Você pode, se quiser, treinar esta escala da maneira mostrada. Porém há uns truquezinhos que você precisa utilizar, para dar continuidade, ou seja, tocar sem parar. Nas passagens marcadas com (/) é necessário deslizar o dedo, para começar com os dedos corretamente posicionados para a próxima etapa.

Vamos a mais um exemplo de escala maior. Repare como agora - é claro - são outras notas. Repare também como há certas peculiaridades que podem ser notadas no diagrama. Por exemplo: Todas as notas das casas 2 e doze, mais todas as cordas soltas fazem parte desta escala.

Escala de D com todas as notas desde a corda solta até a casa 12

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IMPORTANTE: Você talvez já tenha ouvido algo como: “Uma escala precisa começar e terminar com a nota fundamental. Vamos esclarecer isto agora, para que você jamais tenha dúvida.

A nota fundamental de qualquer escala é aquela que dá nome à escala. em outras palavras, a nota fundamental da escala de C... é C. A nota fundamental da escala de Dm é D. Nada difícil aí.

Acontece que podemos perfeitamente tocar uma escala sem começar da nota fundamental. Se estamos tocando - por exemplo - somente as notas da escala de E, não importa por onde comecemos, será sempre uma escala de E. Nós apenas estamos usando notas antes e depois da nota fundamental.

O que ocorre é que o resultado, ou seja, aquilo que ouvimos ao tocar assim, pode soar um pouco diferente, dando a impressão de que aquela não é uma escala - por exemplo - de E.

É preciso então, para “mostrar” na sonoridade qual escala estamos tocando, dar ênfase à nota fundamental. Ou seja, sempre que chegarmos à nota fundamental, tocar um pouco mais forte e fazer uma ligeira (muito ligeira) pausa naquela nota. O resultado sonoro então será o desejado.

Esse negócio de “precisa começar e terminar na fundamental”, é apenas balela. Pense um pouco: suponhamos que você esteja improvisando um solo na escala de C. Ora, a primeira nota C no braço do violão, começando de cima, é a casa 3 da corda 5. Se pensarmos dessa maneira, nossa improvisação estará automaticamente descartando as notas para trás, na corda 5. E também as notas da corda 6. Isso simplesmente não existe.

Mais uma vez, vale a ênfase dada à nota fundamental. Um solo, seja improvisado ou não, sempre “passa” pela fundamental e suas frases sempre dão ênfase à fundamental. Ou seja, a “intenção” do solo (ou da melodia) é sempre voltada para escala e portanto, para sua nota fundamental. Mas não necessariamente fica “preso” a esta nota, nem tampouco deve começar e terminar ali.

Escala Cm natural - todas as notas desde a corda solta até a casa 12


Escala de Cm harmônica - todas as notas desde as cordas soltas até a casa 12

Escala de Cm melódica (ascendente) - notas desde as cordas soltas até a casa 12

Escala de C pentatônica maior - notas desde as cordas soltas até a casa 12

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Escala de C pentatônica menor - notas desde as cordas soltas até a casa 12

Escala de C blues - notas desde as cordas soltas até a casa 12

Você tem agora, alguns exemplos ilustrados de escalas no braço do violão ou guitarra. Lembre-se que este não é um estudo específico sobre escalas. Os exemplos servem apenas para que você tenha idéia de como se localizam as notas das escalas no braço do instrumento.


Oitavas

O termo já foi mencionado anteriormente neste livro, mas esta parte serve para que você compreenda bem o que são as oitavas.

Vamos dar um exemplo que pode soar estranho, mas é bem prático. Imagine que você ouve uma vaca mugindo e que a nota correspondente fosse um A. Depois você ouve um gato miando e a nota também é A. Mais tarde você ouve um passarinho piando e a nota novamente é A. Aí estão três oitavas.

O mugido da vaca é “grosso”, grave. O miado do gato é um pouco mais agudo, um som médio. E o piado do pássaro é mais agudo ainda. Então, a nota A do miado está uma oitava acima da nota A do mugido. E o piado está uma oitava acima do miado. O contrário também é verdade. O miado está uma oitava abaixo do piado e o mugido uma oitava abaixo do miado.

Observe o teclado de um piano. No lado esquerdo estão as notas mais graves. Conforme você toca as notas mais à direita, elas vão ficando mais agudas. E vão se repetindo. A cada vez que você encontra a mesma nota, ela está uma oitava acima da anterior. E assim por diante.

Veja a imagem abaixo. A primeira nota do lado esquerdo é um A. A terceira nota da direita para a esquerda é outro A, que está sete (7) oitavas acima do primeiro. O A do lado esquerdo é bem grave. O do lado direito bem agudo.

Oitavas no violão

Diferentemente do piano, o violão repete notas em diferentes oitavas horizontal e verticalmente. O primeiro e mais evidente exemplo de oitava está em cada corda, solta e na casa 12. São as mesmas notas, porém a nota da casa 12 está uma oitava acima da nota da corda solta. E esta - obviamente - uma oitava abaixo da nota da casa 12. Este é o exemplo de oitava no sentido horizontal.

Porém, as cordas do violão vão ficando mais finas, da corda 6 (mais grossa) para a corda 1 (mais fina). E isso, por si só, já nos dá uma idéia de grave/agudo. Mais grossa = mais grave. Mais fina = mais agudo.

Por outro lado, o violão (a guitarra também) não é tão simétrico como o piano. Explicando: as cordas do violão, soltas, não seguem uma seqüência como as teclas do piano. A corda 6 é um E. A próxima nota seria F, certo? Mas a corda 5 não é um F e sim um A. Por isso

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pode ficar um pouco “confuso” localizar notas no braço do violão. Mas não é tanto assim. Basta acostumar.

Veja o diagrama abaixo.

* De baixo para cima: corda 6, 5, 4, 3, 2, 1

Vamos localizar algumas notas em oitavas diferentes, no sentido vertical. Ou vertical/horizontal.

Exemplo 1

Nota 1 - Corda 6 solta = ENota 2 - Corda 4 casa 2 = E (1 oitava acima da nota 1)Nota 3 - Corda 2 casa 5 = E (2 oitavas acima da nota 1, 1 oitava acima da nota 2)!Nota 4 - Corda 1 solta = E (2 oitavas acima da nota 1, mesma oitava da nota 3)Nota 5 - Corda 1 casa 12 = E (3 oitavas acima da nota 1)

Exemplo 2

Nota 1 - Corda 6 casa 3 = GNota 2 - Corda 4 casa 5 = G (1 oitava acima da nota 1)Nota 3 - Corda 3 solta = G (1 oitava acima da nota 1) Nota 4 - Corda 1 casa 3 = G (2 oitavas acima da nota 1, 1 oitava acima das notas 2 e 3)Nota 5 - Corda 1 casa 15 = G (3 oitavas acima da nota 1, 1 oitava acima da nota 4)

Obs: Foi mencionado em alguns dos itens que a nota está “2 oitavas acima da nota .... e 1 oitava acima da nota...”. É uma coisa lógica, mas convém explicar. Se você tem 3 notas em sucessivas oitavas. A segunda está 1 oitava acima. A terceira está 2 oitavas acima da primeira e 1 oitava acima da segunda.

Cantando “uma oitava acima” ou “uma oitava abaixo”

Você talvez já tenha ouvido a expressão: “Ele está cantando uma oitava abaixo...). É o mesmo assunto. Vou citar um exemplo.


Existem cantores com vozes muito agudas, como Zezé di Camargo ou Xororó. As tonalidades usadas por cantores assim são muito altas. E uma outra pessoa que vá cantar suas músicas, geralmente precisa abaixar a tonalidade.

Em alguns casos, isto nem é necessário. Se a tonalidade estiver muito alta mesmo, por vezes basta que a pessoa cante... uma oitava abaixo. E como é isso?

Suponhamos que a primeira nota da música original seja a nota E da corda 1 solta. Ao invés de começar com esta nota, a pessoa começaria com a nota E da corda 4 casa 2, que é uma oitava abaixo.

O contrário também é verdade. Se a tonalidade for muito baixa, basta começar numa nota uma oitava acima.

Mas isto não é regra, claro. Geralmente é mesmo necessário transportar a tonalidade.

Muito bem. Acredito que a explanação sobre oitavas tenha lhe dado uma boa idéia sobre o assunto. Sigamos em frente.

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Hora do recreio

Quando eu era moleque (e lá se vão “alguns” anos...), na escola tínhamos o intervalo, que naquela época chamávamos de “hora do recreio”. Até hoje me soa esquisito, mas vá lá. Recreio é divertimento, entretenimento. E está certo mesmo... era o que a gente fazia. Além de comer um lanchinho, claro...

Então vamos fazer um pequeno intervalo aqui também. É claro que se você estiver muito ansioso vai acabar passando direto e nem ler esta parte. Fique à vontade... eu não conto pra ninguém.

Vou usar o intervalo (não musical...) para falar da mesma coisa, mas sem tantas “tecnicidades”.

Voltando lá atrás quando eu era apenas um garoto. Desde aquela época a música estava no meu sangue. Vivia cantando. Como era tímido, muitas vezes ficava só “cantando mentalmente”. Mas a música sempre estava presente.

Hoje eu sei que lá atrás, aquele garotinho já “sabia” muitas das coisas contidas neste livro. É verdade. Jamais menospreze o seu cérebro. Mesmo quando você não está pensando conscientemente e propositalmente em alguma coisa, este órgão incrível que Deus te deu está trabalhando.

Assim, o cérebro vai assimilando notas musicais, ritmos, compassos. Intuitivamente. Ora, quando você está cantarolando uma canção, está usando tudo isso. Talvez até de maneira um pouco errada, mas está usando. E como foi que você aprendeu? Simplesmente ouvindo música. O cérebro processa aquilo que você ouve. E retém certas informações. Quando você ouve a mesma coisa novamente, o cérebro identifica. O cérebro “já aprendeu”.

Portanto, não deixe de simplesmente ouvir música. Ouça, cante junto, batuque junto... ah! Isso me faz lembrar...

Há muitos anos, um amigo me perguntou porque eu sempre estava mexendo meus dedos contra a minha perna. Eu olhei para ele com cara de idiota e disse algo assim: “Eu? Eu não faço isso... arrrammm... faço?”. Meu amigo riu... é claro que eu fazia. Então eu comecei a prestar atenção. É. Eu fazia mesmo. E descobri que era quando estava “cantando mentalmente”. Os dedos batucavam o ritmo na perna. Para o meu amigo (E outras pessoas...) aquilo parecia apenas um cacoete, um tique nervoso ou algo assim.

Então lá vai a dica: Preste atenção. O seu cérebro já aprendeu um montão de coisa. Você só precisa deixar estas coisas virem à tona.

Fim do recreio.


Tonalidade

Certo, certo... então já vimos notas musicais e escalas. Você certamente já ouviu a palavra tonalidade. Mas talvez esteja aí meio que “divagando” sobre o significado disso. Que na verdade - tenho que reconhecer - não é tão simples assim. Mas também não é nenhum “bicho de sete cabeças”.

Veja a definição da Wikipédia:

“Tonalidade é um sistema de sons baseados nas Escalas maior, menor, menor harmônica e menor melódica, onde os graus da escala são observados de acordo com sua função dentro da harmonia.”

Arrammm... não ajudou muito, certo? Mas é por aí...Vamos lá, então. Toda música é feita numa determinada tonalidade. As tonalidades são baseadas nas escalas. Então uma música feita “na tonalidade” C, tem sua melodia e demais componentes baseados na escala de C. E assim por diante.Basicamente temo 24 tonalidades, vindas das escalas maiores e menores. Mais, se contarmos com (conforme a definição acima) as escalas menores melódica e harmônica.Acontece que a maioria das músicas mais populares, aquelas que ouvimos no rádio e no Youtube, utilizam a escala maior. Em menor quantidade estão as músicas que utilizam a escala menor. Portanto, podemos ficar apenas com as nossas tonalidades maiores e menores. Então dizemos que uma determinada música “está na tonalidade C”. E o que exatamente isto significa?Significa que a melodia, os solos, os acordes e tudo mais pertencerão à escala de C (dó maior). Começou a fazer sentido, certo? Agora já juntamos algumas coisas: notas, escalas, tonalidades.

Como é determinada a tonalidade de uma música?

A palavra tonalidade, tom, não se usa só em música. É usada para cores também. Uma determinada cor tem diversas tonalidades ou tons, certo?

Na música instrumental, a tonalidade determinada pelo compositor é muito importante. Porque ele quer que a música tenha aquele tom. Aquela “cor”. Teoricamente qualquer música pode ser tocada em outra tonalidade, acima ou abaixo. Por exemplo, uma música que está na tonalidade C, pode ser tocada em C#, D, D#, etc.

Mas na maioria dos casos, em música instrumental, a música terá um “sabor” diferente. Algumas vezes até mesmo benéfico, agradável. Mas diferente.

! Bruno Grünig! 42

http://pt.wikipedia.org/wiki/Escala_menor_harm%C3%B4nica

http://pt.wikipedia.org/wiki/Escala_menor_harm%C3%B4nica

http://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Escala_menor_mel%C3%B3dica&action=edit&redlink=1

http://pt.wikipedia.org/w/index.php?title=Escala_menor_mel%C3%B3dica&action=edit&redlink=1

http://pt.wikipedia.org/wiki/Harmonia

http://pt.wikipedia.org/wiki/Harmonia

Na música popular, não instrumental, isto também acontece, porém a diferença é mais pronunciada em alguma canções e nem tanto em outras.

Talvez já tenha ocorrido com você. Você vê alguém cantar uma música de outro cantor. E parece que “algo está errado”. A música ficou diferente demais. Muitas vezes parece que ficou muito pior. Algumas vezes isto é devido à troca de tonalidade. Na troca de tonalidade, a música pode perder seu ímpeto. As partes mais fortes da música perdem seu brilho. Isto acontece.

Um exemplo clássico está nos programas de aspirantes a cantor, como o Fama, The voice, etc. Quando a música não é bem escolhida para a voz do cantor, o desastre é quase inevitável.

Suponhamos que eu fosse participar de um programa destes. Eu jamais tentaria cantar músicas de Zezé di Camargo, por exemplo. Porque eu sei que tenho que baixar 4 ou 5 semitons para poder cantar as músicas de Zezé. E as músicas já não ficam tão brilhantes como na tonalidade original.

Quando é preciso subir ou descer a tonalidade só meio tom ou um tom, geralmente não há tanto problema para cantar.

Mas mesmo a harmonia, na troca de tonalidade pode perder. Os acordes diferentes podem não soar tão bem. E assim por diante.

Por estas e outras é que eu disse, no início, que tonalidade não era tão simples. Uma tonalidade pode dar vida a uma música. Outra pode até matá-la.

Mas... isso não impede que você - quando precisar - toque suas músicas preferidas na tonalidade mais adequada à sua voz. Tentar cantar na tonalidade do Xororó, para algumas pessoas é um verdadeiro suicídio. Na hora das notas agudas... ai, ai, ai... cadê a voz? Nestas horas... não pense duas vezes. Respeite a sua voz e suas limitações. Cantar dentro da tonalidade correta para a sua voz não é errado. É necessário.

Então podemos afirmar que...

A tonalidade determina quais notas e acordes (de qual escala) serão utilizadas na música.

Esta é a parte simples. O básico. Por exemplo: Uma música na tonalidade C (dó maior) irá utilizar as notas: C, D, E, F, G, A, B. E - basicamente - os acordes: C, Dm, Em, F, G, Am, B° (você verá o porque destes acordes mais adiante, em campo harmônico).

Isto é facilmente comprovável em algumas músicas populares. E quando digo populares não me refiro à MPB, por favor. A MPB pode ser qualquer coisa, menos popular.

Mas... - e sempre há um mas - nem só de pura matemática vive a música. Seria muito fácil se fosse assim e pronto. Na verdade, em músicas mais simples, é assim. E pronto. Mas é possível encontrar partes de uma determinada música que fogem às “regras”. Acordes - por exemplo - “emprestados” de outra tonalidade. Troca de tonalidade num trecho da música, é outro exemplo. E outras inúmeras alterações.


Porém as músicas mais simples (a grande maioria que ouvimos), encaixam-se - com algumas poucas exceções - nestas regras (que, como vimos, não são regras absolutas).

As tonalidades na partitura

O quadro abaixo já foi apresentado anteriormente. E mostra como reconhecer as tonalidades numa partitura.

E porque o quadro mostra somente tonalidades maiores? Pelo simples fato de que as tonalidades também seguem as regras das relativas. Uma tonalidade C é relativa da tonalidade Am. Ou seja, se na tonalidade C não temos sustenidos ou bemóis, tampouco temos estes acidentes na tonalidade Am. Portanto o início da partitura será igual.

O que nos leva a uma pergunta. Então, como iremos saber se a música está na tonalidade maior ou menor? Aí é que a porca torce o rabo... Quem não estudou música com a profundidade suficiente, logo de cara não vai saber. Porque a partitura é igual e as notas também.

Um músico profissional ou um maestro, por outro lado, é claro que sabe qual é a tonalidade. Pela disposição das notas, acordes, etc.

Mas para quem não lê partitura há esperança. Caso a partitura não tenha as cifras dos acordes na parte de cima (muitas hoje em dia têm), o negócio é no ouvido. Ao experimentar os acordes, o ouvido vai acabar identificando se a tonalidade é maior ou menor.

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Por exemplo... suponhamos que a partira indique C ou Am. Há grandes probabilidades de que a música comece com o acorde C ou Am. Ao experimentar um ou outro e os demais acordes que poderiam vir em seqüência, um músico com um pouco de experiência identifica rapidamente a tonalidade. Uma questão de treinar.

Transporte de tonalidade

Um nome que causa um pouco de receio em alguns. Parece que você vai ter que fazer um esforço dantesco para “transportar” a tonalidade. Mas na verdade é uma coisa bem simples.

Já falamos aqui sobre a troca da tonalidade, quando necessária. Isso é o transporte. Tocar uma música com tonalidade diferente. Mais alta ou mais baixa. E neste caso, a matemática funciona.

Pense... quando transportamos uma música da tonalidade C para D, o que aconteceu? Subimos a música em 1 tom. Tudo na música vai subir 1 tom. Notas e acordes. No caso dos acordes, mais simples impossível. Basta usar a escala cromática.

Suponhamos que uma música tenha os seguintes acordes: A, F#m, D, E, C#m

Queremos transportar a tonalidade para um tom mais alto. E decidimos que 1 tom e meio é o ideal. Teremos que mudar todos os acordes um tom e meio acima.

O primeiro acorde. A. O que vem depois de A? A#. E depois? B. E depois? C. Então nosso primeiro novo acorde será C. Que é um tom e meio acima de A. Veja a escala cromática abaixo (com duas oitavas, para facilitar):

C C# D D# E F F# G G# A A# B C C# D D# E F F# G G# A B C

O x x x

Repare como “andamos” três semitons (1 tom e meio) de A para C. Agora basta fazer a mesma coisa com os demais acordes.

Importante: O que vem depois do nome do acorde permanece. Lembrando que #(sustenido) e b(bemol) fazem parte do nome do acorde, que vai mudar no transporte. Então num transporte de meio tom, um acorde F# vai para G, ou seja, perde o sustenido. Já o que venha depois, permanece. Por exemplo: F#m transportando em meio tom, vai para Gm. Porque o “m” significa que o acorde é menor. Se era menor antes, irá continuar menor. Se era com sétima, sexta, décima primeira... etc., vai continuar também.

Terminemos então de transportar nosso exemplo.


O segundo acorde é F#m. Temos que transportá-lo em um tom e meio (três semitons). Veja abaixo, na tabela:


O x x x

Encontramos então o A. Nosso novo acorde então é Am. Repare que - conforme explicado - o acorde agora já não é sustenido. Mas continua sendo um acorde menor. Se tivéssemos transportado apenas um tom (dois semitons), ele seria G#m.

O próximo acorde é D. Mesma coisa... três semitons adiante:


O x x x

O novo acorde é F.

Próximo acorde é E. Três semitons...


O x x x

O novo acorde é G.

O último acorde é C#m. Andemos três semitons:


O x x x

Novo acorde: Em

Portanto nossa música tinha: A, F#m, D, E, C#m

E agora tem: C, Am, F, G, Em

O mesmo princípio é aplicado a todos os casos. Seja transportando para cima ou para baixo. E sejam quantos semitons se deseja transportar.

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Fazendo o transporte no dia a dia

É claro que você não precisa fazer tudo isso aí... com o tempo, você acostuma a transportar rapidamente, nos casos mais simples. Um tom acima ou abaixo, por exemplo. É fácil visualizar as notas. Principalmente quando não há sustenidos.

Tenha sempre à mão uma folha de papel com a escala cromática em duas oitavas, conforme acima. Basta então localizar a nota desejada e andar a quantidade de semitons para frente ou para trás. Com o tempo, você fará isso de memória e não precisará mais da folha de papel. Vai apenas anotando os novos acordes. O próximo capítulo vai ajudar mais ainda. Conhecendo o campo harmônico, transporte vira brinquedo.

É claro que eu poderia colocar aqui uma tabela de transporte. Mas... não. Esta não é a intenção do livro. É muito melhor para você compreender e fazer as coisas por si mesmo. Quando você consulta uma tabela, está mandando seu cérebro ir tomar um café no bar da esquina. Você não pensa. E eu quero que você pense. Mais tarde você vai lembrar-se do Brunão... e vai agradecer.


Campo harmônico

Um nome meio... pomposo. Mas a esta altura não tem segredo para você. O campo harmônico nada mais é do que o conjunto de acordes gerado por cada escala. Lá atrás já dissemos que uma música numa determinada tonalidade vai utilizar certas notas e certos acordes. Pertencentes à escala que dá nome à tonalidade. Pois é... os acordes vêm das escalas. Isto é o campo harmônico.

Campo harmônico maior

Cada escala tem sua nota 1, 2, 3... e assim por diante. Vamos chamar cada uma das notas de grau. Assim temos o primeiro grau, o segundo, terceiro... etc.

No campo harmônico, cada grau gera um acorde, maior, menor ou diminuto. Vejamos quais são no

Campo harmônico maior

Grau Acorde (maior, menor ou diminuto)

Escala de C Acordes gerados

Primeiro Maior C C

Segundo Menor D Dm

Terceiro Menor E Em

Quarto Maior F F

Quinto Maior G G

Sexto Menor A Am

Sétimo Diminuto (°) B B°

Portanto, para saber os acordes do campo harmônico maior, basta saber as notas da escala e atribuir-lhes as extensões dos acordes de acorde com a tabela acima.

Com o tempo, você acostuma-se a isso de tal maneira que faz sem pensar, acredite. Principalmente se utilizar o campo harmônico para compor músicas ou “tirar” músicas.

As regras para o campo harmônico menor são as mesmas. Para exemplificar melhor, utilizamos na tabela a seguir, a tonalidade relativa de C (Am). Como as notas são as mesmas, é claro que os acordes também serão os mesmos. Apenas a ordem das notas é diferente.

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Campo harmônico menor

Grau Acorde (maior, menor ou diminuto)

Escala de C Acordes gerados

Primeiro Menor A Am

Segundo Diminuto (°) B B°

Terceiro Maior C C

Quarto Menor D Dm

Quinto Menor E Em

Sexto Maior F F

Sétimo Maior G G

Para os demais campos harmônicos, basta seguir a mesma regra. Mais uma vez... nada de tabelas. Basta colocar diante de si as sete notas de uma escala e colocar os sinais diante das notas. Veja o exemplo abaixo:

Escala de D#

D#, F, G, G#, A#, C, D, D#

Acordes gerados

D#, Fm, Gm, G#, A#, Cm, D°

+ - - + + - dim

Variações dos acordes

Acordes têm alterações. Por exemplo: A é um acorde natural. A7 é um acorde com variação. Os acordes com alterações fazem parte do campo harmônico. Assim, você pode ter um acorde A, por exemplo. E mais os acordes alterados, como por exemplo: A7, A6, A9... etc.

Acordes relativos

Aí está a palavra novamente... relativo. Você já sabe que escalas relativas têm as mesmas notas. Tonalidades relativas também. Agora... e os acordes relativos?

Acordes relativos são aqueles que têm em suas escalas, as mesmas notas. Ou seja, acordes relativos provém de escalas relativas.

Então... o acorde C é relativo de Am. O acorde D é relativo de Bm. E assim por diante.


Agora repare no campo harmônico. Tem tudo a ver... Dos sete acordes do campo harmônico, seis são relativos entre si(De 2 em 2, claro...). Veja o exemplo do campo harmônico de C.

C, Dm, Em, F, G, Am, B°

Acordes relativos

• C é relativo de Am, porque as escalas de Am e C têm as mesmas notas• Dm é relativo de F, porque as escalas de F e Dm têm as mesmas notas• Em é relativo de G, porque as escalas de G e Em têm as mesmas notas

Veja como as coisas vão se encaixando. Na verdade, falando em termos musicais, as coisas vão se harmonizando. As notas, escalas, acordes numa tonalidade, têm muito em comum. Por isso harmonizam. Por isso produzem belas músicas. Tudo combina.

Para que você não esqueça:

• Todo acorde maior tem um relativo sempre menor• Todo acorde menor tem um relativo sempre maior

É muito simples localizar um acorde relativo no violão.

• De um acorde maior para o relativo menor - Conte três casas para trás da nota fundamental. (Exemplo: O acorde C. Sua nota fundamental, claro, é C. Três casas para trás (três semitons), temos a nota A. Relativo? Am)

• De um acorde menor para um acorde maior - Conte três casas para frente da nota fundamental. (Exemplo: O acorde Am. Sua nota fundamental é A. Três casas para frente (três semitons) temos C. Relativo? C).

Isto, é claro, vale para todos os acordes maiores e menores.

Os acordes relativos também servem para “encontrar” um campo harmônico. Isso é útil na hora de encontrar os acordes para uma música. Por exemplo: você sabe que a música tem os acordes C e D. Portanto, já sabe também que pode haver naquela música os seus relativos: Am e Bm.

Pois bem... de notas chegamos até campo harmônico, com seus acordes. O que nos leva a estes últimos. Os acordes. De onde “surgem” os acordes? Veja no próximo capítulo.

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Formação de acordes

Acordes nada mais são do que notas musicais agrupadas. Mas não quaisquer notas, evidentemente.

Em primeiro lugar, é preciso saber que tecnicamente um acorde só é um acorde se tiver três notas ou mais. Ou seja, duas notas não fazem um acorde, apesar de, na prática isto ser utilizado sem problema.

De onde vêm os acordes?

Você já deve estar imaginando, se é que não sabe. Os acordes vêm das escalas, de onde mais poderia ser?

Acordes são nomeados C, Cm, Am, A... assim como as escalas, certo? Nada mais lógico. Então, um acorde C vem da escala de C. Um acorde Bm vem da escala Bm. E assim por diante.

Acordes naturais

Os acordes naturais são aqueles que possuem apenas 3 notas (tríades), sem alterações. São, por assim dizer, “acordes puros”. Eles são formados com três notas da escala. O primeiro grau, o terceiro grau e o quinto grau. Veja os exemplos abaixo:

Escala 1 2 3 4 5 6 7

C C D E F G A B

Acorde C X X X

Am A B C D E F G

Acorde Am X X X

Na tabela acima, a formação de dois acordes: C e Am. Usei dois acordes relativos, para aproveitar a ocasião e reforçar este conhecimento. Repare como as duas escalas têm as mesmas notas (E por isso são relativas, assim como estes dois acordes). Repare também que os dois acordes possuem duas notas iguais (C e E).

Portanto, No acorde C, temos C como nota fundamental, E como terceira e G como quinta. No acorde Am, A é a nota fundamental, C a terceira e E a quinta.

No acorde natural, não temos outras notas. Apenas estas três. No violão, por exemplo, quando se monta qualquer acorde natural, ou certas notas se repetem, ou somente são tocadas as cordas que formam o acorde. Veja alguns exemplos:


No acorde F abaixo, todas as cordas são utilizadas. As três notas necessárias ao acorde são F, A, C. No exemplo abaixo estão repetidas as notas F e C.

No acorde A ilustrado abaixo, as notas necessárias são A, C#, E. As notas A e E se repetem e a corda 6 não é utilizada no acorde, não devendo ser tocada.

Repare como os diagramas dos acordes acima possuem várias informações.

• No topo, o nome do acorde.• Logo abaixo, o “X” avisa qual corda não deve ser tocada, enquanto a bolinha simples

determina que uma corda solta deve ser tocada. A outra bolinha, com a parede mais espessa, indica que aquela é a nota fundamental do acorde. Se a nota fundamental do acorde for uma corda que está apertada, a bolinha muda. É preta no meio com um círculo em volta (diagrama de F).

• A barra atravessando o braço indica uma pestana.• As bolinhas indicam quais cordas devem ser apertadas.• Os números na parte de baixo indicam quais dedos devem ser usados para apertar as

cordas.

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• Abaixo dos números, as letras indicam quais são as notas daquele acorde.

Ufa? Viu quanta coisa num pequeno retângulo? Útil demais.

Voltando à teoria... então sabemos que os acordes naturais são formados por três notas. E os outros acordes?

Os acordes com alterações, podem ter:

• As três notas do acorde natural mais a alteração • Duas notas do acorde natural mais a alteração

Veja os exemplos abaixo. No primeiro exemplo, temos quatro notas. As três do acorde natural, mais a sétima (menor). No segundo exemplo, a quinta nota do acorde natural foi substituída pela sétima menor. Tecnicamente, há diferença entre os acordes, mas o som obtido é percebido como igual (ou quase igual) pelo ouvido. Portanto as duas formas podem ser usadas.

Então... acordes com alterações nada mais são do que acordes que receberam notas diferentes do acorde natural. Muito bem. E de onde vêm estas notas? Mais uma vez... das escalas.

A alteração mais comum, encontrada em muitas músicas, é a mencionada acima. A sétima menor. Conforme diz o nome, a nota para esta alteração vem da escala menor. No caso do acorde C7, da escala de Cm. Veja só:

Acorde C (dó maior) - Primeiro grau - C Terceiro grau - E Quinto grau - G

Escala de Cm = 1)C, 2)D, 3)D#(Eb), 4)F, 5)G, 6)G#(Ab), 7)A#(Bb)

Confira agora nos diagramas. Lá está a nota Bb(que é igual a A#). E que é a sétima nota da escala de Cm.


Porém, há um jeito mais simples de localizar esta nota, sem recorrer à escala menor. Basta pegar a sétima nota da escala maior e “atrasar” em meio tom. Veja abaixo:

Escala de C = C, D, E, F, G, A, B

A sétima nota é B. Meio tom abaixo? É claro... Bb.

Evidentemente, esta regra se aplica a todos os acordes maiores com sétima menor.

Na prática, para o acorde com sétima menor, dizemos apenas “com sétima”. Já está implícito que se houver apenas o número 7 é sétima menor. Sim... porque - como você vai ver - existe a sétima maior.

No início, estas coisas confundem um pouco a cabeça. É um tal de uma hora é menor, outra é maior... Mas com o tempo você acaba se acostumando com as “gírias” musicais.

Antes de mostrar e explicar algumas alterações de acordes, vamos ver para que servem estes acordes. Para tocar música... é claro. Mas em que situações?

Bem... aí está uma das coisas na música em que não se pode aplicar muita matemática. Não há uma “fórmula” que possa dizer onde usar tais e tais acordes.

Mas de uma coisa você pode estar certo. Um determinado acorde só cabe num determinado trecho de uma música, se a melodia assim o permitir. Ou seja, os acordes utilizados na música dependem da melodia.

Faça uma experiência bem simples... Pegue uma música qualquer e troque os acordes de posição. Veja que, se aqueles acordes estão lá, cabem no acompanhamento da música. Eles “pertencem” à música. Podem ser usados naquela música. Mas não em qualquer parte da música. Porque os acordes precisam se harmonizar com a melodia.

Portanto, um trecho de uma música pode aceitar ou não um acorde com nona, por exemplo. Não adianta tentar “empurrar” o acorde no acompanhamento.

Certa vez vi um video de alguém que tentava transmitir seu conhecimento em violão. O sujeito acabou se enrolando, ao dizer algo assim: “ultimamente nem uso mais o acorde C. Só uso C9...”.

Ou seja, ele “apaixonou-se” pela sonoridade de um acorde, e pensa que pode usá-lo em todas as ocasiões, independentemente da melodia. A verdade é: não. Ele não pode fazer isso. Nem sempre um acorde alterado fica bonito numa melodia. E muitas vezes fica mesmo é muito feio, como se houvesse algo muito errado naquele trecho.

Portanto, não vá você pensar que usar acordes alterados é “mais cabeça”. Ou que significa que você é “craque” no violão. Acorde alterado fora de lugar é aberração.

Tipos de acordes alterados

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Existem diversos tipos de alterações em acordes. Você pode ouvir também a expressão “acordes dissonantes”, referindo-se aos acordes alterados. Uma dissonância - por assim dizer - é algo “instável”, que precisa de uma resolução.

Faça um teste... toque os dois acordes abaixo. Um é natural e outro alterado. Perceba como o acorde natural parece “fazer sentido” quando tocado sozinho. Já o acorde alterado, parece - em alguns casos - “estar errado”.

Acontece com muitos acordes alterados. Eles precisam de uma “resolução”. Ou seja, eles funcionam dentro de uma determinada harmonia, mas não como os acordes naturais. Dificilmente você verá uma música em que um mesmo acorde alterado é usado sozinho num trecho longo da música. Acontecer, acontece... mas é muito raro. Porque em grande parte dos casos, o acorde alterado não vai fazer sentido par ao trecho inteiro da música.

Ao contrário, há muitas e muitas músicas que usam acordes naturais em longos trechos. Porque os acordes naturais “fazem sentido” na música, por si sós.

Caso queira compreender melhor o assunto, é necessário estudar harmonia com mais profundidade.

Vamos então aos principais tipos de acordes alterados:

1 - Acordes com 7 (sétima) maior ou menor - São acordes (maiores ou menores) de 4 notas (tétrades). Às notas do acorde natural é acrescentada uma nota. A sétima pode ser maior (vinda da escala maior) ou menor (vinda da escala menor). Os acordes podem ser representados assim:

Maior com sétima menor = C7Maior com sétima maior = C7+Menor com sétima menor = Cm7Menor com sétima maior = Cm7+

As notas do acorde são: Primeiro, terceiro e quinto graus da escala, acrescidos de:

Sétimo grau da escala menor - Sétima menor (7)


Sétimo grau da escala maior - Sétima maior (7+)É fácil também localizar as duas notas (7 e 7+), apenas na escala maior.

- Para a sétima maior (7+) é a sétima nota da escala maior.- Para a sétima menor (7) um semitom abaixo da sétima nota da escala maior.

Veja a escala de C = C, D, E, F, G, A, B

B é a sétima nota, que faz a sétima maior. Meio tom abaixo de B = Bb ou A#, que faz a sétima menor.

E isto serve para todas as escalas. Veja os exemplos abaixo:

Notas de cada acorde:

Nota/Acorde C7 C7+ Cm7 Cm7+

Grau 1 C C C C

Grau 3 E E Eb Eb

Grau 5 G G G G

Sétima Bb B Bb B

2 - Acordes com quarta e com nona adicionadas - São acordes naturais aos quais simplesmente adicionamos a quarta ou a nona notas da sua própria escala. ATENÇÃO: Neste tópico refiro-me a acordes com quarta OU com nona! Não com quarta E nona. Ou seja, apenas UMA NOTA é adicionada. Veja os exemplos abaixo:

Repare como em todos os casos os acordes têm as três notas da tríade (acorde natural). E foi então adicionada a quarta ou nona nota, que tanto no caso da escala maior ou menor são as mesmas notas.

A nomenclatura dos acordes no exemplo abaixo, é americana. O “add” significa adicionar. Muito simples. Sites de acordes brasileiros nomeiam estes acordes assim: C9, Cm9, C4. Isto causa uma ligeira confusão, porque no sistema americano, um acorde C9, por

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exemplo, contém não somente a nona nota da escala, como também alterações anteriores. Então convenciona-se (no sistema americano) que um acorde C9 contém a nona e também a sétima. Mas não a quarta. Em sites brasileiros estes acorde têm a nomenclatura assim C7(9). Ou seja, o acorde já não é baseado no acorde natural e sim, num acorde com sétima.

Portanto os acordes deste tópico, em sites brasileiros = C9. em sites americanos = Cadd9.

3 - Acordes com nona, décima-primeira e décima terceira - Aqui a coisa parece complicar um pouco. Da nona já falamos no tópico anterior. Os acordes deste tópico não são baseados em acordes naturais, e sim, em acordes com sétima. Normalmente, nestes acordes é retirado o quinto grau e adicionado o grau da alteração. As alterações 9 e 13 podem também apresentar-se diminuídas de meio tom. Veja as notas obtidas nos exemplos abaixo:

C7 = 1-C, 3-E, 5-G, 7-Bb

C9 (Ou C7(9) = 1-C, 3-E, 7-Bb, 9-D

C7b9 (Ou C7(9-) = 1-C, 3-E, 7-Bb, 9-Db

C11 (Ou C7(11) = 1-C, 3-E, 7-Bb, 11-F

C13 (Ou C7(13) = 1-C, 3-E, 7-Bb, 13-A

C7b13 (Ou C7(13-) = 1-C, 3-E, 7-Bb, 13-Ab

Exemplos. Repare como em todos os exemplos o quinto grau foi substituído pelo grau da alteração (9, 11 ou 13).


ATENÇÃO: Não se preocupe muito com acordes muito avançados. Ou em saber “todos” os acordes. Procure relacionar o que está aprendendo aqui, com os acordes usados nas músicas que você toca. Ou músicas que encontrar em sites de cifras. Assim você vai se acostumando com as alterações mais comumente usadas. E também quando e onde elas são usadas.

RELEMBRANDO: Lembre-se que os números acima de 7 na escala correspondem às mesmas notas, iniciando-se a escala novamente. Veja a tabela abaixo:

Nota até 7 Nota acima de 7

Exemplo Escala de C

1 8 C

2 9 D

3 10 E

4 11 F

5 12 G

6 13 A

7 14 B

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Portanto, A nota 2 = 9, a nota 4 = 11 e assim por diante.

4 - Acordes aumentados - São aqueles em que o quinto grau é aumentado em meio tom. Simples e direto. No caso de C, ai invés de C, E, G, teremos C, E, G#. Nada mais que isto. Nomeia-se C5+ ou Caug (americano). Veja o exemplo abaixo:

4 - Acordes com sexta - Pode ter os três graus do acorde natural (1,3,5) e mais a sexta nota da escala ou os graus 1, 3 e 6. Veja os exemplos abaixo:

5 - Acordes com sexta e nona - Conforme o nome diz, adiciona-se a sexta e a nona. A quinta é eliminada do acorde. A nona pode também ser diminuída de meio tom. Veja os exemplos:

Obs: Em C6b9 o “b” antes do 9 significa diminuído em meio tom. Poderia ser representado: C6(9-).


Nota: Existem outras combinações de alterações, é claro. As alterações aqui apresentadas, são as mais comumente usadas.

6 - Acordes diminutos - Aqueles em que o primeiro grau permanece inalterado e os demais são diminuídos de meio tom. Representa-se: C° ou Cdim. Geralmente usa-se o acorde com a sétima diminuída em meio tom também. Caso em que poderia chamar-se Cdim7 ou C°7. Alguns sites brasileiros usam simplesmente C° e ilustram o acorde com a sétima diminuída. Exemplos:

7 - Acordes com baixo alterado - Conforme o nome diz, o acorde é o mesmo, apenas a nota fundamental é alterada. Por exemplo: Dó maior com baixo em ré (C/D). Representa-se assim mesmo... apenas uma barra separando o acorde do baixo alterado. Veja os exemplos abaixo:

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Alterações existem às pencas, por assim dizer. Acredito que as explicações acima sejam suficientes para que você compreenda o mecanismo. Tudo vem das escalas. As possibilidades são quase infinitas. Por isso, é perfeitamente possível que você encontre acordes que parecem não encaixar-se a nenhuma “regra” conhecida. Aí, basta analisar as notas, se você quiser “destrinchar” o acorde. O importante é compreender de onde vêm as notas.

Formatos dos acordes

Leve em conta também, que para cada acorde, seja natural ou alterado, existem diversos formatos. Ou seja, várias maneiras de montar o acorde no braço do violão ou guitarra. Então...

Não tente “aprender todos os acordes”. Isto é praticamente impossível. Vamos fazer umas contas simples, para ilustrar a quantidade absurda de acordes existentes.

Com tons e semitons, temos:

• 12 acordes maiores e 12 acordes menores (naturais) = 24 acordes• Se contarmos pelo menos 10 tipos de alterações/combinações para cada um destes

acordes, temos: 10*24 = 240.

E ainda por cima, temos que contar que nem sempre um determinado formato de acorde funciona com uma determinada seqüência de acordes... a coisa vai longe.

Portanto, não é viável tentar decorar acordes. É claro que acabamos por decorar alguns, sem dúvida. Mas conhecendo as escalas e como acordes são formados, lhe dá capacidade para formar acordes quando necessário.

Importante também é estudar formatos repetitivos. Ou seja, acordes móveis, cujo formato feito em outra casa lhe dá o mesmo acorde em outro tom. Um bom exemplo está nos acordes com pestana. Mover para frente ou para trás e temos um novo acorde. Outro caso são os acordes que utilizam as quatro cordas centrais. Basta movê-los para obter novos acordes.


Acordes na partitura

Veja na imagem abaixo como são representados os acordes na partitura. O acorde abaixo é um C (dó maior). Como as notas estão sobrepostas, o músico sabe que deve tocá-las ao mesmo tempo.

Enfim... como você viu, as coisas fazem sentido no campo da música. Notas e acordes não estão ali por acaso. Ou porque simplesmente alguém resolveu “intuitivamente” que deveriam estar ali. Existe uma lógica. E se existe uma lógica, é possível aprendê-la.

O segredo é ir devagar. Estudar sequências de acordes. Tocar primeira músicas mais simples e aumentar o grau de dificuldade pouco a pouco. Estudar a mesma seqüência em tonalidades diferentes.

Lembre-se: quando se trata de acordes, de nada adianta saber um acorde isolado. Porque uma música não tem só um acorde. Ela tem sequências de acordes. Veja este trecho da música “Oceano”, de Djavan. Qualquer principiante, simplesmente olhando esta coisa pela primeira vez, tem vontade de chorar. Como é que apenas uma estrofe da música tem 16 acordes? Isso chega a ser maldade, é ou não é?

Acontece que a MPB e o Jazz, por exemplo, são casos à parte. Não se trata de melodias com um acompanhamento. É mais o contrário. Particularmente considero músicas como esta como instrumentais. Tudo bem, tem uma letra, mas todos que tocam e gostam de tocar MPB sabem que o importante é a parte instrumental. O importante é executar aquelas sequências mirabolantes de acordes. Repare no exemplo abaixo... são 16 acordes... que não se repetem!

D G7M A7 Assim que o dia amanheceu A#° Bm Bm7MLá no mar alto da paixãoBm7 Bm6 Am7 D7(9) Dava pra ver o tempo ruirGm7 C7(9) F#m7 Cadê você, que solidãoB7(9-) E7(9) A7(4) Esquecera de mim

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Mas não é assim na música popular em geral. Geralmente são bem menos acordes. E os acordes repetem-se à medida em que a música segue em frente. E os acordes somente mudam quando a melodia assim exige. Veja um exemplo extremo abaixo:

G Existem momentos na vida D Que lembramos até morrer Passados tão tristes no amor G D Que ninguém consegue esquecer G Carrego uma triste lembrança D De um bem que jurou me amar

Está presa em meu pensamento G G7 E o tempo não vai apagar

Refrão

C Fui seresteiro das noites G Cantei vendo o alvorecer D Molhado com os pingos da chuva G G7 Com flores pra lhe oferecer C Fui seresteiro das noites G Cantei vendo o alvorecer D Molhado com os pingos da chuva G D G D G D Com flores pra lhe oferecer

Na música “Seresteiro das noites” acima, a primeira parte usa praticamente só dois acordes! Apenas no final o G vira G7!

No refrão é introduzido o acorde C. E acabou-se! A música toda só usa três acordes.

Acabamos portanto de ver os dois extremos: Uma canção com dezesseis acordes (só na primeira estrofe... a música toda tem mais de 25 acordes) e outra com apenas três acordes.


O que se deduz daí? Eu deduzo o seguinte:

• A quantidade de acordes numa música não se traduz em qualidade. Ou sucesso. Se fôssemos levar em conta o fator sucesso (vendagem), Oceano, de Djavan apanharia feio de Seresteiro das noites, de Amado Batista. Feio mesmo. Sem a menor dúvida, a música de Amado Batista vendeu infinitamente mais. A música de Djavan é mais sofisticada. A de Amado Batista é mais simples. Mas isso não quer dizer que uma seja boa e a outra ruim. Eu, por exemplo, gosto das duas. Escuto as duas músicas com prazer, sem preconceito. E também existem músicas simples que não gosto. E músicas sofisticadas das quais também não gosto.

• Acordes presentes numa música dependem de sua melodia e também de seu gênero. Tente inverter as coisas, e tocar Seresteiro das noites com dezenas de acordes, ou Oceano com apenas três acordes. Duas músicas bonitas seriam transformadas em aberrações.

• Nada supera uma melodia bonita, cativante, aliada a uma harmonia condizente e uma letra interessante. Tudo na medida.

Portanto, em termos de acordes, mais não significa melhor. Mas isso não quer dizer que você limite seu conhecimento. Pelo contrário. Quanto mais você souber, mais músicas poderá tocar e mais rico será o seu desempenho.

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Ritmo

A música portanto tem melodia (as notas...) e harmonia (os acordes...). Mas é necessário um terceiro elemento: o ritmo. Sem ritmo... sem música.

Não confunda ritmo com tempo. O tempo determina a pulsação da música (mais lenta, mais rápida). O ritmo é mais complexo. O ritmo determina:

Em quais partes do tempo haverá som ou silêncio, a duração dos sons e silêncios e também a intensidade (volume) dos sons.

Não é tão simples, mas a frase acima quase consegue definir ritmo. Pelo menos para a música.

Imagine o seguinte: Temos um compasso de quatro tempos, com andamento de 60. Montamos um acorde no violão e tocamos uma vez em cada tempo, com a mesma intensidade. Agora, imagine que continuemos assim por vários compassos, sem mudar nada. Temos aí um “quase ritmo”. Porém, monótono, sem vida. Quase poderíamos dizer que não é um ritmo.

Agora vamos mudar a coisa um pouco. Vamos dividir estes quatro tempos em oito. Teremos então:

1! 1,5! 2! 2,5! 3! 3,5! 4

Se continuarmos fazendo o que estávamos fazendo antes e tocarmos uma vez a cada meio tempo, com a mesma intensidade, ficaremos na mesma.

Mas.. façamos o seguinte:

• No tempo 1, faremos a batida para baixo, nas cordas graves do violão. A batida será um pouco mais forte do que as demais.

• Nos tempos 1,5 e 2,5 não faremos nada (silêncio)• Nos tempos 2 e 4, daremos a batida para baixo, somente nas três cordas mais finas.• No tempo 3 faremos a mesma batida do tempo um, nas cordas mais grossas, porém

com menos intensidade.• No tempo 3,5 nossa batida será puxar de leve as cordas mais finas (de baixo) para

cima.

Se fizermos conforme acima, aí teremos... ritmo! Veja como tudo encaixa na frase inicial. Definimos durações diferentes. Definimos intensidades diferentes. Inserimos silêncios. isto se chama... ritmo.

Assim são compostos todos os ritmos. Por vezes, ao ouvir uma música, mesmo prestando atenção, fica difícil associar o ritmo ouvido com a teoria de ritmo. Mas “destrinchando” o ritmo como foi feito acima, é possível perceber a divisão das partes.


A bateria e o ritmo

Eu sempre, ao ensinar violão, procurei mostrar a associação entre as peças de uma bateria e o violão, para se aprender duas coisas: tempo e ritmo.

A bateria, numa banda, é o principal instrumento de marcação de tempo e ritmo. Um bom baterista leva automaticamente os demais músicos a executar o ritmo e o tempo certos.

E mais... podemos associar as peças da bateria às partes das batidas no violão. Isto ajuda muito a compreender e treinar ritmos.

Bateria Tempo Violão

Bumbo 1 e 3 Cordas mais grossas

Caixa 2 e 4 Cordas mais finas

Cimbal Tempos intermediários Cordas mais finas (acima)

É claro que numa batida de violão mais complexa não se pode tomar isto como regra absoluta. Mas com batidas simples, é fácil perceber a correlação e seguir a bateria.

Sensibilidade

Ritmo também depende muito de sensibilidade. É muito comum acontecer de se fazer as batidas certas para um determinado ritmo, no violão, e o resultado não se parecer muito com o desejado.

Isto tem muito a ver com intensidade. Ou seja, com a força de cada elemento da batida. Se todos os movimentos estiverem corretos e o resultado não for correto, o problema está aí. Existem batidas em que determinados movimentos são quase imperceptíveis. Movimentos que não chegam a ser silêncio absoluto, mas chegam perto. Como se fossem “falsos movimentos”.

Isso é sensibilidade. É preciso “sentir” a batida, para saber que intensidade se vai dar a cada parte.

E mais uma vez... a matemática não se aplica à música. Ritmo também tem sua “matemática”. Mas de todas as partes da música é o que menos tem, diria eu. Imagine como faríamos para transformar em números e sinais uma batida complexa. Creio até ser possível, mas ficaria bem complicado. Por isso é tão difícil - e eu digo isto sempre - representar ritmos graficamente.

O que se faz normalmente é mostrar a quantidade e as direções das batidas. O que já dá uma idéia, mas não mostra o ritmo como ele realmente é. Veja o exemplo abaixo:

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Na imagem acima, as setas indicam o sentido de cada movimento. Os números indicam o tempo. Não há nada neste diagrama que mostre a intensidade, por exemplo. Nem tampouco em que tempo se toca os movimentos para cima. Poderia ser qualquer batida.

Porém, um diagrama assim, acompanhado da audição da música... já ajuda.

Ritmos ao violão

No violão usamos vários recursos para executar ritmos. Planger as cordas para cima e para baixo é o recurso principal, claro. Afinal... temos que arrancar som daquele treco. Porém somente estes dois movimentos não são suficientes. Por isso utilizamos outros recursos, seja para som ou silêncio. Tanto com a mão direita como com a mão esquerda. Sim... a mão que aperta as cordas para obter os acordes também pode ajudar no ritmo.

Recursos para ritmo

• Abafamento das cordas - Às vezes é necessário interromper a duração de um som. O abafamento é o recurso usado para isso. Com a mão direita (a que faz o ritmo) usamos a lateral externa da mão. Após tocar, basta encostar a lateral da mão nas cordas rapidamente, conforme a imagem abaixo. A imagem é um pouco exagerada, só para demonstrar. É claro que tocando você não vai precisar virar a mão assim.


• Abafamento com a mão esquerda - A mão que faz os acordes e notas, também pode abafar o som. Uma das técnicas é afrouxar a pressão nas cordas apertadas. A outra é fazer quase a mesma coisa que a mão direita, encostando os dedos de leve nas cordas, após tocar.

• Percussão - É muito comum. É o ato de bater mais forte nas cordas e abafar em seguida. Se dá nos tempos 2 e 4, correspondentes à caixa da bateria. Geralmente se utiliza este recurso quando se está tocando sozinho, sem banda. Tocando com a banda isto não é necessário, pois já está sendo feito pela bateria (A caixa).

Estes são os recursos mais comuns. na verdade, após algum tempo de prática, as mãos acostumam-se a fazer pequenos e rápidos movimentos que ajudam a compor o ritmo.

Quantos ritmos?

E quantos ritmos existem? Centenas. Talvez milhares. Mais uma vez, fica muito difícil “decorar”. Felizmente, as músicas mais populares geralmente não utilizam ritmos muito complexos. São relativamente fáceis de tocar.

E os ritmos têm também, variações. Ou seja, de um ritmo básico pode-se extrair inúmeros outros. Você pode reparar em suas músicas preferidas. Você “sente” que o ritmo é o mesmo, mas quando vai tocar... a batida é diferente. Ou seja, o ritmo é o mesmo, mas tem algumas variantes. Uma “puxadinha a mais” aqui... um abafamento ali... e assim por diante.

Outra coisa: uma coisa é gênero de música. A outra é ritmo. Gêneros diferentes podem usar o mesmo ritmo. Por exemplo: É possível encontrar o mesmo ritmo em pop, rock e country. Porém, a arranjo, os instrumentos, a melodia... ou seja, tudo junto ou algum destes componentes é que vai dizer qual é o gênero da música.

Ritmos complexos

Ritmo, conforme já dito anteriormente, não é algo muito simples. Inclusive existem certos ritmos que são difíceis de reproduzir somente com um violão. Os componentes do ritmo são tão complexos que é necessária uma técnica muito apurada para executá-lo. Um exemplo é o flamenco. Veja o video abaixo:

http://www.youtube.com/watch?v=XwhstLcLfn8

O que acontece num ritmo destes? Os intervalos, componentes e recursos utilizados são muitos. E não são distribuídos com uniformidade no compasso. Ou seja... nada mais de 1 - 1,5 - 2.... Os intervalos entre silêncio e som, por exemplo são desiguais. Isto é o que caracteriza o ritmo. E torna maior o seu grau de dificuldade.

Como aprender ritmos complexos? Fazendo o dever de casa. Eu conheço gente que gostaria de aprender flamenco, por exemplo, antes sequer de conseguir tocar uma balada simples. É possível? Sim, é possível. Mas é muito melhor não pular etapas. Primeiro os ritmos mais simples, básicos. Afinal, lembre-se: você não aprendeu primeiro uma palavra. Aprendeu primeiro uma letra...

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Ritmo no compasso

Sempre que falamos em ritmo, precisamos falar de tempo. E de compasso. O ritmo, assim como a melodia e os acordes, precisa seguir o compasso da música. Na prática, mesmo para quem não lê partitura, usamos os tempos do compasso para “encaixar” o ritmo.

Conforme mencionado anteriormente... No tempo 1 fazemos tal coisa. No tempo 2... E assim por diante. Veja na imagem abaixo. Há dois compassos. Em cada qual eu coloquei oito notas. As setas indicam as batidas no violão (ritmo). Os números acima das setas, os 4 tempos do compasso. As letras acima dos números são os acordes a serem tocados.

Repare então que:

• Em cada tempo temos duas notas (a melodia).• Em cada tempo temos dois movimentos/elementos do ritmo. • Temos dois acordes divididos uniformemente no compasso. O acorde C tem duração de

2 tempos (1 e 2). Dois tempos também para o acorde G (3 e 4).

No caso, se o mesmo ritmo se repetisse e você estivesse tocando apenas o acompanhamento, bastaria reiniciar o ritmo a partir do próximo compasso e assim por diante, apenas trocando os acordes.

É claro que isto é um exemplo simplificado ao máximo. Nem sequer uma música temos aí. O que temos é uma escala de C ascendente e descendente.


Melodia e solo

O que é melodia? E solo? Bem... quase a mesma coisa. Uma melodia é um - por assim dizer - agrupamento de notas musicais. E um solo também.

Chamamos de melodia o motivo central da música. O seu tema. Tenha a música uma letra ou não. Digamos que a melodia é a “espinha dorsal” da música.

O solo, apesar de ser também uma melodia, ao contrário desta, aparece apenas em certos trechos da música. Mesmo em música instrumental.

É comum vermos em músicas populares um determinado momento em que aparece um solo. De guitarra, saxofone, piano ou qualquer outro instrumento.

Quando a música tem uma letra, é claro que a letra cantada é a melodia. As notas com as quais a letra é cantada formam a melodia.

Normalmente, o solo substitui a melodia. Ou seja, quando chega a hora do solo a melodia silencia. Mas há casos em que um solo pode estar sendo executado juntamente - ou alternadamente - com a melodia.

Existe música sem melodia e sem solo? Bem... imagine uma banda tocando um determinado ritmo e fazendo apenas os acordes. Não há solo, não há melodia. Apenas um acompanhamento. Eu diria que é até possível dançar ouvindo algo assim, concorda? Então... poderíamos chamar isso de música.

Mas não é assim que se faz normalmente. Mesmo o jazz, uma música essencialmente instrumental, ao ser improvisado, normalmente tem solos ao longo da execução. Caso contrário, tornar-se-ia tremendamente monótono.

E na música popular?

Com certeza, em mais de noventa por cento dos casos, a música popular tem melodia. E letra. É o que o povo gosta. Algo como uma história contada através da música.

E uma melodia cantada ou tocada sem acompanhamento?

Aí já é outro caso. Uma música somente cantada, sem nenhum acompanhamento, se diz que está sendo executada “à capela”. Somente a voz.

Porém, raramente estas modalidades são difundidas. Uma canção bem cantada e com um acompanhamento de boa qualidade é o que agrada à grande maioria das pessoas.

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Voz e violão

Entre todos os instrumentos musicais, acredito que o mais popular seja mesmo o violão. Talvez, mais do que pela sua sonoridade, pela portabilidade.

Convenhamos, é muito mais fácil carregar um violão do que - por exemplo - um piano.

A modalidade “voz e violão” é bastante popular, principalmente - acredito - no Brasil.

E aí temos uma das formas mais simplificas de música. Um melodia cantada e acompanhada ao violão.


A música completa

Vamos chamar de “música completa” (aqui pra nós), aquela que tem pelo menos uma melodia, um ritmo e um acompanhamento. Pois é o que normalmente ouvimos, em nossos rádios, phones, computadores.

Conforme já mencionado, “voz e violão” preenche estes requisitos. Quando você canta e se acompanha ao violão, você está usando todos os elementos mencionados neste livro. Incrível, não é? Senão vejamos... Cantando e tocando violão, você está:

- Usando notas musicais, tanto para cantar, como para tocar. - Fazendo um ritmo.- Obedecendo um tempo.- Obedecendo um compasso.- Tocando e cantando dentro de uma tonalidade.- Seguindo uma escala musical. - Executando acordes.- Usando o campo harmônico.- Executando uma melodia.

Isso pode até dar uma boa piada “musical”. Você, ao invés de anunciar que vai cantar e tocar, pode anunciar:

“Meus amigos, agora vou executar certas notas musicais, em ritmo de balada, no tempo de 75, compasso quaternário, na tonalidade C, usando a escala e o campo harmônico de C para acompanhar-me com os acordes C, F, Em e G...”

É claro que ao terminar o anúncio não tem mais ninguém interessado...

Enfim, estes são os elementos usados na música. Evidentemente não estamos nos aprofundando em teoria musical. Aqui você está se familiarizando com a teoria musical básica.

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Estrutura musical

Em meu livro “Técnicas para compor música” ( http://compormusicas.com.br ), falo bastante sobre estrutura musical. E já encontrei muita resistência ao tema. Porque existem pessoas que acham que a música é simplesmente inspiração. E que nasce e é executada completamente sem regras. Como você acaba de ver, lendo este livro, não é assim. Existem regras.

E entre as regras, está a da estrutura. Sim... música tem estrutura. Desde a música mais simples até a mais elaborada.

Vamos começar pelo começo. Se você pedir a um instrumentista competente que toque uma melodia sobre uma sequência de acordes, improvisando indefinidamente, ele pode ficar horas tocando, sem repetir uma melodia. Ou seja, sem repetir sequências de notas musicais. O acompanhamento se repete, mas a melodia que ele está tocando não. Ele segue em frente, improvisando.

Acredito que talvez você não tenha a oportunidade de fazer isso. Portanto, vou adiantar a você qual é o resultado... nada. Isso não é música. Não tem estrutura. Não tem começo, meio ou fim. Sai do nada e vai para lugar algum. Alto lá! pode até ser bonito de se ver. Eu mesmo já vi - por exemplo - guitarristas improvisarem assim. É legal, etc.. Mas não é música. Pelo menos não do jeito que conhecemos.

Uma música, quando é feita pelo seu criador, o compositor, pode começar de mil maneiras diferentes. Com uma frase. Com um riff de guitarra. Com uma sequência de acordes. Com um solo. Com um refrão.

Ótimo. O compositor já tem uma idéia. Uma pequena parte da música. Não importa se a música é instrumental ou se tem canto, se tem uma letra.

A partir desta pequena parte, o compositor vai - aí sim - compor a música. Ele vai talvez fazer primeiro o refrão. Ou talvez a primeira estrofe (ou primeiro movimento, se for instrumental).

Para simplificar, mas ater-nos à música popular, com letra.

Suponhamos então que ele já tenha o refrão. Ele tem a letra, a melodia, o ritmo e os acordes do refrão. Mas ele ainda não tem uma música. E porque? Porque não é assim que escutamos música. Preste atenção nas músicas que tocam no rádio. Elas começam - geralmente - mais calmas. Depois o clima “vai esquentando”. Então entra o refrão. O clímax, o tema da música. Depois, talvez a música volte à segunda estrofe, ou para uma parte diferente. E de novo vem o refrão. Isto é a estrutura. É assim que o ouvido humano “reconhece” a música.

Então, para cada parte da música há melodias e acordes diferentes. Em diferentes sequências.


http://compormusicas.com.br

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Outro detalhe da estrutura é que a sequência de acordes, sempre “volta para casa”. Por exemplo: Uma música na tonalidade D, com os acordes D, Bm, G, A. A música segue em frente, os acordes vão mudando. Mas inevitavelmente vão retornar ao acorde principal, que no caso é D. Estrutura.

Vejamos um exemplo prático.

As lembranças vão na mala - Luan Santana

C#m A E BIndependentemente do que me disser agoraC#m A E BQueria deixar claro algumas coisas pra vocêC#m A E BIndependentemente se deu certo nossa história,C#m A E BNão quero que fique comigo por dó de me fazer sofrer

Pré-Refrão

C#m B A C#mOrgulhoso, eu não me ajoelhei pra ter seu coração,C#m B A BImperfeito sou sim, mas dei o meu melhor até o fim.

Refrão

C#m A ESua consciência não vai te deixar dormir BPois ninguém mais faz palhaçada pra te ver sorrir C#m A ENinguém vai te abraçar pra ver o sol se pôr BNinguém vai escrever no muro uma história de amor.

C#m AMas se mesmo assim EQuiser me deixar BAs lembranças vão na mala pra te atormentar.

Acredite... há pessoas que olham para uma letra assim, com os acordes e não conseguem “ver” uma estrutura musical. Que está mais que evidente já aí somente em se olhar. Ao escutar a música esta estrutura fica muito mais evidente. Escutando, você irá perceber que existem quatro melodias diferentes no trecho acima mostrado. E são utilizadas duas sequências de acordes. A primeira estrofe e o refrão utilizam a mesma sequência ( C#m, A, E, B). O pré-refrão usa outra sequência (C#m, B, A - B).

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Repare que, conforme eu disse anteriormente, a sequência de acordes “volta para casa”. No caso, o acorde principal aí é C#m.

Isso é estrutura. Existem estruturas muito utilizadas em músicas populares. Mas não há regras estritas para isso. Esta música é um exemplo. Ela utiliza uma estrutura de quatro partes diferentes, que se repetem ao longo da música.

Você pode facilmente reparar em diferentes estruturas em outras músicas. Por exemplo:

• Estrofe 1, estrofe 2 (diferente de 1), refrão, ponte• Estrofe 1, estrofe 2 (igual a 1), refrão• Estrofe, refrão, ponte, refrão

Dificilmente você vai encontrar uma música sem uma estrutura. Mesmo aquelas que aparentemente não têm, acabam por mostrar algo de estrutura. Um exemplo é a música “Faroeste caboclo” de Renato Russo. Veja o trecho abaixo:

Não tinha medo o tal joão de santo cristoEra o que todos diziam quando ele se perdeuDeixou pra trás todo o marasmo da fazendaSó pra sentir no seu sangue o ódio que jesus lhe deuQuando criança só pensava em ser bandidoAinda mais quando com um tiro de soldado o pai morreuEra o terror da cercania onde moravaE na escola até o professor com ele aprendeu

No site onde vi esta letra, ela é apresentada desta maneira, sem separação de estrofes. Mas veja o que ocorre na verdade:

Estrofe 1

Não tinha medo o tal joão de santo cristoEra o que todos diziam quando ele se perdeuDeixou pra trás todo o marasmo da fazendaSó pra sentir no seu sangue o ódio que jesus lhe deu

Estrofe 2

Quando criança só pensava em ser bandidoAinda mais quando com um tiro de soldado o pai morreuEra o terror da cercania onde moravaE na escola até o professor com ele aprendeu

Repare como a letra tem sim, uma estrutura. Ela é dividida em estrofes de quatro versos! Com rima e tudo. Além do mais, a melodia vai se repetindo durante a música... estrutura.

Esta música não tem um refrão. A história vai sendo contada de cabo a rabo, sem que haja uma pausa para um refrão. E apesar de ter uma certa estrutura, não se trata de um


formato popular. Música com a letra muito grande, sem refrão, sem uma pausa para um solo... nada popular. Muito difícil de decorar.

Portanto... repetindo. Estrutura. Observe as músicas que você gosta e descubra suas estruturas. Isto vai ajudar a compreender melhor a música como um todo.

Sequências de acordes

Muitos já me perguntaram: “qual acorde vem depois...”. Ou seja, dado um determinado acorde numa música, qual acorde vem depois? Esta é uma pergunta sem resposta. Não há regra.

Os acordes presentes numa música simples, a princípio, obedecem o campo harmônico. Sim, há músicas em que certos acordes fogem a esta “quase regra”. Mas a grande maioria das músicas mais simples, populares, cabem nesta “regra”.

Muito bem... então sabemos quais acordes provavelmente poderão fazer parte da música, apenas sabendo a sua tonalidade. Mas... em que sequência eles virão? Para isto não há regra. O acorde que vem a seguir, depende da melodia. Por isso não há regra.

Por exemplo: uma música na tonalidade C, pode ter os seguintes acordes: C, Dm, Em, F, G, Am, B° (mais os acordes alterados, etc...). Suponhamos que a música comece com C. O que vem depois? Sei lá! Pode vir Am. Pode vir F. Pode vir G. Pode vir Em...

Um músico experimentado, ao ouvir a música, geralmente descobre a sequência de acordes rapidamente. Porque seu ouvido já é treinado. Conforme a melodia segue em frente o seu ouvido lhe diz que em seguida deve vir o acorde “x”. Ele sabe, porque tem experiência e porque conhece teoria musical. Lembre-se disso... são as duas coisas juntas. Aliás, três: Conhecimento, ouvido e experiência.

Onde é que eu “entro”?

Aproveitei este espaço para esclarecer outra pergunta muito corrente. “Onde é que eu entro cantando”? Esta é outra pergunta sem resposta. Ou melhor... tem resposta, mas ela é individual, só serve para aquela música.

A pergunta refere-se a tempo e divisão. Você começa a tocar, faz a introdução e... hora de começar a cantar. Mas em que tempo? Um, dois, três... Não há regra generalizada. Algumas músicas começam exatamente no tempo 1. Outras no 2. Outras no 3. Outras no 4. E... calma lá... fica pior. Outras, entre estes tempos... Ai, ai, ai...

O que acontece aí? Acontece que o primeiro compasso em que aparece a voz pode ser um compasso “cheio” ou não. Pode conter um bom trecho da letra ou não. Tudo depende de como a melodia foi feita.

Já falei anteriormente de divisão. A mesma música pode ter uma divisão diferente. Se quiser comprovar, vou dar um exemplo. A música “Seu amor ainda é tudo” foi gravada por João Mineiro & Marciano e também por Bruno & Marrone. Na gravação da primeira dupla,

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eles começam a cantar no tempo 1. Já Bruno & Marrone não. É um pouco depois do tempo 1. Entre 1 e 2. Isto é divisão. A segunda dupla canta com uma divisão diferente.

Porém, nem sempre é possível fazer isto. Em determinadas músicas uma divisão diferente pode tornar-se complicada.

Portanto... infelizmente não há regra. Cada música tem sua característica. É preciso escutar e contar o tempo, para saber a hora de começar a cantar. E é claro que isto não se refere somente ao início da música. Toda vez em que a voz silencia e começa novamente... a mesma coisa. Na prática, depois de algum tempo, alguma experiência, você acaba por “sentir” a hora de iniciar.

Para comprovar o acima exposto, experimente colocar várias músicas e contar o tempo. A princípio pode ser um pouco difícil, mas tenha paciência. Você vai descobrir pequenas variações aqui e ali. Uma palavra “esticada” para “caber” no tempo. Outra “encurtada”. E assim por diante.


Analisando uma música

Veja abaixo a partitura da famosa música “Meu limão meu limoeiro”. Uma canção popular em cantigas de roda, que serve bem de exemplo, por ser bastante simples e de fácil compreensão.

• Clave - De sol, ilustrada no início.• Compasso - Veja lá no início, depois da clave de sol... 4/4.• Tonalidade - Não há sustenidos ou bemóis, portanto a tonalidade é C. Poderia ser

também Am (relativas, lembra-se?). Mas se você experimentar os dois acordes (C e Am) vai perceber que é C mesmo.

• Notas - A música inteira é tocada com as notas: E, F, G, A, D. Só no final há um C. Notas estas - é claro - pertencentes à escala de C.

• Acordes - A música só utiliza dois acordes: C e G (Campo harmônico de C).• Tempo - É bem fácil compreender a divisão das notas pelo tempo nesta partitura. Na

maioria dos compassos há quatro notas. Um tempo para cada nota. Em alguns, há

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somente três notas. A nota branca vale dois tempos, enquanto as pretas valem um tempo cada uma, fechando o compasso. Entenda que esta é uma partitura bastante simplificada. A música tocada exatamente conforme a partitura acima, ficaria bem “quadradinha”. Repare que no último compasso já temos uma semibreve. Ela vale os quatro tempos.

• Números - Há números na parte de cima desta partitura, que normalmente não deveriam estar aí. Apenas uma marcação para o ensino de teclado.

• Andamento - Lá em cima, logo após o título, a indicação do andamento da música (a velocidade). 120. Há também uma indicação de estilo (pop/rock) e de “voz” (flauta).

Uma partitura mais completa iria conter indicações de tempos mais longos ou mais curtos para algumas notas. E também os acordes e outras nuances de acompanhamento. Aí sim, a partitura ficaria mais “difícil” de compreender.

Eu usei esta partitura para que qualquer um conseguisse visualizar sem problema a teoria explicada neste livro.

Veja agora esta partitura em formato de tablatura. Eu dividi as partes exatamente como na partitura para que você possa comparar as notas.

Parte 1

E|---------------------5---5-----------5---5-------------------B|---5---6---8---5-----------8---5-----------8---5---8---8---G|-----------------------------------------------------------D|-----------------------------------------------------------A|-----------------------------------------------------------E|-----------------------------------------------------------

Parte 2

E|------------------------------------------------------------------B|---6------8---8---6-------8---8---6-------8---8---6-------6---6---G|------------------------7----------------7----------------7-----------D|------------------------------------------------------------------A|------------------------------------------------------------------E|------------------------------------------------------------------

Parte 3

E|-----------------------------5---5-----------5---5-------------------B|---5------5---6---8---5-----------8---5-----------8---5---8---8---G|------------------------------------------------------------------D|------------------------------------------------------------------A|------------------------------------------------------------------E|------------------------------------------------------------------


Parte 4

E|---------------------------------------------------------------B|---6---8---8---6-------8---8---6-------8---8---6-------5---5---G|---------------------7-----------------7---------------7-----------D|---------------------------------------------------------------A|---------------------------------------------------------------E|---------------------------------------------------------------

Parte 5

E|-------B|-------G|---5---D|-------A|-------E|-------

Ao trabalhar com tablaturas, é possível dar mais indicações, como por exemplo o andamento, o ritmo, etc. Mas como você vê, é quase impossível reproduzir tudo o que uma partitura traz. Entretanto, é um ótimo recurso para quem toca violão e não lê partitura.

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Conclusão

Não pense você que simplesmente fazendo a leitura deste livro “já sabe teoria musical”. Sim, você sabe o básico. Mas como eu já disse... há muito mais.

Porém, os tópicos aqui abordados já dão uma boa idéia a você. Não é necessário aprofundar-se muito em teoria musical para quem não quer ser um profissional altamente gabaritado em música. Que teria então de cursar uma faculdade.

Para um amador, ou mesmo um profissional da música popular, seja instrumentista, compositor, etc., é suficiente o básico e mais algo bem dirigido à sua área.

Mais importante do que “saber um montão de coisa”, é saber bem o suficiente. É conseguir aliar a teoria à prática. Uma não vive sem a outra. Bem, a prática tem mais condições - digamos assim - de sobreviver sem a teoria. Mas aliada à teoria, fica muito melhor.

Portanto, procure aliar a teoria contida neste livro à sua prática diária, seja com instrumento ou voz. Saber fazer é ótimo. Saber o que e porque se está fazendo... é melhor ainda...

Bruno Grünig

Sobre o autor

Nome: Bruno GrünigProfissão: Escritor, músico, compositorObras publicadas: Diversas, nas áreas de música e autoajuda

Na internet

Acordes de violão - http://acordesdeviolao.com.brFacebook - https://www.facebook.com/acordesdeviolaoBruno Grünig - http://brunogrunig.com.br


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