pq 2015
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La Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga (PQ2015) es el evento más importante a nivel mundial en el área del diseño escénico, a la que concurren artistas y público de los cinco continentes, compartiendo un espacio común de integración, reflexión y creación en torno a las artes escénicas. En este encuentro de carácter multicultural, cada país representado tiene la oportunidad de desplegar un panorama significativo de su acontecer artístico teatral, desde el ámbito profesional hasta el terreno académico y de la investigación. Estudiantes y profesionales comparten en la PQ2015 un diálogo intergeneracional en un nutrido programa de seminarios, debates, exposiciones, lecturas, puestas en escena, performances y talleres. Para Chile estar presente en la PQ2015 constituye un honor y la oportunidad única de difundir de manera global parte del quehacer del ámbito teatral en su más amplio sentido. Por ello la Dirección de Asuntos Culturales (Dirac) ha apoyado la participación nacionalTRANSCRIPT
Participación de Chile en la Cuadrienal de Praga 2015Chile in Prague Quadrienal 2015
Ministro Presidente del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes Ernesto Ottone Ramírez Presidential Minister National Council of Culture and the Arts
Director de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile Rodrigo Espinosa Marty Director of Cultural Affairs, Ministry of Foreign Affairs of Chile
PQ2015 Cuadrienal de Praga, Diseño y Espacio Escénico de Praga PQ2015 Prague Quadrennial of Performance, Design and Space
Comité de Expertos Exhibición Nacional PQ2015 Experts Committee, Exhibition Nacional PQ2015
La Paradoja del Espectador Clima/Atmósfera y Diseño Escénico María Teresa Lobos Rubilar, Curadora de la Muestra Chile Sección Países The Spectator Paradox Environment/Atmosphere and Stage Design
La paradoja del espectador, Profesionales The spectator paradox, Professionals
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Rocío Hernández Marchant Paula Castillo Tocornal Francisca Rocío Lazo Jerez Ricardo Romero Pérez Rodrigo Ruiz Jofré Ricardo Romero Pérez / Rodrigo Ruiz Jofré Valentina San Juan Standen Loreto Martínez Labarca Eduardo Cerón Tillería Josefina Cifuentes Castillo Natalia Morales Tapia Josefina Cifuentes / Natalia Morales Elizabeth Pérez Neira Daniel Elías Bagnara Mena Miryam Singer González Felipe Olivares Sepúlveda
Corteza, Estudiantes Crust, Students
Tribus Tribes Centrípeto Centripetal Proyecto Selk’nam Proyecto Selk’nam
Participaciones chilenas en la Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga Chilean participations in the Prague Quadrennial of Performance Design and Space
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Ministro Presidente del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes
El momento actual de las artes escénicas en Chile se caracteriza por una importante transformación en todos los ámbitos: estéticos, de contenido y de gestión. Proceso que abarca desde nuestra tradición teatral –heredera de los movimientos universitarios de los años 40–, el trabajo desde la clandestinidad y la persecución en dictadura, la transición, hasta hoy.
Sin embargo, dentro de las disciplinas poco exploradas en las reflexiones sobre el teatro en Chile está el diseño teatral, especialidad que ha sido el vínculo entre el teatro, la plástica y las artes visuales, en la que se cruzan lineamientos teóricos y de montaje, desplegando en la historia del teatro en Chile una fuerte creatividad y autoría que se ha masificado y diversificado en los últimos años.
Este envío a la Cuadrienal de Praga 2015 (PQ2015), coordinado por el Estado de Chile, constituye un reconocimiento al trabajo de los artistas nacionales del diseño teatral, los que han participado de esta muestra desde hace 20 años, de forma independiente y autogestionada. Incluso antes, en 1967 nos representó en Praga el maestro Bernardo Trumper. La participación nacional en la Cuadrienal significa darle al diseño teatral el espacio que se merece en las artes escénicas, así como la dramaturgia, la dirección y la actuación.
El trabajo mancomunado entre la Dirección de Asuntos Culturales (Dirac) del Ministerio de Relaciones Exteriores, el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) y la Asociación Nacional de Diseñadores Escénicos, tuvo como resultado el que por primera vez se haya conformado una mesa de trabajo, integrada por reconocidos expertos del sector, para pensar nuestra presencia en la PQ2015. Fue así como se eligió a María Teresa Lobos como curadora del envío del Pabellón Profesional de la muestra, quien con su propuesta nos pone en la encrucijada del espectador: estar inmersos en el rito de la escena u observar desde una perspectiva crítica.
Presidential Minister of the National Council of Culture and the Arts
The current moment of set design and scenic arts in Chile is characterized by an important transformation in every field: aesthetics, of content and management. It is a process that encompasses our theatrical tradition – heir to the university movement of the 1940’s –, from the work of underground efforts and persecution in dictatorship, and the transition, until today.
However, within the little explored disciplines in the reflections on theatre in Chile is theatre design, a specialization that has been the link between the theatre, the plastic arts, and the visual arts, in which theoretic and production lines are crossed, unfolding a strong creativity and authorship the history of theatre in Chile that has been modified and diversified in the last years.
This submission to the Prague Quadrennial 2015 (PQ2015), coordinated by the State of Chile, constitutes recognition of the work of the national artists in theatre design, those who have participated in this showing for 20 years, both independently and self-managed. Even before, in the year 1967, the master Bernardo Trumper represented us in Prague. National participation in the Quadrennial signifies giving a space to theatre design that is well deserved within the performing arts, such as dramaturgy, direction and acting.
The joint work between the Cultural Affairs Board (Dirac) of the Ministry of Foreign Relations, the National Council of Culture and the Arts (CNCA) and the National Association of Set Designers has resulted for the first time in the creation of a worktable, composed of recognized artists within the sector, to contemplate our presence in the PQ2015. It was through this that María Teresa Lobos was selected as a curator of the submission of the Professional Pavilion.
Ernesto Ottone Ramírez
Quienes integran el sector de las artes escénicas en Chile, se han organizado haciéndose cargo del gran cambio social y cultural que vive nuestro país, lo que se visibiliza en sus variadas producciones y en las propuestas de mejoras colectivas, como la del proyecto de Ley sectorial que recibí el pasado 11 de mayo, en el Día Nacional del Teatro.
Nuestros jóvenes además marcan presencia y son reconocidos por el público en los grandes festivales alrededor del mundo, siendo premiados, por ejemplo, por la Unesco en la versión 2007 de la Cuadrienal de Praga por el stand llamado Reversible.
Este año el pabellón de estudiantes, a cargo de la académica Ana Campusano, hará sentir al gran público que visite la PQ2015 lo que se siente vivir en un país sísmico, con el proyecto Corteza.
Además, Praga este año nos sorprende con una nueva manifestación: Tribus, un recorrido por el centro de la ciudad donde el vestuario escénico y la calle se transforman en escenarios y protagonistas. Para esta sección, la Cuadrienal eligió dos representantes chilenos: Loreto Monsalve, con su proyecto Centrípeto, donde experimenta con el uso del mimbre y la crin sobre el cuerpo humano, y Complejo Conejo, cuyo Proyecto Selk’nam interpela el genocidio de ese pueblo originario ocurrido en Tierra del Fuego.
Sin duda, esta experiencia confirma la responsabilidad y disposición del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes como cabeza de la institucionalidad cultural para seguir fortaleciendo las plataformas que sostienen este engranaje creativo, facilitando espacios de trabajo y desarrollo a los artistas y gestores, acompañándolos en su desempeño en la escena mundial.
Those who form part of the performing arts sector in Chile have organized themselves, taking charge of the large social and cultural change that our country is living, which is seen in their varied productions and in the proposal of collective improvements, such as the draft of the sectorial law that I received last May 11th, in the National Theatre Day.
Additionally, our youth demonstrate presence and are renowned by the public in large festivals around the world, being awarded, for example, by UNESCO in the 2007 Prague Quadrennial for their stand entitled Reversible.
This year, the students pavilion, for which the academic Ana Campusano is responsible, will allow the audience that visits the PQ2015 to feel what it feels like to live in a seismic country, with the Crust Proyet.
Further, Prague this year has surprised us with a new exhibition: Tribus, a journey through the center of the city where costumes and the street become theatre sets and characters. For this section, the Quadrennial chose two Chilean representatives: Loreto Monsalve, with her Centripetal Project, where she experiments with the use of wicker and horsehair on the human body, and Complejo Conejo, whose “Proyecto Selk’nam” questions the genocide of these indigenous people which occurred in Tierra del Fuego.
Without doubt, this experience confirms that responsibility and provision of the National Council of Culture and the Arts as the head of the cultural institutionality to continue strengthening the platforms that sustain this creative gear, facilitating work spaces and development for the artists and managers, accompanying them on the world stage.
Director de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile
La Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga (PQ2015) es el evento más importante a nivel mundial en el área del diseño escénico, a la que concurren artistas y público de los cinco continentes, compartiendo un espacio común de integración, reflexión y creación en torno a las artes escénicas.
En este encuentro de carácter multicultural, cada país representado tiene la oportunidad de desplegar un panorama significativo de su acontecer artístico teatral, desde el ámbito profesional hasta el terreno académico y de la investigación. Estudiantes y profesionales comparten en la PQ2015 un diálogo intergeneracional en un nutrido programa de seminarios, debates, exposiciones, lecturas, puestas en escena, performances y talleres.
Para Chile estar presente en la PQ2015 constituye un honor y la oportunidad única de difundir de manera global parte del quehacer del ámbito teatral en su más amplio sentido. Por ello la Dirección de Asuntos Culturales (Dirac) ha apoyado la participación nacional prácticamente desde los inicios de este encuentro. Hoy en día, dado el creciente interés de nuestros creadores y profesionales del ámbito teatral, Dirac se ha involucrado activamente en los procesos de selección, curatoría y representación de los más connotados diseñadores escénicos, cuyas obras formarán parte de la sección País, con una exposición multidisciplinaria que busca dar cuenta de las tendencias, temáticas y estéticas que resumen las artes escénicas del Chile actual.
Sin duda, el teatro chileno brillará en Praga, capital cultural y epicentro artístico en el “Corazón de Europa”. Allí cada muro contiene parte de la historia del arte de los últimos 400 años; cada rincón, iglesia, puente, parque, plaza, teatro, calle o callejuela cobra vida con espectáculos y manifestaciones artísticas espontáneas, y los creadores chilenos ocuparán en ese contexto un lugar en el mundo de las artes escénicas.
Director of Cultural Affairs Ministry of Foreign Affairs of Chile
The PQ2015 (Prague Quadrennial of Performance, Design and Space) is the most important event in the area of set design on the global scale, where artists and audiences from five continents come together to share a common space for integration, reflection, and creation around the performing arts.
In this multicultural meeting of, each country represented has the opportunity to display a panorama that signifies their artistic and theatrical happenings, from the professional field to the academic and research-based. In the PQ2015, students and professionals share an intergenerational dialogue through a nurtured program of seminars, debates, expositions, lectures, stagings, performances and workshops.
For Chile, being present in the PQ2015 constitutes and honor and a unique opportunity to disseminate, in a global way, its artistic theatrical work in the widest sense. The Office of Cultural Issues (Dirac) has supported national participation practically since the beginning of this event. Today, given the growing interest in our creators and professionals in the theatrical field, Dirac had become actively involved in the processes of selection, curation, and representation of the most renowned set designers, whose works will form part of the Country section, with a multidisciplinary exposition that seeks to recognize the trends, themes, and aesthetics that characterize current performing arts in Chile.
Without doubt, Chilean theatre will shine in Prague, cultural Capital and artistic epicenter in the “Heart of Europe”. There, every wall contains part of the history of art of the last 400 years; every corner, church, park, plaza, theatre, street, or alleyway breathes life with shows and spontaneous artistic demonstrations, and the Chilean creators will occupy, within this context, a space in the world of performing arts.
Rodrigo Espinosa Marty
PQ2015 Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de PragaPQ2015 Prague Quadrennial of Performance, Design and Space
© Prague Quadriennial
La Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga es la más importante exhibición internacional de escenografía. De carácter competitivo, es única en su tipo y magnitud. La muestra explora en toda su extensión las artes escénicas, desde el vestuario y el diseño de iluminación y sonido, hasta los nuevos enfoques para la escenografía como el “site specific”, la escenografía aplicada, las representaciones callejeras, el vestuario como representación y la arquitectura teatral.
Desde 1967, cada cuatro años la Cuadrienal de Praga presenta las últimas producciones en el ámbito del diseño escénico, ampliando cada vez que se realiza un núcleo compuesto por una exhibición de más de 60 países, llegando a constituirse en una plataforma internacional para proyectos continuos enfocados en la educación, las exhibiciones, el intercambio profesional y de formación, las publicaciones, los proyectos artísticos propios y los simposios internacionales en el área de la escenografía contemporánea. Asimismo, la organización opera un boletín electrónico internacional sobre eventos relacionados con el diseño escénico, una biblioteca de textos especializados y una base de datos mundial de escuelas de escenografía.
El evento es organizado por el Ministerio de Cultura de la República Checa y realizado por el Instituto de Artes y Teatro de ese país, recibiendo tradicionalmente el apoyo de la Unesco, la Unión Europea, la ciudad de Praga y muchas fundaciones, patrocinadores y auspiciantes checos y extranjeros.
Las exposiciones de cada uno de los países y regiones son organizadas por reconocidas organizaciones culturales internacionales, ministerios de cultura, instituciones y organizaciones artísticas y teatrales, festivales internacionales, compañías teatrales y prestigiosas escuelas de teatro y arte.
Concepto Artístico de la Cuadrienal de Praga 2015 Espacio Compartido: Música – Clima – Política
La Cuadrienal de Praga 2015 ha convocado a los artistas a reflexionar sobre la escenografía como un entorno performativo que en el teatro contemporáneo tiene un efecto sobre la relaciones espaciales entre los diferentes componentes del espectáculo y al mismo tiempo determina la forma de los vínculos mentales (con la historia, la sociedad, el pasado o el futuro), el vínculo entre el espectáculo y el público. El objetivo es explorar la teatralidad –imaginaria, visionaria e invisible– como generadora de fuerzas socio-políticas.
The Prague Quadrennial of Performing Arts and Stage Design is the most international exhibition of set design, of a competitive character, the only of its type and magnitude. It explores every element of the scenic arts, costume, lighting and sound design, including new focuses in set design such as site specific, applied set design, street representations, costumes as representation, theatrical architecture and many others.
Since 1967, every four years the Prague Quadrennial has presented the latest productions in the set design field, extending the core composed of an exhibition of more than 60 countries and constituting an international platform for continuous projects focused on education, exhibitions, professional exchange and training, publications, individual artistic projects or international symposiums in the area of contemporary set design. Furthermore, the organization creates an international electronic bulletin about events related to set design, a library of specialized texts and a worldwide database of schools of set design.
The event is organized by the Czech Republic’s Ministry of Culture and run by the Institute of Arts and Theatres. Traditionally, the event is hosted with the support of UNESCO, the European Union, the City of Prague and many foundations and sponsors both Czech and foreign.
The exhibitions of each country and region are organized by recognized international cultural organization – ministries of culture, artistic and theatrical institutions and organizations, theatre companies and schools of theatre and art.
Artistic Concept of the Prague Quadrennial 2015: Shared_Space: Music – Weather – Politics
The PQ has gathered artists to reflect on set design in a performative setting in which contemporary theatre has an effect on the special relations between the different components of its shows, and at the same time it determines the form of the mental links (with history, society, the past or the future), between the show and the audience – as a generator of socio-political forces.
© Prague Quadriennial
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Por medio del tema Música – Clima – Política propuesto para la Sección de Países y Regiones, se pretende descubrir/revelar la escenografía invisible, el entorno que nos afecta profundamente a pesar de no ser tangible. A través de tres exhibiciones experimentales, la Cuadrienal se interesa por el proceso creativo y la relación entre el Autor (el escenógrafo-artista), el Espacio (la arquitectura del espectáculo) y los Objetos (las cosas con historias).
Música El tópico principal del área musical de la Cuadrienal es la música como la principal inspiración de la escenografía contemporánea, como un vehículo evocador de visiones espaciales interiores, a menudo invisibles –imperceptibles para el mundo exterior–, y cómo este mundo de visiones musicales puede desarrollarse en un espacio y en qué medida ese espacio puede ser fuente de inspiración para la música.
Clima Cuando hablamos de clima hablamos de atmósfera, de lo efímero y lo intangible, de la estabilidad y la inestabilidad –de equilibrio–, de ritmos y estados de ánimo de las estaciones, presión y temperatura, movimiento y transición y quizás, lo conocido y lo desconocido, lo no intencional y lo accidental.
El concepto clima de la muestra invita a [re]configurar las fronteras permeables de lo accidental, lo desconocido, y lo misterioso, a explorar el frágil y posiblemente accidental momento en el que “estar ahí” revela el aquí y el ahora y un “potencial” nunca más. Cuando el “estar ahí” es una experiencia compartida, cuando el público se convierte en la atmósfera, el clima cambiante, la niebla hecha de infinidad de gotas independientes puede llegar a convertirse en uno.
Through theme Music – Weather – Politics proposed by the Country and Regions Section intends to reveal invisible set design – the setting that profoundly affects us despite not being tangible. By way of three experimental exhibits, PQ 2015 is interested in the creative process and the relationship between the Author (set designer – artist), the Space (the architecture of the show) and the Objects (things with stories).
MusicMusic as the principal inspiration of contemporary set design: music can evoke interior spatial vision, often invisible – imperceptible to the exterior world. How this world of musical visions can be carried out in a space and in what measure this space is a source of inspiration for the music as the principal topic in the musical area of PQ 2015.
WeatherWhen we talk about the Weather we are talking about atmosphere, about the ephemeral and the tangible, about the stability and the instability – of balance – of rhythms and states of being of the seasons, pressure and temperature, movement and transition and perhaps, the known and unknown, the unintentional, and the accidental.
The concept of weather is an invitation to [re]configure the permeable boundaries between the accidental, the unknown, and the mysterious. Explore the fragile and possibly accidental moment in which “being there” reveals the here and the now and the “potential” no more. When “being there” is a shared experience, when the audience becomes the atmosphere, the changing weather, the fog made from the infinity of independent droplets that can become one.
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PolíticaEl espacio como política en la Cuadrienal reside en pensar en su habitar y en las intenciones detrás de ello, tomando decisiones que afectarán a su (re)configuración, no solamente como un “layout”, sino como una actitud política. El espacio se entiende entonces como eje principal de la teatralidad y de las prácticas performativas, un territorio común para el encuentro de distintas lenguas, identidades y puntos de vista. El espacio se establece como el mediador de interrelaciones en las que las referencias locales y globales se presentan, trayendo diferentes identidades a una confrontación entre las fronteras espaciales y temporales, incorporadas a un territorio común; una “urbis” imaginaria y temporal.
Secciones de la Cuadrienal de Praga 2015Las secciones con curatoría basada en el tema Música / Clima / Política son:
1. Sección Países y Regiones2. Sección de Estudiantes
En tanto, las secciones con participación de otros artistas, estudiantes y grupos con curatoría de la Cuadrienal son:
1. Proyectos estudiantiles – talleres, conferencias, presentaciones
2. Exhibición Espacio3. Exhibición Objetos4. Exhibición Autores5. Exhibición Tribus6. PQ Talks: debates, presentaciones, conferencias,
talleres.
PoliticsSpace as Politics resides in the thought of its home and the intentions behind it, taking decisions that will affect its [re]configuration, not only as a layout, but as a political attitude. The space will act as a principal axis of theatricality and the performative practices in the common territory of a meeting of distinct languages, identities, and points of view. The space will also serve as the mediator of interrelations in such that local and global references are presented, bringing different identities to a confrontation between spatial and temporal boundaries, incorporated in a common territory: an imaginary and temporary “urbis”.
Sections of PQ2015Sections with curation based on the theme of Music / Climate / Politics/Music Weather Politics are:
1. Section of Countries and Regions2. Student Section
As such, the ections with participation of other artists, students, and groups with curation in the PQ are the following:
1. Student projects, SpaceLab – workshops, conferences, presentations
2. Space Exhibition3. Objects Exhibition4. Makers Exhibition5. Tribes Exhibition6. PQ Talks: debates, presentations, conferences,
workshops.
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Comité de Expertos Exhibición Nacional PQ2015Experts Committee, Nacional Exhibition PQ2015
Para la Asociación Nacional de Diseñadores Escénicos, la Cuadrienal de Praga es un evento único, de diálogo y retroalimentación artística, al que estamos ligados desde nuestra formación. El proceso de selección y el soporte de las instituciones en esta versión, nos anima a pensar en el fortalecimiento de este lazo y en la posibilidad de que cada día se sumen más creadores del área de las artes escénicas a vivir esta experiencia. Los seleccionados en esta oportunidad constituyen un espectro diverso de la creación visual, en teatro, danza, opera y circo, resultando ser los perfectos embajadores para dar a conocer la escena teatral chilena y su trabajo creativo. Cada imagen de la presencia chilena en la muestra se constituye como un trozo de memoria de espectáculo vivo que da cuenta del país.
Catalina Devia GarridoPresidenta de la Asociación Nacional de Diseñadores Escénicos
For us as the National Association of Set Designers, the Prague Quadrennial is a unique event, which through dialogue and artistic feedback we are linked from our training. The process of selection and the support from the institutions in this version invites us to think about the strengthening of this bond and the possibility that every day more creators join the area of Scenic Arts to live this experience. Those selected for this opportunity constitute a diverse spectrum of visual creation in theatre, dance, opera, and circus; and they serve as the perfect ambassadors to get to know Chilean set design and its creative work. Each image consists of a slice of memory from the living show that each country presents.
Catalina Devia GarridoPresidentNational Association of Set Designers
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Hace 20 años, después de una gestión iniciada por nuestro maestro Bernardo Trumper varios años antes, los diseñadores teatrales chilenos participamos por primera vez en la PQ1995 con un pabellón constituido por una rampa de 18 m de largo por 3,60 m de ancho, cubierta por 172 paneles de 60 cm por 60 cm, los que contenían las imágenes, bocetos y fotografías del trabajo de 46 producciones teatrales, ópera y danza, de 32 artistas escénicos de esos últimos cinco años. El público participaba de la exposición, circulando sobre ella y caminando entre personajes realizados con bocetos de vestuario a escala natural, generando una azarosa coreografía, bajo un tul a modo de cielo, que aludía al paisaje y geografía de Chile.
En las cuadrienales sucesivas y hasta hoy, la epopeya ha seguido. El esfuerzo de las distintas generaciones de diseñadores teatrales y estudiantes ha sido admirable. Desde este confín del mundo nos seguimos ingeniando cada cuatro años para llegar a la capital mundial de la escenografía y mostrar el estado de nuestra creación visual y los dispositivos y artilugios de un oficio milenario destinado a generar la ilusión y acompañar el relato escénico. Lo notable de esta experiencia es que, indistintamente de la evolución de las tecnologías y de los medios, este arte dependerá siempre de una artesanía y de una ejecución que lo hace fascinante, seduciendo no solo a quienes lo practicamos sino que también a quienes lo experimentan.
Ramón López CaulyDecano de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile
Twenty years ago, after a management initiated by our master Bernardo Trumper, many years before, Chilean theatre designers participated for the first time in the PQ95, with a pavilion constructed by a ramp 18m in length by 3.60 meters wide, covered by 172 60x60cm panels, that contained the images, sketches, and photographs of the work of 46 theatrical, operatic, and dance performances, from 32 set design artists from those last 5 years. The audience participated in the exposition, circulated through it and walking among characters made of sketches of costume to natural scale, generating an eventful choreography, underneath tulle modeled like the sky, which alluded to the landscape and geography of Chile.
In the successive Quadrennials and up to today, the saga continues. The force of the distinct generations of theatre designers and students has been admirable. From this corner of the world, we continue our ingenuity every four years to arrive at the world capital of set design and show the state of our visual creations and our inventions of a millenarian trade destined to create the illusion and accompany the scenic tale. What s notable about this experience is that, independent of the evolution of technology and media, this art will always depend upon an artisanship and an execution that makes it fascinating, seducing not only those of us who practice the art, but also those who experience it.
Ramón López CaulyDean, College of Arts of Pontificia Universidad Católica de Chile
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Talking about the PQ is talking about Prague and letting oneself embrace Moldava, finding oneself with Dvořák, Mucha, Dostojevskij, Kokoschka. It is being touched in the “street of gold” (zlata ulicka) next to the room where Kafka once lived, it is contemplating Vistavysté to the beat of Beethoven, or getting drunk off Mozart, it is reading oneself in the words of Fibich or Milena Jesenská. It is finding oneself in a café with the exile Hikmet: “In Prague a vehicle passes, it is a coach dragged by a single horse in front of a Jewish cemetery. The coach is charged with the nostalgia of another city and I am the coachman” (from his book “Duro oficio en el Exilio”). Or the words of resistance of Vladislav Vančura. It is finding oneself with an immeasurable artistic richness and diversity, it is stopping history with the clock alongside the old plaza, Staromestska radnice s orlojem, or flooding oneself with the multiplicity of the wandering voices, accents, and sounds of Vrtbovska zahrada, Loreta, Stary Kralovsk palace, Prazsky hrad. Talking about PQ2015 is also talking about our presence as a county in the exhibition. On this occasion we will reach 20 years since the first moment in which a group of professionals (in 1995) traveled to Prague, achieving a featured participation in the Quadrenial with “el pabellón chileno”.
I have had the opportunity to be in the PQ in various occasions. In the year 2007 I was selected to represent Chile in the eleventh Quadrenial, with the piece “Une Mère Et Ses Enfants Au Purgatoire” by Mauricio Celedón and in 2011 I had the curatorial responsibility of our country. Moments in which I speak about the PQ also remind me of when in 1999 we were able to make the presence of students at the PQ a reality, with the exhibition that a group of young women brought from the School of Theatre Design from the Universidad de Chile, who with very little support were able to attend. Speaking about the PQ is speaking about our reality in theatre design and our dreams for the future, it is speaking about arduous work, without an extent to our difficulties, that permits us to have today a recognition of our presence and out artistic work in the Quadrenial, it is speaking about the path constructed in time, it is speaking about our promises and will that pull together, it is keeping building.
Eduardo Jiménez CavieresSet Designer and Theatre Advisor
Hablar de la PQ2015 es hablar de Praga y dejarse abrazar por el Moldava, encontrarse con Dvo ák, Mucha, Dostojevskij, Kokoschka. Es verse conmovido en la “Calle del Oro” (zlata ulicka) junto al cuarto en el que alguna vez moró Kafka, es contemplar Vistavysté al compás de Beethoven, o embriagarse de Mozart, es leerse en las letras de Fibich o Milena Jesenská. Es encontrarse en un café con el exilio de Hikmet: “En Praga pasa un vehículo, es un carro arrastrado por un solo caballo ante el cementerio judío. El carro está cargado con la nostalgia de otra ciudad y el carrero soy yo” (de su libro “Duro Ofico el Exilio”). O las letras de resistencia de Vladislav Van ura. Es encontrarse con una riqueza y diversidad artística inconmensurable, es detener la historia junto al reloj a un costado de la plaza vieja, Staromestska radnice s orlojem, o inundarse de multiplicidad de voces, acentos y sonoridades al deambular por Vrtbovska zahrada, Loreta, Stary kralovsky palac, Prazsky hrad. Hablar de PQ2015, es hablar también de nuestra presencia como país en la muestra. Ocasión en la que se cumplirán 20 años del primer momento en que un grupo de profesionales (en 1995) viajamos a Praga, logrando una destacada participación en la cuadrienal con “el pabellón chileno”.
He tenido la oportunidad de estar en varias ocasiones en la PQ. En el año 2007 fui seleccionado para representar a Chile en la 11ª Cuadrienal, con la obra “Une Mère et ses Enfants au Purgatoire” de Mauricio Celedón, y en el 2011 tuve la responsabilidad curatorial de nuestro país. Momentos que me llevan a que hablar de la PQ sea también recordar que en 1999, por primera vez, conseguíamos hacer realidad la presencia de los estudiantes, con la muestra que llevaron un grupo de jóvenes mujeres de la Escuela de Diseño Teatral de la Universidad de Chile, a pulso y con escaso apoyo.
Hablar de la PQ es hablar de nuestra realidad en el diseño teatral y de nuestros sueños futuros, es hablar de arduo trabajo, no exento de dificultades, que permite hoy un reconocimiento a nuestra presencia y quehacer artístico en la cuadrienal, es hablar de un camino construido en el tiempo, de compromisos y voluntades que se aúnan, es seguir construyendo.
Eduardo Jiménez CavieresEscenógrafo y Consultor Teatral
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La importancia de la participación chilena en la Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga
La Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga es un lugar de exhibición en el que los países muestran su camino y desarrollo artístico en estas disciplinas durante los últimos cuatro años. También es un lugar de aprendizaje y encuentro, que reúne numerosos talleres conducidos por importantes artistas vinculados al diseño escénico y teatral, impartidos durante los 10 días que dura el evento. Los participantes tienen la oportunidad de presenciar, junto a la exhibición de los stands profesionales y estudiantiles, las actividades performáticas que se desarrollan al interior de la ciudad, en sus calles, plazas, museos y galerías.
La participación que los estudiantes chilenos han tenido en esta muestra internacional desde 1999 ha sido muy relevante para la Escuela de Diseño Teatral de la Universidad de Chile, única escuela universitaria de esta disciplina en el país, la que recibe no más de 24 estudiantes cada año, haciendo de Chile un caso especial.
La participación en Praga es fundamental pues no existen muchas oportunidades para que los estudiantes viajen fuera de Chile para adquirir nuevos conocimientos sobre diseño teatral y escenográfico. Dada la singularidad de la Escuela de Diseño Teatral en el país, todo lo que ocurre en el ámbito se construye al alero de la universidad: de ahí la importancia de esta muestra internacional, pues es en ella donde los estudiantes pueden dialogar, conocer otros paradigmas artísticos y ver cómo se hace y se piensa el teatro fuera de Chile y América Latina, constituyendo una plataforma de intercambio imprescindible a lo largo de su aprendizaje.
Rocío Troc MoragaJefa de la Mención Diseño Teatral del Departamento de Teatro (Detuch) de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile
The importance of the Prague. Student Section and Chilean participation in the Prague Quadrennial
The participation of Chilean students since 1999 has always been very important for us. The case of Chile is special, as we are the only university of theatrical design in the country. We are a small school that receives no more than 24 students each year.
For our school, student participation in Prague is fundamental. The students of this discipline rarely have the chance to travel outside of Chile to acquire new knowledge. Everything is built under the banner of the university and this is why the Quadrennial is so important to us. It is there where the students can have a dialogue, understand other artistic paradigms, meet new people from around the world and see how theatre is done and thought about outside of Chile and Latin America.
The Quadrennial of Stage Design and Performance is an exhibition where countries show their artistic approach and development from the previous four years, but it is also a place of learning and discovery, many workshops lead by important artists are taught during the last ten days of the event. Likewise, and together with the professional and students exhibition areas, the participants have the chance to attend performance activities that are developed inside the city, in streets, squares, museums, galleries and other buildings.
It is, therefore, hugely important that our students have the possibility to share and exchange characteristics during the learning.
Rocío Troc MoragaHead, Theatre Design Major – (Detuch) College of Arts of the Universidad de Chile. Bachelor of Arts and Theatre Designer, Universidad de Chile.
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Las cuadrienales escenográficas de Praga, iniciativa nacida en la década de los 60, cubrió el gran anhelo de reconocer a las artes visuales escénicas como una manifestación más del espíritu artístico del ser humano. No es un simple evento artístico más, ni tampoco una feria de arte como muchos lo catalogan. Cada cuadrienal es el “espejo del mundo” en el proceso evolutivo de la escenografía y de todas sus ramificaciones, que permite mirarnos y medirnos como artistas visuales de nuestras representaciones y capacidades creativas.
Este espejo nos ofrece la posibilidad de crecer y superarnos en nuestros afanes de surgir como creadores. De ahí su carácter competitivo, orientado hacia una superioridad de expresión. Sin el afán de competir no quedaríamos para siempre en la conformidad. La competencia nos hace crecer y evolucionar en el camino que elegimos. Una vez más mis deseos de suerte y crecimiento para todos.
Edith del Campo OviedoAcadémica titular, Facultad de Artes de la Universidad de ChileSadler’s Wells Theatre Design Course U.K.
The Prague Performing Arts Quadrennials, an initiative that began in the 1960s, fulfilled the great yearning for the recognition of Stage Visual Arts as another manifestation of the artistic spirit of human beings.
It is not merely another artistic event, nor is it an arts fair like it is often portrayed. Each Quadrennial is the Mirror of the World in the evolutionary process of the performing arts and all its related fields that allows us to look at ourselves and evaluate ourselves as visual artists from our work and creative capabilities.
This Mirror gives us the chance to grow and improve ourselves in our bids to rise as creators, from its competitive character towards a superiority of expression.
Without the desire to compete, we will forever conform. Competition makes us grow and evolve on our chosen path. Again, I bid good luck and growth for all.
Edith Del Campo OviedoAcademician, College of Arts, Universidad de Chile. Sadler s Wells Theatre Design Course U.K.
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María Teresa Lobos Rubilar Curadora de la Muestra Chile Sección Países. Curator of the Chile Display Countries Section.
Maite Lobos Rubilar, diseñadora teatral de la Universidad de Chile, ha desarrollado su obra artística en vestuario, escenografía teatral y diseño integral para importantes directores y compañías de teatro chilenos, como Andrés Pérez, Ramón Griffero, Raúl Osorio y Luis Ureta, entre otros.
Actualmente se desempeña como Directora de la Escuela de Pregrado de la Facultad de Artes y como académica del Departamento de Teatro de la de la Universidad de Chile, y cursa el Magister en Artes con mención en Teoría e Historia del Arte de la misma institución
En 2003 y 2007 fue directora del Proyecto Praga/Diseño Teatral de la Universidad de Chile, cuyas exhibiciones fueron presentadas en las Cuadrienales de esos años, siendo además la del 2007 galardonada por la Unesco con el Premio a la Promoción de las Artes.
Maite Rubilar Lobos, a theatre designer from the University of Chile, has developed her artistic body of work in costumes, stage design and integrated design for major Chilean directors and theater companies, including Andrés Pérez, Ramon Griffero Raúl Osorio and Luis Ureta, among others.
She currently serves as Director of the School of Undergraduate at the Faculty of Arts and as an academic of the Department of Theatre at the University of Chile, and is enrolled for a Master of Arts majoring in Theory and History of Art at the same institution
In 2003 and 2007 she was director of the Praga/ Design Theatre Project at the University of Chile, whose exhibits were presented in the Quadrennial of those years, also receiving in 2007 the Unesco Prize for the Promotion of the Arts.
LA PARADOJA DEL ESPECTADOR. CLIMA/ATMÓSFERA Y DISEÑO ESCÉNICO Un concepto que hemos recibido de la tradición del diseño teatral chileno, en especial en la iluminación teatral, es el de “atmósfera”. Este término produce una gran variedad de resonancias a causa de sus múltiples sentidos (atmósfera dramática, de color, de materialidades, de sonoridades, entre muchas otras) y nos permite ingresar en el problema del espectador de la escena contemporánea.
El espectador puede estar situado ante la obra desde una distancia racional que le permite a través de ella, huir de la fascinación de la apariencia ilusionista y la identificación con los personajes. Este modo de situarse ante la obra propone una ubicación mental del espectador. En el lugar opuesto, Artaud invita a abolir la distancia y a involucrarse en ella, dejando de ser un espectáculo (como algo que observo desde el exterior), transformándola en una experiencia en la que es preciso sumergirse.
Lo que nos interesa aquí es poner en valor la persistencia de la disyuntiva entre la posición del espectador/observador y el espectador/participante. El primero se ubica en el lugar de la perspectiva crítica y el segundo busca la inmersión en la obra. El concepto de inmersión es, entonces, la forma concreta en que el espectador participa de la atmósfera, es decir, la atmósfera/clima no es observada desde una posición lejana, sino que se explora y se atraviesa.
La atmósfera, concepto muy cercano al paradigma realista y por ello relacionado con el impacto emocional en el espectador, opera aquí en favor de su reflexión: debe decidir la manera en que se relaciona con la obra que tiene ante sus ojos: a través de la inmersión o a través de la observación. Además, a través de un recorrido espacial se verá obligado a cambiar de perspectiva constantemente.
El dispositivo espacial en la Sala A-10, Colloredo-Mansfeld Palace, Praga:La propuesta aborda el concepto de Clima en tanto una experiencia de inmersión (crítica) en atmósfera(s) que dan cuenta de temperaturas, cualidades de luz/color y ambientes dramáticos de las variadas manifestaciones escénicas en Chile.
Las 24 obras presentadas, pertenecientes a 14 diseñadores escénicos representativos del quehacer en la escena chilena de los últimos cuatro años, están organizadas según las diferentes atmósferas de color, dramáticas y geográficas, que se van desarrollando a través de un recorrido por la sala. Las obras aparecerán en un “fade-in”que se activa al acercarse el espectador y desaparecerán cuando éste se aleje. Cada obra se mostrará a través de un video de corta duración –a modo de un gif animado–, junto con imágenes fotográficas retroiluminadas.
THE SPECTATOR PARADOX. ENVIRONMENT/ATMOSPHERE AND STAGE DESIGN One concept that we have adopted from the Chilean theatre design tradition, especially with regard to theatre lighting, is atmosphere. This term has a wide variety of interpretations because of its multiple interpretations (dramatic, colour, textural, sound, etc.), this allows us to get into the problem of the audience in contemporary set design.
The audience can be placed in front of the work at a reasonable distance that allows them to escape the fascination at the appearance and identification of the characters. The former proposes a mental space in the spectator. However, Artaud intends to do away with distance and involve himself in the work, so that it is no longer a show (as something that is observed from the outside) and becomes an experience into which one can delve.
What interests us here is showcasing the persistence of the issue between the position of the spectator/observer and the spectator/participant. The former is located in the critical perception and the latter seeks full immersion in the work. The idea of immersion is, therefore, the definitive way in which the spectator participates in the atmosphere, or rather, the atmosphere/environment is not observed from a distance, but is explored and penetrated.
Atmosphere is a concept that is very close to the realist paradigm and because of this it is related to the audience’s emotional impact, which here encourages thought in the spectator, who must find his own way of relating to what he has before him: through immersion or through observation. Furthermore, through a spatial journey one is constantly obliged to change their perspective.
The spatial design of Auditorium A-10, Colloredo-Mansfeld Palace, Prague: The proposal is to tackle the idea of environment with regard to an immersive experience of environments that include temperature, light, colour and dramatic ambience’s, from the various stage shows in Chile.
The 24 presented plays, from 14 stage designers that represent the methodology of Chilean theatre from the last four years, are organized by the different atmospheres of colour, drama and geography that are developed through a tour around the auditorium. The works will appear by a fade-in effect that activates when the spectator approaches and disappears when he walks away. Each play will be performed through a short video clip – like an animated gif image – accompanied by backlighted photographs.
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La paradoja del espectador Cl ima/atmósfera y diseño escénico The spectator paradox Environment/atmosphere and stage design
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La paradoja del espectador Cl ima/atmósfera y diseño escénico The spectator paradox Environment/atmosphere and stage design
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The spectator paradox Professionals
La paradoja del espectador Profesionales
Rocío Hernández Marchant
Diseñadora teatral egresada de la Universidad de Chile. Ha desarrollado su trabajo creativo en torno a la escenografía, la iluminación y el diseño de vestuario en teatro, además de algunas creaciones en el rol de directora de arte para cine.
Su trayectoria incluye el trabajo con variadas compañías nacionales como Teatro la María, en la obras “Caín” y “Topografía de un desnudo” , Teatro de Chile en las obras “ZOO” y “Don’t feed the humans”, y en piezas a cargo de directores chilenos como Marcelo Alonso con las obras “Rápido antes de llorar” y “En la soledad de los campos de algodón”; Alexandra von Hummel con la obra “Palo rosa”; Cristian Plana con las obras “Partido”, “Comida alemana”, “La señorita Julia”, “Velorio chileno”, entre otras; la directora Aliosha de la Sotta, con las obras “El niño que enloqueció de amor” e “Hilda Peña”; el director norteamericano Tom Kremer con “Glengarry glen rose”; y la argentina Lola Arias con “El año en que nací”. Es parte del equipo creativo dirigido por Manuela Infante para la Muestra de Dramaturgia Nacional 2014, donde dirige su primera obra audiovisual, del texto “Hilda Peña”.
Ha sido parte de destacados festivales internacionales de teatro en las ciudades de Buenos Aires, Río de Janeiro, Bahía, Chicago, Nueva York, Filadelfia, Los Ángeles, Lyon, Praga, Budapest, Berlín y Londres, entre otras. Theatre designer from the Universidad de Chile, Rocío has
developed her creative work around her set design, lighting, and costume design in theatre and additionally in some creations in the role of Director of Cinematic Art.
Her career trajectory includes work with various national theatre companies such as La Maria in the plays “Caín” and “Topografía de un desnudo”, in the Teatro de Chile in the plays “ZOO” and “Don’t feed the humans”, and in pieces directed by Chilean directors such as Marcelo Alonso in the plays “Rápido antes de llorar” and “En la soledad de los campos de algodón”, Alexandra Von Hummel in the play “Palo rosa”, Cristian Plana in the plays “Partido”, “Comida alemana”, “La señorita Julia”, “Velorio chileno”, among others , the director Aliosha de la Sotta in the plays “El niño que enloqueció de amor” and “Hilda Peña”, the American director Tom Kremer in “Glengarry Glen Ross” and the Argentine Lola Arias in “El año en que nací”. She was part of the creative team directed by Manuela Infante for the National Dramaturgical Exhibition 2014 where she directed her first audiovisual piece from the text “Hilda Peña”.
She has been part of featured International Theatre Festivals in cities such as Buenos Aires, Rio de Janeiro, Bahia, Chicago, New York, Philadelphia, Los Angeles, Lyon, Prague, Budapest, Berlin, and London, among others.
Rocío Hernández Marchant
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PALO ROSA, de Juan Andrés Rivera. Dirigida por Alexandra von Hummel. Estrenada en septiembre de 2014, en el Teatro de la Universidad Católica. Diseño de escenografía e Iluminación: Rocío Hernández Marchant. “Palo rosa” ocurre en algún lugar del sur de Chile. Adriancito y su abuela viven solos en una relación muy estrecha. Podría ser una vida feliz, pero la adolescencia del niñoconfunde a la abuela. Lo encuentra cambiado, no lo reconoce. Algo raro le pasa al niño, o eso al menos cree la Nury, la mejor amiga de la abuela, y la convence desometerlo a un procedimiento casero para «mejorarlo» y volverlo más parecido a su ideal de hombre. La abuela accede por amor, por miedo, para protegerlo. Mientras en la televisión eternamente encendida, se suceden la Parada Militar y “La sirenita” de Disney. Una comedia negra sobre la familia y la discriminación, la provincia y las brechas generacionales.
“Palo rosa” fue escrito en el Taller Internacional de Dramaturgia del Royal Court Theatre en Chile, los años 2012 y 2013 por Juan Andrés Rivera, y fue proyecto Fondart 2014 para su puesta en escena en el TEUC.
PALO ROSA, by Juan Andrés Rivera. Directed by Alexandra von Hummel. Premiered in 2014, in the Theatre of the Universidad Católica. Set design and lighting by: Rocío Hernández Marchant.
“Palo rosa” takes place somewhere in the south of Chile. Little Adrian and his grandmother live alone and have a very tight-knit relationship. They could have a happy life, but the child’s adolescence confuses his grandmother. She finds him changed, and she doesn’t recognize him. Something strange happens to the boy, at least Nury believes so, the best friend of his grandmother, who convinces the grandmother to subject her child to a home treatment to “improve him” and return him to a more ideal version of a man. The grandmother complies out of love and fear to protect him. On the permanently switched-on television, the Military Parade and “The little mermaid” from Disney are shown. It is a black comedy about family discrimination, the country and generational gaps.
“Palo rosa” was a writer in the National Workshop of Dramaturgy of the Royal Court Theatre in Chile in 2012 and 2013 by Juan Andrés Rivera and it was Fondart 2014 Project for its staging in the TEUC.
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Paula Casti l lo Tocornal
Egresada de Licenciatura en Artes con mención en Diseño Teatral de la Universidad de Chile, actualmente estudia un máster en Diseño de Iluminación (MFA in Lighting Design) en Nueva York. Desde el 2006 ha ejercido como diseñadora de iluminación, escenografía y vestuario para teatro, cine, televisión, publicidad y fotografía.
Ha trabajado en proyectos nacionales e internacionales, incluyendo: “Tras una puerta cerrada”, escrita por Egon Wolff y dirigida por Felipe Arellano, nominado al Premio Altazor 2010; “La Pasionaria”, dirigida por Malucha Pinto, ganadora del Fondart de Excelencia Bicentenario, seleccionada para el Festival Santiago a Mil 2012, invitada al Festival de Teatro de La Habana, a Chicago y a Washington, y nominada a los premios Altazor; en el diseño de la obra “El montaje”, dirigida por Francisco López, seleccionado para el Festival Santiago Off de Teatro 2014, entre otros.
Durante el año 2011 ejerció en Italia con las compañías de teatro Il sull Laboratorio Arte dell attore di Domenico Castaldo en Torino y Contrakkolpo en Roma, participando como diseñadora de iluminación para la obra “Éntrate” y “Welcoming”, presentada como parte del Festival de las Artes de Malta 2011, y en la producción ítalo-chilena de la obra “NN” en el Collatino Underground en Roma.
Paralelamente ha ejercido como ambientadora para cine y publicidad y diseñadora de sets y vestuario para televisión.
Currently studying a Masters in Lighting Design in New York, she graduated with a Bachelor of Arts with honours in Theatre Design from the Universidad de Chile. Since 2006 she has worked as a lighting, stage and costume designer for theatre, cinema, television, advertising and photography.
She has worked on national and international projects, including: “Tras una puerta cerrada”, written by Egon Wolff and directed by Felipe Arellano, nominated for the Altazor Award in 2010; “La Pasionaria”, directed by Malucha Pinto, winner of the bicentennial Fondart for excellence, selected for the Santiago a Mil festival in 2012, Invited to the La Habana Theatre Festival, Chicago and Washington and nominated for Altazor Awards; the design of the play “El montaje”, directed by Francisco Lopez, selected for the Santiago Off festival in 2014, among others.
During 2011, she worked in Italy with the theatre companies Il sull Laboratorio Arte dell attore di Domenico Castaldo in Torino and the Contrakkolpo company in Rome, participating as lighting designer for the play “Éntrate” and “Welcoming”, presented as part of the Malta Festival of Arts 2011 and the Italian-Chilean production of the play “NN” from Collatino Underground in Rome.
At the same time she has worked as a set designer for cinema and advertising and a set and costume designer for television.
Paula Casti l lo Tocornal
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LA PASIONARIA, escrita y dirigida Malucha Pinto. Montaje callejero estrenado en 2011 que itinera por distintas comunas de la Región Metropolitana de Chile.
La obra relata la historia de amor de dos jóvenes dirigentes poblacionales en el Chile de mediados del siglo pasado, Manuela y Tomás. Basado en relatos reales de pobladores, el montaje representa el mundo de las primeras migraciones rurales a la Región Metropolitana y con ello la formación de las primeras tomas de terrenos que luego se transformarían en poblaciones ícono de Santiago.
A lo largo del relato los protagonistas van desentrañando los orígenes, las contradicciones, los sueños, las convicciones y emociones de las organizaciones colectivas dentro de un grupo social que genera un desarrollo fuertemente político.
El diseño del montaje toma los relatos reales de los pobladores y genera un mundo abstracto donde los protagonistas de esta historia habitan. La interacción entre espacio y luz busca crear una composición entre materialidad (dos grandes muros de ropa tendida), la iluminación y la retro-proyección de videos, con lo que se pretende representar una dualidad entre la cruda realidad del cotidiano y lo mundano versus el mundo de los sueños y anhelos que los mantienen luchando.
LA PASIONARIA, written and directed by Malucha Pinto. Street theatre performed in 2011 that travels between different neighborhoods in the Metropolitan Region of Chile.
The play portrays a love story between two community leaders, Manuela and Tomas, in Chile in the mid-19th century. Based on the true stories of community members, the play represents the world of the first rural migrations to the Metropolitan Region and with them the first land seizures that later transformed into iconic Santiago neighborhoods.
Throughout the story, the protagonists reveal their origins, contradictions, dreams, convictions and emotions of the collective organizations inside of a social group that delivers a strongly political message.
The set design takes true stories from the community and creates an abstract world where the protagonists of this world live. The interaction between space and light seeks to create a composition between materiality (two giant walls of hanging cloths), the lighting and retro-projection of videos, with which a duality is represented between the tough daily reality and the mundane against the world of dreams and desires that keeps them fighting.
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Francisca Rocío Lazo Jerez
Diseñadora, sastre y fotógrafa dedicada a proyectos artísticos en teatro, cine, publicidad, artes plásticas y visuales. Con estudios de Diseño Teatral en la Universidad de Chile, se especializó en patronaje de vestuario y zapatería, fotografía experimental análoga y fotografía digital.
Ha trabajado como realizadora de vestuario, utilería y construcción de espacios para diversas producciones de televisión, cine y teatro, en Santiago de Chile y Ciudad de México. Entre las más destacadas figuran: largometraje “La búsqueda del olvido”, de Jorge Riquelme Serrano (2009), “La Pasionaria”, de Malucha Pinto (U. Finis Terrae, 2011) y “Proyecto de vida”, de Cristián Plana (Teatro UC, 2014). Actualmente, se desempeña como diseñadora integral en el Colectivo de Artes Escénicas La Comuna, participando en el montaje de las obras “Das Modell, entrevista íntima con Claudia Schiffer” (Festival de Dirección Teatral de la Universidad de Chile, 2014) y “Ciudad Kapital” (Taller Siglo XX Yolanda Hurtado, 2014); y en la compañía Tercer Abstracto en la obra “Atacama” (Teatro UC, 2015).
Designer, tailor and photographer who creates artistic projects in theatre, cinema, advertising, plastic and visual arts. With studies in Theatre Design at the Universidad de Chile, she specialized in clothing and footwear patterns, experimental analogue photography and digital photography.
She has worked as clothing, prop and stage construction designer for various television, cinema and theatre productions in Santiago, Chile and Mexico City. Among her most notable works are: the feature film “La búsqueda del olvido” by Jorge Riquelme Serrano (2009), “La Pasionaria” by Malucha Pinto (Finis Terrae University, 2011) and “Proyecto de vida” by Cristian Plana (UC Theatre, 2014). Currently, she works as a lead designer for the Colectivo de Artes Escénicas La Comuna: “Das Modell, entrevista íntima con Claudia Schiffer“(Festival de Dirección Teatral, University of Chile, 2014), “Ciudad Kapital” (Siglo XX Workshop Yolanda Hurtado, 2014) and the Tercer Abstracto company: “Atacama” (UC Theatre, 2015).
Francisca Rocío Lazo Jerez
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PROYECTO DE VIDA, de Ana Emilia Noguera BerguerDirigida por Cristián PlanaEstrenada en la Sala 1 del Teatro de la Universidad Católica, en octubre de 2014Diseño Escenográfico de Francisca Rocío Lazo
Alberto y Carolina son los padres de Luis Alberto, un niño de diez años. Todos los días toman juntos el desayuno que les sirve Irma, la empleada de la casa. Al parecer, es la única que presta atención al niño, que siempre está a dieta. Viven en un barrio nuevo con autos nuevos, casas nuevas y familias nuevas. Deberían ser felices, pero no lo logran.
Todo lo que se dicen está cargado, es peligroso y puede ser usado en su contra. La estructura ideológica y social de Chile, el clasismo y la violencia cotidiana están reunidos aquí, alrededor de una mesa al desayuno.
“Proyecto de vida” fue escrita por Emilia Noguera Berger como parte el Taller Internacional de Dramaturgia del Royal Court Theatre of London en Chile, los años 2012 y 2013.
PROYECTO DE VIDA, by Ana Emilia Noguera Berger Directed by Cristian Plana Performed in Theatre 1 of the Universidad Catolica, in October 2014 Set Design by Francisca Rocío Lazo
Alberto and Carolina are the parents of Luis Alberto, ten year-old boy. Every day they eat breakfast together, served by Irma, the employee of the house. It appears that she is the only person who pays attention to the young boy, who is always dieting. They live in a new neighborhood with new cars, new houses and new families. They should be happy, but they can’t manage it.
Everything they say is negatively charged, dangerous and can be used against them. The ideological and social structure of Chile, the classism and daily violence are fused here, around a breakfast table.
“Proyecto de vida” was written by Emilia Noguera Berger as part of the International Drama Workshop from the Royal Court Theatre of London in Chile, 2012/13.
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Ricardo Romero Pérez
Licenciado en Artes mención en Artes Plásticas y Diseño Teatral, es actualmente académico del Departamento de Teatro de la Universidad de Chile y docente en la Mención en Diseño Teatral.
Ha desarrollado su carrera profesional en torno a la iluminación escénica, colaborando con distintas compañías de teatro del medio nacional, siendo integrante, como iluminador, de la compañía Gran Circo Teatro dirigida por Andrés Pérez (entre 1999 y el 2002), e integrante estable de la compañía de Teatro La María. Ha diseñado obras tales como “Amledi”, dirigida por Raúl Ruiz; “Los millonarios”, “Persiguiendo a Nora Helmer” y “Trilogía pública” de la compañía Teatro La María; “Sangre como la mía”, dirigida por Jimmy Dacarret; “El otro”, de la compañía de Teatro Niño Proletario y “Gigantes de la montaña”, de la compañía La Calderona, entre otras.
Bachelor of Arts majoring in Plastic Arts and Theatre Design, currently an academic at the Theatre Department of the Universidad de Chile and a lecturer in the Theatre Design Department.
He has developed his professional career around stage lighting. He has also collaborated with various national theatre companies, working as a lighting technician for the Gran Circo Theatre Company, directed by Andrés Pérez (between 1999 and 2002) and a permanent member of the La María Theatre Company. He has designed for such theatrical works as “Amledi” directed by Raúl Ruiz, “Los millonarios”, “Persiguiendo a Nora Helmer” y “Trilogía pública” by the Teatro La María Company, “Sangre como la mía” directed by Jimmy Dacarret, “El otro” by Teatro Niño Proletario Theatre Company, “Gigantes de la montaña” by La Calderona Theatre Company, among others.
Ricardo Romero Pérez
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EL OTRO, inspirada en “El infarto del alma” de la fotógrafa Paz Errázuriz y la escritora Diamela Eltit.Obra de la Compañía Teatro Niño Proletario, dirigida por Luis Guenel, estrenada en 2012 en la Sala Factoría Italia.Iluminación de Ricardo Romero Pérez, espacio y vestuario de Catalina Devia.
EL OTRO inspired by “El infarto del alma” by the photographer Paz Errázuriz and the writer Diamela Eltit. A piece by the Niño Proletario Theatre Company, directed by Luis Guenel, premiered in 2012 at the Factoría Italia Auditorium. Lighting by Ricardo Romero Pérez, stage and costume design by Catalina Devia
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YO MATÉ A PINOCHET, de Cristián Flores.Compañía Teatro Errante, dirigida por Cristián Flores y Alfredo Basaure. Estrenada en 2013 en Centro Cultural Estación Mapocho.Diseño integral de Ricardo Romero Pérez y sonido de José Manuel Herrera.
YO MATÉ A PINOCHET, by Cristián Flores. Errante Theatre Company, directed by Cristian Flores and Alfredo Basaure. Premiered in 2013 in Estación Mapocho Cultural Centre. Lead design by Ricardo Romero Pérez and sound by José Manuel Herrera
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SANGRE COMO LA MÍA, basada en la novela de Jorge Marchant Lazcano.Dirigida por Jimmy Daccarett. Estrenada en el 2011en la Sala Mori Bellavista. Proyecto Fondart 2010. Escenografía e iluminación: Ricardo Romero Pérez. Vestuario: César Erazo Toro.
SANGRE COMO LA MÍA , based on the novel by Jorge Marchant Lazcano Directed by Jimmy Daccarett. Premiered in 2011 Mori Bellavista Auditorium. Fondart 2010 project. Stage design and lighting by Ricardo Romero Pérez and costumes by Cesar Erazo Toro.
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Rodrigo Ruiz Jofré
Licenciado en Artes con mención en Diseño Teatral. Ha trabajado ininterrumpidamente diseñando con compañías como La Troppa en su último montaje, “Jesús Betz”, coproducción franco-chilena con itinerancia por Chile, Europa y Asia; con Viaje Inmóvil en “El último heredero”, obra con itinerancia por Chile y Europa; “Chef”, obra con itinerancia nacional; con Tedat (Magaly Rivano), en espectáculos de danza-teatro basados en textos de Pedro Lemebel y Diamela Eltit; con RKO Fábrica de sueños (Víctor Carrasco), en obras como “Ma vie de Chandelle”, con funciones en Chile y Argentina, “Roberto Zucco” y “Hedda Gabler”, entre otras.
Desde el año 2001 trabaja como diseñador estable de La compañía de los Cuatro (Humberto Duvauchelle y Orietta Escámez), con giras dentro del país y Argentina.
A partir del año 2007 se incorpora como miembro estable de la compañía Teatro La María, en el rol de escenógrafo, desarrollando un fructífero trabajo en obras como “Las huachas”, “Caín”, “Abel”, “Topografía de un desnudo”, “Padre”, “Los millonarios” y “Persiguiendo a Nora Helmer”.
Paralelamente ha realizado clases y talleres en festivales de teatro y se ha desempeñado como docente en el Departamento de Teatro de la Universidad de Chile (Escuela de Diseño Teatral), en la Escuela de Teatro de la Universidad Mayor y en la Academia de Humanismo Cristiano.
Bachelor of Arts with honours in Theatre Design, he has worked non-stop as a designer with companies such as La Troppa in their most recent play “Jesús Betz”, a French-Chilean co-production touring Chile, Europe and Asia; with Viaje Inmóvil in “El último heredero”, touring Chile and Europe; “Chef”, touring Chile; with Tedat (Magaly Rivano) in theatrical dance plays based on scripts by Pedro Lemebel and Diamela Eltit and with RKO Fábrica de sueños (Víctor Carrasco) on works such as “Ma vie de Chandelle”, with features in Chile and Argentina, “Roberto Zucco” and “Hedda Gabler”, among others.
In 2001 he worked as a permanent designer at La compañía de los Cuatro (Humberto Duvauchelle and Orietta Escámez) with tours in Chile and Argentina.
Since 2007, he has been a permanent member of the La María Theatre Company as a set designer, developing prolific work on plays such as “Las huachas”, “Caín”, “Abel”, “Topografía de un desnudo”, “Padre”, “Los millonarios” and “Persiguiendo a Nora Helmer”.
During the same time, he has taught classes and workshops at theatre festivals. He has worked as a teacher in the Theatre Department at the Universidad de Chile (Theatre Design), in the Theatre School at the Universidad Mayor and in the Academia de Humanismo Cristiano.
Rodrigo Ruiz Jofré
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DE ROKHA , de Cristián Figueroa. Dirigida por Andrés Hernández, estrenada en el Parque Cultural Cerro Cárcel de Valparaíso en 2014. Escenografía e Iluminación de Rodrigo Ruiz.
Obra perteneciente a la “Trilogía de tiernos y feroces”. Proyecto ganador de Fondart, Línea Bicentenario.
Pablo, inmerso e implacable macho anciano, recibe la visita de sus ángeles y fantasmas: esposa, hijos, funcionarios, intelectuales, poetas, amigos y enemigos.
La propuesta espacial toma como sustrato el material gráfico de la revista “Multitud”, publicación elaborada por el poeta, con una línea editorial comprometida y consecuente con la militancia de Pablo de Rokha, emparentada con las publicaciones elaboradas por los futuristas rusos en las que participaba el poeta Maiakovsky, con una similitud estilística en sus dimensiones literarias y gráficas que resultan sorprendentes.
DE ROKHA, by Cristian Figueroa. Directed by Andres Hernandez, performed at the Cerro Carcel Cultural Park in Valparaiso in 2014. Set design and lighting by Rodrigo Ruiz.
This play belongs to the “De tiernos y feroces” trilogy. Winner of the Fondart Bicentenary award.
Pablo, an absorbed and relentless old man, receives a visit from his angels and ghosts: his wife and children, civil servants, intellectuals, poets, friends and enemies.
The proposed space has a layer of graphic art from the “Multitud” magazine, a publication created by the poet, with an editorial line committed and resulting from the militancy of Pablo de Rokha, it is linked to publications from Russian futurists in which the poet Maiakovsky writes, with a stylistic unity in its literary and graphical dimensions turn out to be surprising.
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PADRE, de August Strindberg. Obra de la compañía Teatro La María, dirigida por Alexis Moreno. Estrenada en el Teatro de la Universidad Católica, en el año 2011. Escenografía: Rodrigo Ruiz.
La obra invita a replantearnos nuestras más íntimas estructuras de supervivencia y estabilidad emocional. La incertidumbre genera debacle familiar, una violenta lucha psicológica entre el género masculino y femenino. La premisa del montaje se sitúa en la imposibilidad de mantener una relación familiar cuando las partes involucradas se niegan una a otra.
Strindberg presenta en esta obra un personaje de ambigua virilidad donde «algo» lo acobarda, como a casi todos los personajes que crea durante su período naturalista, porque el desarrollo típico de su héroe «naturalista» se desplaza desde una posición de agresividad a una posición de impotencia.
PADRE, by August Strindberg La María Theatre Company. Directed by Alexis Moreno. Performed in the Theatre of the Universidad Católica in 2011. Set design by Rodrigo Ruiz.
The play invites us to reconsider our most intimate survival structures and emotional stability. Uncertainty causes a family conflict, a violent psychological battle between masculinity and femininity. The premise of the play is based on the impossibility of maintaining a family relationship while the parties involved reject one another.
In this work, Strindberg presents a character of ambiguous masculinity, where «something» unsettles him, as with almost all the characters that he created during his naturalist period as the typical development of his «naturalist» hero shifts from aggressiveness to impotence.
Ricardo Romero Pérez / Rodrigo Ruiz Jofré
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PERSIGUIENDO A NORA HELMER, basada en “Casa de muñecas”, de Henrik Ibsen. Obra de la compañía Teatro La María, dirigida por Alexandra von Hummel. Estrenada en Centro Gabriela Mistral (GAM) en el 2012. Escenografía: Rodrigo Ruiz. Iluminación: Ricardo Romero. Vestuario: Carolina Sapiain.
El montaje toma como punto de partida “Casa de muñecas”, revisitando la historia desde la mirada de Nora, quien hace aparecer a sus compañeros bajo distintas formas, confrontándolos con distintos escenarios y extrañando la historia original, al situarla en una atmósfera enrarecida y cambiante, contextualizando con total libertad cada escena, buscando desplegar todo su potencial en relación a nuestro tiempo histórico.
PERSIGUIENDO A NORA HELMER, based on “A Doll’s House” by Henrik Ibsen. Play by La María Theatre Company. Directed by Alexandra con Hummel. Performed at the Gabriela Mistral Cultural Centre (GAM) in 2012. Set design by Rodrigo Ruiz, lighting by Ricardo Romero, costume design by Carolina Sapiain.
This play continues on where “A Doll’s House” left off, revisiting the story from the point of view of Nora, who appears before her companions in different forms, confronting them with various scenes and lamenting the original version, placing her in a spiritual and changing atmosphere, freely contextualizing each scene, seeking to release all of her potential with regard to our times.
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Valentina San Juan Standen
Licenciada en Artes con mención en Diseño Teatral de la Universidad de Chile. Como estudiante, en 2007 formó parte de Sociedad Inmaterial, participando en la 11ª Cuadrienal de Diseño Teatral de Praga, con la instalación “Reversible”, obra que ganó un premio Unesco. Como diseñadora integral destaca su trabajo para el proyecto Fondart Bicentenario de la compañía La Calderona y los montajes “Ranerías”, “La traición en la amistad” y “Los empeños de una casa”, trabajo presentado en Festival de Almagro, España, en el 2013.
Forma parte de la compañía Teatrosub, dirigida por Pierre Sauret, desde el año 2012 con el montaje “Detroit”, y de la compañía Teatro del Terror, dirigida por Javier Ibarra, desde el año 2013, con el montaje “Macbeth”. Desde el 2015 se integra como docente del Instituto Profesional Projazz para la carrera de Intérprete de Teatro Musical, para el ramo Espacio Escénico. Ha diseñado para los montajes “Macondo un viaje sin retorno”, “La Urdemales”, “Cienfuegos 39”, “Víctor sin Víctor Jara”, “El Golpe”, “Salazar”, “El abismo de los pájaros”, “Años de radio/Pink Milk” y “12 horas de amor con Catalina Valdivieso”. Ha participado en los proyectos de artes visuales “Neomestizo”, de Valeria Radigán, y “Ladrillo angular”, instalación del artista visual Francisco «Papas Fritas» para el MAC.
Bachelor of Arts with honours in Theatre Design at the Universidad de Chile. As a student in 2007, she formed part of Immaterial Society, participating in the 11th Quadrennial Theatre Design of Prague, with the “Reversible” installation, a work that won an Unesco prize. As lead designer, her work is notable for the bicentennial Fondart project with The Cauldron Theatre Company and the plays “Ranerías”, “La traición en la Amistad” and “Los empeños de una casa” which was presented at the Almagro Festival in Spain in 2013.
She is a member of the Teatrosub Company, directed by Pierre Sauret, and in 2012 designed with the play “Detroit”, and is also part of the Terror Theatre Company, directed by Javier Ibarra, since 2013, with the play “Macbeth”. From 2015 onwards she has worked as a lecturer of musical theatre interpretation on the Scenic Space course at the Projazz Professional Institute. She has worked as a designer on plays such as “Macondo un viaje sin retorno”, “La Urdemales”, “Cienfuegos 39”, “Víctor sin Víctor Jara”, “El Golpe”, “Salazar”, “El abismo de los pájaros”, “Años de radio/Pink Milk” y “12 horas de amor con Catalina Valdivieso”. She has participated in Visual Art projects: “Neomestizo” by Valeria Radigán and “Ladrillo angular”, visual art installation «Papas Fritas» for the Contemporary Art Museum.
Valentina San Juan Standen
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MACBETH, de William Shakespeare. Obra de la compañía Teatro del Terror, dirigida por Javier Ibarra Latelier. Diseño escenográfico: Valentina San Juan. Diseño de vestuario e Iluminación: Juan Carlos Valenzuela. El montaje tuvo su temporada en el Centro Cultural Estación Mapocho y por varias regiones del país entre los años 2014 y 2015.
“Macbeth” nos sumerge en un oscuro mundo de confusión moral en el que, entre alucinaciones, conjuros y crímenes, tiene lugar la irreversible degradación de Macbeth, general del rey Duncan al que traiciona y asesina empujado por su mujer, la ambiciosa e impulsiva Lady Macbeth, quien actúa por un incondicional amor hacia su esposo.
MACBETH by William Shakespeare. Play by the Terror Theatre Company, directed by Javier Ibarra Letelier. Set design by Valentina San Juan. Costume and lighting design by Juan Carlos Valenzuela The play was performed for a season at Estación Mapocho Cultural Centre and in various regions of Chile between 2014 and 2015.
“Macbeth” by William Shakespeare submerges the audience in a dark world of moral confusion. Among hallucinations, spells and crimes, Macbeth, a general of King Duncan, is irreversibly corrupted and betrays and murders him. He is driven to this act by his wife, the ambitious and short-tempered Lady Macbeth, who acts based on an unconditional love for her husband.
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Loreto Martínez Labarca
Licenciada en Artes con mención en Diseño Teatral de la Universidad de Chile, magíster en Diseño de Vestuario de Ópera, Teatro, Cine y Audiovisual del Istituto Europeo di Desing, Barcelona, y Diplomada en Sociología del Cuerpo de la Universidad de Chile.
En teatro, desde el año 2008 hasta la fecha, trabaja junto al connotado director y dramaturgo Guillermo Calderón, como diseñadora integral de los montajes “Clase” (Premio Altazor 2009 a la Mejor Dramaturgia), “Los que van quedando en el camino” (Premio Santiago a Mil 2010 al Mejor Montaje) y “Escuela” (2013). Además, ha participado junto a destacados directores como diseñadora de vestuario: “Infamante Electra”, de Raúl Ruiz (2006); “La amante fascista”, dirigida por Víctor Carrasco, Premio Nacional de Dramaturgia 2010, y “Redoble fúnebre para lobos y corderos”, dirigida por Rodrigo Bazáes (2012).
En cine y televisión ha colaborado en premiados proyectos, como “Ecos del desierto” y “La buena vida”, dirigidas por Andrés Wood; “Los 80”, temporadas 1 y 2, dirigidas por Boris Quercia, y “31 Minutos, la película”, dirigida por Alvaro Díaz y Pedro Peirano.
Paralelamente, se ha desempeñado como docente en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile.
Loreto Martínez Labarca
Graduated with a Bachelors Degree in Arts with a major in Theatre Design from the Universidad de Chile, Master in Costume Design for Opera, Theatre, Film and Audiovisual Art (Istituto Europeo di Desing, Barcelona) and certified in Sociology of the Body (Universidad de Chile).
In theatre, from 2008 to the present day she has worked jointly with the noted director and dramaturge Guillermo Calderón, as a lead designer of the plays “Clase” (Altazor Prize 2009, Best Dramaturgy), “Los que van quedando en el camino” (Best Play Prize, Santiago a Mil 2010) and “Escuela” (2013). Additionally, she has participated jointly with featured directors as costume designer in “Infamante Electra” by Raúl Ruiz (2006); “La amante fascista”, directed by Víctor Carrasco, National Dramaturgy Prize 2010, and “Redoble fúnebre para lobo y corderos”, directed by Rodrigo Bazáes (2012).
In film and television, she has collaborated with award-winning projects such as “Ecos del desierto” and “La buena vida”, directed by Andrés Wood; “Los 80”, seasons 1 and 2, directed by Boris Quercia and “31 Minutos, la película”, directed by Alvaro Díaz and Pedro Peirano.
At the same time, she has served as a teacher in the School of Theatre at the Universidad de Chile.
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ESCUELA, escrita y dirigida por Guillermo Calderón.Obra que tuvo una temporada en el ciclo de Teatro Hoy y en el ciclo 40 años del Golpe del Festival Santiago a Mil durante el año 2013. Diseño escénico: Loreto Martínez Labarca.
Durante la década de los ochenta un grupo de militantes recibe instrucción paramilitar para resistir y derrocar a la dictadura. Los contenidos que se enseñan retratan la actividad y aspiraciones de una generación que usó todos los medios para conseguir justicia y libertad.
ESCUELA, written and directed by Guillermo Calderón. In season in the cycle of Theatre Today and in 40 years of the Golpe of the Santiago a Mil festival during the year 2013. Set design by Loreto Martínez Labarca.
During the 80s a group of militants receive paramilitary instructions to resist and overthrow the dictatorship. What they’re being taught reflects the activity and aspirations of a generation that used all means available to achieve justice and liberty.
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LOS QUE VAN QUEDANDO EN EL CAMINO, de la dramaturga Isidora Aguirre y dirigida por Guillermo Calderón. Diseño integral: Loreto Martínez Labarca.
El texto es una obra coral que revive un hecho ocurrido en 1934 en Ranquil, una localidad entre Temuco y Valdivia, en el sur de Chile. Allí se asesinó a un grupo de campesinos luego de alzarse al ser despojados de sus tierras. La historia transcurre en los años 60. El montaje, realizado en la Cámara de Diputados del Ex Congreso Nacional, recibió el premio Mejor Montaje en la selección de 200 años de Teatro Chileno que produjo Santiago a Mil el año 2010.
LOS QUE VAN QUEDANDO EN EL CAMINO, by the playwright Isidora Aguirre and directed by Guillermo Calderón. Lead design by Loreto Martínez Labarca.
The text is a choral piece that relives an event that occurred in 1934 in Ranquil, a locality between Temuco and Valdivia in the south of Chile. There, a group of farmers was assassinated after protesting about being stripped of their land. The story takes place in the 1960s. The set, carried out by the Chamber of Deputies of the former National Congress, received the Best Play prize in the selection of 200 years of Chilean Theatre that was produced by Santiago a Mil in the year 2010.
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REDOBLE FÚNEBRE PARA LOBOS Y CORDEROS, de Juan Radrigán. Dirección de Rodrigo Bazáes. Diseño de escenografía e iluminación: Cristián Reyes. Diseño de vestuario: Loreto Martínez Labarca.
La “Trilogía” de Juan Radrigán, Premio Nacional de Artes de la Representación 2011, incluye los monólogos “El invitado”, “Sin motivo aparente” e “Isabel desterrada en Isabel”.
“El invitado”. Sara y Pedro son un matrimonio humilde. Él está cesante desde hace mucho tiempo. La presencia invisible de un personaje, nombrado como el Invitado, gravita en sus vidas como el responsable de la miseria. La existencia de la pareja está determinada por este tercer personaje.
“Sin motivo aparente”. Pedro García se encuentra en un terreno baldío frente a un hoyo profundo. Le habla a algo o a alguien que está dentro del agujero. Mientras transcurre la escena, se entiende que lo que está ahí es un hombre muerto que él mismo ha matado en un ajuste de cuentas, para vengar la muerte de su amigo.
“Isabel desterrada en Isabel”. Isabel camina sola por la calle mientras le habla a un tarro metálico de basura. En el monólogo, ella revela partes de su vida, como la relación con su padre. El hambre es lo que gravita en cada palabra, un hambre que alude a la falta de igualdad entre las personas. Isabel ama, busca y llama a Aliro, quien está desaparecido, preso, muerto, no se sabe.
REDOBLE FÚNEBRE PARA LOBOS Y CORDEROS, dramaturgy by Juan Radrigán, directed by Rodrigo Bazáes. Set design and lighting by Cristián Reyes, costume design by Loreto Martínez.
“Trilogy” by Juan Radrigán –National Award in Representational Arts 2011– includes the monologues “El invitado”, “Sin motivo aparente” and “Isabel desterrada en Isabel”.
“El invitado”. Sara and Pedro are a humble married couple. He is completely broke, with a total loss of income, for some time now. The invisible presence of a character, named only as el Invitado, gravitates in their lives as the figure responsible for the misery. The existence of the couple is determined by this third character.
“Sin motivo aparente”. Pedro García finds himself in a wasteland in front of a large hole. He speaks to something or someone that is inside the hole. While the scene takes place, it is understood that what’s inside the hole is a dead man that Pedro himself has killed in a settling of scores, to avenge the death of his friend.
“Isabel desterrada en Isabel”. Isabel walks alone in the street while she talks to a metal trash can. In the monologue, she reveals parts of her life, such as her relationship with her father. Hunger gravitates in every word, a hunger that alludes to the lack of equality between people. Isabel loves, looks for and calls to Aliro, who is either disappeared, imprisoned, or dead, none of which is known.
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Eduardo Cerón Ti l lería
Licenciado en Diseño con estudios de artes visuales. Ha trabajado desde el año 2000 en distintas compañías de la escena nacional, destacándose principalmente su trabajo en teatro, así como en montajes de danza, artes visuales y audiovisuales. En sus obras se destacan las puestas visuales en los montajes “Hamlet”, de la compañía Impasse; “Devastados”, dirigida por Alfredo Castro; y “Provincia Kapital”, “Teatros” y “Dedicado a Loui de Founes”, dirigidas por Rodrigo Pérez.
En teatro ha realizado el diseño integral de más de 14 montajes, entre los cuales destacan “La cosa”, de la compañía La Puerta, estrenada en el Festival Stucke, Alemania, en el año 2013; “Cuarteto”, dirigida por Luis Ureta; y su trabajo como diseñador en muestras de dramaturgia nacional y europea.
También ha participado en el codiseño integral de más de 15 montajes teatrales, donde se distinguen “Fabulación”, del director Marcos Guzmán, y “Máquina Hamlet”, dirigida por Cristian Keim, entre otras.
Además de su trabajo en el diseño teatral chileno, ha realizado diseño integral en las muestras de dramaturgia chilena en la ciudad de Buenos Aires (2014) y el diseño de espacio para performances en Venecia, Italia (2014).
En danza ha realizado diseño integral para el Ballet Nacional de Chile (Banch); diseño integral para “Tercera persona intruso”, dirigida por Francisca Sazié; y el codiseño integral para “La siesta de un fauno”, dirigida por Isabel Croxato, la que fue estrenada mundialmente en el Festival de Coreógrafos del Teatro Municipal de Santiago.
Bachelor of Arts in Design with a minor in Visual Arts, he has worked since 2000 in various national companies, standing out primarily for his theatre work, and branching out into dance, visual arts and audiovisual work. In his works the visual setting is emphasized in plays such as: “Hamlet”, by the company Impasse; “Devastados”, directed by Alfredo Castro; and “Provincia Kapital”, “Teatros” and “Dedicado a Loui de Founes”, directed by Rodrigo Pérez.
In theatre he has managed the lead design of more than 14 plays, among which “La cosa” from La Puerta Company, which was performed at the Stucke festival in Germany in 2013, stands out. “Cuarteto”, directed by Luis Ureta, and his work as a designer at national and european exhibitions is also noteworthy.
He has also participated in the co-lead design of more than 15 theatrical plays, with highlights such as “Fabulación” from director Marcos Guzmán and “Máquina Hamlet”, directed by Cristian Keim, among others.
In addition to his work in Chilean set design, he has carried out full set design in the Chilean Dramaturgical Showing in the city of Buenos Aires (2014), and the space design for a performance in Venice, Italy (2014).
In dance he has worked as lead designer for the National Ballet of Chile (Banch); lead designer on “Tercera persona intruso”, directed by Francisca Sazié; and co-lead designer on “La siesta de un fauno”, directed by Isabel Croxato, which was performed worldwide at the Choreography Festival of the Municipal Theatre of Santiago.
Eduardo Cerón Ti l lería
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CUARTETO, escrita por Heiner Müller y basada en la novela de Pierre Choderlos de Laclos, “Relaciones Peligrosas” (1782). Montaje dirigido por Luis Ureta. Estrenado en el 2013 en la sala La acción. “Cuarteto” se desarrolla en un espacio-tiempo indefinidos: un salón antes de la Revolución Francesa/un búnker antes de la Tercera Guerra Mundial. Los dos actores de la obra se despliegan en distintas facetas, generando un juego perverso de roles y alternancias.
Los temas de la obra de Müller se proyectan a través de procedimientos metateatrales en los que los mismos actores aparecen desnudados mediante el desvelamiento de su propia performance. Para ello, se apela al lenguaje audiovisual, utilizando un circuito cerrado de cámaras que proyectan frente al público a través de primeros planos de los intérpretes y de las situaciones que experimentan sus personajes.
CUARTETO, written by Heiner Muller and based on the novel by Pierre Choderlos de Laclos, “Dangerous Liaisons” (1782). Play directed by Luis Ureta, and performed in 2013. The action from “Cuarteto” develops in an undefined space-time: a hall before the French Revolution and a bunker before the Third World War. The two actors in the play display different personalities, creating a perverse game of role reversal.
The themes of Muller’s play are communicated in a meta-theatrical manner, in which the actors appear naked through the unveiling of their own performance. Because of this, audiovisual language is utilized via a closed circuit camera system that projects close-ups of the protagonists and the situations that they experience.
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LA COSA , de Philipp Löhle. Obra de la compañía La Puerta, dirigida por Luis Ureta en el 2013. La interdependencia mundial –lo que ha dado en llamarse globalización– hace que todo esté relacionado con todo. Cuando el africano Siwa es convencido de cultivar algodón con métodos sustentables, dos jóvenes chinos celebran el primer éxito de su recién fundada empresa y ello tiene consecuencias para la cría de ganado porcino en Rumania. Y «la cosa» que da título a la pieza –una fibra de algodón– da, entretanto, una vuelta al mundo y observa asombrada el accionar de los seres humanos.
LA COSA, by Philipp Lohle, Play by La Puerta Theatre Company, directed by Luis Ureta, 2013.
Global interdependence –which has become known as globalization– makes everything related to everything else. When the African, Siwa, is convinced to grow cotton through sustainable methods, two young Chinese people celebrate the first success of their recently founded company and this has consequences for the child of a Romanian pig farmer. Meanwhile, the eponymous «thing» (cosa in Spanish) – a strand of cotton – travels the world and witnesses in astonishment the strange behavior of human beings.
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Josefina Cifuentes Casti l lo
Licenciada en Artes mención en Diseño Teatral de la Universidad de Chile. Se ha desempeñado como diseñadora integral de escenografía, vestuario, iluminación y utilería en montajes como “Nube violeta”, “Vía Crucis”, y “La imaginación del futuro”, además de desempeñar diversos roles técnicos y de realización, tales como montaje de iluminación y escenografía, operadora de iluminación en GAM, vestuarista en el Teatro Municipal de Santiago y técnico en diversos montajes teatrales, audiovisuales, de danza y música. También se ha desempeñado como iluminadora para diferentes bandas, tocatas y lanzamientos de discos como “Cumbiakistán”, de Mákina Kandela y “Bajo el Cemento”, de De Caramba. El 2012, junto a un grupo de artistas interdisciplinarios, crean la compañía Teatro Niño Imaginario y con su primer montaje, “Mundo Intemperie”, la compañía participa en diversos festivales nacionales e internacionales como Patagonia en Escena, Santiago off, Festival Valparaíso Circo, Festival de Circo Charivari y Octubre Callejero. El año 2013 se incorpora a la compañía Teatro Síntoma como diseñadora integral y técnico de iluminación en colaboración con Natalia Morales, para la creación de la obra “Bello futuro”, que es parte de diversos festivales como Lluvia de Teatro de Valdivia, Temporales Teatrales de Puerto Montt, Festival de Otoño de Arcis y Festival Internacional Santiago a Mil.
Bachelor of Arts with honours in Theatre Design from the Universidad de Chile. Since graduating, she has worked as a lead stage, wardrobe, lighting and prop designer in plays such as “Nube violeta”, “Vía Crucis” and “La imaginación del future”, as well as taking on different creative and technical roles such as lighting and stage technician, lighting operator at GAM, costume designer at the Municipal Theatre of Santiago and technician in various theatre, audiovisual, musical and dance productions. She has also worked as a light technician for bands, concerts and disc releases such as “Cumbiakistán” by Mákina Kandela and “Bajo el cement” by De Caramba. In 2012, working alongside a group of interdisciplinary artists, she founded the Imaginary Child Theatre Company and with their first play, “Mundo Intemperie”, the company participated in various national and international festivals such as Patagonia en Escena, Santiago Off, Valparaíso Circus Festival, Charivari Circus Festival and Octubre Callejero. In 2013, she joined the company Teatro Síntoma as a lead designer and lighting technician, collaborating with Natalia Morales for the creation of the play “Bello future”, which is a part of diverse festivals such as Lluvia de Teatro de Valdivia, Temporales Teatrales de Puerto Montt, Festival de Otoño de Arcis and Santiago a Mil International Theatre Festival.
Josefina Cifuentes Casti l lo
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MUNDO INTEMPERIE, de la compañía Teatro Niño Imaginario. Dirección de Christian Welsh y Diana Fraczinett. Diseño integral: Josefina Cifuentes y Catalina León. Es la historia de un personaje solitario que vive en un mundo devastado por la destrucción y quien se encuentra en la necesidad imperiosa de crear seres, situaciones y compañeros a partir de lo único que tiene a su alcance: los desechos, el recuerdo y su imaginación. Un hogar construido bajo un poste de luz será el espacio que lo alberga junto a las marionetas, las máscaras, los objetos.
MUNDO INTEMPERIE, by Niño Imaginario Theatre Company. Directed by Christian Welsh and Diana Fraczinett, lead design by Josefina Cifuentes and Catalina León.
This is the history of a solitary character that lives in a world devastated by destruction and who has an urgent need to create beings, situations and companions from the little that he has at his reach: rubbish, memory and his imagination. A home built under a lamppost is the only space he has, shared with his dolls, masks and miscellaneous objects.
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Natalia Morales Tapia
Licenciada en Artes con mención en Diseño Teatral. Desde el 2011 se incorporó a la compañía de Teatro Kimen como asistente de diseño e iluminadora de la segunda obra de la trilogía “Ñi pu tremen”, “Territorio descuajado” y “Galvarino”, ejerciendo durante los próximos años el rol de jefe técnico e iluminadora en diferentes giras y festivales realizados en Chile, en Brasil y Corea del Sur. Además, ha trabajado con diferentes compañías diseñando para obras como “Yo, Manuel” (Teatro de la Universidad Católica, FITTU 2014), “Capitán U” (Fondart de itinerancia 2013), “Reserva” (Selección Danza Santiago a Mil 2014), “Paraíso” y “M.A. Héroe de Peñablanca”. El año 2013 se incorpora a la compañía Teatro Síntoma como diseñadora integral, en conjunto con Josefina Cifuentes, para la creación de la obra “Bello futuro”, ganadora en diferentes festivales y seleccionada para el Festival Santiago a Mil 2014, proyecto que obtuvo un Fondart de itinerancia por la Región Metropolitana. Durante ese año estrena “La Victoria”, el segundo montaje de la compañía. En paralelo, se integra a la compañía Teatro La Santa para el diseño escenográfico y de vestuario de la obra “Alcérreca, tragedia en el altiplano”, proyecto Fondart 2014.
Bachelor of Arts majoring in Theatre Design, incorporated into the Theatre Company Teatro Kimen since 2011, as a design assistant and lighting technician in the second play of the trilogy: “Ñi pu tremens”, “Territorio descuajado” y “Galvarino”. Exercising her role as technical manager and lighting manager in the next years in different tours and festivals hosted in Chile, Brazil, and South Korea. Additionally, she had worked with different companies, designing for plays such as “Yo, Manuel” (Universidad Católica Theatre, FITTU 2014), “Capitán U” (Fondart 2013), “Reserva” (Santiago A Mil 2014, Dance Selection), “Paraíso” and “M.A. Héroe de Peñablanca”. In 2013 she joined the Theatre Company Teatro Síntoma as lead designer alongside Josefina Cifuentes for the creation of the play “Bello future”, winner of different festivals, selected for the Santiago A Mil Festival 2014, a project that obtained a Fondart grant to tour the Metropolitan region. During the year, “La Victoria” premiered, the second production of the company. During the same period, she joined the company for the set and costume design for the play “Alcérreca, tragedia en el altiplano”, a Fondart project of 2014.
Natalia Morales Tapia
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ALCÉRRECA, TRAGEDIA EN EL ALTIPLANO, de Javiera Fernández. Dirección de Rosa Landabur y Javiera Fernández. Diseño de vestuario y escenografía: Natalia Morales Tapia.
Inspirado en un hecho real, el montaje busca rescatar la historia de una localidad altiplánica a punto de desaparecer e indaga en las razones que llevan a una madre a abandonar a su hijo en pleno desierto, como síntoma y metáfora de la desolación de su pueblo. Ambientada en el último día del carnaval aymara conocido como la fiesta del «Ño Carnavalón», Gabriela, una pastora de 25 años es uno de los últimos 10 habitantes de este territorio que está desapareciendo. Cansada de este pueblo que agoniza y de su realidad familiar y para liberar a su hijo de la fatalidad de una vida de aislamiento, ha decidido ofrecer a su hijo al desierto y abandonarlo allí.
ALCÉRRECA, TRAGEDIA EN EL ALTIPLANO, by Javiera Fernández. Directed by Rosa Landabur y Javiera Fernández. Costume and set design by Natalia Morales Tapia.
Inspired by a true story, the play seeks to rescue the history of a village in the Altiplano at the point of disappearing and investigate the reasons why a mother would abandon her son in the middle of the desert, as a symptom and a metaphor of the desolation of her village. Taking place during the last day of the Aymara carnival known as the celebration of «Ño Carnavalón», Gabriela, a shepherdess of 25 years is one of the last 10 inhabitants of this disappearing territory. Tired of this village that causes her agony and her family reality, and to liberate her son from the fatality of a life of isolation, she has decided to offer her son to the desert and abandon him there.
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LA VICTORIA, de Gerardo Oettinguer. Obra de la compañía Teatro Síntoma, dirigida por Paula González Diseño integral: Josefina Cifuentes y Natalia Morales. La obra está inspirada en testimonios de pobladores que participaron en ollas comunes en la época de la dictadura militar. La escena sucede en la capilla de una población periférica donde se prepara una olla común. Las fuerzas de la represión entraron al lugar y se llevaron detenidas a las dirigentas. En escena, las pobladoras que quedan se ven enfrentadas a cocinar la poca comida regada y pisoteada. Deberán así decidir cómo se repartirá el alimento, quién puede y no puede comer, dónde están las prioridades. Es el enfrentamiento del hambre versus la organización.
LA VICTORIA by Gerardo Oettinguer.Play by Síntoma Theatre Company, directed by Paula González. Lead design by Josefina Cifuentes and Natalia Morales Tapia.
This work is inspired by testimonies from citizens that organized communal meals during the military dictatorship. The scene takes place in the chapel of a disadvantaged community on the outskirts of the city, where a cooking pot is shared. The repressive forces arrive at the setting and the leaders are arrested. On stage, the community members that remain are faced with cooking the few scraps of trampled-upon food that remain. They must therefore decide how to divide the food, who can and who cannot eat and who takes priority. It is a question of starvation versus the organization.
Josefina Cifuentes / Natalia Morales
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Elizabeth Pérez Neira
Licenciada en Artes con mención en Diseño Teatral de la Universidad de Chile, con estudios de especialización en Maquillaje Teatral en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, Buenos Aires, Argentina. Es diseñadora de vestuario de la compañía La Niña Horrible y maquilladora y caracterizadora en el Teatro Municipal de Santiago. Ha realizado el diseño integral y vestuario en obras de teatro como “Sentimientos”, “Historias de amputación a la hora del té” y “Metropolitana”, de la compañía Contratistas Públicos. También cuenta con experiencia en el campo audiovisual en diferentes ámbitos, los que incluyen el maquillaje, el vestuario y la dirección de arte en cortometrajes tales como “Verano del 98” de Valentina Azúa, proyectos financiado por el Fondo de Fomento Audiovisual 2014; “Nadadora”, de Luis Horta, proyecto financiado por el Fondo de Fomento Audiovisual 2011; y en videoclips de bandas musicales y solistas como Coffee-house, Proyecto Crisis y Javier Barría.
Bachelor of Arts, majoring in Theatre Design from the University of Chile with specialized studies in Theatre Makeup in the Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, Buenos Aires, Argentina. She is a costume designer with the company La Niña Horrible and a makeup artist and character-creator in the Santiago Municipal Theatre. She has designed costumes in theatrical works such as “Sentimientos”, “Historias de amputación a la hora del té” and “Metropolitana”, from the Contratistas Públicos Theatre Company. She also has experience in the audiovisual field in different areas that include makeup, costumes, and art direction for shorts such as “Verano del 98” by Valentina Azúa and financed by the fund for audiovisual promotion 2014; “Nadadora” by Luis Horta, 2011, financed by the Fondo de Fomento Audiovisual 2011 and in music videos of bands and solo artists such as Coffeehouse, Proyecto Crisis, and Javier Barría.
Elizabeth Pérez Neira
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HISTORIAS DE AMPUTACIÓN A LA HORA DEL TÉ, de Carla Zúñiga. Obra de la compañía La Niña Horrible, dirigida por Javier Casanga, Estrenada en 2014 en la sala Ladrón de Bicicletas. Diseño y realización de vestuario: Elizabeth Pérez Neira. El cáncer de mamas como metáfora del discurso patriarcal que modela el cuerpo de la mujer y decide sobre él, que estipula lo que es belleza y cómo debe vivir su vida el género femenino, es el centro de esta comedia negra. En escena desfilan una serie de personajes femeninos, todos encarnados por varones. El diseño de vestuario se enfoca en abordar los arquetipos que definen el género femenino, para trasladarlos luego a cuerpos masculinos que buscan cuestionar la visión social de un concepto de femineidad que por siglos ha estructurado el cuerpo de la mujer.
HISTORIAS DE AMPUTACIÓN A LA HORA DEL TÉ, by Carla Zúñiga. Play by La Niña Horrible Theatre Company, directed by Javier Casanga. Premiered in 2014 in the Ladrón de Bicicletas auditorium. Design and costumes by Elizabeth Pérez Neira.
Breast cancer as a metaphor for patriarchal discourse that models the female body and decides for it, that stipulates what is and what isn’t beauty and how those of the female gender should live their lives, is the center of this black comedy. In the play a series of female characters parade on stage, all of them played by men. The costume design focuses on approaching the archetypes that define the female gender, in order to then transfer them into male bodies that seek to question the social vision of the concept of femininity that for centuries has limited the female body.
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Daniel El ías Bagnara Mena
Daniel El ías Bagnara Mena
Diseñador, director de arte y realizador escénico. Con más de diez años de experiencia en el diseño y realización de indumentarias para las artes escénicas, tomó clases de técnica en el teatro de máscaras con el maestro Andrés Pérez, cursó estudios de técnica académica en danza y del ciclo básico de Artes Visuales en la Universidad de Chile, y de Licenciatura en Dirección de Arte de la Universidad Mayor. Como artista ha centrado su experiencia investigativa sobre el cuerpo y su discurso proyectado en un espacio escénico, siendo este punto un motor fundamental del trabajo que ha ido desarrollando en sus participaciones en el área de la danza, el teatro y las artes escénicas en general. En el transcurso de su trayectoria ha colaborado con variados directores y coreógrafos nacionales e internacionales, entre los que destacan: Gigi Caciuleanu, Mauricio Wainrot, Oscar Arais, Danny Betancourt, Alejandro Jodorowsky, Luis Eduardo Araneda, Nelson Avilés, Andrés Cárdenas, José Luis Vidal, Rodrigo Bazáes, Pamela Quero, Paulina Vielma, Claudia Munzenmayer, Francisco Bagnara, Andrea Torres, Sebastián Belmar, Pablo Rotemberg y Francisca Espinoza, entre otros.
Algunas obras premiadas en las que ha participado son “Pies pa volar”, premio Altazor 2009; “El hombre del baño”, premio Mejor Obra de Teatro del Festival FETEX-CHILE; y “La Colorina”, premio del Círculo Chileno de Críticos de Arte a la Mejor Obra de Danza Contemporánea 2013.
Designer, art director and stage director. With more than ten years of experience in costume design and production for stage arts, he took technical classes in mask theatre with the expert Andrés Pérez. He studied dance and visual arts at the Universidad de Chile. Finally, and a degree in Art Direction at the Universidad Mayor.
As an artist, he has focused his research expertise on the human body and its discourse projected onto a stage, this point being a key engine in the work that has developed into his contributions in the field of dance, theatre and the stage arts in general. In the course of his trajectory he has collaborated with various national and international directors and choreographers, among which some highlights are: Gigi Caciuleanu, Mauricio Wainrot, Oscar Arais, Danny Betancourt, Alejandro Jodorowsky, Luis Eduardo Araneda, Nelson Avilés, Andrés Cárdenas, José Luis Vidal, Rodrigo Bazáes, Pamela Quero, Paulina Vielma, Claudia Munzenmayer, Francisco Bagnara, Andrea Torres, Sebastian Belmar, Pablo Rotemberg and Francisca Espinoza, among others.
Some of the award-winning works which he has participated in are as follows, “Pies pa volar” Altazor Prize 2009, “El hombre del baño”, best play at the theatrical festival FETEX-CHILE, and “La Colorina”, Chilean art Critics Circle, Best Contemporary Dance Performance 2013.
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LA COLORINA , coreografía y dirección de Luis Eduardo Araneda. Estrenada en octubre del 2013 en la Sala Bunster del Centro Cultural Matucana 100. Diseño y realización integral: Daniel Bagnara Mena. Pieza coreográfica de danza inspirada en la poeta chilena de la generación del 50, Stella Díaz Varín (1926-2006). La obra reflexiona sobre la identidad y el género, presentando al cuerpo como soporte espacial mediante una puesta en escena contemporánea y experimental que pulsa desde la impronta y personalidad de Stella, su adolorida vida e irreverencia como reivindicación de la existencia humana traducida en la grandeza de sus palabras y su poesía.
LA COLORINA, choreography and direction by Luis Eduardo Araneda. Performed in October 2013 in the Bunster theatre at the Matucana Cultural Centre 100. Lead design and production by Daniel Bagnara Mena.
A choreographic dance piece inspired by the Chilean poet of the 50s generation, Stella Diaz Varín (1926-2006). The work deals with identity and gender, presenting the body as a spatial support through a contemporary and experimental mise-en-scene that pushes forward the legacy and personality of Stella, her pain-filled life and irreverence as vindication for the human existence, translated through the grandeur of her words and her poetry.
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LA NOCHE OBSTINADA , coreografía y dirección de Pablo Rotemberg. Estrenada en julio del 2014 en la sala A-2 del Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM). Diseño sonoro: Daniel Marabolí. Diseño espacial: Francisco Herrera. Diseño y realización de vestuario: Daniel Bagnara Mena.
La obra pone en escena a siete bailarines en medio de una banda sonora que incluye a Cecilia, Queen, Liza Minnelli y a composiciones doctas de Shostakovich y Mirzoyan. Se trata de las míticas fiestas Spandex, que se muestran como una metáfora del fin de la dictadura y de los primeros pasos hacia la democracia, el momento político y social en el que las mordazas se desanudaban y poco a poco –muy poco a poco– las puertas del destape se abrían para dar paso a la manifestación de la diversidad, en medio de la investigación por los cheques del hijo de Pinochet, los desaparecidos de Pisagua y el Informe Rettig.
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LA NOCHE OBSTINADA , choreographed and directed by Pablo Rotemberg. Performed in July 2014 in the A-2 theatre of the Gabriela Mistral Cultural Centre (GAM). Sound design by Daniel Marabolí; spatial design by Francisco Herrera; wardrobe design and production by Daniel Bagnara Mena.
The work puts on stage seven dancers with a soundtrack that includes Cecilia, Queen, Liza Minnelli and classical compositions from Shostakovich and Mirzoyan. It centers on the mythical Spandex parties, which show the end of the dictatorship and the first steps towards democracy as a metaphor, the political and social atmosphere in which the chains began to unravel little by little – very little by little – the doors of the freedom were opening to give way to diversity, amid the investigation into the checks issued to Pinochet’s son, the disappearances in Pisagua and the Rettig Report.
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Miryam Singer González
Miryam Singer González
Arquitecto, cantante, directora, vestuarista, escenógrafa, iluminadora y productora de ópera. Desde 1995 ha realizado “Cosi fan tutte”, “La Traviata”, “Madame Butterfly”, “La finta semplice”, “La finta giardiniera”, “Las bodas de Figaro”, “Tosca”, “Pierrot Lunaire”, “Carmen”, “La viuda alegre”, “La flauta mágica”, “El rapto del Serallo”, “Don Pasquale”, “Orfeo”, “Le Convenienze ed inconvenienze teatrale” y “Der Kaiser von Atlantis”, entre otros. Ha ganado el Premio de la Crítica en cinco oportunidades. Es profesora del Instituto de Música y Directora de Artes y Cultura de la Universidad Católica.
Architect, singer, director, costume designer, stage designer, lighting designer and opera producer. Since 1995 she has worked on “Cosi fan tutte”, “La Traviata”, “Madame Butterfly”, “La finta semplice”, “La finta giardiniera”, “Le nozze di Figaro”, “Tosca”, “Pierrot Lunaire”, “Carmen”, “Die Lustige Witwe”, “Die Zauberflöte”, “Die Entführung aus dem Serail”, Don Pasquale, Orfeo, Le Convenienze ed inconvenienze teatrale and Der Kaiser von Atlantis, among others. She won the Critics’ prize on 5 occasions. She is professor at the Institute of Music and Director of Arts and Culture at the Universidad Católica.
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LA FLAUTA MÁGICA, ópera de W. A. Mozart. Dirigida por Miryam Singer en el Teatro Municipal de Santiago. Estrenada en octubre del 2014. Diseño de escenografía y vestuario: Miryam Singer.
“La flauta mágica” es la historia del príncipe Tamino, que después de ser rescatado de las fauces del dragón por las Tres Damas de la Reina, se encuentra con Papageno, un cazador de pájaros. La Reina de la Noche pide al Príncipe que junto a Papageno vaya en búsqueda de su hija Pamina, quién fue raptada por Sarastro. Durante el viaje son acompañados por los Tres Genios y por la Flauta Mágica, cuyo sonido les protegerá y facilitará la búsqueda.
Al llegar al Templo donde está encerrada Pamina, Tamino se encuentra con Sarastro y los sacerdotes, quienes le invitan a incorporarse al grupo de los Elegidos. Para ello deberá pasar por la prueba del Silencio, del Agua y del Fuego. Con la ayuda de la Princesa, el Príncipe consigue su objetivo y logra vencer la superstición, la ignorancia y el mal.
THE MAGIC FLUTE, opera by W. A. Mozart. Directed by Miryam Singer at the Municipal Theatre of Santiago, performed in October 2014. Stage and costume design by Miryam Singer.
“Die Zauberflöte” is the story of Prince Tamino who, after being rescued from the jaws of a dragon by the Three Ladies of the Kingdom, meets Papageno, a bird hunter. The Queen of the Night asks the Prince and Papageno to leave in search of her daughter Pamina, who was kidnapped by Sarastro. During the trip they are accompanied by the Three Genies of the Magic Flute, whose sound protects them and aids in the search. When they arrive at the Temple where Pamina is locked up, Tamino comes face to face with Sarastro and the priests, who invite him to join the group of the chosen. They must now pass the tests of silence, water and fire. With the help of the Princess, the Prince achieves his aim and manages to conquer superstition, ignorance and evil.
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Felipe Olivares Sepúlveda
Licenciado en Artes con mención en Diseño Teatral de la Universidad de Chile. Junto a su compañía, Los Contadores Auditores, ha estrenado seis montajes como director y diseñador: “Karen, una obra sobre la gordura” (2007), “Los dinosaurios desaparecidos” (2010), “La tía Carola” (2011), “Cho, que en coreano significa hermoso” (2012), “Manual de defensa personal” (2013) y “Safari para divorciadas” (2014). En el 2013, escribe la obra “En busca del huemul blanco”, en la que también participa en la dirección y el diseño. En 2014, colabora como director en la Muestra de Dramaturgia Nacional con las obras “Hilda Peña”, de Isidora Stevenson y “La chica”, de Karen Bauer. Como diseñador, ha participado también de numerosos montajes con destacadas compañías y directores del país como “Amansadura”, de Pablo Manzi, “La chancha”, dirigida por Aliocha de la Sotta, “Campo”, dirigida por Isidora Stevenson, y “Acassuso”, dirigida por Omar Morán, obra por la que estuvo nominado al premio Altazor.
He graduated with a Bachelor of Arts, majoring in Theatre Design from the Universidad de Chile. Jointly with his company Los Contadores Auditores, he has premiered six theatrical works as director and designed: “Karen, una obra sobre la gordura” (2007), “Los dinosaurios desaparecidos” (2010), “La tía Carola” (2011), “Cho, que en coreano significa hermoso” (2012); “Manual de defensa personal” (2013) y “Safari para divorciadas” (2014). In 2013 he wrote the play “En busca del huemul blanco” in which he also colaborated in the direction and the design. In 2014, he acted as director in the National Dramaturgic Exhibition with the plays “Hilda Peña” by Isidora Stevenson and “La chica” by Karen Bauer.
As a designer, he has also participated in numerous theatrical works with featured theatre companies and directors from the around the country, such as “Amansadura” by Pablo Manzi, “La chancha” directed by Aliocha de la Sotta, “Campo” directed by Isidora Stevenson y “Acassuso”, directed by Omar Morán, for which the play was nominated for an Altazor prize.
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Felipe Olivares Sepúlveda
LA TÍA CAROLA , de Juan Andrés Rivera. Obra dirigida por Los Contadores Auditores. Estrenada en el Teatro El Puente en el año 2011. Una misteriosa profesora suplente llega a un exclusivo jardín infantil de niños superdotados para develar los secretos que este recinto esconde y que guardan estrecha relación con las más altas capas de poder en Chile. En su intento por sacar a la luz estas oscuras verdades, se enfrentará a un grupo de particulares niños que la harán tener revelaciones aún más extraordinarias. Parodia de la política chilena desde la ironía y la ingenuidad, arroja una mirada crítica de la contingencia nacional, haciéndonos reflexionar sobre el país a través de una hilarante historia llena de giros sorprendentes.
LA TÍA CAROLA, by Juan Andrés Rivera. Directed by Los Contadores Auditores. Premiered in the El Puente Theatre in 2011.
A mysterious substitute teacher arrives at an exclusive childcare center for extremely gifted children to unveil the secrets that this compound hides and the tight relationship it maintains with the highest heads of power in Chile. In her attempt to bring these dark truths to light, she encounters a particular group of children that will make her have even more extraordinary revelations. A parody of Chilean politics through irony and ingenuity, it sheds a critical light on the national contingency, making us reflect on the country though a hilarious story filled with surprising twists.
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Estudiantes Students
Corteza Crust
Proyecto CortezaCrust
Ana Luisa Campusano Torres, Diseñadora Teatral, Profesora Guía del Stand Estudiantes de la Cuadrienal de Praga 2015.
Ana Luisa Campusano Torres, Theatre Designer, Guide Professor of the Students Stand of the Prague Quadrennial 2015.
Colectivo de estudiantes de Diseño Teatral Facultad de Artes de la Universidad de Chile
El Proyecto Corteza es una propuesta visual sobre lo que significa vivir en un país sísmico, destacando los aspectos geográficos que caracterizan la corteza de nuestro territorio, transmitiendo esa perspectiva tanto desde lo estético como a partir de la experiencia personal y colectiva vivida en un sismo.
Poco a poco se apaga aquello y viene el gran silencio, una impresión de «obra cumplida», a la que no hay nada que agregar; un horrible abandono que nos trae la realidad y nos desata el llanto. No es otra cosa un terremoto, Y creo que es bastante. El hombre que habita la Tierra Inquieta debiera ser un hombre místico o desvergonzadamente pagano. Ahora bien, no vemos ni lo uno ni lo otro. Ni siquiera nos parece fatalista. Es un pueblo como todos los pueblos. Vive tranquilamente, ama, se alimenta y trabaja. Se diría que los terremotos son accidentes que les pueden ocurrir a otros, no a ellos. Hay una bendita inconsciencia que los protege y les permite ser felices como los demás. Es uno de los misterios que no entenderé nunca.
Benjamín Subercaseaux, Chile una loca geografía, 1954, p. 151.
Alejandro RojasDaniela Saavedra
Crust Proyet is a visual proposal about what it means to live in a seismic country, featuring the geographic aspects that characterize the crust of our land and conveying this perspective as both aesthetic and from the personal and collective lived experience during an earthquake.
Little by little it is turned off and then the grand silence comes, an impression of a “complete work”, to which there is nothing to add; a horrible abandonment that brings us reality, which releases the wailing. An earthquake is not just another thing, and I think that it is sufficient. The man that inhabits the Restless Land should be a mystic man or unabashedly pagan. In that case, we don t see one or the other. It doesn t even seem fatalist to us. These are a people like all other people. They live tranquilly, they love, they eat, and they work. It can be said that earthquakes are accidents that can happen to other, but not to them. There is a blessed unconsciousness that protects them and that lets them be happy like everyone else. It is one of those mysteries that I will never understand.
Benjamín Subercaseaux, Chile una loca geografía, 1954, p. 151.
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Belén Álvarez
Laura Zavala Tobías Díaz
El Proyecto Corteza, generado para el stand de estudiantes de la Convocatoria para la Cuadrienal de Praga 2015 (PQ2015), reunió para su concepción a un grupo de 10 estudiantes y una académica de la carrera de Licenciatura en Artes con mención en Diseño Teatral de la Universidad de Chile, desde marzo del 2014 hasta junio del 2015. Inicialmente el proyecto se configuró en base a conceptos e ideas que vinculaban la memoria, el habitar y, principalmente, una pregunta: ¿cuál podría ser esa especie de signo geográfico que circunda la cultura visual de la ciudad y que determina nuestra historia? Este cuestionamiento rondó nuestro imaginario durante un tiempo, provocando la aparición de los recorridos por la ciudad, la forma cómo y desde dónde la observamos, cómo reconocemos nuestro propio registro visual de la ciudad y, finalmente, cuál podría ser el hito geográfico que cruza nuestro habitar y cómo este activa nuestra memoria e imaginario histórico.
La respuesta encontró un lugar, la cordillera, pero también propuso un evento que se relevaba por sobre esta y que sin duda impregna nuestra cultura, condicionando nuestra sociabilidad y, sin duda, atravesando nuestra subjetividad: el terremoto, la ruptura violenta de la tierra.
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Se trata de nuestro habitar en medio de fallas geológicas y fracturas, de terremotos, maremotos y temblores. Una condición que nos remece y nos ha sido hablada como el «país de la tierra inquieta» –en palabras de Benjamín Subercaseaux–, y que sin duda constituye un «tema» insoslayable, un campo de acción y reflexión transgeneracional, simultáneamente genealógico y geológico.
Sonia Montecinos, Terre/mare/moto, Anales de la Universidad de Chile, 2011. 10.
Al aparecer este evento como el lugar desde donde partir nuestra investigación visual, identificamos como necesidad la construcción de una especie de mapa que considerase el territorio en términos geológicos, reconociendo de esta forma la corteza como la capa más delgada de la tierra, respecto de las otras. Su característica principal es albergar la irregularidad de las formas que observamos, imponiéndonos un mapa con sus fronteras concretas, sus límites, los cuales se modifican, intervienen y/o fracturan a través de la generación de los fenómenos físicos como los sismos, la erosión, los aluviones y otros eventos desplegados de forma brutal por la naturaleza.
En esta reconstrucción geográfica las respuestas a las preguntas se configuraron como una reflexión que puso en diálogo tanto los elementos formales de nuestra geografía cómo la traducción de las huellas o la pregnancia de los eventos o fenómenos desplegados con violencia por la naturaleza en nuestra subjetividad. Comenzamos a ingresar en la experiencia concreta que muchos de nosotros habíamos experimentado en estos eventos, pero también supimos establecer vínculos concretos con nuestra historia. Al parecer, la ruptura física que genera un terremoto, tenía también una significación en nuestro imaginario simbólico y cultural que nos determinaba a tal punto que nos significaba social y personalmente.
En la memoria de las personas un tsunami, o un terremoto grande, quedan marcados de por vida. Por lo tanto, de por vida tienden a ser evitados de aparecer en la memoria consciente.
Edmundo Covarrubias, Terre/mare/moto, Anales de la Universidad de Chile, 2011. 79.
Es como si nuestra geografía subjetiva de la realidad tuviese dos capas: una objetiva y clara, que nos guía en el habitar concreto, y otra, una capa interior no visible a simple vista, latente, significativa, de larga duración, que se suma a nuestra memoria, generando a la vez una imagen grupal y una vivencia personal que se ve marcada por la situación en la que se encuentra cada persona. Es
The Crust Project, created for the student stand for the Prague Quadriennial of Performance, Design and Space 2015, brought together for its conception a group of ten students and an academic from the Arts with a major in Theatrical Design from the Universidad de Chile, since March of 2014 until June of 2015. Initially, the project was configured on a base of concepts and ideas that linked memory, dwellings, and principally, a question: What could be the sort of geographic sign that surrounds the visual culture of the city and that determines our history? This questioning circled in our imagination for some time, leading to journeys throughout the city, the way in which and from where we observe it, and how to recognize our own visual register of the city, and finally, what could be the geographic landmark that crosses our dwellings and how this activates our memory and historical imaginary.
The answer found a place, the Andes cordillera, but also proposed an event that was revealed about it and without doubt permeates our culture, conditioning our sociability and, undoubtedly, passing through out subjectivity: the earthquake, the violent rupture of the earth.
It’s about our inhabitance in the middle of geologic faults and fractures, about earthquakes, tsunamis, and tremors. A condition that reminds us and that has been spoken of as “the country of the restless earth” – in the words of Benjamin Subercaseaux-, and that without doubt constitutes an inescapable “theme”, a course of action and cross-generational reflection, simultaneously genealogic and geologic.
Sonia Montecinos, Terre/mare/moto, Annales of the Universidad de Chile, 2011. 10.
Upon this event’s appearance as the place from which we were to conduct our visual investigation, we identified as a necessity the construction of a sort of map that would consider the territory in geologic terms, recognizing from this form the crust as the thinnest layer of the earth, in relation to the others. Its principal characteristic is its hosting of the irregularity of the formations that we observed, imposing upon us a map with its concrete borders, its limits, those which become modified, intervened or fractured through the generation of the physical phenomena like earthquakes, erosion, floods and other events that unfold in nature s brutal form.
In this geographic reconstruction, the answers to the questions are reconfigured as reflection that placed into dialogue our subjectivity towards the formal elements of our geography, like the translation of imprints or the occurrence of events or phenomena that unfold with violence by the forces of nature. We began to enter into the
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la memoria individual y social la que nos permite recrear un escenario histórico, sensorial y visual de los eventos climáticos que nos han afectado.
Lo que nos motiva es relevar este registro personal, experiencial, que no ha sido compartido, que no ha sido re-vivenciado, y señalar la temporalidad de nuestra inconsciencia de habitar el territorio que nos contiene y, a su vez, la consciencia de que eventualmente ese mismo lugar nos expone a una inestabilidad breve, potente y determinante. Aquel lugar mencionado desde la historia como los eventos de larga duración, aquel tiempo histórico correspondiente a las estructuras cuya estabilidad es muy grande y que tiene la finalidad de separar esa especie de momento histórico que resulta coyuntural y, sobre todo, perteneciente a los acontecimientos de nuestra cotidianeidad.
De esta forma el Proyecto Corteza se presenta como una reflexión y opinión generacional y visual en torno al cómo nos constituimos para habitar nuestra memoria, determinada por los límites y disposición del territorio, cuestión que finalmente se constituye como el lugar desde donde nuestra subjetividad se construye permanentemente, haciéndonos relevar y vincular eventos e instantes de nuestra historia que nos hacen reconocernos inestables y frágiles.
concrete experience that many of us had lived out in these events, but also we knew to establish concrete links with our history. Apparently, the physical rupture that generates an earthquake also had a meaning in our symbolic and cultural imaginary that determined us to a point that had both social and personal meaning.
In the memory of the people, a tsunami, or a large earthquake, remain as marked events for life. As such for life they tend to avoid appearing in the conscious memory.
Edmundo Covarrubias, Terre/mare/moto, Annales of the Universidad de Chile, 2011. 79.
It is as if our subjective geography of reality had two layers: one that is objective and clear, that guided us in our concrete dwellings, and another, an internal layer. Not visible by simply looking, latent, meaningful, of a long duration, that is added to our memory, generating at the same time a group image and a personal experience that is seen as impacted by the situation in which people find themselves. It is the individual and social memory that lets us recreate a historic scene, both sensory and visual, of the climactic events that have affected us.
What motivates us is revealing this personal, experiential record, that hasn’t been shared, that hasn’t been relived, and indicated the temporality our unconsciousness of inhabiting a territory that contains us, and in turn, the consciousness that eventually this place exposes us to a brief, potent, and determined instability. That place mentioned since history as events of long duration, that historic time corresponding to the structures whose stability is very large and that has the finality of separating this sort of history moment that turns out to be cyclical, and, above all else, pertaining to the happenings of our day to day life.
In this way, the Crust Project is presented as a reflection and generational and visual opinion around how we constitute inhabiting our memory, determined by limits and arrangement of the territory, a question that finally is constituted by the place where our subjectivity is permanently construed, making us reveal and link events and instants of our history that remind us to recognize ourselves as unstable and fragile.
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María José Valenzuela
Gabriela Torrejón Gloria Allendes
Juan Diego Rivas
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Tribus Tribes
Centrípeto Proyecto Selk’nam
Centripetal Proyecto Selk’nam
Centrípeto Centripetal
Loreto Monsalve Campos, Diseñadora Teatral de la Universidad de C hile, Máster en diseño de vestuario de Teatro, Cine y Ópera del Instituto Europeo di Design, Barcelona, España.
Loreto Monsalve Campos, Theatre Designer of the Universidad de Chile, Master in Theatre, Film, and Opera costume design from the Instituto Europeo di Design, Barcelona, Spain.
El proyecto “Centrípeto”, nacido de la unión de diversas disciplinas de la plástica en un solo trabajo en torno al diseño, es una experimentación en materiales y tejidos autóctonos chilenos aplicados al vestuario escénico y llevados al video performance, con el fin de llevar a la puesta en escena los vestuarios creados, dándole un sentido real y concreto a su carácter escénico, uniendo artesanía y tecnología.
Creado por la diseñadora teatral de la Universidad de Chile y máster en diseño de vestuario de teatro, cine y ópera del Istituto Europeo di Design de Barcelona, Loreto Monsalve, Centrípeto plantea la fusión de la escultura y el diseño de indumentaria escénica, usando como soporte material el mimbre y la crin aplicados a un volumen viviente, en movimiento, donde el tejido forma un ritmo hacia el cuerpo humano como eje central de esta indumentaria escultórica, creando una fuerza centrípeta.
Son cinco vestuarios con grandes y diversas volumetrías con un solo punto en común: los tejidos van hacia el cuerpo del intérprete, entendido como soporte y eje de la composición, creando un movimiento centrípeto.
El proyecto es un ensayo estético-práctico realizado por la autora, después de varios años de desarrollo en el diseño de vestuario escénico y de formación como artesana, utilizando como indumentaria sobre el cuerpo humano, fibras autóctonas representativas de la artesanía tradicional chilena aplicadas al vestuario escénico: el mimbre (rama de sauce) en bruto y refinado y el crin o pelo de caballo tejido (artesanía endémica de Chile).
The “Centripetal” project, born from the union of diverse disciplines of plastic arts in only one work centered on design, is an experiment in materials and indigenous Chilean fabrics applied to theatrical costumes and taken to video performance, with the aim of bringing the costumes to the theatrical stage, giving a real and concrete meaning to their scenic character, thereby uniting artisanal work and technology.
Created by Loreto Monsalve, the theatrical designer from the Universidad de Chile and expert in theatre, film, and opera costume design from the Istituto Europeo di Design in Barcelona, Centripetal poses the fusion of sculpture and design of stage costume design, using wicker and horsehair as material support for their application to a living volume, in movement, where the fabric forms a rhythm with the human body as a central axis of this sculpted costuming, thereby creating a centripetal force.
There are five costumes with large and diverse volumes but with only one point in common: the fabrics move towards the body of the actor, understood as a support and axis of the composition, creating a centripetal movement.
The project is an aesthetical-practical experiment created by the author, after several years of development in theatrical costume design and training as an artisan, utilizing indigenous fibers as fabrics on the human body that are representative of the traditional Chilean artisanal products then applied to stage costumes: wicker (willow branches) that is raw and refined and woven horsehair (endemic artisanship of Chile).
Centrípeto Centripetal
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Proyecto Selk’namThe Proyecto Selk’nam
Complejo Conejo es un colectivo artístico interdisciplinario integrado por Pedro Gramegna Ardiles, John Álvarez Esparza y Andrea Bustos Pizarro (estudiantes de Diseño Teatral de la Univ. de Chile), Josefina Cerda Puga (estudiante de Actuación Teatral de la Univ.de Chile) y Camilo Saavedra Rojas (Diseñador Teatral y académico del Departamento de Teatro de la Univ. de Chile), cuyo propósito es instalar la ficción en espacios públicos y privados por medio de intervenciones urbanas y performances.
Complejo Conejo is an interdisciplinary art group composed by Pedro Gramegna Ardiles, John Álvarez Esparza and Andrea Bustos Pizarro (Theatre Design students at Univ. de Chile), Josefina Puga Cerda (Theatrical Performance student at Univ.de Chile) and Camilo Rojas Saavedra (theatrical designer and Theatre Department academic at Univ. de Chile), whose purpose is to install fiction in public and private spaces through urban interventions and performances.
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“Proyecto Selk’nam” es una intervención urbana en el centro de Praga, creada por el Colectivo Complejo Conejo en el marco de la nueva categoría Tribus de la Cuadrienal de Praga 2015.
La intervención consiste en una exhibición en que la calle se transforma en galería y el cuerpo en el lienzo. El diseño se inspira en el registro fotográfico del pueblo Selk’nam y en su historia, la historia de un pueblo, extinto desde los inicios del siglo XX, que fue exhibido por Europa a finales del siglo XIX como parte de los zoológicos humanos.
Los vestuarios están concebidos como una representación de los espíritus del hain, rito de iniciación del pueblo Selk’nam. Los trajes reproducen las siluetas reconocibles de esta ceremonia mientras los cuerpos que los visten están de pie, inmóviles, pero, una vez en movimiento, el vestuario se activa revelando un cuerpo cortado que modifica su forma en la medida en que se exhibe. Estos “cortes” rompen la silueta del Selk’nam de la misma forma que los europeos hicieron con sus cuerpos y su cultura.
La obra principal de esta intervención es “La Caminata de los Espíritus”, peregrinación por el casco histórico de Praga que evoca no solo la misteriosa atmósfera de Tierra de Fuego, sino también el genocidio llevado a cabo por las compañías ganaderas y los colonos europeos que llegaron a explotar las tierras en la zona más austral del continente sudamericano.
Caminaremos como representaciones metafóricas de los Selk’nam, rememorando el pasado que los capturó para ser exhibidos en las jaulas de los zoológicos humanos, pero en esta oportunidad, caminaremos libres, bajo la forma de los espíritus.
The ”Proyecto Selk’nam” is an urban intervention in the centre of Prague, created by the Complejo Conejo Collective in the framework of the new Tribes category of the 2015 Prague Quadrennial.
The intervention consists of an exhibition in which the street transforms into a gallery and the bodies become the canvas. The design is inspired by the photographic record of the Selk’nam people and their history, the history of a people who have been extinct since the beginning of the 20th century, put on display in Europe at the end of the 19th century as part of a human zoo.
The costumes are designed as a representation of the spirits of the Hain, a rite of passage from the Selk’nam people. The suits imitate the ceremony’s recognizable silhouettes, while the bodies that wear them stand immobile. However, once in motion, the costume comes to live, revealing a cut up body that changes its physical form. These “cuts” break the Selk’nam silhouette in the same way that the Europeans did to their bodies and culture.
The main play in this intervention is “La Caminata de los Espíritus”, a pilgrimage through the historic quarter of Prague which not only lets you experience the mysterious atmosphere of Tierra del Fuego, but also the genocide carried out by the farming companies and the European colonizers that came to exploit the land in the southernmost area of the South American continent.
We will walk as metaphorical representations of the Selk’nam, reminiscing about a past where they were captured to be exhibited in the cages of human zoos, but this time we will walk freely, in spirit form.
© Fotografía, Padre Alberto De Agostini, Museo Maggiorino Borgatello de Punta Arenas-Chile Museo Nacional de la Montaña “Ducca degli Abruzzi”, Torino-Italia.
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Participaciones chilenas en la Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga Chilean participations in the Prague Quadrennial of Performance Design and Space
1967 – Countries SectionThe celebrated Chilean set designer Bernardo Trumper, jointly with the professionals Claudio Goeckler, Mario Tardito, Juan Carlos Castillo, Maya Mora and Edith del Campo participated in the first version of the Quadrennial in which our country was represented with the theme “The operas of Mozart”, exhibiting a series of designs created and inspired by the great Austrian composer.
1995 – Countries SectionFour Chilean set designers, Eduardo Jiménez, Germán Droghetti, Edith del Campo, and Ramón López presented the images, designs, and photographs of 32 national set design artists distributed in a pavilion with a tour through a large “territory” based in the floor of the pavilion, with a curtain as the ceiling.
1999 – Theatre Schools SectionChile is represented in the showing by the installation by students of the Universidad de Chile, consisting of a space composed of panels of copper that exhibited original designs and photographs of costuming, set designs, and lighting that had been created in diverse academic projects. The space was projected by Rodrigo Adaos, currently a designer and teacher, and the apparatus was produced by a team of students of Theatre Design from the University of Chile.
1999 – Homages SectionThe exhibition “Caminos Escenográficos: por la ruta de Bernardo Trumper” was presented by the set designer Edith del Campo, dedicated to the recently deceased master set designer. The showing consisted of a photographic collection of his work, including design plans and original mock-ups for theatre productions in which he worked in his extensive trajectory.
In this version Edith del Campo was invited by UNESCO and by the International Institute of Prague Theatre (ITI) to form part of the international judges of the Quadrennial.
Participaciones chilenas en la Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga Chilean participations in the Prague Quadrennial of Performance Design and Space
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1967 – Sección PaísesEl destacado escenógrafo chileno Bernardo Trumper, junto a los profesionales Claudio Goeckler, Mario Tardito, Juan Carlos Castillo, Maya Mora y Edith del Campo, participaron en la 1ª versión de la Cuadrienal en representación de nuestro país con el tema “Las óperas de Mozart”, exhibiendo una serie de bocetos creados e inspirados a partir de las obras del gran músico austríaco.
1995 – Sección PaísesCuatro escenógrafos chilenos, Eduardo Jiménez, Germán Droghetti, Edith del Campo y Ramón López, presentaron las imágenes, bocetos y fotografías de 32 artistas escénicos nacionales distribuidos en un pabellón con un recorrido a través de un largo “territorio” emplazado en el suelo del pabellón, con un telón de cielo.
1999 – Sección Escuelas de TeatroChile es representado en la muestra por la instalación de los estudiantes de la Universidad de Chile, consistente en un espacio compuesto por paneles de cobre que exhibían bocetos originales y fotografías de vestuario, escenografía e iluminación que habían sido realizado en diversos proyectos académicos. El espacio fue proyectado por Rodrigo Adaos, actualmente diseñador y docente, y el dispositivo fue producido por un equipo de estudiantes de Diseño Teatral de la Universidad de Chile.
1999 – Sección HomenajesSe presentó la exposición “Caminos Escenográficos: por la ruta de Bernardo Trumper”, de la escenógrafa Edith del Campo, dedicada al recientemente fallecido maestro escenógrafo. La muestra consistió en una recopilación fotográfica de su obra, incluyendo planos de diseño y maquetas originales para las producciones teatrales en las que trabajó en su extensa trayectoria.
En esta versión Edith del Campo fue invitada por la Unesco y por el Instituto Internacional de Teatro de Praga (ITI) para formar parte del jurado internacional de la Cuadrienal.
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2003 – Sección Escuelas de TeatroLa instalación “Proyecto Chile-Praga 2003”, Salón de Alumnos, que abordaba las relaciones entre la obra de diseño escénico como objeto artístico y como producto de consumo, fue seleccionada por la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile para participar en la muestra en representación de la Escuela. En su diseño, perteneciente a Sergio Valenzuela, coreógrafo, diseñador escénico y performer, el individuo urbano transita por espacios virtuales, transparentes, exponiéndose diariamente tras estas vitrinas. Desde la idea del producto envasado al vacío, la obra aplica este procedimiento a bocetos y fotografías de creaciones escénicas de los estudiantes, situando en un rincón del espacio, una pantalla con animaciones coloridas producidas artesanalmente.
2003 – Theatre Schools SectionThe installation “Proyecto Chile-Praga 2003”, Salón de Alumnos, that explored the relations between the set design work as an artistic object and a consumer product, was selected by the School of Theatre of the Universidad de Chile for participation in the showing of the representation of the School. In its design, belonging to Sergio Valenzuela, choreographer, set designer and performer, urban individuals transition through virtual transparent spaces, exposing themselves daily behind these glass displays. Stemming from the idea of the vacuum sealed product, the work applies this procedure to the designs and photography of set creation of the students, situated in a corner of the space with a screen of artisan-made, coloured animations.
“Reversible”, instalación del colectivo Sociedad Inmaterial, de los estudiantes de Diseño Teatral de la Universidad de Chile. Esta obra ganó el Premio Unesco 2007 para la Promoción de las Artes. “Reversible”, installation of the collective Sociedad Inmaterial, by students of Theatre Design at the Universidad de Chile. This piece won the 2007 UNESCO Prize for Promotion of the Arts.
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2007 – Sección Países“Purgatorio”, de Mauricio Celedón con diseño escenográfico creado por Eduardo Jiménez, resultó seleccionado como único artista chileno representante del diseño teatral nacional. La curatoría estuvo a cargo del académico y escenógrafo chileno Sergio Zapata, cuya propuesta se centró en un diseño de maqueta escenográfica a escala humana de la obra.
2007 – Sección Escuelas de Teatro“Reversible”, proyecto concebido y producido por el colectivo Sociedad Inmaterial, de los estudiantes de Diseño Teatral de la Universidad de Chile, a cargo de la académica María Teresa Lobos Rubilar, fue la instalación seleccionada por la muestra para esta sección. La obra planteaba un recorrido del espectador por un espacio interior y uno exterior, desde el cual se podía observar
2007 – Countries Section“Purgatorio”, by Mauricio Celedón, with set design created by Eduardo Jiménez, was selected as the only Chilean artist representing the national theatre design. The curation was conducted by the Chilean set designer Sergio Zapata, whose proposal was centered on a mock-up set design to human scale of the project.
2007 – Theatre Schools Section“Reversible”, a project conceived and produced by the collective Sociedad Inmaterial, of students of the Theatre Design of the Universidad de Chile, led by the academic María Teresa Lobos Rubilar, was the installation selected for showing in this section. The work presented a journey for the spectator through an interior and exterior space, from which one could observe the exhibit firsthand as a
voyeur, behind a spy glass. Visitors entered the interior, central space as if they were entering into a city, but upon arriving at the end they found themselves in a scene of the old rite of “vigil of the angel”, musicalized with songs by Violeta Parra and Víctor Jara.
This work won the 2007 UNESCO Prize for the Promotion of Arts.
2011 – Theatre Architecture SectionThe audiovisual projects “Boletos Gratis” (Free Tickets) and “Hyper Public” of the Chilean architects Rodrigo Tisi and Javier Rioseco and the artist Nicolás Rupcich, respectively, were the participating works in this version of the Quadrennial for this section. The first video showed images of the Chilean class “B” artist, which was taken in the street and which used the public space as a platform for its work. In “Hyper Public”, the visibility of various means of communication was presented, giving drama to some characters that form part of our popular culture.
2011 – Theatre Schools SectionThe students of the four levels of Theatre Design of the Universidad de Chile, of whom the academic Ricardo Romero Pérez acts as director, conceived, produced, and presented in the showing the project “Quiltrografía”, and installation in which the mongrel is a symbol of identity: bastard, mixed, vivacious, and errant. In countryside and in the city, street dogs are part of our daily landscape, and their silent presence has converted them in symbols of our popular culture. In this installation various artistic tools and techniques convene to create textures and spaces that reflect concepts of cross-breeding, abandonment, and absence. A look in the setting is modeled after that which an errant street dog would have: entrapping walls lined with graffiti, the interior of a demolished house, and the glass display of a store with cheap objects. The journey included also included a large colouring book image for the attendees and a passageway covered with artificial dog fur.
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al primero a modo de un voyeur, tras un vidrio espía. Se ingresaba al espacio interior y central como si se ingresara en una ciudad, pero al llegar al fondo se encontraba una escena del antiguo rito “velorio del angelito”, musicalizado con canciones de Violeta Parra y Víctor Jara.
Esta obra ganó el Premio Unesco 2007 para la Promoción de las Artes.
2011 – Sección Arquitectura TeatralLos proyectos audiovisuales “Boletos Gratis” (Cheap Tickets) e “Hyper Public” de los arquitectos chilenos Rodrigo Tisi y Javier Rioseco y el artista Nicolás Rupcich, respectivamente, fueron las obras participantes en esta versión de la Cuadrienal para esta sección. El primer video mostraba imágenes al artista chileno clase “B”, aquel que se toma la calle y usa el espacio público como plataforma para su trabajo. En “Hyper Public”, en tanto, se presentaba la visibilidad que los medios de comunicación le dan al drama de algunos personajes que forman parte de nuestra cultura popular.
2011 – Sección Escuelas de TeatroLos estudiantes de los cuatro niveles de Diseño Teatral de la Universidad de Chile, a cargo del académico Ricardo Romero Pérez, concibieron, produjeron y presentaron en la muestra el proyecto “Quiltrografía”, instalación en la que el quiltro es símbolo de identidad: huacho, mestizo, vivaracho, errante. En campos y ciudades, los perros callejeros son parte de nuestro paisaje cotidiano, y su presencia silenciosa los ha convertido en símbolos de nuestra cultura popular. En esta instalación confluían diversas técnicas y herramientas artísticas para crear texturas y espacios que reflejaran conceptos de mestizaje, abandono y ausencia. Una mirada del entorno como la que tendría un perro errante: muros intervenidos con grafitti, el interior de una casa derruida, la vitrina de una tienda de objetos baratos. El recorrido incluía, además, una gran imagen a colorear por los asistentes y un pasillo tapizado con pieles (artificiales) de perros.
2015 – Countries Section“The spectator paradox”, a set design piece created by the curator of the showing and theatre designed María Teresa Lobos Rubilar, will represent Chile in the PQ2015. The expository showing of the work of 14 set designers and 24 theatre, dance, and opera pieces will permit the visitor to journey through the happening of the last four years in this discipline in our country. The installation consists of a journey through the distinct scenic atmospheres of the Chilean theatre, which are organized as atmospheres of drama and colour.
2015 – Theatre Schools SectionFor this section, students of the Theatre Design major of the Universidad de Chile, led by the academic Ana Campusano Torres, created the “Crust Proyect”, a visual proposal about what it means to live in a seismic country. The piece seeks to feature the geographic aspects that characterize the crust of our territory, transmitting it from the aesthetic and the personal and collective lived experiences during a seismic event. The idea of historic and social memory is added, which permits us to produce historic scenery that is also sensory and visual, in a journey around and through a great central loom that houses a monolith containing symbolic elements from which testimonies of the cataclysmic experience will be shared.
2015 – Tribes SectionIn this new section of the Chilean showing, two projects are features: “Centripetal”, a performance showing the design of the human body as a support that poses the fusion of the sculpture and clothing design of the theatre, using wicker and horsehair as a material base applied to living volume, in movement: the human body, axis of this clothing sculpture. The piece seeks to create five characters that narrate their stories through a video created for each of them. The project was designed and carried out by Loreto Monsalve, theatre designer.
“Proyeto Selk’nam” is a performance consisting of a march of spirits of the Hain through the streets of the city of Prague, a representation of this Europe that marks a century since they were exterminated and captured to be exhibited on display. However, through this opportunity they walk freely beneath the form of spirits that protected their ancestors in the ritual of initiation (Hain). In the end, the journey of the spirits reveals a map that permits the spectators to appreciate the enormous distance between Tierra del Fuego and Prague. The piece, carried out by Complejo Conejo, a collective of students and graduates of the Theatre Design and Acting major of the Universidad de Chile, experiment with costuming, realized with burlap sacks and other noble material that contrast with the cuts of red velvet, utilizing natural hues closely resembling the body paint used in the Hain.
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2015 – Sección Países“La paradoja del espectador”, dispositivo escénico diseñado por la curadora de la muestra y diseñadora teatral María Teresa Lobos Rubilar, representa a Chile en la PQ2015. La muestra expositiva de la obra de 14 diseñadores escénicos y 24 obras de teatro, danza y ópera permite al visitante recorrer el acontecer de esta disciplina en los últimos cuatro años en nuestro país. La instalación consiste en un recorrido por las distintas atmósferas escénicas de teatro chileno, que se organizan como atmósferas dramáticas y de color.
2015 – Sección Escuelas de TeatroPara esta sección los estudiantes de Diseño Teatral de la Universidad de Chile, a cargo de la académica Ana Campusano Torres, elaboraron el “Proyecto Corteza”, propuesta visual sobre lo que significa vivir en un país sísmico. La obra busca destacar los aspectos geográficos que caracterizan la corteza de nuestro territorio, transmitiendo aquello desde lo estético y a partir de la experiencia personal y colectiva vivida en un sismo. Se suma la idea de memoria histórica y social, lo que permite producir un escenario histórico, sensorial y visual en un recorrido alrededor y a través de un gran telar central que alberga un monolito que contiene elementos simbólicos de quienes entregaron su testimonio de su experiencia del cataclismo.
2015 – Sección TribusA esta nueva sección de la muestra Chile concurre con dos proyectos: “Centrípeto”, performance en torno al diseño con el cuerpo humano como soporte, que plantea la fusión de la escultura y el diseño de indumentaria teatral, usando como soporte material el mimbre y crin aplicados a un volumen viviente, en movimiento: el cuerpo humano, eje de esta indumentaria escultórica. La obra busca crear cinco personajes que narran una historia en sí mismos a través de un video creado para cada uno. El proyecto fue diseñado y realizado por Loreto Monsalve, diseñadora teatral.
“Proyecto Selk’nam”, en tanto, es una performance consistente en la caminata de los espíritus del Hain por las calles de la ciudad de Praga, una representación de esa Europa que hace un siglo los exterminó y los capturó para ser exhibidos. Sin embargo en esta oportunidad caminan libres bajo la forma de los espíritus que protegieron a sus ancestros en el ritual de iniciación (Hain). Al final del recorrido los espíritus revelan un mapa que permite a los espectadores apreciar la enorme distancia entre Tierra del Fuego y la ciudad de Praga. La obra, realizada por Complejo Conejo, colectivo de estudiantes y egresados de Diseño Teatral y Actuación teatral de la Universidad de Chile, experimenta con el vestuario, realizado con arpillera y otros materiales nobles, los que contrastan con cortes que dejan ver el rojo de terciopelo, utilizando también tintes naturales cercanos a la pintura corporal utilizada en el Hain.
1999 - Sección Homenajes Exposición Escenográficos: por la ruta de Bernardo Trumper
Edith del Campo
1967 - Sección Países Las óperas de Mozart Bernardo Trumper, Claudio Goeckler, Mario Tardito, Juan Carlos Castillo, Maya Mora y Edith del Campo
1995 - Sección Países 32 artistas escénicos nacionales presentados por Eduardo Jiménez, Germán Droghetti, Edith del Campo y
Ramón López
1999 - Sección Escuelas de Teatro Instalación de los estudiantes de la Universidad de Chile Rodrigo Adaos
2003 - Sección Escuelas de Teatro Instalación Proyecto Chile-Praga 2003, Salón de Alumnos Escuela de Teatro de la Universidad de Chile y Sergio Valenzuela
2007- Sección Países Purgatorio, de Mauricio Celedón Eduardo Jiménez Curatoría a cargo
de Sergio Zapata
Participaciones chilenas
en la Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga
Chilean participations in the Prague Quadrennial of Performance Design and Space
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2007 - Sección Escuelas de Teatro ReversibleSociedad Inmaterial Curatoría a cargo de Maite Lobos Rubilar. Premio Unesco para la Promoción de las Artes
2011 - Sección Arquitectura Teatral Boletos Gratis (Cheap Tickets) Rodrigo Tisi Hyper Public
Javier Rioseco y Nicolás Rupcich
2011 - Sección Escuelas de Teatro Quiltrografía Diseño Teatral de la Universidad de Chile y Ricardo
Romero Pérez
2015 - Sección Países
La paradoja del espectador Maite Lobos Rubilar
2015 - Sección Escuelas de Teatro Corteza Diseño Teatral de la Universidad de
Chile y Ana Campusano Torres
2015 - Sección Tribus Centrípeto Loreto Monsalve
Proyecto Selk’nam
Complejo Conejo
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MINISTERIO DE RELACIONES EXTERIORES DE CHILE
Heraldo Muñoz ValenzuelaMinistro de Relaciones Exteriores Edgardo Riveros MarínSubsecretario de Relaciones ExterioresPablo Rodrigo Gaete VidalEmbajador de Chile en la República ChecaRodrigo Espinosa MartyDirector de Asuntos CulturalesDita Aguilera GrubnerováEncargada de Asuntos Culturales de la Embajada de Chile en la República ChecaPatricia Lobos AguirreCoordinación y Producción General. Encargada del Área de Teatro y Danza, Dirección de Asuntos Culturales.Constanza Rojas RodríguezCoordinación y apoyo logístico, Dirección de Asuntos Culturales.Rodrigo Garretón BeecheDiseño gráfico, Dirección de Asuntos Culturales
MINISTRY OF FOREIGN RELATIONS OF CHILE
Heraldo Muñoz ValenzuelaMinister of Foreign RelationsEdgardo Riveros MarínUndersecretary of Foreign RelationsPablo Rodrigo Gaete VidalAmbassador of Chile in the Czech RepublicRodrigo Espinosa MartyDirector of Cultural AffairsDita Aguilera GrubnerováCultural Affairs, Supervisor of the Embassy of Chile in the Czech RepublicPatricia Lobos AguirreGeneral Coordination and Production. Administrator, Theatre and Dance Area, Cultural Affairs BoardConstanza Rojas RodríguezCoordination and logistical support Cultural Affairs BoardRodrigo Garretón BeecheGraphic design, Cultural Affairs Board
NATIONAL COUNCIL OF CULTURE AND THE ARTS
Ernesto Ottone Ramírez Minister of the National Council for Culture and the Arts
Lilia Concha Carreño Under Secretary
Ramón Solís Muñoz Head of the International Affairs Unit
Gonzalo Marín Bianchi Head of Development of the Arts and Creative Industries
Francisca Maturana Fernández International Coordinator of Artistic Areas and Teams, International Affairs Unit
Natalia Vargas Arriagada Coordinator of the Theatre Unit
Soledad Poirot Oliva (CNCA) Art direction Aldo Guajardo Salinas (CNCA) Editor and editiorial producer
CONSEJO NACIONAL DE LA CULTURA Y LAS ARTES
Ernesto Ottone Ramírez Ministro Presidente del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes
Lilia Concha Carreño Subdirectora Nacional
Ramón Solís Muñoz Jefe de la Unidad de Asuntos Internacionales
Gonzalo Marín Bianchi Jefe del Departamento de Fomento de las Artes y las Industrias Creativas
Francisca Maturana Fernández Coordinadora Internacional de las Áreas Artísticas y Elencos, Unidad de Asuntos Internacionales
Natalia Vargas Arriagada Coordinadora del Área de Teatro
Directora de arte Soledad Poirot Oliva (CNCA) Editor y productor editorial Aldo Guajardo Salinas (CNCA)
SECCIONES
Sección ProfesionalLa paradoja del espectador Curatoría: María Teresa Lobos Rubilar Producción técnica Sección: Andrés Poirot Vilamitjana
Sección Estudiantes Proyecto Corteza Profesora Responsable: Ana Luisa Campusano Torres Sección Tribus Proyecto Centrípeto Loreto Monsalve Campos
Proyecto Selk’nam Colectivo Complejo Conejo
CoordinaciónPatricia Lobos Aguirre (Dirac), Francisca Maturana Fernández (CNCA), Natalia Vargas Arriagada (CNCA)
TraducciónContactChile Comunicaciones S.A.
© Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, 2015
© Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, 2015
Registro de Propiedad Intelectual Nº253.778
ISBN (papel): 978-956-352-120-7
ISBN (pdf): 978-956-352-121-4
www.cultura.gob.cl
www.dirac.gob.cl
Se autoriza la reproducción parcial citando la fuente correspondiente.
Tiraje 2000 ejemplares Primera ediciónImpresión: Quad/Graphics Chile S.A.
2015
SECTIONS
Professional SectionThe spectator paradox Curatorship: María Teresa Lobos Rubilar Section technical production: Andrés Poirot Vilamitjana Students Section Crust Project Responsable Teacher: Ana Luisa Campusano Torres
Tribes Section Centripetal project Loreto Monsalve Campos
Proyecto Selk’nam Colectivo Complejo Conejo
CoordinationPatricia Lobos Aguirre (Dirac), (Dirac), Francisca Maturana Fernández (CNCA), Natalia Vargas Arriagada (CNCA)
TranslationContactChile Comunicaciones S.A.
© National Council of Culture and the Arts, 2015
© Cultural Affairs Board of the Ministry of Foreign Relations, 2015
Intellectual Property Registration Nº 253.778
ISBN (paper): 978-956-352-120-7
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www.cultura.gob.cl
www.dirac.gob.cl
Partial reproduction citing the corresponding source is authorized. Edition
2000 copies.
First editionPrinting: Quad/Graphics Chile S.A.
2015
Agradecemos especialmente por su apoyo en la realización de este envío a:
Dita Aguilera, Claudia Barattini, Ana Elodia Castro, Lucía De la Maza, Edith Del Campo, Catalina Devia, Germán Droghetti, Paula Flores, Felipe Hernández, Soledad Hernández, Christopher Morales, Magdalena Moreno, Alejandra Ortega, Igor Pacheco, Gloria Pino, Juan Andrés Rivera, Guido Reyes, Andrea Serrano, Mario Soto, Rocío Troc, Sergio Valenzuela, Angélica Valderrama, Katiuska Valenzuela, Asociación Nacional de Diseñadores Escénicos, Fundación Imagen de Chile, Mesa Asesora de Diseñadores Escénicos Convocada por la Dirac, Unidad de Extensión del Departamento de Teatro y Vicerrectoría de Investigación y Desarrollo de la Universidad de Chile.
We would like to thank the following people, especially for their support in the production of this shipping:
Dita Aguilera, Claudia Barattini, Ana Elodia Castro, Lucía De la Maza, Edith Del Campo, Catalina Devia, Germán Droghetti, Paula Flores, Felipe Hernández, Soledad Hernández, Christopher Morales, Magdalena Moreno, Alejandra Ortega, Igor Pacheco, Gloria Pino, Juan Andrés Rivera, Guido Reyes, Andrea Serrano, Mario Soto, Rocío Troc, Sergio Valenzuela, Angélica Valderrama, Katiuska Valenzuela. National Association of Scenic Designers, Fundación Imagen de Chile, Scenic Designers Advisory Committee convened by Dirac, Department of Theatre Extension Unit and Vice-Rector of Research and Development at the University of Chile.
