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CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LAS MÚSICAS MODERNAS. Llamaremos aquí músicas modernas o música popular moderna a aquellos estilos relacionados con el rock y el pop que monopolizan el sonido de las emisoras comerciales y que identifican en torno a ellos a sectores significativos de la juventud de nuestro tiempo. Estos estilos muestran grandes diferencias entre ellos tanto desde el punto de vista sonoro como desde el sociológico. Son evidentes las diferencias entre el pop romántico, el heavy metal o la música disco, por ejemplo. Diferencias que se ven tanto en el tipo de sonido como en el tipo de personalidad de quienes las escuchan. Lo que queremos destacar aquí no son esas diferencias, sino precisamente los elementos comunes que también son muchos. Veremos cómo, pese a la aparente diversidad, estos estilos comparten una gran cantidad de procedimientos musicales debido a su origen común en el blues.

1- Los instrumentos: Uno de los aspectos más llamativos de cualquier estilo de música es la instrumentación, que determinará en gran parte, su sonido. La cantidad y variedad de instrumentos, y de sonoridades que pueden sacarse de ellos es inmensa. De todos ellos las músicas modernas usan asombrosamente pocos. Formación instrumental básica: La formación básica de todos estos estilos (excepto los de música electrónica) está formada tan solo por cuatro instrumentos, que además siempre realizan las mismas funciones:

• La batería: No puede faltar en ningún grupo ya que, como veremos, su papel rítmico es fundamental.

• Dos guitarras: que aunque sean iguales adoptan dos papeles diferentes: - La guitarra rítmica: Se encarga de los acordes que rellenan el sonido

y definen la armonía. - La guitarra melódica: Se encarga de los punteos melódicos, que

pueden ser tanto solistas como acompañar a la melodía vocal. • El bajo eléctrico: su función es la de realizar una contramelodía en el

registro grave que se contraponga a la principal. Como vemos la batería es un instrumento de percusión. Las guitarras y el bajo, aunque son instrumentos melódicos también tienen cierto carácter percusivo, lo que conviene al carácter rítmico de estas músicas. La amplificación de las guitarras y el bajo puede ser acústica o eléctrica. La amplificación acústica tiene un sonido más suave y natural y se aplica en los estilos más suaves y melódicos. La eléctrica es más agresiva y tiene la ventaja de que puede ser manipulada mediante la aplicación de efectos. Así con una guitarra eléctrica podemos conseguir sonidos parecidos a los de la acústica pero también sonidos distorsionados, o con efectos de chorus, acordes, ecos etc. Esta formación instrumental es la generada en el blues urbano en los años 40 del SXX.

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Los teclados También es muy habitual el uso de teclados en la elaboración de estas músicas. Las posibilidades musicales de los teclados permiten que con ellos se pueda sustituir la función de cualquiera de los instrumentos vistos (excepto, lógicamente la batería). Por su tesitura pueden sonar tanto en el registro grave del bajo como en el agudo de las guitarras. Además sus posibilidades armónicas son mayores que las de la guitarra con lo que también puedes hacer la función de la guitarra rítmica. A lo largo de la historia de estas músicas se han utilizado tres tipos de teclados:

• El piano: Es un instrumento de cuerda percutida que tiene un gran carácter rítmico. Llega a estas músicas a través del jazz y el blues. Se usa mucho en el rock de los 50. Actualmente está presente en cierto tipo de pop romántico usándose en este caso como un instrumento más armónico y melódico que ritmico.

• El sintetizador: También llamado órgano electrónico, es el primen tipo de teclado electrónico que se ha usado en estas músicas. Lo populariza el grupo de rock psicodélico The Doors. Su tipo de emisión de las notas (no percusivo) lo hace apropiado para crear ambientaciones sonoras y para la elaboración melódica, más que rítmica. En ellos el sonido lo produce una onda generada electrónicamente que puede ser manipulada para transformarla en diferentes timbres. Esos timbres pueden imitar instrumentos ya existentes o más habitualmente ser totalmente nuevos. Por sus características más melódicas estos instrumentos se usan sobre todo en el pop, teniendo su mayor desarrollo en el tecno pop de los años 80.

• Sampler: Samplear significa “muestrear” informáticamente. Estos instrumentos toman una muestra de un sonido cualquiera y varían su frecuencia para conseguir a partir de él todas las notas de la escala. Posteriormente esas notas pueden ser usadas para la elaboración musical. De ese modo con los samplers se puede reproducir con calidad digital el sonido de cualquier otro instrumento. Sus enormes posibilidades tímbricas hacen que, desde los años 90 sean uno de los instrumentos más utilizados en estas músicas. Además de controlarse desde teclados, los samplers también pueden utilizar otros dispositivos como ordenadores (habitual en la música electrónica), flautas y guitarras MIDI etc.

Las cajas de ritmos En algunos estilos de música electrónica la batería ha sido sustituida por las cajas de ritmos. Son dispositivos electrónicos que usan sonidos sampleados y que se controlan desde un ordenador mediante algún programa informático. Normalmente generan los sonidos típicos de las baterías y, ocasionalmente añaden algún otro sonido exótico (sirenas, campanas…)

Se usaron mucho en el tecno-pop y ahora se utilizan en la música disco y derivados del rap y hip-hop.

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Otros instrumentos Además de los instrumentos vistos es posible, aunque no habitual, el uso de otros en estas músicas. Esto suele hacerse en tres contextos diferentes:

• En estilos de fusión: Se llaman así a los estilos musicales que mezclan procedimientos musicales de otros. Muchos estilos de música moderna han surgido de fusiones y combinan los instrumentos vistos con otros que proceden de los estilos musicales con los que se mezclan. De este modo encontramos flautas y violines en folk rock, guitarra española en flamenco pop etc.

• Para crear ambientaciones sonoras: Se usan instrumentos que provienen de la música clásica sobre los que se desarrollan las melodías. Los Beatles fueron los primeros que utilizaron instrumentos de orquesta en este sentido, llegando su su a su máxima expresión en el rock sinfónico.

• Por búsqueda de originalidad: algunos grupos buscan conseguir un sonido original y característico con el uso de instrumentos poco habituales. Un claro ejemplo de esto es Jetrho Tull, que consigue que la flauta, un instrumento esencialmente melódico se integre perfectamente en el estilo rock.

2- Las voces Los temas musicales en estos tipos de música son casi en su totalidad canciones. El estilo de emisión vocal es muy variable. El blues suele utilizar un tipo de voz áspera y quebrada que está muy en relación con el tono melancólico de esta música. Este tipo de voz está muy en relación con la del jazz. Al ser dos estilos afroamericanos es habitual referirse a este tipo de voz como “voz negra”. Este tipo de voz ha sido muy imitado en estilos musicales posteriores. El pop suele usar una emisión de voz relajada y natural en consonancia con su búsqueda de sonoridades suaves. El rock busca sonidos más duros también en la emisión vocal. Las voces son forzadas y guturales (emisión de garganta). En esta guturalidad hay un gradiente desde el rock melódico más suave (tipo “La Fuga”), hasta el heavy metal (voz de AC/DC), o las voces extremas del metal más radical. 3- Los ritmos En cuanto al tempo estas músicas tienden a pulsos rápidos, sobre todo en los estilos más duros, pero esto es un aspecto muy variable. Lo que más llama la atención es que usan de forma casi absoluta el compás de 4/4 que es el del blues. Los ritmos suelen estar animados por un efecto que también se da en el blues y que se llama sincopación. Consiste en la acentuación de tiempos débiles para crear una mayor sensación de movimiento rítmico. También es frecuente establecer conflictos rítmicos entre un bajo que acentúa con el compás y una melodía que lo hace en tiempos débiles (síncopas). Esto es sobre todo patente en el rock y deriva de los polirritmos de la música africana que influyen en la formación del blues.

4- Las melodías

Este es uno de los aspectos más variables de estas músicas. En los estilos de pop será un elemento muy cuidado e importante, mientras que en los de rock estará supeditada a los ritmos y los mensajes de los textos.

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En general se construyen sobre las escalas mayores y menores típicas de la música clásica occidental, siendo esto especialmente frecuente en el pop. El rock usa frecuentemente, sobre todo en las partes instrumentales, la escala de blues. Esta es una escala de origen africano característica del estilo musical que le ha dado su nombre. Los estilos de fusión utilizan también escalas que provienen de otros tipos de músicas. El flamenco-pop usa escalas andaluzas, el folk-rock utiliza el modo mixolidio característico de la música de Escocia e Irlanda, el Rai usa escalas norteafricanas etc. Todo lo relativo al fraseo melódico lo trataremos en el siguiente apartado dedicado a la forma musical.

5- La forma musical La música derivada del pop y el rock suele usar un tipo particular de forma estrófica que combina secciones vocales con otras puramente instrumentales. Secciones vocales Tienen dos secciones de este tipo: las estrofas y los estribillos. Estas se distinguen claramente tanto por su función musical como narrativa.

• Las estrofas tienen una función fundamentalmente narrativa, en ellas avanza la acción y el texto prevalece sobre la melodía. Muchas veces, a nivel melódico, esta sección se reduce a un simple recitado.

• Los estribillos son aquellas secciones en las que se repite tanto la música como el texto. En ellos la acción se detiene, en general el texto hace referencia a algún aspecto significativo del carácter de la canción. La música, sin embargo, gana importancia. Las frases musicales se hacen más amplias tanto en longitud con en tesitura (usan más notas) y se hacen más pegadizas, ganando en interés musical.

Las estrofas y los estribillos se pueden alternar de distinta manera en diferentes canciones (estrofa-estribillo, dos estrofas-estribillo…). Secciones instrumentales Suele haber también dos tipos de secciones instrumentales.

• Una introducción, normalmente corta en la que se plantea el acompañamiento. En el rock, normalmente suele presentarse el riff del tema, que es un motivo melódico que se repite a lo largo de todo el tema y que suele estar presente el bajo. Esta introducción o alguna variante de la misma se puede repetir varias veces a lo largo de la canción.

• Un solo, en el que un instrumento (normalmente una guitarra) elabora una melodía principal improvisada o en estilo improvisado, sobre la base rítmica y armónica de los demás instrumentos. Los solos tienen más desarrollo en los estilos de rock que en el pop y derivan de las complejas improvisaciones de los solos del blues.

6- La armonía En principio las armonizaciones siguen con sencillez las pautas de la armonía clásica presentes en la música europea desde el siglo XVII. Las progresiones de acordes son sencillas y están siempre al servicio de clarificar el fraseo melódico. Esto unido a la casi

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ausencia de modulaciones hace que muchas canciones se armonicen tan sólo con tres o cuatro acordes diferentes. El blues y los estilos de rock más vinculados con él suelen usar acordes disonantes ya que estos son más inestables. Gran parte del impulso rítmico especial del blues viene dado por que introduce sistemáticamente alguna disonancia en cada acorde (usa acordes de 7ª). 7- Los textos Al tratarse de música vocal las canciones tienen que estar necesariamente vinculadas a textos. El carácter de los textos es muy variable, estando en función de lo que cada estilo musical quiere transmitir. Por tanto este es uno de los aspectos más variables de estas músicas teniendo mucho que ver con la intención social de las mismas. Dividiremos los tipos de letra en dos grandes tipos:

• Sin compromiso social: Dado el carácter comercial de estas músicas muchas de ellas no pretenden ningún cambio social. La idea es hacer una música que no sea ni crítica ni molesta con el funcionamiento del sistema sociopolítico imperante. Este tipo de música, como en pop, la música disco o el rock comercial tratarán por tanto temas neutros. El más utilizado es el amor tratado con enfoques más o menos sentimentales y románticos, ya que es una de las grandes preocupaciones de la juventud de todas las épocas. También abundan temas frívolos y desenfadados que incitan a la diversión o a vivir la vida sin preocupaciones.

• Socialmente comprometidas: Otro de los eternos motivos juveniles es el de la rebeldía, y la música ha sido siempre un buen medio para expresarla. Esta puede ir desde una simple petición de libertad o autonomía personal a exigir cambios sociales profundos o propuestas políticas revolucionarias. La mayor parte de estos estilos musicales expresan la rebeldía desde la provocación. Para ello usan palabras fuertes o malsonantes. También tratan temas tabú (inaceptables desde las convenciones sociales) como el sexo, las drogas, el nazismo, el satanismo, apologías del asesinato, insultos blasfemos etc. Las puestas en escena y hasta la forma de vestir de músicos y seguidores también busca frecuentemente distinguirse de lo socialmente aceptado y provocar. Otros estilos combinan su carácter provocador (o lo sustituyen) con críticas sociales más o menos razonadas y propuestas de cambio. Entre estos encontramos el punk y la canción protesta generada por el movimiento hippie.

Gran parte de los grupos musicales e incluso muchos de los estilos experimentan una evolución desde posiciones socialmente críticas hacia otras más conformistas. Esto viene dado por la presión que sobre ellos ejercen las casas discográficas. El proceso suele ser siempre el mismo. Cuando el grupo comienza a tener renombre firma un contrato con una discográfica que le lanza hacia el éxito comercial. Por no perder ese éxito y los beneficios económicos que conlleva el grupo cede al tratamiento de música y textos que le imponen los intereses comerciales de la discográfica con la que firmó. De esta forma las casas discográficas han llegado a controlar el rumbo de estilos musicales enteros como el rock & roll de los ’50. Otros intérpretes, tienen su éxito creado desde el principio por las casas discográficas. Esto es espacialmente común en el pop romántico y electrónico.

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EL BLUES

1- Contexto social

Aparece a finales del SXIX, junto con un grupo de estilos musicales muy relacionados en el seno de la comunidad negra estadounidense. Estas comunidades eran especialmente importantes en el sur del país, donde fueron llevados desde el occidente africano, para trabajar como esclavos en los grandes latifundios agrarios. Tras la guerra civil norteamericana se suprime la esclavitud pero las condiciones laborales siguieron siendo miserables para ellos. En los estados del sur, donde surge el blues incluso se siguen manteniendo las leyes segregacionistas. Por ello pese a su libertad nominal sus condiciones de vida no cambiaron demasiado. El blues nace como medio de expresión de esa gente. Sus textos tratan temas de marginación, alcohol, cárceles, prostitución… El carácter general de esta música es lento y melancólico. La propia palabra blues en dialecto americano significa tristeza.

2- Orígenes del blues Musicalmente el blues fusiona dos tipos de músicas muy diferentes pero complementarias

• La música africana: Llevada a América por los esclavos procedentes en su inmensa mayoría de las culturas Congo y Yoruba de África occidental. Es fundamentalmente rítmica. Casi todos sus instrumentos son de percusión. En ella siempre está presente la improvisación, las melodías están formadas por pequeños motivos que se repiten y varían constantemente. Usa frecuentemente polirritmos. Uso de escala de blues

• La música de origen europeo: Proviene sobre todo de Irlanda y Escocia. Debido a la migración masiva hacia América de gentes procedentes de esos países. Es fundamentalmente melódica, las melodías son amplias y bien estructuradas. En general se usan formas estróficas para las canciones y formas de danza para la música instrumental. Tiene una armonía compleja al servicio de acompañar y embellecer las melodías. Esta música llegó a América de la mano de los colonizadores europeos y se conservó sin muchos cambios en algunas zonas del continente. En otras evolucionaron a partir de ella estilos propiamente norteamericanos. Los dos estilos rurales norteamericanos, de origen europeo, que influyen en el blues son el country y el bluegrass.

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3- La fusión entre la música europea y africana a en América

En Norte América la cultura anglo-sajona dominante reprime todas las manifestaciones culturales africanas. Particularmente la música que en África estaba muy vinculada religiones paganas y animistas. Por ello los esclavos y sus descendiente se ven obligados a hacer música europea, pero introduciendo en ella concepciones musicales africanas. Sobre todo:

- La importancia del ritmo sobre los demás elementos musicales. - Las síncopas, que derivan de los polirritmos. - El gusto por la improvisación

Surgen así varios estilos de fusión afroamericanos: a) El góspel o espirituales negros:

En la que se fusionan los elementos de origen africano vistos con música religiosa europea. Sobre todo con los corales protestantes. Muchos vocalistas negros de música funk, como Tina Turner iniciaron sus carreras musicales como cantantes de góspel.

b) El jazz: Este estilo es de procedencia urbana. Fusiona la música africana con música de banda, muy popular en la cultura norteamericana. Por eso usan muchos instrumentos de viento típicos de esta formación: saxo, clarinete trombones… De todos los estilos afroamericanos es el que más ha desarrollado las técnicas de improvisación. Tanto melódica como rítmica.

c) El ragtime: Surge a partir de la música para piano de salón. En el SXIX se hicieron muy populares en Europa pequeñas formas para piano que seguían esquemas derivados de danzas como valses, polonesas etc., cuyo máximo exponente fue Chopin. El ragtime mantiene esos esquemas, pero con un sentido rítmico de origen típicamente africano. El compositor de ragtime más conocido es Scott Joplin.

d) El blues: Deriva de los estilos rurales norteamericanos (country y bluegrass) y es el estilo que estamos viendo ya que es la génesis de todos los estilos de música moderna.

Todos estos estilos se influyen mutuamente ya que sus músicos tienen la misma procedencia. De este modo encontramos características de cada uno de estos estilos en los demás.

4- Características musicales

Como ya hemos visto la mayor parte de las características que comparten las músicas modernas tienen su origen en el blues. Instrumentación: utilización de guitarras acústicas y con el tiempo, eléctricas. También aparecen frecuentemente otros instrumentos como armónicas, banjos o por influencia de otros estilos afroamericanos, batería, piano e instrumentos de banda. Voces: El uso de voces desgarradas, ligeramente guturales es muy característico del blues así como del jazz. La emisión vocal busca un timbre especial que frecuentemente recibe la denominación de “voz negra”.

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Ritmos: Utiliza preferentemente ritmos lentos en compases que siempre son de 4/4. El impulso rítmico viene determinado por las síncopas, que establecen un conflicto rítmico entre el bajo y la melodía a la manera de otros estilos afroamericanos. Forma musical: formas estróficas con las características vistas en el apartado dedicado a “características generales de las músicas modernas” Melodías: Son sencillas en las estrofas complicándose en las secciones instrumentales de los “solos” en las que se elaboran según las características de la música africana. Se construyen sobre escalas de blues. Armonía: Es el aspecto musical que más caracteriza a este estilo frente a otros. Todo el plan armónico está basado en una secuencia de acordes fija que se repite cada doce compases teniendo en cuenta que cada cuatro encaja una frase melódica. Estos acordes son I- IV- I- V –IV- I en cada uno de los acordes se incluye una disonancia que genera inestabilidad y potencia el movimiento rítmico. A esa disonancia se le suele llamar “nota de blues”.

5- Evolución del blues El blues parte de ser un estilo acústico y rural pasando a convertirse en otro eléctrico y urbano de sonido mucho más moderno. Se considera que esto ocurre en dos etapas.

a) Blues rural: Surge en los pueblos del sur. Es totalmente acústico. Su instrumento principal es la guitarra acústica. Musicalmente es muy sencillo, pero contiene todos los elementos que tendrá el blues posterior y que ya hemos visto en el apartado anterior.

b) El blues urbano: A partir de los años 30 empieza a haber una fuerte emigración desde las zonas agrarias del sur a las ciudades Industriales del norte (Chicago, Boston…) allí el sonido del blues cambia por dos motivos: Recibe una importante influencia el jazz por lo que las improvisaciones se hacen más complejas y se introducen instrumentos como el piano y la batería. Se desarrollan amplificaciones eléctricas para las guitarras y los bajos.

La diferencia más evidente entre los dos estilos está, por tanto en la instrumentación: la batería y los instrumentos eléctricos pertenecen al blues urbano. Y será esta instrumentación la que marque todo el desarrollo de la música moderna posterior

6- Intérpretes destacados Dentro del blues rural se puede destacar a Robert Johnson que fue un famoso guitarrista y cantante de quien se llegó a decir que había vendido su alma al diablo para conseguir tocar mejor que nadie. Su estilo influyó mucho en guitarristas posteriores como Jimmy Hendrix, Neil Young o Erick Clapton, quien opina que es el mejor músico de blues que ha existido.Junto con Blind Willie Johnson fue el gran maestro de la guitarra “slide”. En el blues urbano destaca B.B. King, que es uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos.

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7- El rithm & blues (R&B)

Es un subgénero derivado del bules que muchos consideran un estilo aparte. Consiste en un blues acelerado por influencia del “boogie boogie” (un blues rápido para piano). Tambien recibe la influencia creciente del jazz con largas secciones instrumentales improvisadas. Prácticamente todos los intérprete de blues hacen también R&B, destacando B.B. King. Tambien son importantes dentro del estilo intérpretes de rock & roll como Chuck Berry o de rock como Jimmy Hendrix. EL ROCK & ROLL

1- Contexto social El rock & roll es un tipo de blues acelerado que se pone de moda entre la juventud blanca norteamericana de los años 50. Desde 1946, tras la segunda guerra mundial, Estados Unidos se había erigido como primera potencia mundial desde el punto de vista económico y militar, solo contrarrestada en el mundo por la influencia soviética. Como consecuencia triunfan los valores de la sociedad americana tradicional que eran muy conservadores a nivel político, muy religiosos desde el punto de vista de la moral y clasistas y racistas desde el punto de vista social. A principios de los años 50 surge un movimiento juvenil entre la población blanca crítico con los valores socialmente aceptados que ha pasado a la historia con el nombre de “generación beat”. Una de las formas de lucha contra esos valores fue la provocación. Un elemento muy provocador en este contexto, fue el hecho de que jóvenes blancos escuchasen tocasen y bailasen música que era considerada exclusiva de los negros. Esto atrajo a los miembros de la generación beat hacia los sonidos del blues. Comienzan a aparecer por lo tanto, grupos de blues formados íntegramente por jóvenes blancos, pero entre este blues, que pasaría a llamarse rock n’ roll, y el de la comunidad negra pronto aparecen también las diferencias. La juventud blanca norteamericana no se enfrentaba en absoluto a los mismos problemas sociales que los afroamericanos. Ellos vivían en una sociedad en crecimiento económico donde todo invitaba al optimismo. Pese a su descontento con los valores conservadores a los que hemos hecho referencia, no tenían ninguna intención de rebelarse. Lejos de pensar en problemas futuros o sociedades más justas su interés principal era divertirse mientras fuesen jóvenes e integrarse en el sistema cuando dejasen de serlo. La sociedad les prometía una vida de casa con jardín, familia, dos coches, trabajo en la oficina…Inevitablemente esto traería cambios en su música.

2- Orígenes Las emisoras de radio americanas, tuvieron un papel esencial para el conocimiento del blues y el rithm & blues por público blanco. Fue un locutor de uno de estos programas llamado Allan Freed el primero que utilizó el término rock & roll, para referirse a este estilo musical. Esta expresión, que tenía ciertas connotaciones sexuales, era ya de uso frecuente en los textos de estas músicas

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3- Características musicales Desde un punto de vista musical el rock n’roll es mantiene todas las características del blues urbano, pero con un ritmo más acelerado, procedente del “boogie boogie”. Este era un estilo de blues muy rápido que se interpretaba con piano y que influyó decisivamente en los pianistas de rock n’ roll. Gran parte de los temas de rock ‘n roll popularizados por los músicos blancos, eran en realidad versiones de canciones de blues. Dado que esta música iba dirigida a la juventud blanca (cuya situación social era tan diferente de la que había originado en blues) el carácter general de esta música se hizo mucho más frívolo. Se huye de la tristeza melancólica del blues y se decanta por los ritmos bailables. Los sonidos son menos desgarrados y más nítidos, cosa que se aprecia sobre todo en las voces, que ya no serán las típicas “voces negras” del blues. También deja de usarse la guitarra “slide” que permite una mayor expresión emocional, pero dificulta la velocidad. Los textos pierden el componente de protesta y desesperación. Dejarán también los temas típicos de marginación social. Se cambia el sentido de estos en las versiones de temas de blues. Ahora preferirán frivolidades que reflejan un mundo sin problemas aparentes centrado en la búsqueda de diversión. Muchos textos no tendrán sentido en absoluto, usándose tan solo como soporte de la canción. Como ejemplo podríamos poner la canción de Little Richard “Aunam ba baluba Balam bam bu, tutti fruti oh yeah...” Dado que el rock n’ roll se dirige al la población blanca, acostumbrada a la música melódica también introduce desde sus inicios el uso de baladas. En ellas predominan los elementos melódicos en la línea de la música ligera de la tradición europea. 2- Desarrollo del rock n’ roll El escándalo que supuso que la juventud blanca interpretase este estilo de música, y la presión que las autoridades pusieron en su contra, fue precisamente lo que hizo que resultase atractivo a un número cada vez mayor de personas. Esto hizo que acabase por ponerse de moda y convertirse en un fenómeno de masas. El éxito del rock n’ roll hizo que en pocos años comenzase a sufrir la presión de una influencia extramusical: la de las casas discográficas. Las casas discográficas eran compañías comerciales que poco tiempo atrás habían comenzado el negocio de la grabación y distribución al gran público de música en formato de disco. Dado el interés suscitado por este nuevo estilo se lanzaron a la venta masiva de discos de rock n’ roll aprecios asequibles, pero manteniendo amplios márgenes de ganancia. Para publicitarlas utilizaron las emisoras de radio mediante un sistema denominado “radio fórmula”. Consistía en la creación de emisoras dedicadas en exclusiva al rock ‘n roll, en las que se elaboraba una lista de éxitos. Los primeros puestos de la lista promocionaban radiándolos más veces. En España la primera radio de este tipo fue “Los 40 principales”. Estas compañías comerciales acaban situándose como intermediarios entre los músicos y el público, decidiendo a través de las emisoras de radio quien debe tener éxito y quien no. La música se ve así manipulada por el interés de los mercados siendo este el primer estilo de música comercial de la historia.

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3- El rock and roll negro Paralelamente al desarrollo del rock & roll entre la juventud blanca, surge una variante de este estilo entre los afroamericanos, más conectado con las raíces del blues. La mayor parte de las veces el rithm & blues y el rock n’ roll negro solo se diferencian en el nombre. Las letras siguen tratando los temas marginales del blues y el sonido es más ácido y agresivo. Muchos de los grandes éxitos del rock & roll blanco fueron compuestos originalmente por músicos negros que le daban un sonido más duro. Este estilo estilo servirá de modelo para la creación de un nuevo rock en la década de los 60.

4- Algunos intérpretes destacados Los representantes más destacados de este estilo fueron Elvis Presly, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins y Richie Valens. Elvis fue proclamado en los 50 como el rey del rock & roll, aunque muchos de sus temas no eran originales. Las discográficas lo encumbraron apoyándose en su aspecto físico y sus movimientos en el escenario. Fue el primer gran éxito musical basado sobre todo en la imagen. Jerry Lee fue un pianista de rock que tocaba de un modo muy percusivo y salvaje, con clusters hechos con el pie o incluso con el muslo. Adoptó una actitud poco convencional y provocativa y se postuló como el heredero de Elvis. Carl Perkins introdujo en el rock n’ roll una fuerte influencia de una variante de la música country denominada “hillibilly”, y que se caracteriza por sus tiempos rápidos. De este modo originó un subgénero del rock llamado rocabilly. Richie Valens fue un rockero californiano de origen mexicano. Fue el primero en componer canciones de rock en castellano abriendo el estilo a otras culturas y minorías raciales en estados unidos. Los representantes más importantes de la versión “negra” del rock n’ roll fueron Chuck Berry y Little Richard . Chuck Berry es uno de los más influyentes compositores, intérpretes y guitarristas de rock n’ roll de la historia. Comenzó como intérprete de blues desde su adolescencia hasta los años ’50 donde cambió al rock debido al éxito que estaba teniendo ese estilo. Su música llegó a ser tan famosa que iba a los conciertos sólo con su guitarra, encontrando siempre una banda local que conocía su música con la que podía tocar. A nivel musical es sin duda, la figura más importante de este estilo. Se dice que si hubiese que dar otro nombre al rock n’ roll podría llamarse Chuck Berry. Muchos lo consideran el verdadero inventor del estilo, y prácticamente todos los intérpretes destacados de su época y muchos de los posteriores versionaron algún tema de Chuck Berry. Angus Young suele citarle como su mayor influencia adoptando también algunos de sus gestos en el escenario como el famoso “paso del pato”. Little Richard también hizo rithm & blues antes que rock. Su aportación más importante fue la introducción de la influencia del góspel estilo en el que se educó musicalmente desde la infancia.

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MÚSICA LATINA

1- Orígenes A partir de los años 90 la música latina ha sido un sonido habitual en el panorama de las músicas modernas. Ésta es el resultado de la fusión de la música europea y africana fundamentalmente en la zona del Caribe. Respecto a cómo se produjo la fusión hay dos diferencias fundamentales con el blues:

- Los colonizadores europeos proceden de la Península Ibérica. Por tanto el componente musical Europeo procede de ahí. Eso se nota en el uso de escalas andaluzas e instrumentos derivados de la guitarra ( tres, guitarra criolla …)

- El peso de la música africana es mucho mayor que es el blues ya que, por diversos motivos los africanos pudieron expresar mejor sus manifestaciones culturales en América latina. Eso se nota en el uso de ritmos e instrumentos africanos (tambores batá, congas, maracas…)

El territorio más influyente en la formación de la música latina, tal como hoy la conocemos fue Cuba.

2- Desarrollo

• El son El primero, y más influyente de los estilos de fusión entre música europea y africana en Cuba fue el son. En él se combinan instrumentos y técnicas de África y España. Al ser un estilo de origen rural (guajiro) usa exclusivamente instrumentos acústicos. Uno de sus principales representantes fue Compay Segundo.

• La salsa Tras la revolución Cubana los músicos que emigraron a Miami desarrollaron un nuevo estilo que se llamó salsa. La salsa surge del contacto del son con el rock, el jazz y otras músicas norteamericanas. Usa por tanto los instrumentos típicos del son, pero las guitarras suelen ser eléctricas. Además introduce piano contrabajo (o bajo eléctrico) e instrumentos de viento metal como trompeta o trombón. Simplificando, podría definirse la salsa como un son con instrumentos eléctricos y batería. Se desarrolla así un sonido más moderno y comercial enfocado al mercado americano. Gloria Estefan o Celia Cruz son sus representantes más destacados en Miami. En Cuba también se hará salsa pero estará siempre más vinculada al son. Una de sus intérpretes más conocidas es Celina González.

• Otros estilos de fusión afroamericanos en el Caribe Cada región del Caribe iberoamericano produjo sus ritmos particulares resultado de esta fusión:

- En la República Dominicana surge el merengue, que usa el acordeón como instrumento característico de origen europeo.

- En el Caribe colombiano el vallenato, también con acordeón e instrumentos africanos.

- En Panamá y Colombia y Venezuela la cumbia.

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- En Trinidad y Tobago el calipso. - En Brasil la samba.

La música latina La salsa vuelve a Cuba y al resto del caribe influyendo a su vez en los demás estilos de fusión tradicionales que hemos visto. Hoy en día todos esos sonidos se han fusionado en una variante de pop comercial que se conoce como “música latina”. Está representado por gente como Baute, Chayanne Shakira etc., siendo uno de los estilos de pop más populares en los países de habla hispana.

CRISIS DEL ROCK AND ROLL Y MOVIMIENTO HIPPIE: LA CANCIÓN PROTESTA

1- Crisis del rock n’ roll

A finales de los años 50 el rock & roll entra en una fuerte crisis que lo lleva a su total decadencia. Esta crisis se da por varios motivos:

• Pérdida del componente de protesta: Las casas discográficas habían conseguido que este sonido fuera plenamente aceptado por el conjunto de la sociedad, convirtiéndolo incluso en uno de los estilos de música norteamericana más característicos.

• Desaparición de muchos de sus ídolos: Muchos de los músicos lanzados como ídolos salen de la escena pública por diversas circunstancias. Alguno muere en accidentes (R. Valens), otros protagonizan escándalos inasumibles por la sociedad de la época (J. L, Lewis), y muchos caen en el mundo de las drogas y el alcohol (Elvis).

• Agotamiento del estilo: El uso y abuso de los recursos musicales el rock & roll, que eran de por sí bastante limitados, hacen que este sonido provoque cansancio en oyentes predispuestos a recibir novedades musicales.

2- Movimiento hippie

Paralelamente a finales de los años 50 la situación política internacional se complica generando un fuerte sentimiento de descontento en parte de la sociedad norteamericana que arraiga especialmente en la juventud. Por un lado se manifiestan tensiones graves entre USA y la URSS, en el contexto de la llamada guerra fría, que amenazaban con provocar una tercera guerra mundial. Además se agrava la crisis provocada por la guerra de Vietnam iniciada por motivos geopolíticos difíciles de comprender por la población. Esta guerra además de tener un enorme costo económico y humano, estaba suponiendo una humillante derrota al ejército norteamericano. Se genera, en consecuencia, un fuerte movimiento de protesta en contra de a las guerras que se articula en torno al movimiento hippie.

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Ideología hippie Los hippies nunca se organizaron como una organización, ni escribieron tratados sobre su doctrina. Era un movimiento que daba a sus miembros total libertad de pensamiento y acción. No había más líderes que los que surgían en un momento determinado para una causa concreta, y nadie les debía ningún tipo de obediencia ya que no se acataban jerarquías. No obstante este movimiento tenía tres líneas ideológicas fundamentales, con las que todos podían identificarse de alguna manera:

- La paz: Entendida como una forma de relación entre las personas a todos los niveles. Es la ideología de la no violencia que debe regir las relaciones no solo entre las naciones, sino también entre los grupos e individuos. El pacifismo es su característica fundamental.

- La libertad: Entendida también desde un punto de vista individual. De nada sirve que las naciones sean libres si no lo son las personas que viven en ellas. La libertad individual, es la capacidad de las personas de hacer lo que les dé la gana con el único límite de respetar la libertad de los demás. No se aceptan, por lo tanto normas morales impuestas por el estado, la iglesia o las costumbres sociales. Esta libertad se aplica a todos los aspectos de la vida y se manifiesta en la forma de vestir (cada uno viste como quiere), el sexo (cada uno se acuesta con quien quiere), la droga (cada uno “se mete” lo que quiere), la religión (cada uno cree lo que quiere), o la relación con el estado (cada uno acepta las normas que quiere).

- La naturaleza: El movimiento hippies proviene del mundo urbano. Creen que los problemas más graves de nuestra sociedad provienen de la deshumanización que genera este mundo urbano e industrial. Creen que es necesaria una mayor relación con la naturaleza, para establecer así relaciones más naturales entre las personas. Creen que la vida moderna genera una agresión insostenible a la naturaleza. En contraste con esta actitud plantean una visión idealizada de las culturas indígenas que supuestamente están en perfecto equilibrio con su medio ambiente y son depositarias de una sabiduría ancestral (indios americanos, aborígenes australianos…). El movimiento hippie es el germen muchos de los movimientos ecologistas actuales.

La ideología hippie fue un autentico fenómeno social en los años 60 y 70. En los ochenta había desaparecido como tal, pero su influencia ha llegado con fuerza hasta nuestros días en el contexto de la cultura de la protesta y la vida alternativa.

Los hippies y la música. Los hippies buscan fundamentalmente dos cosas en la música:

- Que tengan capacidad para expresar sus mensajes de protesta. - Que rompa con los sonidos comerciales y modernos del rock and roll. Dado su

interés por la naturaleza y el mundo rural buscarán sus nuevos sonidos en el folk y la música tradicional. En estos estilos encontrarán nuevos elementos para su lenguaje sonoro.

Esos nuevos elementos son fundamentalmente dos: - La melodía: que gana importancia frente a lo rítmico del rock and roll. - Sonidos acústicos: frente a los instrumentos eléctricos y la batería que

caracterizaban la sonoridad del rock. La base de su creación musical será la “balada americana”. En el mundo de habla inglesa la palabra balada (ballad) designa a un estilo de canción en la que lo que importa

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es la transmisión de un mensaje, generalmente de carácter narrativo. La melodía (a veces ni si quiera se puede hablar de tal) es muy sencilla y repetitiva, reduciéndose normalmente a un par de frases musicales. Este estilo musical arraigó en la América rural estando también extendido por toda Europa. Es un equivalente de lo que en Cantabria llamamos trovas.

3- La canción protesta o canción de autor Con estos términos se denomina a la música que surge entorno al movimiento hippie y que toma como base las baladas más melódicas de la música tradicional norteamericana. En principio mantiene un sonido acústico que usa la guitarra como acompañamiento de la voz. Su objetivo principal es reflejar los aspectos más importantes de su ideología.

- Los que hacen este tipo música reciben el nombre de cantautores. Poco a poco esta música experimenta un proceso de cambio en su sonido por el que se van introduciendo instrumentos típicos el rock & roll. Fundamentalmente la batería, el bajo eléctrico para los acompañamientos rítmicos. Dentro de la canción protesta norteamericana destacan nombres como Bob Dylan, Joan Baez, Cat Stevens, Simon & Garfunkel L Cohen…. A medida que el movimiento hippie iba perdiendo vitalidad fue cambiando también el sentido de los textos, centrándose más en la calidad poética que en el contenido de los mensajes Expansión de la canción protesta.

• En Europa: La situación sociopolítica europea era semejante a la estado-unidense, con lo que los motivos de protesta social también eran parecidos. Por eso la ideología hippie llega rápidamente a Europa.

- Gran Bretaña: Por motivos lingüísticos, el país a donde primero llega esta influencia es Gran Bretaña. Allí se escucha directamente la música de los cantautores norteamericanos y surgen otros como Donovan o Dick Gaugham. Este último tiene una fuerte influencia de la balada escocesa.

- Francia: En Francia la canción protesta llega en el contexto de las revueltas estudiantiles que culminan en Mayo del 68. Por eso sus mensajes tienen un sentido más político que el de los hippies norteamericanos. Su música también está menos influenciada por la balada norteamericana. El más importante de los cantautores franceses fue Jacques Brell.

- España: España durante los años 60 está marcada por una situación política diferente respecto al resto de Europa. Nuestro país estaba gobernado por un régimen dictatorial a cuya cabeza estaba Francisco Franco. No había elecciones ni parlamentos democráticos, y los cargos políticos y judiciales de todas las instituciones del país eran designados directamente por el gobierno. Tampoco había libertad de expresión así que, todas las críticas al sistema, entre las que se incluían las que planteaba la canción protesta, no pudieron desarrollarse hasta la muerte de Franco en 1975.

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Su desarrollo, a partir de esta fecha, está relacionado con la petición social de cambio de régimen político y la instauración de una constitución democrática. Otra característica propia del desarrollo de la canción protesta en España es la aparición de cantautores que cantaban en lenguas distintas del castellano. Las dificultades para usarlas durante el régimen franquista las convirtieron por sí mismas en un signo de protesta. Aparecen así cantautores que utilizan el catalán como Raimon, Serrat y, sobre todo Lluis LLach. El eusquera como Imanol o Urko. El gallego como Emilio Cao. Algunos de los cantautores en castellano más famosos fueron, Joaquín Sabina, Paco Ibáñez, Aute, Joan Manuel Serrat (que también cantaba en catalán), o Labordeta.

- Portugal: Portugal vivía una situación política semejante al a de España con el régimen de Salazar. Allí los cantautores también contribuyeron a su manera, en el cambio político de su transición democrática. Esta se produjo en 1974 con el levantamiento militar conocido como “la revolución de los claveles”. El cantautor portugués más significativo fue José Afonso.

• En Latino América La canción protesta en Hispano América resulta muy influyente en España, debido a que está cantada en castellano. Son especialmente importantes los cantautores que surgen en Chile antes del régimen de Pinochet. Entre ellos destacan Víctor Jara y Violeta Parra.

- La nueva trova cubana: Un caso particular fue Cuba. Allí en el año ‘59 hubo una revolución liderada por Fidel Castro. Pretendía echar del poder al dictador Batista y nacionalizar la producción agraria cubana que estaba en manos de empresas norteamericanas. Tras su triunfo, instauró en el poder un gobierno que se alió con los soviéticos, como apoyo frente a la amenaza que para él suponían los norteamericanos. Este régimen también de carácter dictatorial, promovió un tipo particular de canción protesta con el objetivo de expandir la ideología revolucionaria por los países de habla hispana. A este estilo se le llamó nueva trova cubana y sus principales representantes son Pablo Milanés y Silvio Rodríguez.

LA MÚSICA FOLK Hay varios usos posibles para la palabra folk. En la lengua inglesa se usa para definir tanto a la música tradicional como a los derivados de esta, y en ese sentido aparece en ocasiones también en castellano. Habitualmente, sin embargo, para referirnos a cualquier aspecto de la cultura rural tradicional suele usarse el término “folclore”, reservándose el término folk para un estilo musical surgido en el SXX. La música folk puede definirse como la combinación de melodías tradicionales hechas con instrumentos tradicionales con una sección de acompañamiento rítmico y armónico hecha con instrumentos de cuerda pulsada del tipo de la guitarra. Estos acompañamientos se basan en los desarrollados previamente en otros estilos muy difundidos durante el SXX como el blues, el bluegrass, la canción protesta etc. que usan la guitarra acústica para sus acompañamientos.

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Con los acompañamientos de cuerda esta música adquiere un impulso rítmico especial que adapta una música de origen rural y tradicional a un público urbano moderno que ya estaba acostumbrado a los estilos más rítmicos de rock y pop. Orígenes y expansión del folk. El folk, tal y como hoy lo conocemos tiene su origen en Irlanda en la segunda mitad de los años 60. Sus inicios parten del importante desarrollo que había cobrado el estudio de la música tradicional irlandesa en las décadas posteriores a la independencia de este país (1937). Los primeros grupos importantes que comienzan a combinar música tradicional con acompañamientos de guitarras son Planxty y The Bohty Band. Y el principal exponente del desarrollo de estas técnicas fue Donald Lunny, que tocaba en ambos grupos. Tras ellos siguen su ejemplo multitud de grupos que exploran estas técnicas de acompañamiento sin modificarlas en lo sustancial. El sonido del folk irlandés se expande rápidamente hacia Escocia, país con el que Irlanda mantiene una especial relación cultural que se refleja, entre otras cosas, en el gran parecido de sus músicas tradicionales. En Escocia aparecen grupos que siguen las pautas de los acompañamientos irlandeses, pero que imprimen un impulso mayor a su música gracias en parte, al uso de las gaitas escocesas que obliga al uso de acompañamientos de guitarra más potentes además de la amplificación de los demás instrumentos para compensar las diferencias de volumen de sonido. Los grupos escoceses más destacados en esta etapa de formación fueron Silly Wizard y, sobre todo, The Tannahill Weavers. La vinculación histórica de estos dos países con el mundo celta derivó en la equívoca denominación de música celta que se aplicó a este sonido que mezclaba tradición y modernidad. Quizá esto provocó que las técnicas de acompañamiento del folk se extendiesen en los años 70 y 80 por otras regiones europeas que también se vinculaban histórica, cultural o sentimentalmente con el mundo celta. El lugar donde este sonido arraiga con más fuerza es Bretaña, región que conserva el uso de una lengua celta en sus áreas rurales más remotas, aunque su música tradicional no guarde un estrecho parecido con la irlandesa. Allí se produce un proceso de adaptación para poder aplicar las técnicas originadas en Irlanda a su propia música tradicional. El folk en España Como cabría esperar el folk arraiga en primer lugar en el norte de la península ibérica imitando los modelos vistos anteriormente. Los primeros que consiguen adaptar con cierto éxito sus sonidos tradicionales a las técnicas del folk fueron los gallegos Milladoiro. En Galicia existe una importante tradición de música instrumental de danza asociada a la gaita que se presta fácilmente al tratamiento folk. En Asturias ocurre lo mismo. Los grupos asturianos siguen más estrechamente el modelo rítmicamente más potente del folk escocés, con lo que consiguen un sonido característico que aún sigue siendo el principal exponente del folk en España. De entre los grupos que desarrollan este sonido en Asturias destacan Llan de Cubel y Felpeyu. En Cantabria el desarrollo del folk se remonta a los años 80 con el trabajo inicial de músicos como Alfonso García-Oliva que será decisivo en el desarrollo posterior de grupos como Kentaber o Luétiga. Estos últimos se entregan a la labor de la creación de

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un folk cántabro en el estilo internacional de lo que ya se conocía popularmente como “música celta”. El apoyo que Luétiga supo buscar entre las instituciones políticas y económicas de nuestra región asentó su hegemonía musical durante décadas, convirtiéndose, junto con Atlántica, en el grupo de referencia del folk cántabro hasta el inicio del nuevo siglo. Desde entonces han aparecido con fuerza grupos como Naheba o Cahórnega que siguen de cerca modelos asturianos. En el resto de España ha habido un desarrollo menor de este sonido. En el País Vasco el estudio y adaptación a los gustos urbanos del sonido tradicional ha buscado conscientemente desmarcarse del sonido celta para remarcar su sentimiento de individualidad cultural. En el sur la vitalidad del flamenco no sólo ha impedido el desarrollo del folk, sino que ha sido un obstáculo para el conocimiento de cualquier manifestación musical tradicional que no sea flamenco. En Aragón y Cataluña este proceso han estado más vinculados a los del sur de Francia y la rehabilitación de la música occitana que al sonido folk que se ha buscado en el norte. Sí han surgido sin embargo algunos grupos que han tomado como modelo el folk irlandés para el tratamiento de melodías tradicionales de Castilla y de León. Destaca en este sentido el grupo madrileño La Musgaña o, más recientemente los vallisoletanos Vallarna. El folk-rock. Musicalmente podría definirse como un estilo en el que se combinan melodías e instrumentos tradicionales con técnicas de acompañamiento y secciones melódicas propias del pop-rock. Surge pues como una fusión entre el folk y el rock y constituye un paso más en la adaptación de sonidos de raíz tradicional al gusto musical urbano, dominado por los sonidos eléctricos y la presencia constante de la batería. Suele considerarse al grupo escocés “Five hand reel” como el iniciador de esta corriente. Estos presentaban melodías tradicionales con instrumentos tradicionales, que acompañaban en el estilo del rock con la línea del bajo eléctrico y la batería. Ocasionalmente una guitarra eléctrica tomaba el papel melódico principal. En esta línea se mantenían los irlandeses “The pogues”. Posteriormente surgió otro tipo de grupos en los que se alternan amplias secciones vocales puramente pop-rock con otras instrumentales que usan melodías folk, normalmente irlandesas, con independencia del origen de procedencia del grupo. Esas partes instrumentales se limitan a substituir el papel de los solos, e introducciones instrumentales del rock. En esta línea se enmarcan grupos como los irlandeses “The Corrs”, o los españoles “Celtas cortos” o “Mago de Oz”, que se mueven entre el pop de los primeros al rock más convencional de los segundos o el heavy metal de los últimos.

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LA MÚSICA TRADICIONAL DE CANTABRIA Introducción La música, como producto social, está estrechamente vinculada al conjunto cultural de la sociedad que la produce. En todo el mundo la música tradicional ha sido producida por los modos de vida tradicionales y depende de estos para su existencia como algo más que un objeto de museo. La música en estas sociedades tiene, en su mayor parte un sentido utilitario. Está asociada a actividades concretas no pudiendo separarse estas de la música que les es propia. Por eso la desaparición de ciertos usos tradicionales conllevaría necesariamente a la desaparición de la música que llevan vinculados. La sociedad Europa en general y la Cántabra en particular, ha experimentado en los últimos tiempos un cambio radical en sus estilos de vida. Esta ha pasado en poco tiempo de ser rural y agraria de forma mayoritaria a ser fundamentalmente urbana con una población dedicada sobre todo a la industria y los servicios. Por otro lado la actividad agrícola y ganadera que aún permanece se ha transformado radicalmente. La agricultura tradicional buscaba la autosuficiencia dirigiéndose al mercado solo productos excedentarios que se producían de forma no muy regular. Desde los años 50 y 60 la agricultura comenzó a orientarse principalmente al mercado, centrando la producción en lo que mejor se vendía y obteniendo el resto de productos necesarios para subsistir mediante la compra. Eso favoreció en Cantabria la industria lechera, potenciando el desarrollo de una economía rural que giraba en torno a la vaca pinta en detrimento de otras actividades agrarias tradicionales. Tras los años setenta la mecanización de las labores el campo dio un paso más en la desaparición o marginalización de muchas labores tradicionales. Recientemente la desastrosa gestión de nuestra administración unido a la crisis de la producción lechera por problemas de mercado, amenaza con dar el golpe definitivo a la actividad agraria concebida como empresa familiar. Esto ha hecho que lo que aún queda de la vida tradicional aparezca disperso, generalmente en las zonas peor comunicadas y sea minusvalorado al ser considerado en general como poco rentable e incluso antieconómico. A esta crisis del mundo tradicional se le suma una crisis de valores de carácter social. Desde las zonas urbanas (no necesariamente ciudades) e incluso desde ciertos sectores del mundo rural, se considera el modo de vida tradicional como algo atrasado producto de un modo de vida más duro e incluso más inculto e ignorante, al no considerar como cultura y conocimiento lo mucho que había que saber para prosperar en comunidades que tendían a la autosuficiencia. El estado de conservación de la música tradicional es, en consecuencia, irregular y fragmentario. Algunas prácticas están en grave peligro y otras han desaparecido por completo, mientras que otras gozan aún de cierta vitalidad. Estas diferencias están lógicamente relacionadas con el grado de conservación de las actividades a las que acompañan. Recientemente los dos factores que han potenciado el desarrolla del folk también han ayudado a una cierta revalorización de el estudio y conservación de la cultura rural: Por un lado las ideas neohippies que ven en este mundo una vía de escape de los problemas que genera en mundo urbano. Por otro las ideas nacionalistas y regionalistas que buscan las diferencias entre los pueblos basándose en aspectos, muchas veces manipulados, de la cultura tradicional. Un factor que parte esta vez desde el mundo rural, viene a sumarse a estos dos: Algunos jóvenes procedentes de ese medio se identifican

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fuertemente con distintos aspectos de la vida tradicional reaccionando contra quienes los menosprecian y promoviendo con orgullo su conservación. El repertorio: Como hemos visto la mayor parte del repertorio musical tradicional está vinculado a actividades concretas en las que a menudo la música es un elemento imprescindible pero secundario. Por ello muchas partes de este repertorio son, desde el punto de vista musical extremadamente sencillas. Los etnomusicólogos han dividido el repertorio en los siguientes tipos musicales:

1. Cantos petitórios: Son cantos asociados a la celebración de ciertas fiestas. Era común que la víspera de la fiesta correspondiente, un grupo de jóvenes (normalmente hombres), saliesen a pedir comida, bebida y dinero para festejar. Estas peticiones se hacían siempre cantando. Las melodías asociadas son sencillas y monótonas, ciñéndose a formas estróficas con un par de frases musicales que se repiten de principio a fin. Los textos hacen alusión a la festividad que se celebra tanto como a lo que se pide para celebrarla. A día siguiente de las peticiones se organizaba la fiesta en la que se consumían los donativos recibidos ya con los mozos y las mozas juntos. Había muchas ocasiones en las que se hacía esto:

• Las marzas Son los cantos petitorios más famosos y mejor conservados. Se cantan la víspera del 1 de marzo. Tienen su origen en festividades paganas que celebran la llegada de la primavera y el inicio de la actividad vegetal. Su importancia era tan grande que esta fecha coincidía con el inicio del año antiguo. Hay muchos textos y músicas asociadas a las marzas pero siempre mantienes las características típicas generales de los cantos petitorios. • Las mayas Son una variante particular de canto petitorio. También son festejos relacionados con la primavera que celebrar la actividad vegetal. Por tanto su origen arraiga también en festividades precristianas. Se cantan la víspera del uno de mayo y tienen dos modalidades.

- La maya árbol: Es la más extendida y mejor conservada. En algunos pueblos del valle de Iguña y la zona oriental de Asturias se ha mantenido hasta fechas muy recientes. Los mozos bajan un buen árbol del monte y lo colocan erguido el una plaza del pueblo. En torno a él, a la salida de misa, las mujeres cantan canciones petitorias, tras lo cual se subasta el tronco y se celebra una fiesta con lo obtenido.

- La maya dama: se elegía a una joven del pueblo que destacase por su belleza. Esta se colocaba en una plaza y los jóvenes cantaban a su alrededor mientras la adornaba con flores. Tras ello la chica pedía dinero o provisiones para celebrar la fiesta entre todos.

• Reyes El 5 de enero (víspera de reyes) los niños solían salir a pedir el aguinaldo mediante este tipo de cantos. • Pascua de resurrección

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En muchos pueblos las mozas salían a recaudar cantando la víspera de pascua para entregar lo obtenido a la iglesia. • Bodas También se usaba como sistema para recaudar para las celebraciones de bodas. • Natas En Campoo solían reunirse grupos de mozos para pedir los calostros de vacas recién paridas.

2. Trovas y romances Son estilos musicales cuya función es más narrativa que musical. Lo importante aquí es la narración de una historia de forma poética. Las melodías son muy sencillas, como en el caso de los cantos petitorios suelen reducirse a dos frases que se repiten a lo largo de toda la composición. Recientemente es habitual en las trovas que los textos no sean cantados, si no declamados, con la inclusión de alguna tonada a lo largo de la composición. Los textos se estructuran en octosílabos con rima asonante en los versos pares. Trovas y romances se diferencian en el contenido de sus textos. Las trovas tratan temas cotidianos de la vida del pueblo pueden ser acontecimientos, anécdotas, sátiras… Los romances tratan acontecimientos históricos más o menos legendarios, funcionando como la memoria histórica del pueblo en un momento en el que no había un sistema educativo como el actual. 3. Tonadas La tonada es un estilo musical no vinculado a ninguna actividad concreta. Su función es exclusivamente musical y estética. Por eso su estado de conservación es mucho mejor. Aquí lo que importa es la expresión melódica. Las frases musicales son amplias tanto por su longitud como por su tesitura. Los tiempos son lentos y las notas se adornan con vibratos y melismas. El ritmo es libre, los tiempos se flexibilizan con el fin de no encasillar el fluir melódico. Los textos son, en ellas, secundarios. Normalmente carecen de coherencia interna. Cada estrofa trata un tema diferente sin conexión con la anterior. Este repertorio también está presente en el norte de castilla y es muy semejante a la canción asturiana o “asturianada”. 4. Canciones de trabajo Es música asociada a trabajos agrarios tradicionales. Debido a la profunda transformación o incluso desaparición de la mayoría de estos son los que peor han sobrevivido. Había canciones para moler, para segar, para deshojar el maíz, para sayar, para remar etc. De todas ella las mejor conservadas son las de siega. 5. La música para bailar En casi todas las tradiciones musicales del mundo hay dos concepciones diferentes del baile: Como simple diversión y encuentro social o como ritual. En Cantabria también nos encontramos con esto:

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• Bailes como diversión: En Cantabria suelen ser bailes sueltos y de pareja. Se interpretaban en verbenas y romerías los días de fiesta, aunque también podían usarse en otros contextos formado parte, como veremos, del repertorio de rabel de Polaciones. Como es normal en muchas otras tradiciones musicales usan dos tipos de ritmos:

- La jota, jota a lo pesao o a lo bajo utiliza ritmos ternarios. - La mudá, jota a lo ligero o a lo alto utiliza ritmos binarios.

Es normal ejecutarlas en forma de pares de danza bailando primero la jota y después la mudá. Las jotas también pueden bailarse, en este contexto, como “danzas sociales”. Las danzas sociales son bailes dirigidos a que la gente se conozca e interrelacione. Para ello se organizan en coreografías con movimientos de grupos, cambios de pareja etc. El desarrollo de estas danzas es más reciente que el de los bailes sueltos. • Danzas rituales: Las danzas son bailes colectivos coreografiados. Se interpretan en determinadas festividades como homenaje a algún santo importante para el pueblo (normalmente el patrón). Suelen estar asociados a la misa. Normalmente se interpretan antes o después de esta, aunque también pueden bailarse durante la misma. La música asociada a este tipo de danzas también suele ser monótona y repetitiva, suponiéndose que su origen es muy antiguo. De todas las danzas rituales las mejor conservadas son los picayos, en los que los mozos danzan mientras las mujeres cantan y tocan la pandereta. Hay muchas otras danzas de tipo ritual menos difundidas como las danzas de palos (Matienzo), cintas (La Revilla), o lanzas (Ruiloba).

6. Los instrumentos y la música instrumental En Cantabria no existe un repertorio significativo de música instrumental independiente. Con los instrumentos, por tanto se toca música concebida originalmente como canciones que utilizan formas estróficas. Suelen hacerse, sin embargo algunas transiciones entre determinadas estrofas que exploran en cierta medida el lenguaje instrumental. Instrumentos para el baile El uso más importante, aunque no exclusivo, de los instrumentos en Cantabria es el acompañamiento del baile. Para ello se utiliza un instrumento melódico, preferiblemente de mucho volumen sonoro acompañado por otro de percusión. En función de la zona geográfica se prefieren distintos instrumentos melódicos: - El pito y el tambor: en general es la pareja preferida en toda la región. El pito es

un clarinete en mib o requinto, que se comienza a usar en música popular desde el SXIX.

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- La gaita y el tambor: la gaita tuvo un importante retroceso a lo largo del SXX pero siguió siendo popular en la zona más occidental, desde Valdáliga hasta Asturias. Destacan por la conservación de esta tradición Herrerías y Liébana.

- La dulzaina y el tambor: La dulzaina es un instrumento de viento de doble lengüeta y sonido estridente que se usaba sobre todo en el sur y el oriente de Cantabria.

- El silbo y el tambor: el silbo es una flauta de tres agujeros que se toca junto con un tamboril al estilo del txistu vasco.

- La pandereta. Se utiliza en todo Cantabria como acompañamiento de la voz, cuando esta lleva la melodía en la música de baile.

El rabel Por último es de destacar la importante tradición asociada al rabel que se desarrolló sobre todo en Campoo y Polaciones. En estas comarcas era habitual entretener las largas veladas invernales haciendo reuniones de vecinos en alguna casa del pueblo. En ellas se hacían labores de artesanía, se contaban historias, cuentos, se cantaba y se tocaba el rabel. Las coplas son típicas del repertorio de este instrumento. Son estrofas de pocos versos en los que se plasman contenidos divertidos muchas veces subidos de tono. Musicalmente utilizan ritmos de baile, con lo que puede haber coplas a lo ligero o a lo pesao. También es muy típico cantar romances con el rabel. Además podía cantarse cualquier otro parte del repertorio vocal. Tipos Suelen considerarse dos tipos de rabel:

- El de Campoo se toca apoyado entre el hombro y el pecho. Suele hacerse la melodía con las dos cuerdas a la vez manteniendo constante un intervalo consonante.

- El de Polaciones: Se toca apoyado en las piernas, con el ejecutante sentado. La melodía se hace con una cuerda mientras que con la otra se hace un bordón. Tradicionalmente a este rabel en Polaciones se le llama bandurria.

Otros También se utilizaron instrumentos en el ámbito pastoril como entretenimiento mientras se vigilaban los rebaños de vacas y ovejas. En este contexto se usó el rabel y la chifla campurriana, así como distintos tipos de flautas.

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LA MÚSICA POP Tras la crisis del rock& roll a finales de los años 50 las casas de discos ven disminuir sus beneficios de manera importante. La canción protesta no podía alcanzar el nivel de música de masas ni, por tanto, los niveles de ventas del rock & roll. Un estilo socialmente crítico y comprometido vinculado más a la expresión ideológica que al entretenimiento podía hacerse popular, pero nunca llegaría a ser aceptado por todas las capas sociales, ni mucho menos ser potenciado desde los grandes poderes económicos interesados en mantener el estado de cosas. Por ello comienzan a potenciar un nuevo estilo musical que pretende llegar al mayor número posible de personas. Este estilo se comenzará a denominar con el término inglés “popular music” pasando rápidamente a conocerse por el nombre de pop.

1- Características La melodía: es el elemento más destacado y cuidado de este estilo musical. Utiliza melodías de fraseo amplio y gran tesitura. Como ya hemos visto las melodías están especialmente cuidadas en los estribillos, que se repiten con frecuencia para resultar “pegadizas “. Con este interés por lo melódico recuperan uno de los elementos esenciales de la música de tradición europea, que había potenciado el éxito de la canción protesta. Los ritmos: seguirán siendo fuertemente marcados. Se mantendrá el uso de compases de 4/4 y la tendencia a tiempos rápidos y medios. En general se busca continuar con la rítmica del rock, ya que esta había sido una de las claves de su éxito. De todos modos desaparecen la mayor parte de las sincopaciones y sutilezas rítmicas que pueden interferir con el discurso melódico y no son fácilmente escuchables por el gran público. La instrumentación: se mantiene la instrumentación eléctrica del rock & roll así como el uso de la batería. La formación clásica del pop es idéntica a la del rock, dos guitarras bajo y batería. No obstante el pop busca sonoridades más suaves y agradables, evitando los sonidos agresivos. Las guitarras eléctricas tendrán sonidos naturales o poco distorsionados, se usarán mucho las guitarras acústicas, así como teclados con sonidos suaves de fondo. También se buscará crear ambientes sonoros con instrumentos propios de la música clásica: pianos, violines… La armonía y la textura: A nivel armónico el pop es muy conservador. Utiliza una armonía derivada de la clásica muy sencilla con progresiones de acordes simples que se mueven en un solo plano tonal. Al buscar una sonoridad suave y agradable evitan las disonancias típicas de los acordes de blues y rock. La textura es la del rock & roll, es decir una melodía que se mueve reforzada por un bajo y se acompaña por acordes de guitarra. El pop, de todos modos prescinde más a menudo del bajo, usando a veces texturas de melodía acompañada como hemos visto en el folk. La batería siempre está presente para buscar un impulso rítmico semejante al del rock Los textos y mensajes: no son socialmente comprometidos. No critican aspectos sociales ni transmiten mensajes comprometidos. En general tratan temas frívolos, siendo el amor y las relaciones románticas los argumentos favoritos. En esencia el pop pretende combinar la rítmica y la instrumentación del rock, que habían sido las claves de su éxito, con el desarrollo melódico del folk y de la tradición musical europea en general.

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La forma musical: Se mantiene la estructura del rock de estrofas y estribillos, pero se cuidan más las melodías, sobre todo en los estribillos. Los solos instrumentales tendrán menos importancia llegando en ocasiones a prescindirse de ellos. En cualquier caso dejan de ser improvisados debido a que se tiende a melodías de fraseo amplio con las que es muy difícil elaborar técnicas de improvisación.

2- Orígenes El origen del pop está en Inglaterra. Allí llegaron con fuerza, y de manera directa todas las nuevas corrientes musicales surgidas en los Estados Unidos. Además, tenían una fuerte tradición musical melódica propia, que se había enriquecido en las ciudades industriales, con la llegada de una gran masa de población inmigrante de origen irlandés. Es en una de esas ciudades, Bristol, donde cuatro jóvenes precisamente de origen irlandés fundan el grupo “The Beatles” que será la referencia absoluta en los inicios del estilo pop. Con ellos quedarán perfectamente definidas todas las características de este nuevo estilo. El grupo se formó en 1960 y tan sólo dos años después ya había llamado la atención de EMI, uno de los sellos discográficos más grandes del mundo. El papel de esta discográfica en la creación de la imagen del grupo, ropa, peinado, actitudes no provocadoras en el escenario etc. fue determinante. El éxito del grupo en Inglaterra, Estados Unidos y posteriormente en el continente europeo fue total y fulminante, surgiendo multitud de grupos imitadores en todos esos lugares. Las casas discográficas acogieron entusiasmadas un nuevo estilo de sonido agradable y apto para todos los públicos que no amenazaba con sus críticas a las élites sociales, de modo que potenciaron sin reservas este aluvión de grupos imitadores. Incluso en la España franquista surgieron grupos que comenzaron versionando en castellano temas de los Beatles y componiendo en este estilo después. Entre ellos destacan”Los mustang” o “Los brincos”.

3- Evolución y desarrollo El pop experimenta en general pocos cambios desde su creación. No obstante, como tantos estilos de música moderna, se ha diversificado en una serie de tendencias entre las que en ocasiones solo hay sutiles diferencias musicales, que llegan a ser inapreciables. Muchas de ellas han surgido de la fusión con otros estilos. Por ello hacer una clasificación sistemática de estilos pop es una labor imposible y casi siempre controvertida ya que pocos son los grupos que se mueven exclusivamente por los márgenes de una única tendencia definida. Nosotros vamos a considerar los siguientes estilos derivados: El tecnopop: Es la corriente más claramente diferenciada dentro del pop. Tiene en Mike Oldfield su principal exponente. Este estilo mantiene las características generales del pop, con la particularidad de que utiliza instrumentos electrónicos de forma principal o incluso exclusiva. Las guitarras y bajos se sustituyen por teclados y las baterías por cajas de ritmos preprogramadas. Surge a principios de los años 80 y buscaba un sonido ultramoderno y futurista que encajaba muy bien con la idea de “posmodernidad” muy

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en boga en los ambientes “culturales” de la época. El éxito de tecno pop durante la década de los 80 fue tan grande que se usó para las bandas sonoras de películas de éxito. Destacan en este sentido “Blade runner” drama futurista con música se Vangelis, Y “El exorcista” un clásico del cine de terror con música de Mike Oldfield. Este último trabajo llamado “Tubular bells”, merece una mención especial. Esta obra, a diferencia de lo comentado para el tecnopop en general, no es conservadora desde el punto de vista formal. Es exclusivamente instrumental, característica que la aleja no solo del pop sino de la música moderna en general. Las melodías no están formadas por frases amplias sino por un pequeño motivo de cuatro notas que se repite insistentemente y evoluciona poco a poco a través de variaciones. Aunque Tubular bells se sigue considerando un obra tecnopop tiene que ver más con las corrientes minimalistas de la “new age” que con la tónica general de este estilo. Más recientemente el tecnopop se ha relaciona con la música electrónica que utiliza exclusivamente este tipo de instrumentos. Este estilo se mueve entre los parámetros del pop y los de la música disco, que veremos más adelante. Uno de los intérpretes de música electrónica más vinculado al tecnopop es Jean Michelle Jarre que causó sensación mundial con su álbum Oxygene. La new wave: El término New wave o “Nueva ola” ha sido reivindicado por diferentes estilos de rock e incluso por determinados movimientos sociales y culturales, por lo que algunos no aceptan que se aplique a una tendencia de pop. Aplicado este último tipo de música, hace referencia a un pop de sonidos convencionales, pero que también incluye parte de la sonoridad electrónica del tecno pop. Los límites entre el pop, la new wave y el tecnopop son, por lo tanto muy difusos no habiendo ningún acuerdo de que grupos deben ser vinculados con seguridad a este estilo. El glam: El término “glam” deriva de glamour. Desde el punto de vista musical no tiene ninguna característica distintiva pudiendo asimilarse a los sonidos de la new wave. Lo que, sin embargo caracteriza al glam es la imagen y actitudes de sus representantes. Los “artistas” glam adoptan ropas y maquillajes estrafalarios muchas veces de carácter andrógino, dando una imagen de lujo y desorden. David Bowie o Elton John son exponentes de este etilo. Su imagen ha influido en la de personajes vinculados a otros estilos como Marilyn Manson.

Las fusiones La frontera entre el pop y el rock: Paralelamente al desarrollo del pop se fue generando un nuevo estilo de rock del que trataremos más adelante. La frontera entre el pop y el rock es muchas veces difícil de establecer. Entre los sonidos más duros rítmicos y agresivos y los más dulces y melódicos hay un gradiente dentro del cual nos encontramos con música que participa de las características de unos y otros. Por eso es difícil discernir en algunos casos si hablamos de un pop ácido o de rock melódico. En este camino intermedio pueden estar grupos como “La fuga” que, usando la sonoridad general del rock elabora melodías más emparentadas con el pop.

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El flamenco-pop: Es un subgénero de pop muy popular en España. En él se fusionan las características propias del rock con otras procedentes del flamenco. Se usan escalas andaluzas para la elaboración de las melodías. Se utilizan ritmos flamencos como la rumba que son fácilmente asimilables por el lenguaje del la música moderna, al enmarcarse en un compás de 4/4. Se usan instrumentos propios del flamenco como la guitarra andaluza o el cajón flamenco para las percusiones. Melendi o Estopa serían representantes destacados de este estilo. El pop latino: Es un estilo musical que mezcla las características vistas en el pop con ritmos y percusiones latinas. En este estilo pueden enmarcarse casi todos los cantantes de éxito hispanos. Ricky Martin , Shakira etc. Y algunos españoles como Bisbal o Bustamante.

4- El pop en España Antes de la llegada de los sonidos norteamericanos el mundo de la música ligera en España estuvo dominado por “La copla”. Este fue un género que hunde sus raíces en la música popular española del SXIX y que está vinculado a determinados espectáculos teatrales. Este género fue potenciado por el franquismo ya que entroncaba con determinados ideales nacionales que este régimen quería fomentar. Esta asociación con la dictadura es la clave de que la copla decaiga rápidamente con la llegada de la democracia. No obstante pronto surgieron grupos nacionales que versionaban los grandes éxitos del rock norteamericano, fenómeno que se potenció en los años 60 coincidiendo con la aparición del pop y con un cambio en la orientación política del régimen que se llamó aperturismo. Las imitaciones del pop inglés y la canción romántica que combinaba elementos del pop y la copla fueron los sonidos comerciales más populares en España a lo largo de los años 60 y 70. El gran desarrollo del pop en España tuvo lugar a partir de los años 80. En esta época asistimos al nacimiento de un fenómeno cultural apoyado por las instituciones que se conoce por el nombre de la “Nueva ola española” o “La movida madrileña”. A su desarrollo contribuyeron cantautores como J. Sabina, cineastas como Almodóvar y, sobre todo grupos de pop. Aunque no faltaban grupos de otras tendencias sobresalen los que se mueven entre el tecno pop y la “New wave”. Destacan “Mecano”, “ Alaska y los pegamoides”, “ Nacha pop”, “ Los hombres G”, “ Radio futura” etc. Dentro de la estética Glam se hicieron famosos Tino Casal o Paco Clavel. Tras los grupos de los 80 han aparecido muchos otros cuya fama y repercusión social ha sido efímera. Actualmente han tenido bastante éxito dentro del pop nacional “La oreja de Van Gogh” y “ Amaral ” así como representantes del pop latino ya mencionados como Bisbal.

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EL ROCK Pocos años después de la aparición del pop surge un nuevo estilo de música moderna vinculado al blues, el rithm & blues y el rock & roll. Los representantes de este estilo lo denominan también rock & roll pero las diferencias que tiene respecto al de los años 50 hacen que este rock & roll originado en los 60 suela llamarse simplemente rock. El nuevo rock se conecta con los sonidos ásperos y los mensajes rebeldes del rithm & blues y el rock & roll negro.

1- Características El ritmo: Es el elemento destacado del rock. Mantiene el compás de 4/4 pero tiende a acelerar su velocidad respecto al rock & roll. Mantiene las sincopas del blues buscando el conflicto rítmico entre el movimiento de bajo, que siempre acentúa con el compás, y la melodía principal que está llena de notas a contra ritmo. En consonancia con este interés por el ritmo la batería tendrá un papel muy destacado. El sonido: Busca sonidos ásperos tanto en las voces como en los instrumentos. Prefiere voces cascadas y más menos guturales huyendo de las vocalizaciones puras o melosas del pop. Los instrumentos no tendrán sonidos naturales. Se prefiere en todos los casos la amplificación eléctrica y casi siempre sonarán distorsionados. El sonido, por tanto será oscuro y saturado siendo más difícil distinguir las líneas melódicas y, por supuesto distinguir las notas individuales de los acordes. Este tipo de sonido se puede caracterizar con el término “dureza”. Cuanto más agresivo y rítmico es un sonido se dice que es más duro. Cuanto más suave y melódico sería más blando. Las melodías: Estarán condicionadas por los ritmos. Son cortas y de poca amplitud. Usan frecuentemente estilos semideclamados con poco desarrollo melódico. Aun así mantienen la estructura estrofa-estribillo típica de estas músicas, con estribillos más cuidados melódicamente. La armonía: Continúa la tradición de armonía disonante del blues. De todos modos muchos estilos de rock buscan la sencillez armónica usando sólo progresiones fundamentales sin disonancias. Esto y la distorsión en los instrumentos, que crea una sonoridad muy densa hace que incluso se puedan usar acordes defectivos, es decir acordes a los que le faltan elementos ya que como hemos visto se hace difícil distinguir sus notas individuales. En el punk y otros estilos de sonido muy saturado y armónicamente simples, suelen usarse acordes de dos notas: la fundamental y la quinta. Respecto al rock & roll el rock rompe con la progresión armónica del fraseo blues (I-V- IV-I) que había sido una de las causas de que este sonido resultase monótono. De esta forma el estilo gana flexibilidad y variedad. La textura: se exageran las características vistas para este aspecto el las músicas modernas. El bajo eléctrico se oirá de forma destacada ya que será usado para remarcar aspectos rítmicos. Como hemos visto las notas importantes del bajo remarcarán los tiempos fuertes del compás. La forma musical: Destacan dos aspectos. Por un lado la importancia de las secciones instrumentales, que ganan protagonismo. Algunos estilos de rock concentran su musicalidad en ellas, teniendo un importantísimo desarrollo de los solos de guitarra. Por otro el uso frecuente de riffs. Un riff es un motivo melódico corto que se repite en el acompañamiento, a lo largo de toda la composición. Los riff permiten mayor libertad melódica en la parte aguda ya que aseguran que la obra no pierda coherencia al unificarla con su constante presencia. Además algunos tipos de rock, como la psicodelia, lo usan para crear un ambiente melódico obsesivo.

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Mensajes e intención social: Los mensajes del rock son críticos pero de una forma diferente a los de la canción protesta (cada vez más en declive desde la irrupción de este nuevo estilo). La canción protesta proponía críticas y soluciones basada en el ideario hippie. El rock pertenece a una generación de jóvenes que ya no cree en alternativas que considera ingenuas o irrealizables. Que ve que las propuestas hippies, las religiones orientales y los ideales no violentos no han aportado cambios sociales de ningún tipo y no han aliviado su frustración. El rock opta por una propuesta más agresiva y provocadora que no necesita aportar soluciones porque asume que, en muchos casos no hay salida a esta sociedad. La única salida viable es la marginalidad. Esta actitud vital, unida a la enorme cantidad de dinero que han movido estos grupos empujó a muchos de sus integrantes hacia el mundo de las drogas.

2- Orígenes Esta reinterpretación del rock & roll surge a partir del trabajo de grupos como los Rolling Stones. Los rolling son un grupo formado en 1962, poco después del éxito de los Beatles, que comienzan haciendo versiones de rithm & blues en la línea de otros grupos británicos de los primeros años 60. En esta primera etapa de su evolución la influencia de Chuck Berry es decisiva. En el año 1965 tienen su primer gran éxito mundial con el tema (I can get no) satisfaction. Este tema es interpretado como una crítica contra una sociedad que genera frustración en la juventud. Por otro lado cultivan una imagen rebelde e irreverente con los convencionalismos sociales que es capaz de plasmar los anhelos de libertad de una parte importante de la juventud. Los sonidos duros, los textos provocativos y las actitudes irreverentes atraen a una importantísima cantidad de público juvenil que no se identifica con la visión del mundo fácil y sin problemas que plantea el pop. A partir de aquí la juventud se divide entre los menos críticos y rebeldes que optarán por el pop y los más contestatarios que elegirán el rock. Los primeros tendrán como ídolos a los Beatles mientras que los segundos tomarán como modelo a los Rolling Stones que en un alarde de provocación asumirán el sobrenombre de “Sus Satánicas majestades”. De esta forma dos estilos que desde el punto de vista musical no tendrían por qué ser incompatibles se convirtieron en símbolos de dos actitudes ante la vida opuestas e irreconciliables, en constante oposición. Como hemos visto, de todos modos, entre el pop y el rock hay una transición de sonidos que hace que muchos grupos se sitúen en terrenos intermedios siendo muy difíciles de clasificar.

3- Diversificación del rock: proliferación de estilos Con estas bases y con diferencias de sonido muchas veces sutiles, han ido apareciendo tendencias dentro del rock que implican no solo diferencias en el sonido sino, muchas veces principalmente, en los mensajes y actitudes. Muchos grupos se adscriben o incluso generan tendencias nuevas de forma artificial con fines puramente comerciales, con lo que muchos autodenominados “estilos de rock” no son realmente tales ya que no pueden distinguirse musicalmente de otros. Otros sin vincularse a ninguna se mueven entre múltiples influencias diferentes. Esto hace que establecer una clasificación precisa de dichas corrientes musicales sea una labor imposible. Pese a esto sí hay ciertas corrientes claras que han marcado la evolución de la música rock. En los siguientes apartados veremos algunas de ellas.

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A- La psicodelia

A mediados de los ‘60 todas las novedades musicales de éxito procedían de Inglaterra. Los Rolling Stones y los Beatles eran los grupos de música moderna más escuhados en todo el mundo. Para los norteamericanos esto era una novedad, pues hasta ahora sus casas discográficas habían controlado el mercado musical. Llegaron a referirse a este fenómeno como “la invasión británica”. Por ello la industria norteamericana reacciona promocionando grupos de su país. De entre todos ellos destacaron “The doors” que son los máximos representantes musicales del movimiento psicodélico. La psicodélia es un movimiento artístico que pretende representar la distorsión de la realidad producida por las drogas alucinógenas. En las artes visuales se consigue a través de colores chillones contrastantes y representación de movimiento, espirales, figuras distorsionadas etc. En literatura tiene antecedentes en la obra de poetas como Rimbaud y Vodelaire. Estos, escribiendo bajo los efectos del opio (planta de la que se extrae la heroína) hicieron una poesía llena de símbolos que reflejaba una visión irreal y onírica del mundo. Esta corriente literaria recibe el nombre de “simbolismo”. The doors se forman en Los Ángeles, California, en 1965. Allí había tenido una especial influencia la cultura hippie se formaron comunas, y proliferaron los gurús de religiones orientalistas y chamánicas que usaban las drogas como medio para conectar con supuestos mundos espirituales, o para entrar en lo más íntimo del subconsciente personal. El uso de las drogas adquirió así en muchos círculos sociales un sentido que iba más allá de lo lúdico. Son estas las ideas que determinarán la línea ideológica del grupo. Los textos de las canciones, escritos por Jim Morrison, lider e imagen principal del grupo, están en la línea del simbolismo literario y hacen constantes alusiones a las drogas. La música, de la que se encargará el teclista Roy Manzarek buscará un sonido obsesivo y machacón con gran desarrollo de las partes instrumentales. Para conseguirlo usan frecuentemente riffs de muy pocas notas sobre los que se desenvolverán interminables solos instrumentales de carácter muy libre. En cuanto a las melodías son de tipo muy variable. Algunos temas son claramente de blues o mientras que otros son más pop. En este último caso suelen usar escalas modales o alteraciones accidentales que dan un carácter extraño al movimiento melódico. El sonido es muy original ya que son el primer grupo de éxito que utiliza sintetizador. Este asume el papel de la guitarra rítmica y muchas veces también el del bajo eléctrico. Son destacables los solos de sintetizador. Otro grupo importante que se enmarca en la corriente psicodélica fue Jefferson Airplane que tiene en su sonido una importante influencia folk.

B- El rock sinfónico y el rock progresivo

Por las semejanzas e influencias mutuas entre ambos estilos los trataremos en un mismo apartado: Rock sinfónico Se denomina así a una evolución del rock y que pretende conseguir sonidos más nítidos y menos percusivos, mediante el uso de instrumentación más melódica, fundamentalmente sintetizadores (por lo que algunos ven sus orígenes en la psicodélia) e instrumentos procedentes de la música clásica. Pretenden hacer obras de más amplitud

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conectando temática o musicalmente todos los cortes de un disco. También buscan cuidar más los aspectos musicales. Muchos grupos que se vinculan a este estilo han grabado discos y hecho actuaciones en colaboración con orquestas sinfónicas. En este caso la orquesta toma un papel totalmente secundario aportando tan sólo una atmósfera sonora que recuerda a la música clásica. De este modo los grupos de rock sinfónico pretenden vincular su sonido a los logros artísticos de la música clásica, aunque desde todos los puntos de vista es un estilo puramente rock. El grupo más destacado que se adscribió a este estilo fue “Pink Floid” . Este fue un grupo británico que evolucionó desde la psicodélia hacia el rock sinfónico. Destaca por sus temas de contenido filosófico y sus innovadoras experimentaciones con el sondo. Su álbum más famoso fue “The wall”, en el que a través de sus canciones, plantea todos los traumas a los que está sometida una persona desde su infancia, madre posesiva, rigidez del sistema educativo, frustraciones juveniles etc y que o empujan hacia el fascismo. El rock progresivo. Esta denominación se aplica a algunos grupos en la línea del rock sinfónico. Con ello se quiere indicas que son grupos novedosos que hacen progresar al rock así como un procedimiento musical muy característico que suelen usar. Sus temas evolucionan desde sonidos tranquilos, melódicos y acústicos conectados con el folk y van cambiando gradualmente (progresivamente) haca una sonoridad más dura y eléctrica conectada con el rock sinfónico. De esta forma están hechos muchos temas de Metálica, que podrían enmarcarse en un metal sinfónico.

C- Hard rock (rock duro)

Desde los años setenta han ido surgiendo una serie de estilos que exploran los sonidos más duros del rock. En general las diferencias musicales entre unos y otros van también asociadas a diferencias en los mensajes, estéticas y actitudes vitales. Muchos jóvenes han querido identificase con movimientos sociales que han utilizado distintitos estilos musicales como bandera de identificación, vehículo de expresión ideológica o, simplemente como válvula de escape de su frustración. Musicalmente se potencian todos los aspectos que aumentan la dureza del rock.

• Las sonoridades son agresivas y potentes, aunque la música sea simple. Se consigue con muchos decibelios, distorsión en las guitarras y voces guturales. Abundancia de gritos de carácter dramático.

• Los ritmos cobran importancia con lo que se desarrollan enormemente las baterías. Estas crecen aumentando el número de elementos: más platillos, dos bombos, cuatro timbales etc.

• Las melodías vocales se simplifican: a menudo se reducen a un recitado en las estrofas y poco más en los estribillos.

• Las partes instrumentales cobran importancia: gran desarrollo de los solos con punteos a gran velocidad y uso casi sistemático de riffs. Uso de power cords (acordes sin terceras)

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Aunque han surgido gran cantidad de grupos de “rock duro” inclasificables la mayor parte de ellos se encuentra bajo la influencia de dos grandes estilos: el Heavy Metal y el Punk. Heavy Metal El sonido heavy metal aparece en los años 70 en contacto con los sonidos de rithm & blues y del rock sinfónico, que aportan a este estilo gran parte de su potencia instrumental. Desde sus inicios este sonido ha provocado tanto el rechazo más absoluto por parte de amplios sectores del público, como la adhesión total de sus seguidores incondicionales. Temas: Los nombres de los grupos, títulos de discos y textos de canciones están plagados de referencias satánicas. Esto siempre ha provocado cierto escándalo en determinados sectores sociales y ha sido, por otro lado, una de las claves de su éxito. También hacen apologías más o menos veladas de las drogas y su sórdido mundo. En ciertos grupos abundan también los temas de carácter romántico-sexual. Proliferan por último los temas de “espada y brujería”, con relatos de héroes, batallas y mitologías inventadas, así como historias de terror en relación con la subcultura “gótica”. Estética: La estética también es importante. Busca una imagen agresiva a base de colores negros y rojos, calaveras, gorras nazis, cuero, pelos largos sin recoger, tatuajes, pantalones ajustados y zapatillas de muelles (que les proporcionan unos curiosos andares a lo “pantera rosa”). También gustan de complementos como muñequeras de pinchos, cinturones con balas, correas de perro, bisutería que imita plata etc. Grupos destacados: Se considera a los grupos “Black Sabath” primero y “Judas Priest” después, como los iniciadores del heavy metal, ya que fueron ellos los que crearon la estética y el tipo de mensajes que hemos visto. Otro grupo que contribuyó enormemente a la estética y el sonido heavy clásico fue AC/DC, aunque ellos siempre se han desmarcado de esta corriente diciendo que son simplemente un grupo de rock & roll. AC/CD siempre ha querido dejar claro la influencia que ha tenido en ellos tanto el sonido, como la puesta en escena de Chuck Berry. Grupos heavy en contacto con el rock sinfónico y progresivo son Metálica, Iron Maiden, Led Zeppeling o Deep Purple. Estos usan sintetizadores para llenar la sonoridad del conjunto y han grabado ocasionalmente con orquestas sinfónicas (destaca la grabación de Deep purple con la orquesta sinfónica de Londres de 1969). Su sonido es menos denso y separa claramente los registros graves de los agudos para que pueda apreciarse más claramente cada línea melódica. Tambien destacan por el melodismo de sus baladas (“Still loving you” de Scorpions será quizá la más famosa) El cuarteto de violonchelos Apocalyptica Puede entroncarse con este sonido ya que mantiene las características musicales del heavy metal pero usa instrumentos de sonoridad suave y carácter no percusivo asociados con la música clásica. Heavy comercial En los años 80 el éxito del heavy metal hizo que se creasen grupos que mantenían lo más vistoso y superficial de esta estética con el objetivo de buscarse un lugar en el mercado discográfico. Estos rebajan el nivel de protesta y dulcifican la aspereza de su sonido y sus mensajes, pero mantienen parte de lo que se asocia vulgarmente con el

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sonido heavy. Los más famosos en esta línea fuero Europe, que mantuvieron un prolongado éxito comercial. El heavy en España El heavy español tuvo su esplendor en la década de los 80. El sonido seguía estrechamente el modelo de los grupos extranjeros, al igual que la estética en la indumentaria de sus componentes. Suelen prescindir, sin embargo de textos de carácter satánico, quizá porque eran demasiado provocadores para un país que había salido recientemente de un régimen que se auto identificaba con el catolicismo. Grupos de heavy español fundados por estas fechas fueron Obús, Panzer o Barón rojo. Todos ello nombres con connotaciones bélicas y violentas. Derivados del sonido metal: subgéneros La estética del glam (que ya hemos visto en el pop), con sus peinados y maquillajes estrafalarios influyó mucho sobre nuevas estéticas y puestas es escena de muchos grupos heavy. Esta teatralidad escénica unida a mensajes de diversas orientaciones ha marcado la evolución de numerosos subgéneros de este estilo. Otra tendencia que se ha sumado a esta es la derivación hacia la estética gótica. Esta recibe el nombre de la literatura gótica (del romanticismo del SXIX) en la que se refleja un mundo fantasmal entono al terror y la muerte con una ambientación con rasgos medievales. En su reinterpretación moderna se refleja en una estética de colores negros maquillajes pálidos, referencias a la muerte (calaveras, cruces) etc. De entre los muchos existentes podemos destacar:

• Glam metal

Se denomina así al estilo que introduce por primera vez influencias glam en el mundo del heavy. Muchos son los grupos que tienen trabajos que se pueden enmarcar en esta tendencia pero destacaremos aquí a Bon Jovi y su álbum Runaway.

• White metal o Metal cristiano

Lo inicia una banda de clara estética glam, llamada Stryper. Se caracteriza por el uso de mensajes de carácter cristiano aunque desde en punto de vista musical no aporta ningún cambio. Muchos grupos han seguido esta tendencia, aunque ninguno ha llegado a ser muy popular. • Trhash metal

Desde el punto de vista musical es un estilo derivado del heavy que busca exagerar las características más duras de ese sonido. Se aumenta la velocidad general, sobre todo en los solos de guitarra y los riffs se hacen más obsesivos. La batería adopta un estilo más agresivo reforzando los graves con un doble bombo, y aumentando la sensación de aceleración. Desde el punto de vista rítmico se realizan frecuentes cambios de tempo y compás, jugando entre ritmos simples y compuestos y compases binarios y ternarios. Allgunos consideran que el tema de Queen “Stone Cold Crazy” es la primera composición de éste género, aunque más bien parece que surge entre diversos grupos norteamericanos que buscan un sonido más extremo, y que postriormente

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fueron englobados bajo ese nombre por la crítica. El primer disco de trhash metal que alcanzó éxito comercial fue “El álbum negro” de Metálica. Un grupo de trhash metal español es Soziedad alKoholika. • Death metal

Es un estilo, iniciado por el grupo Death con sonido aún más rápido que el de trhash metal pero con temática gótica y escenificación y maquillajes macabros. Vocalmente se caracteriza por sus voces guturales exageradas. Temática en torno a la muerte masacres psicópatas etc. Aderezado con sonidos metálicos y rítmicos de tipo industrial tendríamos el metal industrial de Maryli Manson. • Black metal

No es fácil establecer diferencias musicales entre el black metal y el death metal. La diferencia fundamental está en los temas que tratan. En el black los mensajes giran en torno a visiones paganas del satanismo o a las religiones nórdicas precristianas. El grupo más famoso que representa este estilo es Dimmu Borgir. • Doom metal

Es un heavy de tiempos lentos y musicalmente más sutil abierto a influencias del jazz en las improvisaciones. Busca una sonoridad melancólica acorde con el tipo de textos que utiliza. • Otros

Además de estos géneros vistos hay muchos otros entre los que, como hemos visto las diferencias musicales son sutiles y difícilmente definibles. Muchas veces las actitudes y la temática general de los textos es lo único que los diferencia. Nombraremos entre otros: metal progresivo y metal gótico. También se han elaborado fusiones como el folk-metal, rap-metal, funk metal etc. Punk rock Es la música característica de un movimiento social alternativo de carácter urbano denominado movimiento punk. La palabra punk es un término inglés que significa vago y sucio y aunque se les aplicó de forma despectiva, fue rápidamente asumido por ellos. El movimiento punk surge en Inglaterra en el contexto de la fuerte crisis económica de mediados de los 70. En este ambiente social con un aumento vertiginoso del paro, una crisis industrial sin precedentes, y cada vez más gente obligada a vivir de las prestaciones sociales, aparece una juventud desesperada sin expectativas sin trabajo y con un fuerte sentimiento de marginación. Estos jóvenes sin posibilidades de alcanzar ningún tipo de independencia económica, asumen una ideología que ve los sistemas políticos modernos como impulsoras de un mundo sin futuro y sin salidas para las clases desfavorecidas. Tampoco se ven las posibilidades de cambiar esa situación por los canales que ofrece la propia sociedad. Desde el punto de vista político el punk, asume una ideología anarquista que tiene mucho que ver con la organización colectiva que se comenzó a aplicar en las

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construcciones habitadas por el movimiento okupa, con el que siempre mantuvo una estrecha relación. Esta organización está basada en la autogestión colectiva grupos de pequeñas dimensiones (los que ocupan un edificio, por ejemplo). En consonancia con su propuesta política el punk siempre ha estado vinculado a los movimientos antisistema y antiglobalización. El carácter de la protesta punk nunca fue pacífico, como el de los hippies, por el contrario aceptan la violencia como un buen medio de expresar su descontento con la sociedad. Estética Como en muchos otros movimientos juveniles el punk también lleva asociado una estética propia con la que pretenden identificarse ante sí mismos y ante la sociedad. Los punkies pretenden con su imagen no solo distinguirse sino, en cierta manera también marginalizarse. Pelos de colores, crestas y elementos que acentúen su imagen agresiva como cadenas, chapas, cazadoras de cuero y botas militares. El uso de ropa militar viene potenciado por el hecho de que en el Reino Unido el ejército la vendía de segunda mano a precios de saldo, con lo que se generalizó su uso entre los más pobres. Por ello esta ropa les daba además cierta identidad de clase. Con el tiempo esta estética acaba convirtiédose también en una corriente de moda. Características musicales Desde un punto de vista musical el punk se define por su sencillez dentro de los sonidos agresivos del rock duro. La melodía es sencilla, muchas veces más recitada que cantada y está absolutamente subordinada a los textos. La armonía está basada en tres acordes (tónica, dominante y subdominante). El bajo se limita a seguir la fundamental de los acordes. El ritmo es muy rápido. La batería es simple pero de velocidad frenética. Pronto se ve influido por los ritmos marcados y saltarines del ska por su contacto con los emigrantes jamaicanos en Inglaterra. La idea general es la de crear un sonido simple que pueda hacerse sin demasiada habilidad musical, pero que sea efectivo para transmitir sus mensajes. Los textos son lo más cuidado ya que el punk está interesado sobre todo en los mensajes. Estos serán de carácter social, agresivos y provocadores. En ellos se plasman críticas razonadas contra los valores e instituciones de esta sociedad (policía, gobiernos, iglesia, educación…). Toda esta música está envuelta en una puesta en escena agresiva. En sus conciertos se promueve la agitación social: destrucción, peleas, alcohol escupitajos e insultos al público etc. Orígenes del punk Como ya hemos visto este movimiento social y musical tiene su origen en las zonas industriales de Inglaterra. Pero su sonido tiene su origen en grupos norteamericanos. Su primer antecedente fue el sonido “garage”, que fue un estilo de sonido duro y poco cuidado hecho por aficionados y que alcanzó cierta popularidad en Estados Unidos. Este sonido gana consistencia con le grupo neoyorquino “Los Ramones” que elaboraron composiciones sencillas con letras ácidas.

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Influidos por “los ramones” aparecen los primeros grupos punk británicos: Sex Pistols y The Clash. Poco después aparecen los también destacables Tom Robinson’s Band, con más influencia ska. Derivados del punk Tras ellos han surgido diferentes estilos derivados. Algunos estilos mantienen diferencias en su sonido, otros sin embargo se definen tan sólo por su temática.

• Hardcore

Es un subgénero punk que arranca ya de los años 70. Su sonido es más duro y extremo con tendencia a tiempos más rápidos. Tienden a canciones cortas que no llegan a los tres minutos de duración, con o que su música consigue una sensación de velocidad frenética. El hardcore se ha fusionado con muchos otros géneros considerándose importante como influencia de muchos estilos “metal”. Se considera que a partir del hardcore surgen otros derivados como el “pop punk” el “ indie rock” o el “emo”. Uno de los grupos pioneros de este género fue “Bad Brains”. • Ska punk

Es una fusión de punk y ska. El ska es una música de origen jamaicano relacionada con el reggae. Sus ritmos no son excesivamente rápidos, pero sí son muy marcados y juegan con las síncopas lo que les otorga un carácter “saltarín”. Utilizan también muchos instrumentos de banda de jazz como saxofones, trombones trompetas etc. Fueron los propios “The clash” los pioneros de esta fusión. • Otros

Por su temática han surgido estilos como - Anarco punk: temas políticos de carácter anarquista

- Gotich punk: temática gótica

- Oi! o Sreet punk: Temas relacionados con la subcultura skin head.

- Skate punk: Relacionados con el mundo del skate.

- Quercore: de temática homosexual.

El punk en España. El movimiento punk hace su aparición en España en a principios de los años 80. Se considera que el grupo alavés “La polla records” es el más influyente en los inicios del estilo. Muchos grupos de los grupos punk más exitosos se formaron en el País Vasco con lo que fueron englobados en una corriente llamada “Rock radical vasco”, que fue potenciada por el independentismo radical. Algunos grupos como Kortatu se identificaron con la ideología nacionalista vasca utilizando también el idioma como parte de su discurso política ya que empezaron cantando en castellano, pero acabaron haciéndolo íntegramente en euskera. Desde el punto de vista sonoro son importantes ya que fueron los introductres del ska en Esaña. Otros grupos como eskorbuto, también vascos, fieles a los principios anarquistas del punk, rechazaron cualquier vinculación con cualquier ideología nacionalista, tanto

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española como vasca. Su tema “Maldito país España” les causó problemas con la justicia española (se les aplicó la ley antiterrorista) pero su “A la mierda el País Vasco” y su rechazo total del movimiento abertzale les imposibilitó prácticamente volver a tocar en Euskadi. Ska-p ha sido el grupo que más éxito comencial ha tenido dentro del estilo punk. Su música es un punk-ska melódico y sus letras tratan los típicos temas punk aunque algo más suavizados. Su éxito ha propiciado el rechazo de amplios sectores del punk.