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Universidad de América Latina Ingeniería Civil Materia: Planeación de Proyectos en Ingeniería Civil. “Inquietud teórica y estrategia proyectual” Alumno: Jesús Carrera López Arq. Ricardo Domínguez Paredes

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reporte de algunos arquitectos que hicierons algunas obras de gran reputacion

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Page 1: Reporte de Arquitectos

Universidad de América Latina

Ingeniería Civil

Materia: Planeación de Proyectos en Ingeniería Civil.

“Inquietud teórica y estrategia proyectual”

Alumno: Jesús Carrera López

Arq. Ricardo Domínguez Paredes

Primavera 2016

1) Jacques Herzog y Pierre de Meuron

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Jacques Herzog y Pierre de Meuron entraron en la escena arquitectónica, a principios de los 80, la arquitectura se hallaba en pleno proceso de cambio causado por el cansancio de las formas y soluciones postmodernas. Por ello su propuesta de una arquitectura que buscase su imagen formal como resultado de su propia lógica material y constructiva resultaba sorprendente e innovadora.

Los almacenes para Ricola (1986-87). Una de las primeras obras de Herzog & de Meuron, y quizás la que los colocó en primera línea arquitectónica. La arquitectura no depende de lo externo, ni busca la expresión personal. Debía ser el resultado formal de su propia lógica. La propia capacidad expresiva del material empleado otorgaba al edificio un cierto componente clásico. Y componentes formales como número proporción y ritmo.

Sus primeros trabajos mostraban una solidez y una consistencia que eran anticipo de la intensidad que alcanzaron algunas de las obras que vinieron más tarde. Su obra está enraizada en la sociedad en la que viven, en su país, en Suiza. Reflejan virtudes y atributos de la arquitectura suiza: respeto por el lugar, atención a la escala, rigor y cuidado en los detalles a que la construcción obliga.

Podemos identificar dos vertientes. La problemática de la vida actual, la cultura y habitar contemporáneo; en las expresiones del arte, la música y los medios de comunicación. Estudio de los materiales, su composición y los procesos técnicos que originan, los cuales les permiten realizar visiones específicas dónde se fusionan procesos naturales y sintéticos dentro de su arquitectura.

Dentro de sus características está buscar la forma del edificio mediante la lógica del material empleado y del proceso constructivo. No se puede entender la arquitectura como una simple expresión individual. Consciente abandono de toda referencia iconográfica. El "redescubrimiento" de los materiales y sus capacidades expresivas desembocaba también en una "vuelta a los orígenes", a un valor "casi-primitivo" de la arquitectura, donde eran los propios materiales quienes forzosamente determinaban el resultado de la arquitectura. Aumentar la percepción que tenemos del mundo. Los edificios pueden convertirse en marcos o filtros que concentran una visión específica dentro de la ciudad. La experiencia de realidades distintas, ya sean artificiales, artísticas, naturales, o de cualquier otra índole, pudiéndose intensificar mediante el uso controlado de los materiales, reflejos, luces y líneas visuales. Interés por las últimas experimentaciones de los artistas plásticos. Por algunos de los más representativos artistas minimalistas como Donald Judd.

La Galería de arte Goetz (1986-87) con planta algo anodina. Fabulosa realización formal del exterior. La luz es el protagonista de la arquitectura. Minimalismo Abstracción. Contraste lleno-vacío, luz- sólido, ligereza-masa. La volumetría del edificio se compone de tres cuerpos horizontales, de un modo todavía más evidente que en el de la Ricola.

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Centro de señales de la estación ferroviaria de Basilea (1994-98), tiene volumen puro, casi abstracto. El programa exige un edificio cerrado, introvertido, situado en un entorno urbano poco atractivo. Cualidades expresivas del cobre, usado como envolvente total del edificio, no sólo limitado a la cubierta. El cobre es el que da forma al volumen. Aquí no observamos juegos de cuerpos o ritmos: el volumen posee ritmo por sí sólo, gracias a las aletas de cobre y sus distintas apariencias según la luz que incida sobre ellas.

Bodegas Dominus, Napa Valley, USA (1995-97) tiene características expresivas de un material como generador de la forma final del edificio. Gran expresividad, casi brutal, de los grandes bloques de piedras encerradas. Gran efectividad para la cría de viñedos. Herzog & de Meuron describen así las bodegas: "se podría describir nuestro uso de los gaviones como una especie de cestería de piedra con distintos grados de transparencia, algo más cercano a la piel que a una construcción tradicional. El valor de "lo primitivo" en la arquitectura alcanza aquí su máximo y más claro ejemplo.

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Edificio de oficinas y Marketing Ricola (1997-99), aquí ellos abandonan la idea del prisma perfecto para proponer una pieza de planta compleja de ángulos no ortogonales. Paños de vidrio que conforman la fachada del edificio. Ilusionismo del vidrio y su capacidad de ofrecer diversos planos e imágenes según las distintas perspectivas.

M.H. de Young Museum, San Francisco (2005) La resolución formal del edificio es mucho más compleja que en los ejemplos anteriores, juego de volúmenes vertical - horizontal en el que las obras del mundo occidental se sitúan en un cuerpo, y el resto en el otro. El elemento de mayor interés e importancia del edificio es la torre. El metal hace posible la compleja forma de la pieza. La torre del Young Museum es una pieza permeable, en clara relación con el entorno del edificio.

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2) Rem Koolhaas

Rem Koolhaas, cuyo verdadero nombre es Remmet Koolhaas nació en 1944 en Rotterdam, Países Bajos y es hoy por hoy una de las super estrellas de la arquitectura moderna, Koolhaas es un provocador por naturaleza que ya desde estudiante se encargó de remecer los cimientos de las teorías arquitectónicas, nadie ha quedado impasible frente a sus planteamientos, ni sus seguidores ni sus férreos críticos quienes han llegado a afirmar que “ignora todas las consideraciones de belleza”.

Las cosas han ido tan lejos con este genial y controvertido arquitecto que muchos se preguntan si sus modernos diseños son fruto de su amor por el diseño o de su odio por este, Koolhaas ha probado casi de todo, escaleras en forma de ocho, pisos de vidrio y dismorfas paredes translúcidas, en cierta ocasión, durante una entrevista, afirmó que detesta el sistema de la arquitectura actual. Aun así, este díscolo arquitecto ha sido merecedor de muchos premios, entre ellos el Pritzker en el año 2000. En el año 1975 Koolhaas inauguró su firma de arquitectura al lado de otros tres socios, la empresa se llamó Office for Metropolitan Architecture (OMA), posteriormente se creó otra dependencia llamada AMO, encargada de tareas puntuales. OMA en la actualidad trabaja con más de 325 arquitectos y diseñadores que realizan labores en todo el mundo.

Hablar del estilo de Koolhaas es una tarea complicada, es un arquitecto cuyos edificios proyectan gran consistencia física y predominantemente masivos, este arquitecto también tiene aportes teóricos y ha publicado algunos libros, entre ellos “Mutaciones”, “S, M, L, XL”, “Content” y “Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan”.

Una de las facetas más notables de Koolhaas es la de teórico urbanista, ningún arquitecto ha abarcado tanto desde que Le Corbusier compartió su visión de la ciudad moderna allá por 1920 y 1930, durante sus travesías, Koolhaas ha escrito sobre la evolución de las metrópolis contemporáneas y saliendo del plano teórico, ha diseñado planos magistrales para locaciones tan espectaculares como el París sub-urbano, Hong Kong y el desierto Libio.

Una de las primeras pruebas de las teorías urbanistas de Koolhaas, tuvo lugar en los 90s cuando se le comisionó para diseñar una obra de expansión urbana en las laderas de Lille, una ciudad industrial en el norte francés, ciudad cuya economía se basaba en la industria textil y la minería, la obra, llamada Euralille incluía un centro comercial, un centro de convenciones, torres de oficinas rodeadas por pistas y líneas de trenes, lo que buscaba Rem era una verdadera colección de atracciones urbanas, en esta obra trabajaron algunos célebres arquitectos además del mismo Koolhaas.

El trabajo de Koolhaas es tan difícil de clasificar que los mismos académicos no saben definir su estilo, ¿es un Deconstructivista? ¿Estructuralista? ¿Modernista?

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El diseño de la Biblioteca Pública de Seattle, otra de sus obras se resiste a ser etiquetado, se trata de una edificación que parece haber sido levantada en base a formas abstractas, inconexas y sin la menor armonía, carentes de toda lógica visual.

Los aportes de Koolhaas han sido famosos desde que solo eran escritos teóricos, incluso antes de que se construyeran sus edificaciones, incluso algunos de sus más sonadas ideas, están aún en el tablero de diseño y no han sido llevadas a la práctica. Este genial y controvertido arquitecto ha volcado todo su talento también en algunas ciudades asiáticas, en China ha construido entre el 2004 y 2009 la sede central de la televisión estatal CCTV en Pekín y también el Shenzhen Stock Exchange en la provincia de Shenzen, también destacan la Embajada de Países Bajos en Berlín, el Museo de Arte de la Universidad de Seúl, el Teatro Dee y Charles Wyly en Dallas Texas y la Biblioteca Central de Seattle, entre otras obras.

Koolhaas es uno de esos genios irrepetibles que aparecen cada cierto tiempo en diferentes campos del conocimiento, la arquitectura ha sido remecida con su visión radical, sus frases crudas, su filosofía y su desfachatez, el movimiento sísmico que sus propuestas han causado no es destructivo, es solo renovador, y es que para levantar un nuevo paradigma es necesario destruir el paradigma obsoleto, y en esto, Koolhaas es un especialista nato.

Netherlands Dance Theater (1987)Ciudad: La Haya (Holanda Meridional)País: Holanda, Europa

Nexus Housing (1991)Ciudad: Fukuoka (Fukuoka)País: Japón, Asia

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Lille Grand Palais (1994)Ciudad: Lille (Norte-Pas de Calais)País: Francia, Europa

Netherlands Embassy (2001)Ciudad: Berlín (Berlín)País: Alemania, Europa

Biblioteca Pública de Seattle (2004)Dirección: 1000 Fourth AvenueCiudad: Seattle (Washington)País: EEUU, América

Casa da Música (2005)Ciudad: Oporto (Oporto)País: Portugal, Europa

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Shenzhen Stock Exchange (2013)Ciudad: Shenzhen (Shenzhen)País: China, Asia

Antes de dedicarse a proyectar edificios, Koolhaas, trabajó como guionista de cine y ejerció de periodista. Aunque en España es menos popular que Foster, Richard Meier, Alvaro Siza o Philip Johnson, reconocidos también con el Pritzker, el máximo galardón para los arquitectos, Koolhaas es una figura fundamental para entender el desarrollo de la arquitectura contemporánea. Antes de esbozar sobre el tablero de dibujo su primer proyecto, Rem Koolhaas, que estudió en la Architectual of Association de Londres, se dedicó a impartir teoría. Su libro La delirante Nueva York lo situó en la línea de salida para una carrera que dura ya dos décadas. En 1975, después de analizar el impacto de la cultura metropolitana sobre la arquitectura fundó, junto a Elia y Zoe Zenghelis y Madelon Vriesendorp, la Office for Metropolitan Architecture (OMA), cuyos objetivos son la definición de nuevos tipos de relaciones, tanto teóricas como prácticas, entre la arquitectura y la situación cultural contemporánea. La arquitectura que realiza Koolhaas es, quizá, más difícil de identificar que la que practican muchos de sus colegas contemporáneos. El holandés, al que le interesan sobre todo los proyectos a gran escala, siempre ha defendido la libertad de modelos. Su arquitectura es una arquitectura de lo esencial; ideas a las que se da una forma constructiva. Es un profesional que se siente manifiestamente a gusto con el futuro y en estrecha comunicación con su ritmo acelerado y sus cambiantes configuraciones. En sus proyectos se deja sentir la intensidad de un pensamiento que da cuerpo al armazón que termina por ser una casa, un centro de congresos, el proyecto de un campus o un libro. El Netherlands Dance Theater, en La Haya, fue uno de los primeros proyectos que Rem Koolhaas consiguió materializar. A partir de ahí le llovieron los encargos. Sus clientes le demandaron desde una casa hasta un plan director para un área concreta de una ciudad. Una sofisticada vivienda en Burdeos, construida sobre una colina por encargo de una persona que había sufrido un accidente, lo introdujo en el Olimpo destinado a los arquitectos más innovadores. Rem Koolhaas ha sido galardonado con el Pritzker del año 2000.

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3) Frank Gehry

Nació el 28 de febrero de 1929 en Toronto, Ontario, Canadá. Hijo de Irwin Goldberg y Thelma Caplan, judíos polacos. Fue un niño creativo, que animado por su abuela, construía ciudades con trozos de alambre, madera contrachapada y otros materiales restos de la ferretería de su abuelo. También le gustaba pasar el tiempo dibujando con su padre. Se trasladó junto a su familia a Los Ángeles, Estados Unidos, en 1947.

Consiguió un trabajo de repartidor y estudió en Los Angeles City College, antes de graduarse de la Universidad del Sur de California, Escuela de Arquitectura. Durante ese tiempo, fue miembro de la hermandad Alpha Epsilon Pi. Trabajó en la empresa Victor Gruen Associates. En 1956 realizó un curso de planeamiento urbano en la Escuela de Harvard, y después regresó a Los Ángeles para continuar trabajando con Victor Gruen hasta 1960. En 1962 abrió su propio estudio en Los Ángeles.

En sus primeras obras se observan influencias del arquitecto franco-suizo Le Corbusier. Hacia 1972 comenzó a experimentar con la yuxtaposición de materiales bastos en inusuales composiciones geométricas. La casa de Ron Davis en Malibú, por ejemplo, cuenta con una cubierta trapezoidal. Entre otros proyectos significativos se encuentran el Museo Aeroespacial de California (1982-1984), Museo Guggenheim en Bilbao y el Museo de Arte de la Universidad de Toledo (Ohio, 1990-1992). El arquitecto finalizó su primer rascacielos en Manhattan en febrero de 2011, cercano al puente de Brooklyn en el Downtown, que supuso el primer cambio en el skyline de la ciudad desde 2001.

Desempeñó importantes encargos institucionales, como el campus para la Loyola Law School (Los Ángeles, 1981-1984). Le concedieron en 1989 el Premio Priztker. Además fue galardonado con la Medalla de Oro del AIA, la Medalla de Oro del RIBA, la Medalla Nacional de las Artes, el Premio de la Fundación Wolf de las Artes y el Woodrow Wilson Awards. El 7 de mayo de 2014, fue reconocido a sus 85 años con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Dentro de su extenso trabajo sobresalen:

Vitra Design Museum (1989 -90), junto a Günter Pfeifer en Weil am Rhein, Alemania

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Dancing House (1992 -96), junto a Vlado Milunić;

Museo Guggenheim Bilbao (1997)

Walt Disney Concert Hall en Los Ángeles

La creencia que “la arquitectura es arte” ha llevado a Frank Gehry a cambiar el rumbo de la misma a partir de la segunda mitad del siglo XX. Después de lanzar

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su línea de muebles de cartón corrugado Easy Edges (1969-1973), empezó la remodelación de su casa en Santa Mónica, California, y con esta marcar su diseño de vanguardia. Un ejemplo de la estética post-estructuralista deconstructivista que desafía abiertamente el paradigma del ideal modernista de “la forma sigue a la función” que llamó la atención del mundo de la arquitectura y, tras esto, comenzó a diseñar casas, similares a la suya, en el sur de California en los años 80.

Mientras Gehry alcanzaba estatus de celebridad, su trabajo cambiaba de escala y uso. Siempre abierto a la experimentación, Gehry cultivó un interés particular por la manipulación y yuxtaposición de las formas, por la innovación técnica y el contenido conceptual y espacial de los edificios.

A pesar de ser criticado por su asociación al “efecto Bilbao” y al “star system” arquitectónico, es decir, la arquitectura y al nombre del arquitecto como fenómenos publicitarios, Gehry sigue siendo uno de los arquitectos contemporáneos más relevantes del mundo.

Si bien es una celebridad mediática, nombrado por Vanity Fair como “el arquitecto más importante de nuestra época” y haciendo apariciones en programas de televisión como Los Simpsons, sus diseños han recibido más de 100 premios en todo el mundo, incluyendo el Arnold W. Brunner Memorial Prize (EE.UU., 1977), el Premio Pritzker (1989), el Wolf de las Artes Israel (1992), el Praemium Imperiale (Japón, 1992), el Dorothy and Lillian Gish (1994), el Premio FriedrichKiesler (Austria,1998) y el Twenty Five Year Award del Instituto Americano de Arquitectos (2012).

Posee además la Medalla Nacional de las Artes de los Estados Unidos (1998), la Medalla Lotos al Mérito (EE.UU., 1999), la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos (1999) y la Real Medalla de Oro a la promoción de la arquitectura (2000), que otorga la Reina de Inglaterra.

4) Álvaro Siza

Arquitecto portugués. Discípulo de F. Tavora, sus obras se caracterizan por la concordancia con el entorno natural y cultural y por un estilo que conjuga elementos del racionalismo y del organicismo. De su primera etapa destacan unas viviendas (1955) y una iglesia (1959) en Matosinhos, y un edificio de oficinas (1968) y varias sedes bancarias (1969-1973) en Oporto.

A partir de la Revolución de 1974 empezó a colaborar con el nuevo Gobierno y se interesó fundamentalmente por la problemática urbana, sobre todo en la construcción de viviendas sociales, como las de Senhora das Dores (1974-1977) y Quinta de Malagueira (1977-1979), en Évora.

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Posteriormente participó en el proyecto de reconstrucción del centro histórico de Lisboa, tras el incendio de 1988. Por el Banco Borges & Irmo en Vila do Conde (1982-1986) recibió el primer premio europeo de arquitectura Mies Van der Rohe en 1988. También ha proyectado construcciones en Berlín y en España, donde además ha participado en la rehabilitación de edificios históricos.

En 1993 recibió el premio Nacional de Arquitectura que concede la Asociación Portuguesa de Arquitectos y fue nombrado Doctor honoris causa por la Universidad de Lausanne (Suiza). En 1994 finalizó su intervención en el barrio de Schilderswijk, en La Haya y mostró una selección de sus proyectos en el Colegio de Arquitectos de Sevilla y Granada y en la Sala Risco de Lisboa.

Arquitecto por la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto en 1955. Doctor Arquitecto por la Facultad de Arquitectura de Porto en 1966. Profesor colaborador de Fernando Távora entre 1955 y 1958. Profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto entre 1966 y 1969. Profesor Adjunto de Construcción en la Facultad de Arquitectura de Porto desde 1976.

Ha sido Profesor Visitante de la Escuela Politécnica de Lausanne, de la Universidad de Pensilvania, de la Escuela de los Andes de Bogotá, de la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard.

Su obra ha sido expuesta en: Copenhague (1975), Aarhus (1976). Barcelona (1976), Venecia (1978), Milán (1979), Museo de Arquitectura de Helsinki (1982), Museo Alvar Aalto de Jyvaeskyla (1982). Institute of Contemporary Arts de Londres (1983). Stichting Wonen de Amsterdam (1983). Technische Hogenschool de Delft (1984). Escuela Superior de Bellas Artes de Porto (1984). Galería Almada Negreiros (1984). International Building Exhibition del IBA en Berlin (1987 y 1989). Bienal de París (1985). Massachussets Institute of Technology de Cambridge (1988). Galería 9H de Londres (1986). Columbia University de Nueva York (1987). Harvard Graduate School of Design de Cambridge (1988). Centro Georges Pompidou de París (1990) y Galería de Exposiciones del Ministerio de Obras Públicas y Urbanismo en Madrid (1990).

Ha participado en Seminarios y Congresos y dictado Conferencias en Portugal, España, Alemania, Francia, Noruega, Holanda, Suiza, Austria, Inglaterra, Colombia, Argentina, Canadá y Estados Unidos.

Primer Premio en los Concursos Internacionales: Schelisches Tor en Berlín (1984), recuperación del Campo de Marte en Venecia (1985). Remodelación del Casino Winkler en Salzburgo (1986). "Un Proyecto para Siena" (1988) y Centro Cultural de la Defensa de Madrid (1988).

Es Director del Plan de Recuperación de Schilderseijk en la Haya y de la Reconstrucción del Chiado en Lisboa. Es Premio Nacional de Arquitectura en Portugal (1982), de la Asociación Internacional de Críticos de Arte y Premio

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Nacional de Arquitectura de la Asociación de Arquitectos portugueses (1987). En 1988 recibió la Medalla de Oro de Arquitectura del Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España, la Medalla de Oro de la Fundación Alvar Aalto de Finlandia, el Premio Príncipes de Gales de la Universidad de Harvard en Inglaterra y el Premio Europeo de Arquitectura de la Comisión de Comunidades Europeas. Fundación Mies van der Rohe.

Entre los principales Proyectos en ejecución en nuestro país cabe destacar:

Museo de Arte Contemporáneo de Galicia (Santiago)

Centro Cultural de Defensa en Madrid

Portal de Riquer en Alcoy

Viviendas en Concepción Arenal (Cádiz)

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Restaurante y Jardín Bonaval en Santiago

Biblioteca de la Universitat de València Estudi General

Complejo Deportivo en Villanueva de Arosa

5) Peter Eisenman

Arquitecto estadounidense nacido en Newark, recibio su educación en la Universidad de Cornell, Ithaca, New York y en Cambridge (Inglaterra). Trabajo entre 1957 y 1958 con Walter Gropius en The Architects Collaborative (TAC).

En 1967 se estableció en New York en el Institute for Architecture and Urban Projects hasta 1982. Sus teorías son muy conocidas. Recientemente exploró el

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concepto de torsión 3D. Dedica mucho tiempo y energía a la elaboración de teorías específicas.

Su teoría, en forma escrita, siempre ha acompañado y protegido a sus proyectos. Trata temas como la ausencia, la presencia, el interior, el exterior y el espacio intermedio, las divisiones, la topología, y los significados. Le interesa despojar los significados superficiales de la arquitectura, lo que suele dejar cajas vacías (es famoso por sus cubos sustraídos, que llevan a la formación de la L tri-dimensional). Pero todo esto es más típico de los años 80.

Alguien tan involucrado en teoría arquitectónica, también tendrá ideas sobre la postura contemporánea de la complejidad. Dentro de este campo, Eisenman se presenta como patriarca de las aplicaciones del pliegue y desterritorialización. Ejemplos de esto se encuentran en su Parque Rebstock, Edificio Alteka, y Centro de Artes de la Universidad Emory. Su Centro de Arte y Diseño Aronoff de la Universidad de Cincinatti, también está basado en conceptos de pliegues.

Su museo para el IAS de Staten Island, Nueva York, demuestra su apreciación de pliegues y de la ligereza múltiple. Eisenman persiste en su deseo manifiesto de crear una arquitectura que perturbe, hasta el punto de incomodar a sus usuarios. Este efecto lo ha logrado por medio de las sorprendentes formas geométricas de sus edificios, en los que apenas se ven ángulos rectos ni superficies auténticamente verticales u horizontales. Si bien esta arquitectura es claramente más intelectual que sensual, la necesidad de Eisenman de inquietar obedece a corrientes del arte contemporáneo.

Peter Eisenman está comprometido con la arquitectura, de tal forma que se siente ser parte de ella; una forma organizada de proyectar; utilizando al criterio como base representativa. Busca en su arquitectura la expresión que puede generar el volumenen lugar de masa; el equilibrio en lugar de simetría; superponiendo dichos volúmenes, de tal manera que se exponga el sentir de la arquitectura, que se quiere transmitir.

Para Eisenman, la arquitectura debe estar libre y, no estar sometida a procesos que transformen su expresión; una arquitectura dispuesta a transmitir su sustancia; que no se debe perder por el proceso evolutivo, generado en la arquitectura a través del tiempo. La posición del que proyecta, debe ser coordinada, rechazando el intento de semantizar.

La arquitectura de Eisenman, es obtenida mediante el proceso, donde el objeto es uno mismo; es decir el proceso es parte esencial de representar, a la arquitectura. Nada es expuesto al azar, toda forma parte de un proceso evolutivo, hacia un mismo objetivo. Todo tiene un orden que va marcado por el tiempo; transmitir la esencia profunda de la estructura, distinguiéndola de elementos superficiales.

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El señor Eisenman, forma parte de exponer el proceso, pues este muestra la realidad del objeto; organizar y valorizar para expresar la esencia. La arquitectura para Eisenman, es como la biografía; tiene un proceso; nace y se forma; demostrando lo que es y lo que será, con los resultados que se obtengan.

Eisenman genera arquitectura, la cual es entendida por la coordinación estructural., siendo todo parte de un proceso; es decir realizar un profundo análisis; pretendiendo que la arquitectura recupere su ser. El orden superpuesto de un elemento, genera equilibrio; el descomponer volúmenes, para generar espacios; espacios que transmiten su esencia; siendo parte de un proceso de abstracción.

Eisenman fecunda sus conocimientos bajo el proceso de diagramación; pues considera que es el que le da realce a la concepción de sus ideas plasmadas en la arquitectura. La diagramación para Eisenman, se convierte en la forma de concebir la arquitectura; una forma en la que él se expresa tan libremente, en la que él forma parte principal.

Barenholtz Pavilion (House I) (1968)Ciudad: Princeton (Nueva Jersey)País: EEUU, América

Wexner Center (1989)Dirección: Columbus UniversityCiudad: Columbus (Ohio)País: EEUU, América

Zoizumi Sangyo (1990)Ciudad: Tokio (Tokio)País: Japón, Asia

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Convention Center (1993)Ciudad: Columbus (Ohio)País: EEUU, América

Aronoff Center Design Art (1996)

Ciudad: Cincinnati (Ohio)País: EEUU, América

Monumento al Holocausto (2005)Ciudad: Berlín (Berlín)País: Alemania, Europa

Ciudad de la Cultura de

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Galicia (2010)

Arquitecto: Peter EisenmanDirección: Monte Gaiás, s/nCiudad: Santiago. La Coruña (Galicia)País: España, Europa

6) Aldo Rossi

Arquitecto italiano nacido en Milán en 1931 y fallecido en su ciudad natal en 1997. Comenzó sus estudios de arquitectura en el Politécnico de su ciudad natal en 1949, y se diplomó en 1959. Durante sus años de estudiante colaboró en la revista Casabella Continuità en 1955, hasta su desaparición en 1964. Trabajó junto a Ignazio Gardella y Marco Zanuso en 1956.

Su padre heredo un taller de bicicletas. Durante la segunda guerra mundial estudio en la escuela de los padres Somaschi en el lago Como, y tiempo después en el Colegio Alessandro Votas en Lecco. Poco después de que terminara la guerra, ingreso en el Politécnico de Milán para recibir su título de Arquitecto en 1959. Un accidente automovilístico que sufrió en 1971 le cambio la vida casi al terminar su juventud y lo inspiro a proyectar el cementerio de Modena y el cementerio de San Cataldo. Cinco importantes proyectos fueron completados en 1988 el Palazzo Regionale en Perugia, una capilla funeraria en Giussano construida para la familia Molteni, un centro civico para la ciudad de Borgoricco, el Centro Torri Shopping en Parma, la casa Aurora y las oficinas centrales de GFT.

Con la construcción de estos importantes proyectos, Rossi gano clientes en todo el mundo, por ejemplo construyo: Canary Wharf Offices en Londres, una galería de arte en Japón, un gran complejo de edificios en La Haya, La restauración de un monasterio en Sevilla, España, y en su propio país un estadio y muchos otros proyectos más. Así mismo en 1989 ganó el concurso para el diseño del Deutsches Historisches Museum in West Berlin. Aldo Rossi ha alcanzado un nivel de distinción como teórico, escritor, artista, maestro y arquitecto tanto en su nativa Italia como a nivel mundial. Algunos lo comparan con Le Corbusier, pero todos están de acuerdo en que es un poeta que hace arquitectura.

Tras terminar sus estudios trabajó como ayudante de Ludovico Quaroni en la Escuela de Urbanismo de Arezzo, y de Carlo Aymonino en el Instituto de Arquitectura de la Universidad de Venecia. Dio clases en el Politécnico de Milán en 1965, y en el Politécnico de Zurich en 1972. Abandonó su actividad docente en

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Italia durante cuatro años por motivos políticos, para retomarla en 1975 en la Universidad de Venecia. Trabajó en Estados Unidos en 1976, impartiendo clases en la Universidad de Cornell, Ithaca y en la Cooper Unión, Nueva York.

Aldo Rossi es uno de los arquitectos más conocidos del momento, convirtiéndose en una de las principales figuras de la segunda mitad de siglo -tanto por sus escritos como por su arquitectura- y ganando diversos concursos como el organizado para el Teatro Carlo Felice de Génova, (1984), el concurso para La Villette-Sud, París (1987) o el concurso para el Museo de Historia Alemana de Berlín (1988), entre otros.

Su obra es conocida en todo el mundo, gracias en parte a la multitud de exposiciones -individuales o en grupo- que realiza: la titulada Diseño Arquitectónico en Turín (1986), exposición colectiva en Londres y Nueva York (1988), o exposición retrospectiva en Amsterdam, (1991). Se convierte en el primer arquitecto italiano en exponer en Moscú en 1987.

De sus libros destacan: su primera obra l´Architettura della citta (1966), que influye notablemente en la cultura arquitectónica actual, convirtiéndose en un de las obras cruciales del panorama arquitectónico actual, Scriti scelti sull´architettura e la citta (1975), o A Scientific Autobiography (1981), en el que se entremezclan la literatura y el proyecto, la imaginación y los recuerdos.

Como reconocimiento a su gran labor como arquitecto recibió en 1991 el prestigioso Premio Pritzker, el Premio al mejor arquitecto de la ciudad de Fukuoka por su Hotel Il Palazzo, y el Premio AIA, en 1991. Gana la Medalla Thomas Jefferson de Arquitectura, en 1992.

Los años 60 y 70 en arquitectura se caracterizan por una amplia variedad de posibilidades estilísticas con la presencia, por tanto, de numerosos repertorios distintos. De todos ellos el más organizado e ilustre es sin duda el clasicismo. Muchos arquitectos aceptan esta posibilidad adaptándola a las nuevas exigencias del momento. Uno de ellos es Aldo Rossi, quien recorre la herencia del pasado, dando preferencia a los modelos compositivos de Boullé, Ledoux y Durand -teóricos neoclásicos franceses del siglo XIX- y de las escuelas vienesas de los dos primeros decenios de este siglo.

La producción de Rossi no es muy numerosa, pero toda ella responde a un riguroso y meditado proceso de realización. Entre sus obras destacan el monumento-bunker a la resistencia (1962), un edificio de viviendas en el barrio Gallaratese, Milán (1969-70), en el que evoca la tradicional casa de vecindad milanesa y que forma parte del conjunto diseñado por Aymonino, el cementerio de Módena, que comienza a proyectar tras el concurso de 1972, y donde aparecen tanto referencias clásicas como ciertas analogías con la fábrica y la granja tradicional de Lombardía, el Ayuntamiento de Trieste (1973), que pretende

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homenajear la tradición local del XIX, y el Teatro del Mondo para la Bienal de Venecia (1979), con el que obtiene una gran notoriedad internacional.

Su arquitectura forma parte del movimiento neo-racionalista, llamado ¨Tendenza¨ en Italia, que pretende salvar la arquitectura y la ciudad del peligro de las fuerzas del consumismo megalopolitano, con una vuelta a la tradición y al pasado. Rossi trata de evadirse de los engaños de la modernidad apostando por las viejas tipologías y formas constitucionales de la segunda mitad del siglo XIX.

Cementerio de San Cataldo (1971)Ciudad: Módena (Emilia-Romaña)País: Italia, Europa

Sudliche Friedrichstadt (1976)Ciudad: Berlín (Berlín)País: Alemania, Europa

Teatro del Mundo (Edificio para la Bienal de Venecia) (1979)Ciudad: Venecia (Véneto)País: Italia, Europa

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Centro Commercial Torri (1985)Ciudad: Parma (Emilia-Romaña)País: Italia, Europa

Casa Pocono Pines (1989)Ciudad: Mount Pocono (Pennsylvania)País: EEUU, América

Bonnefanten Museum (1995)Ciudad: Maastricht (Maastricht)País: Holanda, Europ

Quartier Schützenstrasse (1997)Ciudad: Berlín (Berlín)País: Alemania, Europa

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7) James Stirling

Arquitecto británico. Tras graduarse en la Escuela de Arquitectura de Liverpool (1950), realizó diversos trabajos enmarcados en la corriente brutalista en boga en aquella época, el más célebre de los cuales fue la sede del departamento de ingeniería de la Universidad de Leicester (1959-1963). Posteriormente, su estilo fue incorporando abundantes referentes históricos y formales que, a la postre, le aproximaron al posmodernismo arquitectónico preconizado por su coetáneo R. Venturi. Muestras representativas del carácter lúdico que impregnó su obra en esta segunda etapa, caracterizada por el libre juego de complejas formas geométricas y el uso del color en los abundantes elementos decorativos, son la Neue Staatsgalerie (1977-1984) de Stuttgart o el Museo Fogg (1979-84), en Harvard.

Uno de los más influyentes durante la segunda mitad del siglo XX. Nació en Glasgow, el 22 de abril de 1926, pero su familia se trasladó a Liverpool en 1927. Stirling estudió en una escuela local y luego en la Universidad de Liverpool. Después de trabajar tres años en el estudio de Lyons, Israel y Ellis, fundó su propia compañía con James Gowan en 1956. La sociedad se disolvió en 1963, y desde 1971 trabajó con Michael Wilford. Las viviendas realizadas con Gowan en Ham Common, Surrey (1955-1958), se consideran un monumento de la escuela del Nuevo Brutalismo. Sus primeros trabajos estuvieron muy influidos por la obra de Le Corbusier. Las creaciones más relevantes de esos años fueron la Universidad de Leicester (1959-1963) y la Biblioteca de Historia de Cambridge (1964-1967). Desde 1977 hasta 1983 construyó la Staatsgalerie (en Stuttgart), donde desarrolló temas clásicos desde una óptica vanguardista. También lo hizo en el Centro de Artes de la Universidad de Cornell (1983-1988) y en la ampliación de la Tate Gallery de Londres (1980-1986). La capacidad de Stirling para reinventarse a sí mismo se evidencia en la fábrica Braun en Melsungen (Alemania), acabada en 1992. El edificio es una serena reflexión racionalista, con un diseño liberado de signos posmodernistas, lo que sugirió a los críticos que su obra evolucionaría en esa dirección. Premiado en muchos países, Stirling recibió la Real Medalla de Oro de Arquitectura en 1980, y fue nombrado sir en 1991. En 1981 fue galardonado con el premio Pritzker de Arquitectura.

Departamento de Ingeniería (1963)Ciudad: Leicester (Leicestershire)País: Gran Bretaña, Europa

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Facultad de Historia (1967)Ciudad: Cambridge (East Anglia)País: Gran Bretaña, Europa

Florey Building (1971)Ciudad: Oxford (South East)País: Gran Bretaña, Europa

Staatsgalerie (1983)Ciudad: Stuttgart (Baden-Württemberg)País: Alemania, Europa

Clore Gallery (Tate Gallery) (1986)Ciudad: Londres (Gran Londres)País: Gran Bretaña, Europa

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Cornell Arts Center (1988)Ciudad: Cornell (North West)País: Gran Bretaña, Europa

Fábrica Braun (1992)Ciudad: Melsungen (Hesse)País: Alemania, Europa

Edificio 1 Poultry (1992)Ciudad: Londres (Gran Londres)País: Gran Bretaña, Europa

8) Venturi &Scott Brown

Robert Venturi arquitecto y profesor estadounidense, y uno de los más influyentes teóricos del siglo XX. Alcanzó prestigio cuando en la década de 1960 inició la crítica a la ortodoxia del movimiento moderno, que desembocó en el postmodernismo de la década de 1970. Su causa defendía una arquitectura compleja y que aceptara sus contradicciones. Rechazó la austeridad del movimiento moderno y animó el retorno del historicismo, la decoración añadida y de un rotundo simbolismo en el diseño arquitectónico. Venturi nació en Filadelfia,

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Pennsylvania, y acudió a la Universidad de Princeton, donde se licenció en 1947. Después de su graduación trabajó en varios estudios, incluyendo los de Oscar Stonov, Eero Saarinen y Louis Isadore Kahn. Ganó un premio que le permitió estudiar en la Academia estadounidense en Roma, entre 1945 y 1956. En 1964 estableció su propia firma junto a John Rauch. Entre sus primeros edificios destacan la casa Vanna Venturi, en la colina Chesnut, Pennsylvania, 1959-1963, diseñada para su madre; y la casa Guild,1961-1965, un asilo al norte de Filadelfia. Sus edificios son de imagen sencilla, planos complejos y ricos en alusiones históricas, contrastando con la arquitectura funcionalista de la época. Además de argumentar con su obra construida, Venturi polemizó a través de su libro Complejidad y contradicción en la arquitectura, publicado en 1966, donde propuso las bases para un acalorado debate sobre la forma y el significado en arquitectura. En 1967, se casó con Denise Scott Brown, urbanista y arquitecta nacida en África, y a quien conoció mientras dictaba lecciones en la Universidad de Pennsylvania. A partir de entonces iniciaron su colaboración como profesores, investigadores y profesionales. Escribieron con Steven Izenour el texto Aprendiendo de Las Vegas, 1972. En él proclamaron la importancia de la cultura popular, la construcción vernácula comercial y la arquitectura al borde de las vías de comunicación. El estudio de Venturi, Rauch y Scott Brown, más tarde Venturi, Scott Brown y asociados, proyectó varios de los más influyentes edificios de las décadas de 1970 y 1980. Entre ellos se incluyen el Franklin Court, Filadelfia, 1972-1976; la renovación y ampliación del Museo de Arte en el Allen Memorial en Oberlin, Ohio, 1973-1976, Gordon Vu Hall en la Universidad de Princeton, 1980-1983, y el ala Sainsburg, 1986-1991, la discutida ampliación de la National Gallery de Londres. También ganaron el concurso que se celebró en 1992 para diseñar la terminal del ferry en Whitehall, en Nueva York. Venturi ha recibido muchas condecoraciones y premios, incluyendo el premio Pritzker de 1991, considerado como el Nobel de la arquitectura.

Denise Scott Brown, arquitecta y urbanista sudafricana. Nacida en Zambia el 3 de octubre de 1931. Estudia arquitectura en la Architectural Association de Londres, y se gradúa en 1955. En 1960 alcanza el grado de Maestra en Planeamiento Urbano (MCP), y en 1965 el de Maestra en Arquitectura (M. Arch) en la Universidad de Pensilvania.

Trabaja como profesora ayudante de cátedra en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Pensilvania entre 1960 y 1965. Es profesora visitante en el departamento de Diseño Ambiental de la Universidad de California en Berkeley en 1965, y de la asignatura de Diseño Urbano en el Departamento de Arquitectura de la Universidad de Yale entre 1967 y 1970. En 1989 imparte clases como profesora de la cátedra Eliot Noyes en la Escuela de Graduados de Diseño de la Universidad de Harvard, de la que es supervisora visitante en 1990.

Tanto su obra práctica como sus escritos se centran fundamentalmente en la relación entre la arquitectura, el planeamiento urbano y los aspectos sociales.

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Trabaja en el estudio de Venturi, Scott Brown & Associates, siendo la máxima responsable de los proyectos de planeamiento, así como de la dirección y programación de los mismos. Gracias a su larga preparación interdisciplinar, el estudio puede hacer frente tanto a los problemas derivados de la transformación total de un área, como de su reutilización, tanto de centros históricos como de zonas periféricas.

En la labor de planificación interesan, no sólo los aspectos meramente estéticos o de imagen, sino también los sociales, económicos y políticos. Denise Scott Brown desarrolla una interesante labor coordinando las diversas exigencias que confluyen en el proyecto.

En 1991, cuando su socio y marido, el arquitecto Robert Venturi, viajó al DF a recoger el prestigioso Premio Pritzker, ella no lo acompañó. Entendió que ese galardón debía haber sido también para ella, porque hacía 26 años que firmaban conjuntamente sus edificios y eran las ideas de Scott Brown sobre la importancia de lo ordinario –hoy recuperadas en el currículo académico de universidades como Columbia– las que armaron algunos de sus libros míticos como Aprendiendo de Las Vegas. En las últimas semanas, una petición promovida por estudiantes graduadas de Harvard en change.org para que Scott Brown comparta el Pritzker de su marido lleva acumuladas más de 5.000 firmas. Entre ellas, la de la también Pritzker Zaha Hadid y la del propio Venturi. Por eso, irónica, comenta que cuando su esposo llegó al DF entró en el palacio presidencial a recoger ese premio y ella, en cambio, ha llegado hasta el pedregal de Santo Domingo para ver cómo tres generaciones de una familia viven, y trabajan, en los veinte metros cuadrados de una vivienda de autoconstrucción: “La cultura predominante frente a la cultura dominante”.

Aunque ella y Venturi lideraron durante los años ochenta una de las vanguardias más extrañas de la historia de la arquitectura la posmoderna, el cíclico regreso al simbolismo de la historia como reacción frente al maquinismo de la modernidad, por encima de los más de 200 edificios que ha levantado, el legado de Scott Brown está en la actitud de su arquitectura, que se ha esforzado en buscar inspiración en lo cotidiano. Así, la ampliación de la National Gallery de Londres, concluida en 1991, fue uno de sus trabajos más criticados por quienes consideran que la arquitectura debe hablar de su tiempo y no mimetizar los edificios existentes. Sin embargo, 22 años después, uno no repara en esa ampliación. El cuerpo añadido forma parte de ese rincón londinense porque atiende tanto al peatón como a la monumentalidad de Trafalgar Square. Las ideas de esta arquitecta y urbanista hablan desde ese edificio. “Observar lo ordinario puede resultar feo. Pero es importante”.

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Casa Vanna Venturi (1963)Ciudad: Colina Chestnut (Pennsylvania)País: EEUU, América

Asilo Guild (1965)Ciudad: Philadelphia (Pennsylvania)País: EEUU, América

Gordon Vu Hall (1983)Ciudad: Princeton (Nueva Jersey)País: EEUU, América

Casa East Hampton (1985)Ciudad: Nueva York (Nueva York)País: EEUU, América

Casa Glen Cove (1985)Ciudad: Nueva York (Nueva York)País: EEUU, América

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Ala Sainsbury (National Gallery) Ciudad: Londres (Gran Londres)País: Gran Bretaña, Europa

GLOSARIO

Vertientes: Una vertiente es un declive o lugar por donde corre el agua. Suele tratarse de una superficie topográfica inclinada, que se encuentra entre puntos altos (como cimas, picos o crestas) y bajos. La vertiente puede tener distintos perfiles, de acuerdo a la acción de la erosión y a las características rocosas del terreno.

Iconografía: Conjunto de imágenes relacionadas con un personaje o un tema y que responden a una concepción o a una tradición. Estudio u obra que describe y analiza las características de las imágenes relacionadas con un personaje o un tema.

Minimalista: el minimalismo es una corriente artística que sólo utiliza elementos mínimos y básicos. Por extensión, en el lenguaje cotidiano, se asocia el minimalismo a todo aquello que ha sido reducido a lo esencial y que no presenta ningún elemento sobrante o accesorio.

Abstracción: es el acto y efecto de abstraer o abstraerse. Entendiendo por abstraer dividir a través del intelecto las cualidades propias de un objeto para analizarlas y considerarlas a cada una o para analizar y considerar el objeto en su esencia pura.

Volumetría: Técnica que se ocupa de la determinación y medida de los volúmenes.

Anodina: Que es insustancial o que carece de interés o importancia.

Dismorfía: Anomalía en la forma de alguna parte del cuerpo de un ser vivo producida durante su desarrollo.

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Abstracto: Que resulta difícil de entender por tener el carácter esquemático y poco concreto propio de lo que se obtiene por abstracción.

Obsoleto: Que no se usa en la actualidad, que ha quedado claramente anticuado.

Metropolitano: relativo a la metrópoli.

Contrachapada: Que está hecho de varias capas finas de madera pegadas de modo que sus fibras queden entrecruzadas.

Yuxtaposición: es la acción y efecto de yuxtaponer (poner algo junto o inmediato a otra cosa). El concepto está formado por los vocablos latinos iuxta (“junto a”) y positĭo (“posición”).

Post-estructuralista: describe una variedad de investigaciones, realizadas principalmente en Francia, que emergieron de mediados a finales de los años 1960 para poner en tela de juicio la primacía del estructuralismo en las ciencias humanas: antropología, historia, crítica literaria y filosofía.

Deconstructivismo: es un estilo arquitectónico que se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, la manipulación de la superficie de las estructuras y una geometría no euclidea, que distorsiona y disloca algunos principios arquitectónicos.