museu oscar niemeyer em revista - edicão especial 10 anos

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EDITORIAL

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Coordenação Editorial - Editorial CoordinationFabiana Wendler e Thaísa M. Teixeira Sade

Editores-executivos - Chief EditorsMarianna Camargo e Omar Godoy

Redação - Editorial Staff Ana Neumann, Cristine Pieske, Diogo Cavazotti,

Luis Rebinski Junior, Marcio Renato dos Santos, Ricardo Feire, Thaisa Carolina Meraki

Projeto Gráfi co e Diagramação - Graphic Design and Layout

Marcello Kawase

Arte da Contracapa - back cover artMarciel Conrado

Tradução para o Inglês - Text TranslationRafael Brasil Pompeo e André Riekes

Bruel / Private Language Center

Revisão - RevisionMarjure Kosugi

Fotografi a - PhotographyAcervo do Museu Oscar Niemeyer, Carlos

Renato Fernandes, Joel Rocha, Maíta Franco, José Gomercindo (Gogo), Kraw

Penas, Marcello Kawase, Marciel Conrado, Nani Gois, Nelson Kon, Ricardo Macedo.

É proibida a reprodução total ou parcial de textos, fotos e ilustrações, por qualquer

meio, sem prévia autorização.

It is forbidden the total or partial reproduction of the articles, photographs and illustrations,

by any media,without prior authorization.

Tiragem: 5.000 exemplares Circulation: 5.000 copies

Distribuição gratuita / Free circulation

Impresso em papel Pólen Bold 90 g/m² (miolo) / Printed in Pólen

Bold paper 90 g/m² (Inner pages)

Impressão / Printing fi rm: Corgraf editora e gráfi ca

M U S E U O S C A R N I E M E Y E RRua Marechal Hermes, 999

Centro Cívico | CEP 80530-230Brasil | Curitiba | PR | Tel.: +55 41 3350-4400

www.museuoscarniemeyer.org.brf t/monmuseu

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A arte é transgressora! Se não fosse, seria chata como uma planilha contábil, com-plexa como a tabela periódica dos elementos químicos, imprecisa como as previsões do tempo. Que sorte a nossa. Dá para imaginar como seria a vida sem cor, movi-mento, som, precisão/imprecisão, amor, ódio, espanto, ousadia, genialidade de uma obra de arte, qualquer arte?

Dá. Seria uma vida condenada ao limbo da conformidade, território imaginário onde tudo seria perfeito na ausência plena da emoção. Transgredir é impreciso, mas vital. Vital como o oxigênio que respiramos. Como o amor que amamos, o sonho que sonhamos, a vida que vivemos. E vida boa é aquela que tem cor, ritmo, movimento, paixão, sedução.

Todos somos artistas e apreciamos a arte, não porque seja bonita – e quase sem-pre é –, mas porque nos inspira a pensar diferente, a ver o mundo, as coisas, o homem e tudo o que ele cria, por ângulos diversos. Surpreendentes às vezes, incom-preensíveis outras, mas sempre reveladores de que, ao cabo de tudo, somos a soma das nossas diferenças. Se não ousamos transgredir, ao menos devemos nos permitir apreciar a transgressão alheia.

Não há nada mais democrático do que um museu, um teatro, uma biblioteca. São lugares que devemos reverenciar, porque ali há sempre um artista corajoso a expor aos nossos olhos críticos sua obra, ou um gênio a desafi ar nossa incredulidade. A ambos, nosso eterno respeito.

O MON é, por vocação, o espaço das transgressões. É resultado da genialidade da arquitetura moderna de Oscar Niemeyer e da coragem dos inconformados com a bu-rocracia que durante anos ocupou suas salas. E o belo edifício fi nalmente recebeu a luz – luz que só a arte pode trazer. E para que não pairassem dúvidas sobre o que aconteceria ali, ergueu-se um imenso olho a mirar toda a cidade, a espreitar os trans-gressores que habitam nossas almas.

A partir desse momento, Curitiba e todo o Paraná estavam abertos para receber o que há de melhor no mundo das artes visuais. Há uma década esse museu consegue mesclar harmonicamente o concreto inerte, permanente e belo de suas paredes com a provocação transitória de grandes artistas. A arte de um complementa a beleza do outro, adição que tornou o MON o lugar ideal para as transgressões que nos movem.

Esta revista celebra os 10 anos da brilhante trajetória do MON. Um resgate não só da história, mas do cuidado com que as exposições, debates, cursos e encontros foram pensados e realizados ao longo deste tempo, atividades que constituem a es-sência da missão desse museu.

Boa leitura.

Paulino ViapianaSecretário de Estado da Cultura

Art is a transgressor! If it were not, it would be as bor-ing as an accountancy worksheet. It would be as complex as a periodic table of chemical elements. It would be as imprecise as the weather forecast. How lucky we are! Can one imagine how life would be without colour, movement, sound, precision and imprecision, love, hate, astonish-ment, daring, genius of a work of art, or any sort of art?

One can. It would be a life doomed to the limbo of compli-ance: imaginary territory where everything would be perfect in the total absence of emotion. Transgressing is not pre-cise, but it is vital. It is as vital as the oxygen we breathe. It is vital such as the love we love, the dream we dream, the life we live. A good life has colour, rhythm, movement, passion and seduction. We are all artists and enjoy art, not due to its beauty – which is often the case -, but because it makes us think diff erently. It makes us see the world, the things, the man and everything it creates through various angles. It is sometimes surprising and other times incomprehensible. However, it always reveals that we are a result of our diff er-ences. If we do not dare to transgress, we should at least allow ourselves to appreciate the transgression of others.

There is nothing more democratic than a museum, a the-atre or a library. These are places we should worship. In such places there is always a brave artist who exposes his or her work to our critical eyes. There is always a genius that challenges our incredulity. We dedicate our everlast-ing respect to both the artist and the genius.

The Oscar Niemeyer Museum has the gift of being a ven-ue for transgressions. It is the result of Oscar Niemeyer’s genius and modern architecture. It is also a result of the courage of nonconformists with the bureaucracy that oc-cupied the museum’s rooms for years. The beautiful mu-seum building fi nally received the light, which only art can give. In order not to leave behind any questions about what had happened there, an immense eye was construct-ed. The eye overlooks the entire city. It spies the transgres-sors who dwell in our souls.

From this moment onwards, Curitiba and the whole of Parana State were ready to receive the best from the world of visual arts. It is a decade the museum has been able to harmonically mix the inertia and beauty of its walls with the transitory provocation of great artists. One’s art com-plements the other’s beauty. This mixture has turned the museum into an ideal place for the transgressions that makes us move on.

This magazine celebrates 10 years of the Oscar Niemeyer Museum’s beautiful path. It rescues not only the history, but also the care with which exhibitions, debates, cours-es and meetings have been thought of and carried out throughout this period. Such activities are the essence of the museum’s quest.

We wish you a good reading.

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Um diretor de museu é um catador de ideias. Afi nal, es-tar à frente de um instrumento de cultura como o Museu Oscar Niemeyer depura a sensibilidade. É necessário dialogar e, prin-cipalmente, ouvir com atenção os colaboradores, que vivem o cotidiano deste museu e são os maiores responsáveis pelo seu êxito. Artistas, curadores, visitantes: todos têm algo a dizer, e é em meio a essa polifonia que o gestor vai encontrar os caminhos por onde seguir.

Duas pessoas marcaram a história do MON nesses dez anos, e a elas todos devemos um agradecimento especial. Jaime Lerner, que idealizou e construiu este museu, e Maristela de Mello e Silva, que colocou o MON na rota das grandes ex-posições nacionais e internacionais. O legado era desafi ador e estimulante. Um museu exige criatividade, inovação, movimento. Ininterruptos.

O público tem acolhido e respondido a todas as novas pro-postas, do horário estendido na primeira quinta-feira do mês à programação expositiva. Alcançamos em 2012 um recorde de pú-blico, com mais de 220 mil visitantes. Olhos de todas as partes do planeta se voltaram para o MON, considerado um dos 20 museus mais bonitos do mundo. A mostra Poty, de todos nós, um dos des-taques do ano, recebeu a visita de 120 mil pessoas.

Esse reconhecimento é resultado de um trabalho cole-tivo, de uma equipe de grande qualidade somada ao apoio de muitos parceiros e patrocinadores. Juntos, tornamos possíveis as exposições, as atividades educativas, as palestras, os encontros entre o universo da arte e as pessoas.

O fato de, gradualmente, perder a visão faz com que eu preste ainda mais atenção nos meus interlocutores. Alguém já disse, e eu repito: escutar é uma riqueza. Escuto a minha equipe, os cole-gas, a comunidade. Sempre. E agradeço ao secretário de Estado da Cultura, Paulino Viapiana, e à diretora-geral da SEEC, Valéria Marques Teixeira, por me honrarem com esta oportunidade, que também é um reconhecimento pelo meu percurso de artista e cidadã curitibana.

Estela SandriniDiretora do Museu Oscar Niemeyer / Director of the Oscar Niemeyer Museum

A museum director is an ideas collector. After all, managing a centre of culture like Oscar Niemeyer Museum demands sensi-bility. It is necessary to create a dialog and, moreover, to listen carefully to the collabo-rators who day by day work at the museum and are responsible for its success. Artists, curators, and visitors: all have something to say. It is in this plural environment that the manager will fi nd the ways to be fol-lowed.

Two people have been essential to the history of the museum. Jaime Lerner, who planned and built this museum; and Maristela de Mello e Silva, who made ONM be known both nationally and internation-ally. The legacy was challenging and stimu-lating. The museum demands uninterrupt-ed creativity, innovation and movement.

The public has been welcoming and re-sponding to all the new proposals, from de extended hours on the fi rst Thursday of the month to the schedule of the exhibitions. We conquered, in 2012, an attendance re-cord, with more than 220 thousand vis-itors. Eyes from all over the world have turned to Oscar Niemeyer Museum, con-sidered one of the 20 museums most beau-tiful in the world. The exhibit “Poty, of us all”, one of the highlights of the year, was visited by 120 thousand people.

This acknowledgement is the result of teamwork, of a team with great quality and with the support of many partners and sponsors. Together, we made exhibitions, educative activities, presentations and the meeting of art and people possible.

The fact that I’m gradually losing my sight makes me pay more and more attention to the speakers. Somebody said this and I re-peat: to listen is a great wealth. I always lis-ten to my team, to my colleagues and to the community. And I thank the state secretary of culture, Paulino Viapana, and to the gen-eral-director of SEEC, Valéria Marques Teix-eira, for having given me the honour of this possibility; it’s an acknowledgment of my path as an artist and a citizen of Curitiba.

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OPEN WINDOW TO THE WORLD

ENTREVISTA / INTERVIEW

MARISTELA REQUIÃO

ONE OF THE MOST BEAUTIFUL IN THE WORLD

LENOARDO FINNOTTI

THE OSCAR NIEMEYER MUSEUM’S GREAT EXHIBITIONS

EXPOSIÇÃO / EXHIBITIONS

10 GRANDES EXPOSIÇÕES

A LOOK AT THE MUSEUM

ENTREVISTA / INTERVIEW

JAIME LERNER

ARCHITECTURE AS INVENTION

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UNIVERSE OF ICONIC ARTISTS

ACERVO / COLLECTION

MON 10 YEARS

EXPOSIÇÕES COMEMORATIVAS MON 10 ANOS / COMMEMORA-TIVE EXHIBITIONS MON 10 YEARS

ART, EDUCATIONAND EXPERIENCE

AÇÃO EDUCATIVA /CENTRE FOR EDUCATIVE ACTION

A LOT MORE MUSEUM

AÇÕES ESPECIAIS / SPECIAL ACTIVITIES SPONSORSHIPM

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A R C H I T E C T U R E A S I N V E N T I O N

ARQUITETURACOMOinvençãopor / by RICARDO FREIRE

Cinco das Sete Maravilhas do Mundo Antigo eram obras arquitetônicas, e é também daquele mundo que chegou o relato da estupefa-ção dos judeus, cativos na Babilônia, frente à herética Torre de Babel. Isso demonstra que desde a Antiguidade a arquitetura já havia ultrapassado o funcional, em busca do belo, do deslumbrante, busca que atingiu excessos fascinantes como nos estilos gótico e rococó. Uma vez, contudo, atingido o complexo, o arquiteto teve que se voltar à simplicidade, algo mais difícil, no entanto, pois de-manda o conheci-mento do complexo e, principalmente, originalidade.

Five of the Seven Old Wonders of the World were buildings. It is also from that ancient world that the report of the astonishment of the Jews, who were kept captive in Babylon as they saw the heretical Babel Tower, comes from. This demonstrates that since these times architec-ture has always gone beyond the functional in search for the beautiful, which reached fascinating excesses such as that of the gothic and rococo styles. Once reaching this level of complexity, the architect had to think simple again, which is proven to be even more difficult, because it demands knowledge of the complexity and originality.

Ao falar de arquitetura, com-plexidade, simplicidade e exuberância, impossível é não falar de Oscar Niemeyer, que, com traços limpos e simples, desenhou uma arquitetura para impressionar, não apenas aos que usufruem da constru-ção, mas também aqueles que, às vezes, apenas passarão pe-las calçadas: “Sei que meus irmãos mais pobres nada vão deles usufruir, mas se forem bonitos e diferentes, vão pa-rar para vê-los – será para eles um momento de surpresa e encantamento”.

Tal pensamento revela algu-mas facetas do arquiteto que sempre o acompanharam em sua longa trajetória, como al-truísmo e patriotismo.

Oscar Ribeiro de Almeida de Niemeyer Soares nasceu numa época em que a grande dis-cussão entre os intelectuais brasileiros era se o Brasil não estaria fadado ao fracasso, so-cial e econômico, em virtude da miscigenação racial. Las-timavelmente – para aqueles pensadores –, a sociedade brasileira não apresentava a pureza do sangue europeu,

algo imprescindível para o pro-gresso. Foi graças ao sociólogo e historiador Gilberto Freyre (1900-1987) que tal temor começou a ser dissolvido ao expor que o Brasil daria certo justamente de-vido à miscigenação. A assertiva de Freyre sobre o Brasil encon-tra sua confirmação, pelo menos quanto ao progresso de seus fi-lhos, a julgar pelas palavras do maior arquiteto brasileiro e um dos maiores do mundo: “Sou, portanto, com satisfação um mestiço, como mestiços são a maioria dos meus irmãos brasi-leiros”, assim afirmou Niemeyer.

Mesmo tendo passado por dificuldades financeiras durante a juventude, Niemeyer, já estudante de Arquitetura, optou por não se empregar num estágio em grandes construto-ras, como fizeram seus colegas, de onde adviria um bom salário, mas escolheu estagiar no ateliê de Lúcio Costa e Carlos Leão, tendo em vista apenas “ser um bom arquiteto”. Aí começava a sua trajetória, sendo um dos pontos mais importantes quando foi apre-sentado ao prefeito de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek,

Five of the Seven Old Wonders of the World were buildings. It is also from that ancient world that the report of the astonishment of the Jews, who were kept captive in Babylon as they saw the heretical Babel Tower, comes from. This demonstrates that since these times architecture has always gone beyond the functional in search for the beautiful, which reached fascinating excesses such as that of the gothic and rococo styles. Once reaching this level

of complexity, the architect had to think simple again, which is proven to be even more difficult, because it demands knowledge of the complexity and originality.

When speaking of architec-ture, complexity, simplicity and exuberance of architecture, it is impossible not to mention Oscar Niemeyer. He made architecture with clean and simple lines, meant to impress not only those who use the building, but also the pass-ers-by. “I know that my poorer

brothers will not use them at all, but if they are beautiful and dif-ferent, they will stop to see them. It will be a moment of surprise and enchantment for them”.

Such thoughts revealed some of the architect’s facets, which have always followed the archi-tect throughout his journey, such as altruism and patriotism.

Oscar Ribeiro de Almeida de Niemeyer Soares was born at a time in which the greatest discus-sion among Brazilian intellectu-

als was whether Brazil would be doomed to social and economic failure due to race miscegenation. Unfortunately – for those thinkers – Brazilian society did not feature the purity of the European blood, a vital element to progress. Thank the sociologist and historian Gilberto Freyre (1900-1987), such fear started being dissolved as he asserted that Brazil would actually work out due to its miscegenation. Freyre’s statement about Brazil is confirmed, at least in what regards

his kids’ progress. And even Niemeyer said: “I am, therefore, with satisfaction, a mestizo, since mestizos compose the great ma-jority of my Brazilian brothers”.

Even though he had financial dif-ficulties during his youth, Niemey-er, already an architecture student, opted for not being employed by big building companies as his classmates, from which a good salary would come. He chose to do a trainee at Lúcio Costa and Carlos Leão’s atelier, having in mind “be-

“Sou, portanto, com satisfação um mestiço, como mestiços são a maioria dos meus irmãos brasileiros”

ARQUITETURA

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© Rene Burri / Magnum Photos © Rene Burri / Magnum Photos © Richard Kalvar / Magnum Photos

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ing simply a good architect”. There his journey began. The introduc-tion to the mayor of Belo Hori-zonte, Juscelino Kubitschek, was highly important for his career. The mayor one day said to him: “Niemeyer, you will one day plan the Pampulha Airport… but now I need the casino project for tomor-row.” Niemeyer worked all night. Kubitschek, the president of the republic, told him that he wanted to build the new capital of Brazil as most modern and beautiful city

of the world. The partnership that lasted until 1957 was born there.

“I confess I didn’t have a good impression of the place. Far, far from everything, with an emp-ty and abandoned land.” The grass rose high up to the knees, Niemeyer and the team entered a certain day the Cerrado (sa-vannah) in search for a place where Palácio da Alvorada – still not fitted into the Pilot Plan but needing it urgently - would be built. Andre Malraux, Niemeyer’s

friend, would said him about the palace: “These are the most beautiful columns that I’ve ever seen after the Greek columns.”

Niemeyer gave refuge to Luis Carlos Prestes after he left prison. Prestes said: “Keep this house, your task is more important than mine”. Niemeyer then allowed his office to be transformed into the seat of the Metropolitan Commit-tee of the Brazilian Communist Party. Niemeyer never hid his convictions and left-wing connec-

tions, which resulted in pressure for him: difficulty to get a visa to the USA and even the exile. In Lisbon, he heard a military regime had been installed in Brazil. As he came back to his country, he found himself in a difficult situation: pressure and words such as “the place for communist architects is in Moscow” forced him to go and live in France, where he once wrote his version for the “Song of the Exile” with bitterness:

I’m far from everything, From everything I like,From such beautiful land, Which saw my birthOne day I will burn myself,And set off, It’s there, in Brazil, Where I want to live …

His political view also gave him some funny moments, such as the interrogation he was forced to answer during the construction of the new capital: “When I started building

que um dia lhe diria: “Nie-meyer, você vai projetar Pampulha (...). Preciso do projeto do cassino para ama-nhã”. Niemeyer trabalhou a noite inteira. Nascia ali a parceria que o levaria até 1957, quando Kubitschek, já presi-dente da República, o procurou e disse que queria construir a nova capital do Brasil, uma cidade moderna, “a mais bela do mundo”. E Niemeyer estava escalado para construir os seus palácios.

“Confesso não ter tido boa impressão do lugar. Longe,

longe de tudo, e a terra vazia e abandonada.” Nascia Brasí-lia. Com o capim batendo nos joelhos, Niemeyer e equipe adentraram certo dia o cerrado, em busca do lugar onde seria construído o Palácio da Alvo-rada, ainda não fixado no Plano Piloto, mas cuja construção era urgente. André Malraux, amigo de Niemeyer, lhe diria um dia sobre o palácio: “São as colu-nas mais bonitas que vi depois das colunas gregas”.

Foi Niemeyer quem acolheu Luís Carlos Prestes após esse ter saído da prisão, e com a

frase “Fica com esta casa, sua tarefa á mais importante que a minha” permitiu que seu escri-tório se transformasse na sede do Comitê Metropolitano do Partido Comunista Brasileiro. Niemeyer nunca escondeu suas convicções e ligações políti-cas de esquerda, lhe renderam alguns dissabores, como pres-sões, dificuldade em conseguir visto para os Estados Unidos e mesmo o exílio. Foi em Lis-boa que ele ouviu pelo rádio que um regime militar havia se instaurado no Brasil. Ao retor-nar ao país encontrou-se em

uma situação difícil, pressões e indiretas do tipo “Lugar de arquiteto comunista é em Mos-cou”, o obrigaram a ir morar na França, onde certa vez, amargu-rado, escreveu a sua versão da “Canção do Exílio”:

Estou longe de tudo,de tudo que gosto,dessa terra tão lindaque me viu nascerUm dia eu me queimo, meto o pé na estrada,é aí, no Brasil,Que eu quero viver...

“O que vocês comunistas pretendem? Mudar a sociedade”

© Jean Gaumy / Magnum Photos © Richard Kalvar / Magnum Photos foto: Nani Gois

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A vida é mais importante que a arquitetura

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Sua posição política também lhe trouxe momentos cômicos, como o interrogatório a que foi submetido durante a construção da nova capital: “Ao começar Brasília fui chamado à polícia política (...) Levaram-me para um compartimento, acustica-mente protegido. E, depois das perguntas de sempre, o policial indagou: ‘O que vocês comu-nistas pretendem?’ ‘Mudar a sociedade’, foi o que respondi. ‘Escreve aí’, disse o policial ao negrinho que batia à máquina as minhas declarações: ‘Mudar a sociedade.’ E este – coitado

–, voltando-se para mim, excla-mou: ‘Vai ser difícil!’”

“Mas essa é uma mesquita revolucionária!” – assim o pre-sidente da Argélia expressou seu espanto frente ao projeto de Niemeyer para a Mesquita de Argel, ao que o arquiteto respondeu: “Presidente, a re-volução não deve parar”, o que pode ser entendido tanto como a evolução dos acontecimentos políticos quanto como a evolu-ção da arquitetura.

Quanto a sua arquitetura, aliás, Niemeyer não a tinha como a solução ideal, mas,

simplesmente, como a sua ar-quitetura, aquela que ele prefere – e se tivesse que dar um con-selho aos jovens arquitetos, o conselho seria “Seja original!”.

Para Niemeyer a arquitetura deve ser pensada como inven-ção, o que sempre fez com que seus projetos despertassem ad-miração. Mas, mais do que a arquitetura, Niemeyer prezou por duas coisas. Uma delas é a amizade – não foi por acaso que ele concordou com Le Cor-busier em remodelar o projeto para a sede das Nações Unidas, em Nova York, que já havia ven-

cido, juntando, em respeito ao mestre, o projeto dele ao seu, de onde surgiu a sede que hoje existe. A outra é declarada em seu depoimento sobre quando se mudou para a construção da nova capital federal: “E para lá segui com meus colaboradores. Não pensava levar apenas arqui-tetos e convidei outros amigos – um médico, dois jornalistas e quatro camaradas que não cui-davam de arquitetura. Estavam sem trabalho, eram inteligentes e divertidos, e compreendi ser o momento de ajudá-los. Eu não queria passar as noites de Brasí-

lia a falar de arquitetura – para mim um complemento da vida, (esta) muito mais importante do que ela (arquitetura).”

Em 5 de dezembro de 2012 Oscar Niemeyer morreu aos 104 anos, e deixou um legado de aproximadamente de 600 obras no mundo todo. É considerado um dos mais importantes ar-quitetos do século e conseguiu imprimir nos seus projetos algo que sempre citava – que só sentimos que algo é uma obra de arte quando há espanto e emoção – e isso Niemeyer con-seguiu. Bravo!

Brasilia, I was called to the politi-cal police (…). They took me to an acoustically isolated compartment. After the usual questions, the policeman wondered: ‘What do you communists intend?’ ‘Change society’, I answered. ‘Write over there’, said the policeman to the little black guy who was typing my declarations: ‘Change society.’ And he, the poor soul, turned to me and exclaimed: ‘It’ll be hard!’”

“But this is a revolutionary mosque!” – the president of Alge-

ria exclaimed expressing his sur-prise after seeing Niemeyer’s proj-ect for the Alger’s mosque, and the architect replied: “President, the revolution must not stop”, which can be understood both as the evolution of a political event and as the evolution of architecture.

As for his architecture, by the way, he did not have it as the ideal one, but simply as his architecture, the one he preferred – and if he was to give a piece of advice to young ar-chitects, it would be: “Be original!”

For Niemeyer, architecture must been thought of as an inven-tion, which has always arisen admiration. However, more than architecture, Niemeyer valued two things. One of them was friend-ship – it was not by accident that he agreed with Le Corbusier to remodel the project for the United Nations in New York, which had already been won, by putting his and the master’s work together to create the seat that stands today.

The other one was declared in

his testimony, when he moved to build the new federal capital: “I went with my collaborators there. I didn’t think of taking only architects, but also some friends: a doctor, two journalists, and four comrades who weren’t involved with architecture. They were unemployed, intelligent and good fun. I understood this was the moment to help them. I didn’t want to spend my nights in Brasilia and talk about architecture. For me, architecture is a complement

of life, and the latter is much more important than the former.

On December 5, 2012, Oscar Niemeyer died at age of 104 and left a legacy of about 600 works around the world. He is consid-ered one of the most important architects of the history and managed to print in his projects one of his quotes – you only feel that something is a master piece when it causes amaze-ment and excitement – and he accomplished that. Bravo!

© Rene Burri / Magnum Photos detalhes de esboços de Oscar Niemeyer para o MON

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UMOLHARPARA OMUSEU

Por: Marcio Renato dos Santos

O arquiteto, urbanista e ex-governador do Paraná Jaime Lerner considera o

Museu Oscar Niemeyer uma de suas principais realizações.

Architect, urban planner and former governor of Parana state, Jaime Lerner considers Oscar

Niemeyer Museum one of his main realisations.

por/by MARCIO RENATO DOS SANTOSfoto/ photo NANI GOIS

JAIMELERNER

UMOLHARPARA OMUSEU

A L O O K A T T H E M U S E U M

Jaime Lerner has served three terms as

mayor of Curitiba and two terms as governor of

Parana. He authored books such as Urban Architec-

ture, he was the president of the International Union of

Architects, coordinated numer-ous civic projects and restored

new life to Curitiba, the capital of Parana by closing Street of Flowers to traffic and opening a pedestrian mall in 1972. However, as he himself highlights, Museu Oscar Niemeyer, inaugurated in 2002, is one of the trademarks of the architect and urban planner’s journey. “I’m very proud of having left an important legacy”, he said.

Ten years after the opening of the museum, Lerner said that he dreamed of creating a great museum in Curitiba. It became a reality only in the last year of his second term as governor. In that context, there was a discus-sion of the Guggenheim Museum opening a branch in Curitiba. Thomas Krens, the then director

of the renowned museum, visited Curitiba and, according to the former governor, the project was almost materialised. But the Gug-genheim would only set foot here if it were built from scratch. The governor did not accept the idea.

Lerner wanted to use the existing structure of the Presidente Hum-berto Castelo Branco Building, a

Niemeyer project which was creat-ed in the 60’s, and where since 1978 the State Secretaries were housed. “I always lamented that such a beautiful space was destined solely for bureaucratises. My idea was that the area should be for cultural uses. This was an obses-

“Fico orgulhoso de ter deixado um

legado importante.” “ I am proud of having left an important legacy”

Jaime Lerner esteve por três vezes à frente da prefeitura de Curitiba e duas do governo do Paraná. Já escreveu livros, como “Acupuntura

urbana”, foi presidente da União Internacional de Arquitetos (UIA), coordenou inúmeros projetos, reinventou a capital paranaense (por

exemplo, ao fechar a Rua XV apenas para os pedestres na década de 1970). Mas, como ele mesmo ressalta, o Museu Oscar Niemeyer,

inaugurado em 2002, é uma das marcas do percurso do arquiteto e urbanista. “Fico orgulhoso de ter deixado um legado importante”,

diz, referindo-se ao MON.Dez anos após a construção do instrumento de cultura, Lerner

conta que alimentou por anos o desejo de criar um grande museu em Curitiba, o que se tornou realidade apenas no último ano de sua

segunda gestão como governador. Naquele contexto, havia a pos-sibilidade de o Museu Guggenheim abrir uma unidade na capital

paranaense. O então diretor do renomado museu, Thomas Krens, vi-sitou Curitiba e, de acordo com o ex-governador, o projeto quase saiu

JAIME

LERNER

fotos/photos Kraw Penas

“A minha ideia era que ali acontecesse alguma ocupação cultural.”

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sion for me, even before becoming a

governor”, he said.Since 1995, the first

year as governor, Lerner planned a new museum.

With the privatisation of Banestado in 2000, the

bank’s art collection was the re-sponsibility of public authorities.

To find a proper place for the collec-tion was important. If Curitiba was not to have a Guggenheim, so – comments the urban planner – the decision was to create a new mu-seum entirely. “We had a Niemeyer building, by world’s greatest archi-tect in my opinion. The idea would be to use the Presidente Humberto Castelo Branco Building. That’s

when we contacted Oscar Niemeyer. A look into the museum

Lerner suggested Niemeyer con-vert the 60’s building at site into a museum. Niemeyer agreed and suggested a new construction at-tached to the old one, a grand ven-ue for exhibitions, which became known as the Eye. “It was a bold and magnificent idea”, he said.

Niemeyer also to remodelled the nine rooms on the first floor, each one comprising 500 square metres.

The former governor admit-ted it was not easy to remodel the building, build the Eye, and open the museum in just five months. “Niemeyer said that this museum was one of his best creations. And Parana’s build-

ing companies are responsible for this splendid work.”

Among the worksites on Mare-chal Hermes Street, in the Civic Centre, there was hope that Oscar Niemeyer would come for the opening of the New Museum (the museum’s intended name). However, the

do papel. Mas o Guggenheim só se instalaria aqui se fosse, literal-mente, levantada do chão uma nova sede, o que não se afinava com

os planos do arquiteto curitibano.Lerner queria aproveitar a estrutura do Edifício Presidente Hum-

berto Castelo Branco, um projeto de Oscar Niemeyer feito na década de 1960, onde desde 1978 funcionavam secretarias de Estado. “Sem-

pre lamentei que um espaço tão bonito fosse destinado apenas para o serviço burocrático. A minha ideia era que ali acontecesse alguma

ocupação cultural. Isso era uma obsessão para mim, mesmo antes de assumir o governo”, comenta.Desde 1995, primeiro ano de seu mandato de governador, Lerner

planejava um novo museu. Com a privatização do Banestado, em 2000, o acervo de arte do banco ficou sob responsabilidade do po-

der público. Encontrar um espaço para abrigar o legado se fez urgente. Se Curitiba não teria um Guggenheim, então — comenta o urbanista —

a decisão foi trilhar um caminho próprio. “Tínhamos uma construção

do Niemeyer, o maior arquiteto do mundo em minha opinião. O ideal seria aproveitarmos o Edifício Presidente Humberto Castelo Branco.

Então, procuramos o Niemeyer.”

Um olhar para o museu

Lerner propôs que Niemeyer reciclasse o projeto concebido nos anos 1960. A resposta foi sim, e o arquiteto carioca sugeriu uma nova

construção anexa, um salão nobre para exposições, espaço que fi-cou conhecido como Olho. “Foi uma ideia arrojada e magnífica”, diz.

Niemeyer também fez questão de remodelar os outros espaços expo-sitivos — as nove salas do primeiro andar, cada uma, em média, de

500 metros quadrados. O ex-governador admite que não foi fácil reformar o prédio, levan-

tar o Olho e inaugurar o Museu em apenas cinco meses. “O Niemeyer diz até hoje que esse museu foi um de seus projetos [dele] mais bem

foto/photo Nani Gois

“A minha ideia era que ali acontecesse alguma ocupação cultural.”

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Rio architect claimed not available. A con-

structor asked to speak to the governor of Para-

na because he was very proud to work on this proj-

ect. Lerner wanted to know more. The worker explained:

“It’s just that I’m building such a beautiful museum, and there

is no other like it in the world”. This was reported to Niemeyer, who changed his mind and took part in the ceremony on the 22nd Novem-ber 2002. The president Brazil, Fernando Henrique Cardoso, was also at the inauguration which cre-ated great interest in Brazil’s media.

Adversity and continuity Lerner and his advisers knew

that, more than remodelling the building Castelo Branco and inaugurating the New Museu, the challenge would be to “create a cultural feel for the venue”. This worry was justified since it’s a big area: 36 thousand square metres, of which 17 thousand for exhibi-tions. Lerner credits that the initial success of the project to the then

Secretary for Special Projects, Alex Beltrão. “Because he man-aged everything so well that the museum’s start up was great.”

Roberto Requião was elected gov-ernor in 2002 and, at the beginning of his term, there were rumours that the New Museum would be undone to house the Culture Secretary – but it never happened. “Fortunate-

ly good sense prevailed”, said Lerner. Maristela Requião, the governor’s wife, would man-age the cultural complex.

In Lerner’s opinion, Mariste-la Requião’s administration between 2003-2010 was important to keep the renamed Oscar Niemey-er Museum going.

executados. E foram empresas paranaenses que fizeram a adequação e são, de fato, as responsáveis por essa obra esplêndida.” Niemeyer

acompanhou, on-line, de seu escritório do Rio de Janeiro, a execução das obras em Curitiba.Em meio ao canteiro de obras que fez surgir na Rua Marechal Her-

mes, no Centro Cívico, o NovoMuseu — primeiro nome do espaço —, havia expectativa de que Niemeyer estivesse na inauguração. Mas

o arquiteto carioca dizia não ter disponibilidade. Um dia, um operá-rio pediu para conversar com o governador do Paraná e afirmou estar

muito orgulhoso. Lerner quis saber o motivo. O operário disse, mais ou menos, o seguinte: “É que estou construindo um museu lindo, e

como esse não existe outro no mundo”. O episódio foi relatado a Nie-meyer, que mudou de opinião e participou da cerimônia, no dia 22

de novembro de 2002. O presidente da república na época, Fernando Henrique Cardoso, também esteve no evento, que obteve repercus-

são na imprensa de todo o Brasil.

Adversidade e continuidade

Lerner e seu grupo político sabiam que, mais do que reformar o edi-fício Castelo Branco e inaugurar o NovoMuseu, o desafio seria, de

acordo com as palavras do ex-governador, “dar alma ao espaço cul-tural”. A preocupação se justifica diante das dimensões: são 36 mil

metros quadrados de área total, dos quais 17 mil metros quadrados são destinados as exposições. Lerner credita o sucesso inicial do projeto ao

então secretário de Projetos Especiais, Alex Beltrão. “Porque ele conse-guiu viabilizar tudo para que o museu começasse funcionando bem.”Roberto Requião foi eleito governador em 2002 e, no início de sua

gestão, circulava a informação de que o NovoMuseu seria desativado para abrigar a Secretaria da Cultura — o que não aconteceu. “Feliz-

mente, prevaleceu o bom senso”, afirma Lerner, a respeito do fato de o espaço cultural seguir em atividades, inclusive, dirigido por Maristela

Requião, mulher do então governador.

JAIME

LERNER

“O MON está assumindo um papel fundamental na cultura do Estado.”

fotos/photos Kraw Penas

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The former governor said the new muse-

um’s administration, under Estela Sandrini,

enlarged the possibili-ties of the museum. “The

Poty Lazzarotto Theatre, for instance, is now very frequent-

ly used for cultural activities. The museum is taking over a

fundamental role in the culture Parana. Today it has a worldwide reference. It is considered, by all artists, to be prestigious place”.

Watching out for The MuseumLerner also complimented the

use of the museum ground, know as “Big Park”. It was a sponta-neous movement by the people.” He said a cultural corridor was

created beginning at the Wire Opera House, through the Creativity Centre at São Lourenço Park, to the Pope’s Wood, which is adjacent to museum. “It’s a continuous flow, everything meets there, both the people and the culture.”

The Rio architect is frequently seen at the museum. He follows the pro-gram since the beginning. He says

he specially liked the exhibitions: “Lele’s architecture: factory and in-vention, Antanas Sutkus: a free look and Modigliani: images of life”. He also paid compliments to Estela Sandrini for creating the recent ex-hibition “Multiple Leminski”. I see that Lemisnki is being given, over the past ten years of the museum, a great highlight. He deserves it. He

was a great Curitiba and Parana citizen. I find it very meaningful that, in the celebration of a de-cade of the museum, Lemisns-ki is also present. We have make a toast to the staff and to all that man-aged to maintain the museum’s quality.”

Na opinião de Lerner, a gestão de Maristela Requião, entre 2003 e 2010, foi importante por manter o Museu Oscar Niemeyer, assim

rebatizado em 2003, em atividade. O ex-governador analisa que a atual gestão do MON, com Estela Sandrini, ampliou as possibilida-

des do museu. “O auditório Poty Lazzarotto, por exemplo, agora é utilizado, com muita frequência, para atividades culturais. O MON

está assumindo um papel fundamental na cultura do Estado. Hoje, é uma referência no mundo inteiro. É considerado, por todos os artis-

tas, como um espaço de prestígio”.

De olho no MON

Lerner também elogia a ocupação do gramado dos fundos do MON, conhecido como “Parcão”. “Foi um movimento espontâneo,

por parte da população.” Ele analisa que foi criado uma espécie de corredor cultural a partir da Ópera de Arame, passando pelo Centro

de Criatividade, no Parque São Lourenço, até chegar ao Bosque do Papa, ao lado do MON. “É um fluxo, uma continuidade, tudo se en-

contra, as pessoas e os equipamentos de cultura.”O arquiteto é visto com frequência no museu. Ele acompanha

a programação desde o início. Diz que gostou, em especial, das mostras “A arquitetura de Lelé: fábrica e invenção”, “Antanas Su-

tkus: um olhar livre” e “Modigliani: imagens de uma vida”. Também elogia Estela Sandrini por realizar a recente exposição “Múltiplo Le-

minski”. “Vejo que é dado ao Leminski, nesses 10 anos do MON, um destaque muito grande. Ele merece. Foi um grande curitibano, um

grande paranaense. Acho muito significativo que, na celebração de uma década do museu, o Leminski esteja presente. Temos que er-

guer um brinde aos funcionários e a todos que conseguiram manter a qualidade do MON.”

“O MON está assumindo um papel fundamental na cultura do Estado.”

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GRANDES EXPOSIÇÕES DO

THE OSCAR NIEMEYER MUSEUM’S GREAT EXHIBITIONS

por / by MARIANNA CAMARGOfoto / photo CARLOS RENATO FERNANDES

MUSEU OSCAR NIEMEYER

The Museum (ONM) makes exhibitions by the great names of visual arts, architecture and design. It has the biggest exhibition room of Latin America, which comprises 17 thousand square metres. Over the past ten years, the museum has received works by Roy Lichtenstein, Candido Portinary, Guido Viaro, Frida Kahlo, Martin Ghambi, Antoni Tàpies, Salvador Dalí, Marc Riboud, Brassaï, Fernando Botero, Tarsila do Amaral, Pablo Picasso, Di Cavalcanti, Paulo Leminski, among others. It hosted around 250 exhibitions between 2002-2012. Among them, 10 exhibitions were selected. They represent the power and diversity of languages that the museum embraces -. Take a look at a few of the great exhibitions, which were made in this period.

O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza exposições

de grandes nomes das artes visuais, arquitetura,

urbanismo e design. Possui o maior espaço expositivo

da América Latina, com mais de 17 mil metros

quadrados. Em dez anos, o museu já recebeu obras

de Roy Lichtenstein, Candido Portinari, Guido Viaro,

Frida Kahlo, Martin Chambi, Antoni Tàpies, Salvador

Dalí, Marc Riboud, Brassaï, Fernando Botero, Tarsila

do Amaral, Pablo Picasso, Di Cavalcanti, Paulo

Leminski, entre outros. Entre 2002 e 2012, o MON

recebeu cerca de 250 exposições. Entre elas,

foram selecionadas, simbolicamente, dez mostras

que representam toda a força e pluralidade de

linguagens que o museu abraça. Confira algumas

das grandes exposições realizadas neste período.

Eternos tesouros do JapãoEternal Japan Treasures

agosto 2006august

Terra de tradições. Berço de artes. Palco do kabuki. Tela am-pla e multicolorida, o encanto do Japão está por toda parte. Numa cerimônia do chá, na de-licadeza de uma peça teatral de Nô, no ritual de um templo ou no tom ‘inacreditável’ ditado pela avançada tecnologia japo-nesa. Parte desse encanto foi revelado na exposição “Eternos tesouros do Japão”, ocorrida no MON de 24 de agosto a 19 de novembro de 2006 no Salão Principal, que marcou o iní-cio da celebração paranaense do centenário da imigração ja-ponesa no Brasil. A mostra foi realizada por meio de uma par-ceria com o Museu de Arte Fuji, de Tóquio, que trouxe para o Brasil 119 obras confeccionadas entre os séculos 13 e 19. Gran-des riquezas da arte japonesa e de seu passado histórico fo-ram apresentadas por meio de pinturas, gravuras, utensílios em laca, móveis e máscaras – um representativo conjunto que pode ser considerado como re-alidade e, sobretudo, como expressão geral daquele país.

Pinturas em biombos (byoubu), pergaminhos suspen-sos, gravuras ukiyo-e, utensílios

São exemplaresque retratam

aproximadamenteum milênio de

história da

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EXPOSIÇÕES

DO MUSEU

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em laca, armaduras, espadas e caligrafia estão entre os traba-lhos. O acervo, proveniente do Museu de Arte Fuji de Tóquio, é constituído de obras represen-tativas das principais escolas de arte japonesas; tais como Tosa, Kano, Sumiyoshi, Kaihou, Hasegawa, Rin, Ukiyo-e, Ma-ruyamashijo e Nanga.

São exemplares que retratam aproximadamente um milênio de história da civilização ja-ponesa, entre as mais antigas no mundo. As peças da cole-ção foram confeccionadas entre os períodos Heian (794-1185), Kamakura (1185–1333), Muro-machi (1338-1573), Momoyama (1573-1603), Edo (1603-1867), Meiji (1868-1912), Taisho (1912-1926) e Showa (1926-1989). Oito dos quinze períodos exis-tentes até hoje no Japão. Na cultura japonesa, os períodos marcam a passagem das eras, da evolução política, social e da sucessão de imperadores, oriundos de linhagem secular. O povo japonês existe desde a Idade da Pedra Lascada, ou Pe-ríodo Paleolítico (3,5 milhões a.C. a 8000 a.C.).

civilização japonesa, entre as mais antigas no mundo.

Land of traditions, birthplace of arts, stage of kabuki, and broad multi-coloured screen: Japan’s charm is everywhere. It is at a tea ceremony, at the delicacy of a No’s theatre play, at a ritual of a temple, or at the `unbelievable` tone dictated by the advanced Japanese technology. Part of this charm was revealed at the exhibition ‘Japan’s Eternal Treasures’, which took place at ONM from 24th August till

19th November, 2006, at the Main Room, marking the beginning of the celebrations of the 100th anni-versary of the Japanese immigra-tion in Brazil. The exhibition was made together with the Fuji Muse-um of Art, Tokyo, which brought to Brazil 119 works produced between the 13th and 19th century. Great treasures of the Japanese art and its historical past were introduced to the public through paintings,

engravings, lacquer utensils, furniture and masks – a represen-tative set which may be considered as reality and, above all, as an general expression of Japan.

Paintings, screens (byoubu), sus-pended parchments; lacquer uki-yo-e engravings, armours, swords and calligraphy are among the works. The archive, which belongs to the Fuji Museum of Art, Tokyo, is constituted by representative works

by the main Japanese schools of art, such as Tosa, Kano, Sumiyoshi, Kaihou, Hasegawa, Rin, Ukiyo-e, Maruyamashijo and Nanga.

These are samples which portrait approximately a millennium of history of the Japanese civilization: one of the oldest in the world. The works of the collection were produced in the periods Heian (794-1185), Kamakura (1185–1333), Muromachi (1338-1573), Momoya-

ma (1573-1603), Edo (1603-1867), Meiji (1868-1912), Taisho (1912-1926) and Showa (1926-1989). Eight out of fifteen periods which exist in Japan. In the Japanese culture, the periods mark the passage of eras, political and social evolution, and succession of emperors. The Japanese exist since the Stone Age, or Palaeolithic Pe-riod (3,5 millions until 8,000 BC).

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novembro 2006november

Viaro - um visionário da arteViaro – an art visionary

novembro 2006november Cerca de 200 obras, entre pinturas,

desenhos, gravuras e esculturas in-tegraram a exposição “Viaro - um visionário da arte”. Considerada a maior retrospectiva sobre o artista, a mostra faz parte de um projeto de resgate da produção desse artista italiano, que nasceu em Rovigo, em 1897, e viveu em Curitiba, entre 1929 e 1971, ano em que faleceu.

O projeto foi desenvolvido sob a curadoria do fi lho do artista, Cons-tantino Viaro, em parceria com Estela Sandrini e Maria José Justino. “O Medo”, “Homem sem Rumo” e “Polaca” foram algumas das obras

-primas presentes na exibição. A exposição mostrou a face

modernista da coleção rela-cionada com alguns objetos indiciais, correspondentes ao período de meio século de arte moderna brasileira. A curadoria privilegiou duas vertentes artísticas: o abs-tracionismo, dividido em informal e geométrico, e o fi -gurativismo, cujas obras foram agrupadas em seis nú-cleos, que se dividem em realismo social, paisagem rural, festas, naturezas-mor-tas, marinhas e paisagens urbanas.

A contextualização das obras se deu por meio da

The exhibition “Guido Viaro – An Art Visionary” comprises around 200 works. Among them there are paintings, drawings, engravings and sculptures. It is considered as the greatest retrospective of the artist. The show is part of a project which aims to bring back the production of the Italian artist,

who was born in Rovigo, 1897, and lived in Curitiba between 1929 and 1971 (the year of his death).

Curator and artist’s son, Con-stantino Viaro, along with Estela Sandrini and Maria Jose Justi-no, developed the project. ‘The Fear’, ‘The Man without Path’ and ‘Polish Woman’ are some of the

master pieces of the exhibition.The exhibition showed the col-

lection’s modernist side related to some characteristic objects of the period of the modern Brazilian art, which lasted half a century. The curatorship emphacised two main steams. Abstractionism, divided into formal and geomet-

ric. And fi gurative, whose works were put together in six diff erent sections: social realism, rural landscape, fests, dead nature, sea and urban landscapes.

Songs and the insertion of shop windows containing pub-lications, publicity, ornaments, utensils, photos, etc represented

the works… They represent the historic-social environment and the imaginary context in which the works were created. So, fi gura-tive paintings, which belonged to the social realism, were put into context through songs, brooches of political propaganda that were seized by the Special Delegacy of

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veiculação de músicas e pela inserção, em cada núcleo te-mático, de vitrines contendo publicações, publicidade, ob-jetos decorativos e utilitários, fotos, etc., que evocam o am-biente histórico-social e o contexto imaginário em que as obras foram criadas. Assim, por exemplo, pinturas figurativas, pertencentes ao realismo so-cial, foram contextualizadas por obras musicais da época, bro-ches de propaganda política apreendidos pela Delegacia Es-pecial de Segurança Política e Social do Estado Novo e por ob-jetos emblemáticos da rotina dos trabalhadores brasileiros, como as tradicionais marmitas.

As obras abstratas do núcleo informal tiveram a sua contex-tualização assegurada pelo mobiliário de Tenreiro que, de forma provocativa e lúdica, busca abrir um novo caminho de percepção para os artistas ali reunidos, como Maria Bo-nomi, Iberê Camargo e Letycia Quadros.

Guido ViaroNascido na Itália em 1897,

Viaro fez do Brasil a sua esco-lha. Na Itália dos anos 1920

viu a tradição da pintura, desde a estrutura renascen-tista aos “macchiaioli”; e, em breve passagem por Paris, en-controu os modernos. Chega ao Brasil, em São Paulo, ávido pelo exercício da arte. Aqui é acolhido pela solidarie-dade dos imigrantes italianos, estabelecendo uma breve con-vivência com artistas que mais tarde iriam compor o Grupo Santa Helena, em especial Cló-vis Graciano e Alfredo Volpi.

Trabalhar com ilustrações e humor nas revistas e jornais italianos (Il Pasquino e Il Mos-cone), decoração de cafés e residências, pintar murais, etc., além da convivência com pessoas cultas (jornalistas, artistas, ecumênicos, profis-sionais liberais), não deixava de ser um exercício técnico importante para a formação artística. Mais tarde, em 1929, fixa-se em Curitiba, no Paraná. Aqui, no meio da forte influên-cia andersiana e da tendência paranista, a pintura de Viaro vai se construindo como um contraponto.

Fora dessa celeuma, inaugura uma pintura essen-cialmente moderna.

Public and Social Safety of the New State, and by emblematic routine objects of Brazilian workers of that time such as tradition lunchboxes.

The abstract works of the informal section were put into context by the furniture of Tenreiro. This aimed to open a new way of perception for the artists who gathered there,

such as Maria Bonomi, Iberê Camargo and Letycia Quadros.

Guido ViaroViaro was born in Italy and he

chose Brazil as his residency. In Italy, in the 20’s, he experienced the tradition of painting, from renaissance paintings to ‘macchi-aioli’. In the short time he spent in

Paris, he also met the modernists. As he arrived in Brazil, Sao Paulo, he was desperate to produce art. Here, Italian immigrants welcomed him. They treated him with soli-darity, and established a small group of artists, which would later become known as the Santa Helena Group. Clóvis Graciano and Alfredo

Volpi are among these artists.He exercised his artistic formation

by making humorous illustrations for Italian magazines and newspa-pers (II Pasquiino and II Moscone), decorating cafes and homes, paint-ing walls, etc… He also livied with cultured people (journalists, artists, ecumenical people and other pro-

fessionals). Later, in 1929, he set foot in Curitiba, Parana. Here, under the strong influence of Andersen and Parana, Viaro’s painting start-ed being build as a counterpoint.

Out of this kerfuffle is that he develops an essential-ly modern painting.

Amostra faz parte de um projeto de resgate da produção desse artista italiano

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maio 2007november

Revolver Revolver

Três amigos. Três linguagens diferentes. Um ponto em comum: todos usam o trabalho e a arte de forma provocativa. Questionam conceitos. Propõem refl exões. Foi assim que o estilista Jum Nakao, o cineasta Kiko Araújo e o cenógrafo Julio Dojcsar protagonizaram um dos fatos mais marcantes da moda brasileira. Durante o desfi le do São Paulo Fashion Week 2004, numa crítica ao consumo desenfreado, instigaram a plateia ao colocar na passarela modelos vestidas com delicadas roupas de papel vegetal, confeccionadas em mais de 700 horas de trabalho. No fi m da performance, as roupas foram rasgadas, causando furor no público e na mídia.

Até hoje, esse episódio dá o que fa-lar. Virou livro e DVD – “A costura do invisível” – e foi considerado um dos mais importantes desfi les do século, se-gundo o Galliera – museu de moda de Paris. Como consequência, o trabalho evoluiu para uma instalação criada es-pecialmente para Curitiba, e teve como viés o famoso desfi le de 2004.

O objetivo dos artistas foi contribuir para inserir defi nitivamente o museu na vanguarda da linguagem artística. “Uma obra como essa difi cilmente seria exposta

Three friends, three diff erent lan-guages and one thing in common: all of them use work and art in a provocative way. They question concepts, make refl exions. That is how fashion stylist Jum Nakao, fi lmmaker Kiko Araujo and scenog-rapher Julio Dojcsar featured one of the most remarkable events of the Brazilian fashion. During the catwalk show of Sao Paulo Fash-ion week, 2004, they criticised

em um museu, mas, sim, numa ga-leria. Por isso, acho a iniciativa do Museu Oscar Niemeyer corajosa e, ao mesmo tempo, louvável, porque é uma demonstração de apoio e incen-tivo à arte contemporânea”, afi rmou Jum Nakao.

“Revolver” ocupou várias salas do museu. A produção foi proje-tada para a criação de um espaço imersivo. Para chegar ao Olho, sa-lão principal do museu, o visitante percorreu, obrigatoriamente, um tra-jeto que os artistas defi niram como “processo de construção do imaginá-rio do espectador”. Na primeira sala, um grafi te apresentou ao público o título da exposição e um texto expli-cativo sobre ela. A escolha do grafi te confere à obra um traço de diálogo com o urbano, “transportando” o museu para a cidade. Além das infor-mações, chamava a atenção a fi gura do rato, ícone eleito pelos artistas para ser a logomarca da produção. O roedor simboliza o elemento destru-tivo, sobre o qual o homem não tem controle. No segundo andar, o visi-tante encontrava uma exposição de fotografi as, em que bonecos que re-produzem a fi gura humana, criados em tamanho reduzido, vestiam rou-pas feitas com papel vegetal, mesmo material utilizado na confecção das roupas do desfi le de 2004.


the unthoughtful consumerism by instigating the public. They displayed models wearing delicate clothes made of delicate grease-proof paper, which were made in more than 700 hours of work. At the end of the performance, the clothes were torn apart causing a real stir in the public and the media.

People have talked about this event until today. A book and a DVD were made out of it: ‘The

invisible couture’. It was consid-ered one of the most important catwalk shows of the century according to Galliera, the fashion museum of Paris. Consequently, the work became an installation, which was specially created for Curitiba. Its theme was same as that of the 2004 catwalk show.

The artists’ goal was to make a contribution to defi nitely include the museum in the artistic avant-

guarde language. “This work had little chance of being exhibited at a museum, but rather at a gal-lery. Therefore, I think the Oscar Niemeyer Museum’s iniciative was at the same time brave and laudable. It’s a demonstration of support and incentive given to contemporary art”, said Jum Nakao.

‘Revolver’ used many rooms of the museum. The production aimed a creation of an immersive space.

To get to ‘The Eye’, the museum’s main room, the visitor had to use a route, which the artists defi ned as ‘the building process of the viewer’s imagination’. In the fi rst room, graffi ti was displayed to the public with a text of the exhibition and an explanatory text about it. By choos-ing graffi ti, the work establishes a dialog with the urban space, trans-porting the museum into the city. Besides the information texts, a rat

also called the public’s attention. It was the production’s logo. The ro-dent symbolises the distructive ele-ment, over which man has no con-trol. On the second fl oor, the visitor found a photography exhibition, in which dolls reproduced the human fi gure. They were created in reduced size were dressed with clothes which were made of greaseproof paper, the same material used to make the 2004 catwalk show.

“Revolver” ocupou várias salas do Museu. A produção foi projetada para a criação de um espaço imersivo.

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Percurso Afetivo –TarsilaTarsila’s Aff ective – Path

julho 2008july

Foi a primeira vez que as telas e gravuras de Tarsila chegaram ao Sul do país. De conceito biográfi co-documental, a exposição “Percurso afetivo – Tarsila” teve como fi o condutor um único documento, o “Diário de Viagens”, da década de 1920, em que a artista registrou desenhos e impressões de excursões que fez pelo Bra-sil e pelo mundo. A partir do diário, o curador Antonio Carlos Abdalla selecionou as mais de 50 obras reunidas na mostra, que revelam um recorte onírico “presente desde sempre na produção e vida de Tarsila”, que nasceu em 1886, no interior de São Paulo, e faleceu em 1973, em São Paulo (SP).

Tarsila do Amaral é uma artista respeitada e venerada no Brasil e no exterior. É uma tarefa árdua expressar a importância da sua produção artística sem cometer injustiça, sem esquecer-se de abordar algum aspecto do seu trabalho. Faltam predicativos para defi ni-la. Sobram-lhe virtudes. Emblemática, requintada, feminina, espontânea. Hip-nótica, sintética, encantadora. Criativa, transformadora, vanguardista. Inigualável.

“Percurso Afetivo – Tarsila” teve como obra mais representativa “Antropofagia”, de 1929. Entre os vários caminhos possíveis para o percurso curatorial, Antonio Carlos Abdalla evitou a divisão mais conhecida, que marca o trabalho de Tarsila do Amaral em três fases distintas: o Período Pau-Brasil, o Período Antropofágico e a Fase Social.

“O Manifesto” e “Antropofagia” são um verdadeiro monumento à cultura na-cional e resultado de toda a agitação do Movimento Modernista e da Semana de Arte Moderna de 1922, que aconteceu no Teatro Municipal de São Paulo, e pôs as coisas no Brasil de pernas para os ares. Um momento mágico. Tarsila é uma fi gura emblemática para a compreensão do Modernismo no Brasil. Integrou o chamado “Grupo dos 5”, ao lado de Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Anita Malfatti e Menotti del Picchia.

fotos/photos Ricardo Macedo

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EXPOSIÇÕES

DO MUSEU

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It was the first time that Tarsila’s engravings and paintings came to the south of the country. Intended to serve as a biography, the exhibi-tion ‘Affective Path – Tarsila’ had as main theme a single document: the ‘Travel Diary’, created in1920. She registered drawings and impres-sions of tours she made throughout Brazil and around the world. Taking the diary as a start up point, curator

Antonio Carlos Abdalla selected over 50 works, which revealed an ever-existing universe of dreams in Tarsila’s life and artistic pro-duction. She was born in 1886 (in Sao Paulo’s countryside) and died in 1973 (in the city of Sao Paulo).

Tarsila do Amaral is respected and renowned in Brazil and around the world. It is a hard task to express the importance of her artistic pro-

duction without being unfair and without forgetting to consider some aspects of her work. There are not enough adjectives to define her, so abundant her qualities are. She is emblematic, refined, feminine, spontaneous, Hypnotical, synthetic, charming, creative, transforming, avant-garde. She is unmatched.

‘Afective Path – Tarsila’ had as its most meaningful work ‘An-

thropophagy’, created in 1929. Antonio Carlos Abdalla had many possible ways to make the curation. However, he avoided the most known division, which sepparates Tarsila’s work in three distinct parts: Pau-Brasil, Anthro-pophagical and Social Phase.

‘The Manifest’ and ‘Anthropoph-agy’ are a real monument to the national culture and it is a result of

all the fuss caused by the Modernist Movement and by the 1922 Week, which took place at the Sao Paulo Municipal Theatre and caused a big furore in Brazil. Tarsila is an emblematic personality when one thinks of Modernism in Brazil. She was part of the ‘The Group of the 5’ along with Mario de Andrade, Oswald de Andrade, Anita Mal-fatti and Menotti del Picchia.

Um momento mágico. Tarsila é uma figura emblemática para a compreensão do Modernismo no Brasil.

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outubro 2008october

Vertigem - OSGEMEOSVertigo – TheTwins

Classifi car os irmãos Gustavo e Otávio Pandolfo como “grafi teiros” é simplifi car sua trajetória vito-riosa. Conhecidos como Os Gêmeos (ou Osgemeos, como também gostam de assinar seus trabalhos), co-meçaram, sim, pintando os muros de São Paulo. Mas há tempos ampliaram seu foco para outros suportes, o que os levou às galerias e museus mundo afora.

Consagrados com mostras em espaços nobres, como a Deitch Gallery (Nova Iorque), Museum Het Domein (na cidade holandesa de Sittard) e Galeria For-tes Villaça (São Paulo), eles também trouxeram seu universo onírico para o Museu Oscar Niemeyer. “Verti-gem” é a primeira exposição individual em um grande espaço público brasileiro. Autodidatas, Osgemeos sur-giram para o público em meados dos anos 1980, ainda associados ao movimento hip-hop e à cultura de rua. Rapidamente desenvolveram um estilo marcado por linhas fi nas e cores fortes, sem muito espaço para o branco. Adeptos da improvisação consciente, porém extremamente detalhistas, desenham inspirados nos próprios sonhos. Não à toa, adjetivos como ‘mágico’, ‘irreal’ e ‘delirante’ são comuns nas resenhas e repor-tagens sobre seus trabalhos.

Adeptos da improvisação consciente, porém extremamente

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To classify the brothers Gustavo and Otavio Pandolfo as graffiti makers is to simplify their suc-cessful path. Known as The Twins (or Thetwins as they sign their works), they started painting the walls of Sao Paulo. However, for a long time now, they have been expanding their focus to other kinds of structures, which made them be exhibited in galleries and museums worldwide.

They established themselves in grand spaces such as the Deitch Gallery (New York), the Museum Het Domein (in the Dutch city of Sittard), and the Fortes Villaça Gallery (Sao Paulo). They have also brought their dream world universe to Oscar Niemeyer Museum. ‘Vertigo’ is their first individual exhibition at a grand Brazilian public space. Being self-taught, Thetwins emerged to

the public in the mid 80’s, when they were still being associated with the hip-hop movement and the street culture. They rapidly developed a style marked by fine lines and strong colours, leaving little space for white. They are used to consciously improvising, though extremely detail orientat-ed. The brothers’ drawings are inspired by their own dreams. It is not a coinscidence that their

works are commonly described as magical, unrealistic and delirious.

VertigoThe exhibition, which brought

the brothers to ONM, was almost entirely composed by their new works. It comprised six paintings and three installations. Gustavo said that the works have some-thing in common: the proposal of transforming the style of our drawings into something three-di-

mensional and to stimulate the five senses. According to him, the highlight is on the installations: “all of them refer somehow to the mind, to the dream”, he said.

Two of them were large-scale works. One had the shape of a cube. The other, which was mobile, travelled through the mu-seum’s space on a car. Besides, there was also the interactive in-stallation called ‘The Musicians’.

VertigemA exposição que a dupla

trouxe ao Museu Oscar Nie-meyer foi quase toda composta por trabalhos inéditos, sendo seis pinturas e três instalações. “As obras têm em comum a pro-posta de transformar o estilo dos nossos desenhos em algo tridimensional e que estimule os cinco sentidos”, explicou Gustavo. O destaque, de acordo com ele, ficou por conta das instalações: “todas elas, de al-guma forma, remetem à cabeça, ao sonho”.

Duas delas são esculturas de grande porte. Uma tem forma de cubo. A outra, móvel, “pas-seou” sobre um carro pelo espaço do museu. Além da ins-talação interativa batizada de “Os Músicos”.

detalhistas, desenham inspirados nos próprios sonhos.

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maio 2009may

Uma aventura Moderna Coleção de Arte Renault

Tão grandiosa foi a exposição “Uma aventura Moderna – Coleção de Arte Renault” que, no plano físico, to-mou conta de duas salas expositivas do Museu Oscar Niemeyer. Pinturas, esculturas, desenhos e colagens estiveram entre as 96 obras em exibição. Os traba-lhos são assinados por 18 representativos artistas da segunda metade do século 20, como Miró, Vasarely, Arman, Jean Dubuff et e Erró.

utilizados de motores a parafusos, que foram transformados em arte.

“Eles apresentaram um espelho, talvez crítico ou sarcástico mas, ao fi nal de contas, amplifi cador”, disse a historiadora de arte

e curadora do acervo, Ann Hindry, sobre o histórico encontro entre o mundo in-dustrial e grandes nomes da arte contemporânea. Com mais de 300 traba-lhos, o acervo resultante da parceria é composto por obras de artistas atuantes nos mais diversos movi-mentos da história da arte contemporânea.

A seleção integra o acervo da Coleção Renault, constituído entre 1967 e 1985. A mostra foi dividida em quatro núcleos: O Universo Industrial, O Meio Am-biente Dubuff et, Pintura Abstrata e Pintura Cinética. Os trabalhos foram produzidos a partir de um sistema pioneiro de mecenato. Com o objetivo de estabelecer um elo entre o universo industrial e a arte, a monta-dora francesa convidou artistas, abriu as portas de sua fábrica e disponibilizou materiais, incluindo as peças de uso cotidiano em uma indústria automobi-lística. O resultado foi surpreendente: uma expressiva produção artística de vanguarda. Nas obras foram

A Modern Adventure Renault’s Art collection

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The exhibition ‘A Modern Adven-ture - Renault’s Art collection’ was so big that it fully occupied two of the exhibition rooms at Oscar Niemeyer Museum. Paintings, sculptures, drawings and collag-es were among the 96 works of the exhibition. The works were signed by 18 representative artists

of the second half of the 20th century, such as Miró, Vasarely, Arman, Jean Dubuffet and Erró.

The selection is part of the Re-nault’s Art Collection, composed between 1967 and1985. The show was divided into four sections: The industrial Universe, The Dubuffet Environment, Abstract and Kinetic

Painting. The works were made out of a pioneer system of patronage. Aiming to establish a link between the industrial universe and the art, the French automaker invited artists, opened the doors to its plants and made material avail-able, including the pieces of daily use of the car industry. Objects

such as screws and engines were used in the works, which were transformed into art. The result was surprising: an expressive innovative artistic production.

“They presented a perhaps critical and sarcastic mirror, but in the end of the day the experience was enriching”, said the historian Ann

Hindry about the historical meet-ing of the industrial world and the great names of contemporary art. Comprising more than 300 works, the resultant collection of the partnership is composed by works of artists of various movements in the history of contemporary art.

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Nas obras foram utilizados de motores a parafusos, que foram transformados em arte.

novembro 2010november

Vasarely

Um dos fundadores da arte cinética e um dos principais representantes da op art, Victor Vasarely foi o criador de uma obra de alcance e acesso social. O pintor e

As 21 serigrafi as que integraram a mostra exemplifi caram a maestria de Vasarely na investigação das superfícies cromáticas e suas relações no espaço como síntese e refl exo do mundo.

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França, utilizou o recurso da reprodução gráfica para am-pliar sua capacidade de fazer circular a obra de arte. Com o entusiasmo de consolidar novos elementos para a inte-gração social também foi um dos pioneiros a considerar a arte como um “tesouro cole-tivo”, do qual todos devem participar.

As 21 serigrafias que integraram a mostra exem-plificaram a maestria de Vasarely na investigação das superfícies cromáticas e suas

relações no espaço como sín-tese e reflexo do mundo. A coleção é proveniente da Fundación Museos Nacio-nales, instituição vinculada ao Ministerio del Poder Po-pular para la Cultura de la República Bolivariana de Venezuela.

Na construção de sua lin-guagem, Vasarely incluiu a geometria, a física, os avanços tecnológicos, a química e os elementos plásticos para ar-ticular novas fontes poéticas, com a intenção de democra-tizar e socializar a arte. Em

1947, ele “reconhece que a forma e a cor podem significar o mundo e ampliar o hori-zonte da percepção estética. Através de suas formas [ele] desejava expressar uma vi-são espiritual do mundo: com simplicidade, nobreza, equilí-brio e a separação da pressão do tempo”, explica a curadora María Luz Cárdenas.

O artistaVictor Vasarely começou

como gráfico em Paris, dedi-cando-se ao estudo da luz, do espaço e dos materiais.

A partir de 1944, dedicou-se à escultura, desenvolvendo abstrações geométrico-construtivas. O sistema de “unidades plásticas”, ini-ciado em 1959, representa a aplicação prática de suas concepções matemáticas e científicas no âmbito artístico. A técnica consistia em intro-duzir formas geométricas em um elemento básico de forma quadrangular, produzindo efeitos espaciais, cinéticos ou vibratórios a partir de varia-ções lineares e cromáticas.

A utilização diferenciada de

diversas formas geométricas na superfície e no espaço possibilitava a combinação ilimitada de redes de linhas e movimentos ondulatórios. As obras de Vasarely represen-tam uma síntese entre a arte concreta e o construtivismo, bem como a possibilidade de controlar a obra de um ponto de vista racional e estético. Em 1976, concebeu um mu-seu para a exibição das suas obras em Aix-en-Provence e, em 1981, foi inaugurado o Mu-seu Vasarely, no Castelo de Gordes (Vaucluse).

Other than being one of the found-ers of kinetic art and one of the main representatives of op art, Victor Vasarely was the creator of a work, which had social reach. He was born in Hungary and settled in France. He used graphic production resourses to amplify his capacity to make art be seen. He was enthusiastic when con-solidating new elements for social in-tegration. He was also one of the first people to see art as a ‘collective trea-sure’, in which all should participate.

The 21 serigraphies of the show

exemplify the mastery of Vasarely in the investigation of chromatic surfaces. They also present rela-tions in space as synthesis and reflex of the world. The collection comes from the Fundación Museos Nacionales, which is an institution connected to the Ministerio del Poder Popular para la Cultura de la República Bolivariana de Venezuela.

In the construction of his language, Vasarely included geometry, physics, technological advances, chemistry and plastic elements. He articulated

new poetic sources intending to make art social and democratic. In 1947, he acknowledged that form and colour can mean the world and broadened up the horizon of an aesthetic perception. “He wished to express a spiritual vision of the world through his shapes: with simplicity, nobility, balance and separation from the pressure of time”, said curator María Luz Cárdenas.

The artist Victor Vasarely started off as graph-

ic designer in Paris. He dedicated

himself to the study of light, space and materials. In 1944, he started working with sculpture, developing abstract geometric shapes. The system of ‘plastic units’ started in 1959, representing the practical amplification of his mathemati-cal and scientific conceptions in the artistic field. The technique consisted in introducing geometric shapes into a basic element of a square shape, producing space, kinetic and vibrating effects from linear and chromatic variations.

The use of diverse geometric shapes on the surface and in space enabled unlimited combination of nets of lines and wavelike move-ments. Vasarely’s works represent a synthesis between concrete art and constructivism. They also represent the possibility of controlling the work from a racional and aesthetic point of view. In 1976, he created a museu in Aix-en-Provence to exhibit his works. In 1981, the Vasarely Museum was opened at the Gordes Castel (Vaucluse).

escultor húngaro, radicado na

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janeiro 2012january

Os caprichos de GoyaGoya’s Whims

Director of the Cervantes Institute Curitiba, Salvador López Becerra was the of this exhibition. The institute was also a sponsor of the exhibition. The collection was exhibited at ONM and comprised 80 engravings. It is a satire about the Spanish society of the 18th

century, especially about the aristocracy and the clergy, about the system of values, about the stagnation of costumes and super-stition. “Goya establish himself as the great master of engravings with ‘The Whims’”, said Becerra.

The engravings were made

between 1797 and 1799, us-ing the etching, aquatint, dry point and burin techniques.

Becerra remembers that the critics said Goya was one of the pioneers of modern art. “Thus, it’s clear to see how ‘The Whims’ infl uenced generations of art-

ists of such diff erent movements such as the French romantism, the impressionism, the German expressionism and the surreal-ism”, the institute director said.

The artist Francisco José de Goya y Luci-

entes was born in Fuendetodos,

Saragoça, 1746. At a young age, he was awarded with a schol-arship in the Real Academia de San Fernando, Madrid.

In 1786, Carlos IV named him painter of the court. In 1799, he was the paintor of the court, but he withdrew himself in 1808 as Jose

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Com curadoria de Salvador López Becerra, diretor do Instituto Cervantes de Curitiba, instituição parceira na realização da mostra, a coleção exposta no MON, com-posta de 80 gravuras, é uma sátira da sociedade espanhola de fins do século 18, especialmente da aristocracia e do clero, do sistema de valores, do imobilismo dos costumes e da superstição. “É com Os Caprichos que Goya se consagra como o grande mestre da gravura”, afirma Becerra.

As gravuras foram elabo-radas entre 1797 e 1799, a partir das técnicas de água-forte, água-tinta, ponta seca e buril.

Becerra lembra que os crí-ticos afirmam que Goya é um dos precursores da arte moderna. “Desta forma, é óbvio comprovar como Os Caprichos influenciaram gera-ções de artistas de movimentos tão díspares como o romantismo francês, o impressionismo, o expressionismo alemão e o surre-alismo”, afirma.

O ARTISTAFrancisco José de Goya y

Lucientes nasceu em Fuendeto-

dos, Saragoça, em 30 de março de 1746. Ainda jovem conseguiu uma bolsa na Real Academia de San Fernando em Madri.

Em 1786 foi nomeado pintor da corte por Carlos III, nomea-ção confirmada por Carlos IV. Em 1799, era o primeiro pin-tor da corte, mas retirou-se em 1808, quando o trono foi ocu-

pado por José Bonaparte.Reassumiu o cargo em 1814,

com Fernando VII, mas a restau-ração do absolutismo levou-o a isolar-se na Quinta del Sordo e, em 1824, a mudar-se para Bor-déus, na França.

Goya começou sua obra pe-los afrescos convencionais da capela de Nuestra Señora del

Pilar, em Saragoça. Pintou em 1787 O prado de São Isidro. Suas inclinações realistas só se afirmaram a partir de 1792, em quadros como O manicômio, O tribunal da Inquisición, Pro-cissão de flagelantes e o mais marcante O funeral da sardi-nha, cenas realistas em que há um fluxo subterrâneo de visões

fantásticas.Em 1800, no auge

do prestígio, pin-tou seus quadros mais discutidos, Maja desnuda (Mu-lher despida) e Maja vestida, e o famoso A família de Carlos IV, que é um exemplo de como introduzia tra-ços grotescos nas figuras.

Goya pintou tam-bém os episódios da

invasão francesa, como o Três de maio, que representa uma cena de fuzilamento de compo-sição insólita. Sabá das bruxas e Saturno são o ápice da car-reira e manifestam uma visão sombria da realidade.

Goya morreu em Bordéus, em 16 de abril de 1828.

A Coleção de 80 gravuras é uma sátira da sociedade espanhola do fim do século XVIII.

Bonaparte occupied the throne.He took over the position again in

1814, with Fernando VII. However, the remodelling of absolutism led him to isolate himself at the Quinta delSordo and, in 1824, he moved to Bordeaux, France.

Goya started his work with the

conventional frescoes of the Nuestra Señora del Pilar Chapel, Saragoça. He painted ‘The Mead-ow of Saint Isidro’. His realistic inclinations were only established after 1792 in pictures such as ‘The Lunatic Asylum’, ‘The Inquisition Tribunal, ‘Procession of Flagel-

lants’ and the most remarkable ‘The Burial of the Sardine’. These are scenes in which there is a sub-terranean flow of fantastic visions.

In 1800, at the highlight of his prestige, he painted his most controversial pictures: ‘The Nude Maja’, “The Clothed Maja”,

and the famous ‘The Family of Carlos IV’, which are examples of how he introduced grote-sc objects in his paintings.

Goya also painted episodes of the French invasion, such as ‘The Third of May’, which is a bizza-re composition that represents

a shooting scene. ‘Witches’ Sabbath’ and ‘Saturn’ are the highlight of his career and rep-resent a dark vision of reality.

Goya died in Bordeaux, on the 16th of April, 1828.

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Antanas SutkusUm olhar livreAntanas Sutkus – A free look

fevereiro 2012february

A exposição “Antanas Sutkus: um olhar livre” reuniu 120 imagens que revelam o talento do renomado fotógrafo lituano, um dos mais expressivos em âm-bito mundial. Curitiba foi a primeira cidade a receber a mostra, que depois seguiu para Sal-vador, Belo Horizonte, São Paulo. O público do MON teve a oportu-nidade de conhecer a cultura do leste euro-peu pelo olhar daquele que é considerado por

críticos e jornalistas como “o poeta entre os soviéticos”.

Antanas Sutkus nas-ceu na Lituânia em 1939 e construiu o seu percurso durante o re-gime comunista, mas conseguiu escapar das armadilhas da cen-sura política e não se perdeu nem se pren-deu nas malhas da ideologia. O curador

Nasceu na Lituânia em 1939 e construiu o seu percurso durante o regime comunista

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The exhibition ‘Antanas Sutkus, a free look’ gathered 120 imag-es, which reveal the talent of the renowned Lithuanian photogra-pher. Curitiba was the first city to host this exhibition. It then visited Salvador, Belo Horizonte and Sao Paulo. The ONM’s public

had the opportunity to see the eastern European culture through the look of the man who is con-sidered by critics and journalists as ‘the poet among Soviets’.

Sutkus was born in Lithuania, 1939. He built his path during the communist regime. How-

ever, he managed to escape the traps of the political sen-sorship and did not get lost or got attached to the ideologies of that regime. Luiz Gustavo Carvalho, curator of the show, said that Sutkus describes daily life in a fair way: “Sometimes

ironically, but always through a strong and resistant line to the system and its influences”.

Sutkus has been photographing since 1950. He keeps an archive comprising over a million of neg-atives. For him, the art of pho-tography lies in the moment of

the shooting. Due to this belief, Sutkus has restrictions regarding digital process. “Digital camer-as reduce the responsibility of the photographer. You miss the focus because you can shoot fast and many times”, he said.

da mostra, Luiz Gus-tavo Carvalho, afirma que Sutkus descreve a vida cotidiana de ma-neira justa: “às vezes irônica, mas sem-pre por meio de uma linha forte e resis-tente ao sistema e às influências”.

Sutkus fotografa desde a década de 1950 e mantém um acervo de mais de um milhão de negativos, entre os quais, 120 fo-tos selecionadas para a exposição no MON. Para ele, a arte da fotografia está no mo-mento do disparo e, devido a essa crença, Sutkus tem restrições ao processo digital. “As câmeras digitais reduzem a responsa-bilidade do fotógrafo. Você perde a atenção devido à possibilidade de disparar várias ve-zes e rápido”, afirma Sutkus.

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Antanas Sutkus é considerado o poeta entre os soviéticos


março 2012march

Poty, de todos nós Poty, of us all

The show ‘Poty, of us all’, which occupied the main exhibition room of ONM, the Eye, gathered a little bit of Poty Lazzarotto’s vast production. Childhood drawings, material he produced during the

time he studied at the National School of Fine Arts, Rio de Janeiro, engravings and other contents.

Among the around 800 items, there were material which had nev-er been showed to the public; such

as pictures showing his life with his family, notes and funny messages which Lazzarotto wrote to communi-cate with his wife, Celia. The exhibi-tion also displayed his illustrations, literary works, and the work he

made on murals and stained glass-es. The museum also displayed some of his little known studies, such as his trip to Xingu and his sketches for the creation of the book ‘Our Curitiba’. Oswaldo Miranda

was the curator of this exhibition. There is no Curitiba citizen who

does not recognise Poty Lazza-rotto’s genius lines (1924-1998). His great murals and panels tell the story of the city and the country.

A mostra “Poty, de todos nós”, que ocupou o salão prin-cipal do MON, o Olho, reuniu um pouco de tudo da vasta produção de Poty Lazzarotto. Dos desenhos de infância, passando pelo material que ele produziu durante a tem-

porada em que estudou na Escola Nacional de Belas Ar-tes, no Rio de Janeiro, até gravuras e outros conteúdos que ele realizou ao longo de seu percurso.

Entre os cerca de 800 tra-balhos, há materiais que

nunca foram apresentados ao público, como fotos que regis-tram o convívio de Poty com a família e bilhetes e recados bem-humorados que o artista fazia para se comunicar com a sua esposa, Célia. A expo-sição também abriu espaço

às ilustrações feitas por Poty, para obras literárias e para o trabalho que ele realizou com murais e vitrais. Além de estu-dos pouco conhecidos, como a viagem que realizou ao Xingu e os esboços para o desenvol-vimento do livro “Curitiba, de

nós”. A mostra “Poty, de to-dos nós” teve curadoria de Oswaldo Miranda (Miran).

Não há curitibano que não reconheça o traço genial do conterrâneo Poty Lazzarotto (1924-1998). Seus grandes murais e painéis contam e, ao

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Poty was an excellent printmaker, illustrator, draughtsman and one of the first of this art in the country. The concret mural of Guaira Theatre and the panel of tiles at the19th of December Square tell the story of

Parana’s political emancipation. They strike anyone who sees them.

The artist Napoleon Potyguara Lazzarotto

was born on the 29th of March 1924, Curitiba. In the 40’s, he studied at

the National School of Fine Arts, Rio de Janeiro. After being awarded with a scholarship by the French government, he studied lithography at the School of Fine Arts, Paris. He travelled around France, Spain and

Italy, where he absorbed European influences. Back in Brazil, he gave classes at art schools in Bahia, Recife and Curitiba. He illustrated books by Dalton Trevisan, Jorge Amado, Graciliano Ramos, Euclides

da Cunha and José de Alencar. He authored various works of public exhibition in Curitiba. He made the murals for the Brasil House, Paris. Poty also made the panel for the Latin America Memorial, Sao Paulo.

mesmo tempo, dão vida à his-tória da cidade e do país.

Poty foi um exímio gravu-rista, ilustrador, desenhista e um dos pioneiros da arte no país. Ninguém sai ileso ao se deparar com o mural em concreto aparente do Te-

atro Guaíra ou com o painel em azulejos que conta a his-tória da emancipação política do Paraná, na Praça 19 de Dezembro.

O ARTISTANapoleon Potyguara Lazza-

rotto nasceu em 29 de março de 1924, em Curitiba. Na dé-cada de 1940, cursou a Escola Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro. Depois, como bolsista do governo francês, na École de Beaux Arts, de Pa-ris, estudou litografia e viajou

pela França, Espanha e Itá-lia absorvendo influências europeias. De volta ao Bra-sil, deu aulas em escolas de artes na Bahia, Recife e Curi-tiba. Ilustrou livros de Dalton Trevisan, Jorge Amado, Gra-ciliano Ramos, Euclides da

Cunha e José de Alencar. É autor de várias obras de expo-sição pública em Curitiba. Fez ainda os murais da Casa do Brasil, em Paris, e executou um painel para o Memorial da América Latina, em São Paulo.

Poty foi um exímio gravurista, ilustrador, desenhista e um dos pioneiros da arte no país.

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O P E N W I N D O W T O T H E W O R L D

JANELA

ABERTA

PARA O

mundoPrimeira diretora do MON, Maristela Requião fala sobre o processo de implantação do museu e os oito anos em que ficou à frente do espaço. First director of MON

(Oscar Niemeyer Museum), Maristela talks about the implementation of the museum and the eight years which she was the director of the museum.

por / by OMAR GODOYfoto / photo NELSON KON / JOSÉ GOMERCINDO

a juventude, Maristela Requião trabalhou na primeira galeria de arte de Curitiba, a Cocaco.

Lá, aprendeu muito sobre as artes visuais e conviveu com talentos que marcaram época na produção

paranaense. Mais tarde, na posição de primeira dama da cidade, colaborou em importantes projetos

na área, como a criação do Centro Cultural do Portão. Em 2003, quando Roberto Requião, seu marido,

assumiu o Governo do Paraná, ela aceitou um desafio que poucos enfrentariam: implantar, praticamente

do zero, o Museu Oscar Niemeyer (MON) – então chamado de NovoMuseu e constituído apenas de um

prédio revigorado no Centro Cívico da capital.

Como foi o processo que culmi-nou na indicação do seu nome para implantar o museu?

O prédio foi inaugurado, mas não tinha nada dentro, não ti-nha acervo. Terminaram o museu e só fizeram uma expo-sição, belíssima por sinal, de inauguração do prédio. Ou seja: quando o Roberto assumiu, na realidade não existia nada. En-tão começaram a perguntar se ele iria montar o museu, se iria abandonar, se iria fazer outra coisa... Até que o Roberto re-

cebeu a visita do já falecido Birunga, arquiteto que traba-lhava com o Oscar Niemeyer. Ele tocou as obras e ficou em Curitiba para entregar o projeto. Os dois conversaram, o Roberto resolveu conhecer o prédio e ficou encantado. No dia se-guinte, me convidou para dar uma olhada no museu também. Achei o prédio maravilhoso, principalmente o Olho, um lam-pejo muito feliz do Niemeyer. Quando o Roberto perguntou se eu queria tomar a frente do mu-seu, levei um susto.

Aceitou a proposta de imediato?

Sempre fui muito ligada à arte. Trabalhei em uma das pri-meiras galerias de Curitiba, conhecia todos os artistas pa-ranaenses. Mas nunca tinha feito nada relacionado a um museu. Mesmo assim, acei-tei o desafio, partindo da premissa de que o Paraná pre-cisava de uma janela aberta para o mundo. Porque o Paraná era introspectivo, fechado, vol-tado para si mesmo. Nunca tinhamos recebido uma grande

Maristela Requião worked in her youth in the first art gallery of Curitiba, the Cocaco. There, she learned a lot about visual arts and met renowned talents of the Parana art. Later, at the position of first lady of Curitiba, she worked on import-ant artistic projects, such as the creation of the Centre for Culture of Portão. In 2003, Roberto Requião (her husband) took over the Govern-ment of Parana. And she accepted a challenge: to implement ONM. At first it was called called it NewMu-

seum and it was composed just by a reinvigorated building in the Civic Centre of the capital, the Cocaco.

For nearly eight years in which she managed the building, Maristela did not deprive herself from im-plementing the ONM. She was up-ported by a qualified team, and she travelled round the world in search for exhibitions. ‘Dadaism an Sur-realism’ (Israel), ‘Petit Palais – The Art of Tapestry’ (France) and ‘Eternal Treasures (Japan)’were exhibited in Curitiba. She created an educative

sector, developed a laboratory of ex-hibitions, and took works by Parana artists abroad. Today, she dedicates herself to projects focusing on to the integration of the Mercosul. And lives in Brasilia, where her husband works as senator. Howev-er, she keeps the good memories of the museum, as it is possible observe in the following interview.

How was the process, which ended up in the referral of your name to create the museum?

The building was inaugurated,

but it had nothing inside, it had no collection. They finished the muse-um and made one really beautiful exhibition for the opening. It is: as Roberto took over it was empty. So they started asking whether he would create the museum, wheth-er he would abandon it, whether he would do something else… That is when Birunga, an architect who worked with Oscar Niemeyer, visited Roberto. He started the work and stayed in Curitiba in order to deliver the project. The two of them

Durante os quase oito anos que esteve à frente do espaço, Maristela não se limitou a tirar o MON

do papel. Amparada por uma equipe qualificada, correu o mundo em busca de exposições das

quais “Dadaísmo e Surrealismo” (Israel), “Petit Palais - A Arte da Tapeçaria” (França) e “Eternos Te-

souros do Japão” (Japão) foram apresentadas em Curitiba; criou um setor educativo, desenvolveu

um laboratório de exposições, levou obras de artistas do Estado para o exterior. Hoje, vivendo em

Brasília, onde o marido cumpre mandato de senador, dedica-se a projetos voltados à integração

do Mercosul. Mas guarda com alegria as memórias do período no comando do museu, como se

pode perceber na entrevista a seguir.

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Maristela Requiãofoto/photo: Marcello Kawase

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talked, and Roberto decided to visit the building. He was delight-ed as he saw it. On the following day, he invited me to take a look at the museum as well. I found the building wonderful, especially the Eye, a very special glimmer by Niemeyer. As Roberto asked me whether I would like to manage of the museum I was scared.

Did you accept the pro-posal immediately?

I’ve always been connected to art. I worked at one of the first galleries

of Curitiba, I knew all of Parana’s artists. But I had never done any-thing related to a museum. Even so, I accepted the challenge. I believed that Parana needed an open window to the world. Parana was introspec-tive, closed and turned to its own self. We had never received a big exhibition, such as those that would come to Rio, Sao Paulo and Brasilia. It was rather an arduous job to start from scratch. I had to think about many aspects: from acclimatisation of the museum up to creation of a

qualified team to start the work. I invited Maria Quarenghi, who passed away to help me. She was a person with great capacity to set up great projects. We started working in a room at Iguaçu Palace because the museum’s building was still closed and without lights. And she told me a month later: “Maristela, if we want this to work, we’ll have to move to the museum, even though partially”. And it was out of this little seed that the whole project arose.

Was it difficult to conciliate

the creation the ONM with the search for the first exhibitions?

It was madness. I was very shameless to knock on the door of the great museums. I first tried in Sao Paulo, then in Rio. I got meet wonderful people, curators, artists and managers. People like Paulo Herkenhoff, Emanoel Araujo. They helped our museum a lot by putting me in touch with personalities of the whole world. Actually, it was hard work, as I had to conquer the trust of people. No museum

exposição, como as que vi-nham para o Rio, São Paulo, Brasília. Foi um trabalho muito árduo, porque come-cei do zero. Tive de pensar em vários aspectos, desde a cli-matização do museu até a formação de um grupo de fun-cionários qualificados para começar a trabalhar. Convi-dei, para me ajudar, a Maria Quarenghi, também já fale-cida. Ela era uma pessoa com uma capacidade muito grande de montar grandes projetos, inclusive empresas. Come-çamos a trabalhar numa sala do Palácio Iguaçu, porque o prédio do museu ainda es-tava fechado, não tinha nem luz. Até que, um mês depois, a Maria me disse: “Maris-tela, se a gente quer que isso funcione, vamos ter que nos mudar lá para o museu, mesmo que precariamente”. E foi dessa sementinha que surgiu todo o projeto.

Foi difícil conciliar a implan-tação, digamos, técnica do MON com a busca pelas pri-meiras exposições?

Foi uma loucura. Eu tinha muita cara de pau, porque fui bater na porta dos gran-des museus. Primeiro de São Paulo, depois do Rio. Comecei a conhecer pessoas maravi-lhosas, curadores, artistas e gestores. Gente como o Paulo Herkenhoff, o Emanoel Araujo. Eles ajudaram muito o MON, me colocando em con-tato com figuras do mundo inteiro. Na verdade, foi um tra-balho de formiguinha, porque eu tive de conquistar a con-fiança das pessoas. Nenhum museu da Europa, por exem-plo, iria se dispor a fazer uma exposição com obras de va-lores altíssimos numa terra desconhecida, numa cidade desconhecida, num museu que não existia. Então, eu

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in Europe, for instance, would allow their exhibition of extremely expensive works in an unknown land or city, at a museum, which didn’t even exist. So I had to fi ght for this space. And I think I made it.

And how did the move to Oscar Niemeyer Museum happen?

The new museum was connected to an NGO that was not acknowl-edged as such by the Ministry of Justice. It wasn’t consolidated. So we had to create another organi-sation in order to open the doors

of the museum. The quickest solution was to create an Oscip (Organisation of the Civil Society of Public Interest - entity created by the private initiative, which receives a certifi cate issued by the federal government to facili-tate partnerships at all levels of the government). We needed a juridical name and the idea to pay homage to Oscar Niemeyer came from Roberto. I checked that out with Oscar and he gave a funny answer: “My daughter, I prefer to

be paid homage while I’m alive”. He was so honoured that he drew the logotype of the museum. I’ve always been together with Oscar. He was one of the great-est companions and help of the process of creating the museum.

Please talk about the mu-seum’s fi rst exhibition.

The fi rst one was called ‘South American Nine Hundred’. Italian and Latin American artists were part of it. It happened in an unex-pected way. A friend of mine, the

Italian consul in Curitiba, did the curatorship and off ered it to me. It was an exhibition of a high level and it was available. Sometimes, to make an exhibition of this level takes two or three years. And this fell from the sky. It was wonderful. It comprised works by great Italian, Argentinian and Uruguayan artists. It also marked our work with the Rouanet law. After all the govern-ment didn’t have enough resources to bring the exhibitions. ONM had the money from this law, Copel and

Sanepar (public companies of the of Parana State). This alone wasn’t enough to bring great international exhibitions, though. Therefore, we started to charge a symbolic entrance fee. We also set up the café and the store. And we created many partnerships with institutions such as Petrobras, FIESP and CSN.

What model was followed in order to implement the educative sector and the restoration laboratory?

I based myself on the great world museums, which really emphasise

tive que conquistar esse es-paço. E eu acho que conquistei.

E a mudança de nome para Museu Oscar Niemeyer, como aconteceu?

O NovoMuseu era ligado a uma ONG que não estava reco-nhecida no Ministério da Justiça, não estava consolidada. Tive-mos, então, que criar outra organização para poder abrir as portas do museu. E a solução mais rápida foi fazer uma Os-cip [Organização da Sociedade Civil de Interesse Público, entida-de criada pela iniciativa privada que recebe um certifi cado emi-tido pelo governo federal com a fi nalidade de facilitar parcerias e convênios com todos os níveis de governo]. Juridicamente, preci-sávamos de um novo nome, e foi do Roberto a ideia de homena-gear o Oscar Niemeyer. Consultei o Oscar e ele me deu uma res-posta engraçada: “Minha fi lha,

prefi ro receber homenagem en-quanto estou vivo”. Ele fi cou tão honrado que desenhou o logo-tipo do museu. Sempre estive junto com o Oscar. Até os pro-dutos que nós vendíamos com a marca do MON tinham a apro-vação do Oscar. Ele foi um dos maiores companheiros de jor-nada, ajudou muito.

Fale da primeira exposição do museu, já rebatizado.

A primeira, “Novecento Su-damericano”, com artistas italianos e latino-americanos, aconteceu de forma inesperada. Um amigo meu, cônsul italiano em Curitiba, fez a curadoria e me ofereceu. Era uma exposição de alto nível e estava disponível. Porque, para fazer uma exposi-ção, às vezes você leva um, dois, até três anos. E essa caiu do céu. Foi maravilhosa, com obras de grandes artistas italianos, ar-gentinos, uruguaios. Também

Consultei o Oscar e ele me deu uma resposta engraçada: Consultei o Oscar e ele me deu uma resposta engraçada:

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MUNDO

Maristela Requião na abertura da exposição Emanoel Araujo.foto/photo: José gomercindo (Gogo)

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marcou nosso primeiro traba-lho com a Lei Rouanet, pois o governo não dispunha de recursos para trazer as expo-sições. Podem até dizer que o MON tinha o dinheiro da lei, da Copel e da Sanepar [empresas públicas do Estado do Paraná], mas isso não era o sufi ciente para trazer grandes mostras internacionais. Por isso, pas-samos a cobrar uma entrada simbólica, montamos o café e a loja e fi rmamos várias par-cerias com instituições como Petrobras, FIESP, CSN.

Qual modelo foi seguido para a implantação do setor edu-cativo e do laboratório de restauração?

Eu me baseei nos grandes mu-seus do mundo, que dão uma ênfase muito grande a esses setores. Para mim, depois das exposições, a parte educativa foi a mais importante da minha

gestão à frente do MON. “Minha intenção era formar um público para os museus em geral”. Por-que, quando comecei a trazer as exposições de porte a Curi-tiba, percebi que o público não era tão grande como o do Rio e o de São Paulo. Não existia esse hábito. Fizemos um tra-balho com escolas públicas e privadas, e não só de Curitiba. A partir daí, surgiram até crian-ças, de escolas da periferia, que se descobriram artistas. Tanto que fi zemos uma ex-posição maravilhosa com os trabalhos dos alunos, inspira-dos na obra da Anita Malfatti.

Como foi constituído o acervo do MON?

O acervo é a menina dos olhos. Quando eu trazia uma exposi-ção de um artista de fora, ou mesmo daqui, sempre pedia uma obra. A gente negociava, negociava, negociava, até

que conseguia. Recebi, por exemplo, do Museu Salvador Allende, do Chile, uma doação belíssima. Também compráva-mos peças com o dinheiro das entradas e do café, além de in-cluir a aquisição de obras nos projetos da Lei Rouanet. Dei-xei 280 quadros, verdadeiras obras de arte. Muitas delas, de artistas paranaenses. Sem o acervo, o MON não seria um museu, apenas uma sala de exposições.

Cite algumas exposições marcantes para a senhora.

Gosto de todas. A do Cícero Dias, por exemplo. Foi uma ex-posição muito bonita, que rendeu um catálogo igual-mente belíssimo. A mostra com os cromos dos irmãos Lumière também foi interessantís-sima. Aquela foi a primeira vez que os cromos saíram de Lion, na França. “Tesouros do

Japão” foi o maior público do museu. E, por causa dela, con-seguimos levar uma exposição maravilhosa, com trabalhos de artistas paranaenses, a Kobe. Uma das exposições que im-pressionou muito a criançada foi a da Tarsila do Amaral. As crianças eram trazidas pelas escolas e depois voltavam com os pais. Outro destaque foi uma exposição que veio da Ve-nezuela, com obras da coleção particular do Carlos Slim. Vie-ram quadros de Renoir, Monet, Degas. Bispo do Rosário, que neste ano fez sucesso em São Paulo, também foi muito mar-cante. Cildo Meirelles, Alfredo Volpi, Amilcar de Castro, An-tônio Dias, Arcangelo Ianelli, Magda Frank, Francisco Bren-nand... Uma das coisas que me dão orgulho, e isso eu posso dizer sem falsa modéstia, foi que eu consegui fazer o MON ser realmente reconhecido como museu mundo afora.

such sectors. For me, the educa-tive part was the most important part of my administration. My intention was to create a public for museums in general. As I started to bring renowned exhibitions to Curitiba, I realised that the public wasn’t as big as that of Rio or Sao Paulo. The population didn’t have the habit of going to museums. We started working alongside public and private schools from Curitiba and its surroundings. At this point, even children who

came from the outskirts of Curitiba found themselves artists. So it is, we made a magnifi cent exhibition with works by students, who were inspired by Anita Mafatti’s works.

How was ONM’s collec-tion constituted?

The collection is incredible. When I brought an exhibition by an artist from outside, or even from a local one, I would always ask for a piece of work as a gift. We negotiated again and again until we managed to have it. I received a beauti-

ful donation from the Salvador Allende Museum, Chile. We would also buy pieces of work with the money from the entrance fees and the café. Besides, we acquired of works using the Rouanet Law. I left there 280 pictures, which were a real work of art. ONM wouldn’t be a museum without the collection. It’d be only a venue for exhibitions.

Please name a few exhibitions that are remarkable for you.

I like them all. ‘Cícero Dias’ was a very beautiful exhibition and

produced an equally beautiful catalogue. The show with the ‘Auto Chromes’ by the Lumière brothers was also extremely interesting. That was the fi rst time that chromes had left Lion, France. ‘Japan’s Trea-sures’ gathered the greatest public at the museum. And because of it, we managed to take a wonderful exhibition with Parana’s artists to Kobe. Tarsila do Amaral’s exhibi-tion impressed the children quite a lot. The school would bring the children and after they would go

back home with their parents. Another highlight was the exhibi-tion that came from Venezuela, with works from Carlos Sim’s private col-lection. Pictures by Renoir, Monet, Degas. Bispo do Rosario was also remarkable. Cildo Meirelles, Alfre-do Volpi, Amilcar de Castro, Antô-nio Dias, Arcangelo Ianelli, Magda Frank, Francisco Brennand... One of the things that I’m proud of, with no false modesty, was that I was able to make ONM become known throughout the world.

“Minha fi lha, prefi ro receber homenagem enquanto estou vivo”. “Minha fi lha, prefi ro receber homenagem enquanto estou vivo”.

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Em 2012 o Museu Oscar Niemeyer foi eleito um dos 20 mu-seus mais bonitos do mundo pelo site norte-americano Flavo-rwire, sendo a única instituição latino-americana a entrar no ranking. Especializado em cultura e crítica de arte, o portal é responsável também pela edição, na internet, do guia cul-tural Flavorpill. Além disso, o MON está entre as principais atrações turísticas de Curitiba. A escolha foi feita pelos visi-tantes do portal de viagens TripAdvisor.

Também fazem parte da lista do Flavorwire instituições de longa tradição no campo museológico como o Museu do Louvre (França), o Museu d´Orsay (França), o Museu Hermi-tage (Rússia), o Museu Guggenheim de Bilbao (Espanha) e o Museu de História Natural de Viena (Áustria). Os outros sele-cionados foram o Getty Center na Califórnia (EUA), o Museu Solomon R. Guggenheim, de Nova York (EUA), a Casa e Jardins Claude Monet, em Giverny (França), o Museu de Arte Islâmica (Qatar), o Museu de Arte Nelson-Atkins (EUA), o Museu de Ha-noi (Vietnã), o Museu de Arte Moderna de Fort Worth (EUA), o Museu Louisiana de Arte Moderna (Dinamarca), o Museu Royal Ontario (Canadá), o Museu MAS (Bélgica), o Museu Salvador Dali da Flórida (EUA), o Palácio Potala de Llasa (Tibet), o Museu Histórico do Estado de Moscou (Rússia) e o Museu Chora de Istambul (Turquia).

Neste ensaio, Leonardo Finotti, especialista em fotografia arquitetônica, mostra com olhar aguçado toda a força, beleza e singularidade deste que é um dos museus mais bonitos do mundo.

Finotti é formado em arquitetura e trabalha como fotógra-fo. Pelas suas lentes foram registradas imagens da arqui-tetura mundial. No Brasil, os projetos de Paulo Mendes da Rocha, Marcos Acayaba, Isay Weinfeld, Thiago Bernardes e Paulo Jacobsen, Gustavo Penna, entre outros, foram clica-dos por ele.

Em 2007, no centenário de Oscar Niemeyer, Finotti se arris-cou em um ambicioso projeto com a ideia de fotografar as obras mais representativas deste importante arquiteto. “100 anos, 100 fotos, 100 trabalhos” resultou no mais significa-tivo arquivo de fotografia contemporâneo sobre Niemeyer: 200 edifícios registrados ao redor do mundo. Em 2012, rea-liza mais um ensaio, desta vez no MON, e o resultado deste trabalho você vê aqui.

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Um dos maisbonitos do mundo

por / by MARIANNA CAMARGOfotos / photos LEONARDO FINOTTI

In 2012, North American online portal Flavorwire, which specializes in culture and art criticism and is responsible for pub-lishing cultural e-guide Flavorpill, named the Top 20 most beautiful museums in the world. Oscar Niemeyer Museum was the only Latin American that made the list. Additionally, MON is among the leading tourist attractions in Curitiba as chosen by visitors to the travel website TripAdvisor.

Flavorwire’s list also includes long stand-ing institutions such as the Louvre (France), the Musée d’Orsay (France), the State Her-mitage Museum (Russia), the Guggenheim Museum Bilbao (Spain) and the Museum of Natural History (Austria). Other names selected include: Getty Center (California, USA), Solomon R. Guggenheim Museum (New York, USA), Claude Monet’s House and Gardens (Giverny, France), Museum of Is-lamic Art (Qatar), Nelson-Atkins Museum of Art (USA), Hanoi Museum (Vietnam), Mod-ern Art Museum of Fort Worth (USA), Lou-isiana Museum of Modern Art (Denmark), the Royal Ontario Museum (Canada), MAS Museum (Belgium), Salvador Dali Museum (Florida, USA), Potala Palace (Lhasa, Tibet), Moscow State Historical Museum (Russia) and Chora Museum (Istanbul, Turkey).

In this shoot, Leonardo Finnotti, a spe-cialist in architectural photography, shows a keen eye with all the strength, beauty and uniqueness, of this museum which is one of the most beautiful in the world.

Finotti has a degree in architecture and works as a photographer. Through his lens were shot images of the world architecture. In Brazil, the projects of Paulo Mendes da Rocha, Marcos Acayaba, Isay Weinfeld, Thia-go Bernardes and Paulo Jacobsen, Gustavo Penna, among others, were clicked by him.

In 2007, during the centenary of Oscar Niemeyer, Finotti challenged himself in an ambitious project, shooting the 100 most representative works of this important architect. “100 years, 100, photos, 100 works”, resulted in the the most signifi-cant contemporary photography archive about Niemeyer: 200 buildings shot around the world. In 2012, he performs another photo shoot, in MON, and the result of this work you can check here.

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U N I V E R S E O F I C O N I C A R T I S T S

Há um lugar onde Andy Warhol, Tarsila

do Amaral, Di Cavalcanti, Miguel Bakun

e Poty Lazzarotto dividem espaço. No

mesmo local, artistas como Arcângelo

Ianelli, Alfredo Aldersen, Tomie Ohtake

e Maureen Bisilliat apresentam temas e

formatos específi cos, mas todos juntos.

Esse lugar é o acervo do Museu Oscar

Niemeyer, que possui mais de 3 mil

obras e está em constante crescimento.

There is a place where Andy Warhol, Tarsila do Amaral, Di Cav-alcanti, Miguel Bakun and Poty Lazzarotto all share the same space. There, artists such as Arcângelo Ianelli, Alfredo Aldersen, Tomie Ohtake and Maureen Bisilliat present, side by side, spe-cifi c themes and formats. That place is called Oscar Niemeyer Museum (MON), and its collection has over 3.000 works and is constantly expanding.

UM UNIVERSO DE ARTISTAS

históricospor / by DIOGO CAVAZOTTI

categorias de pintura, escultura, desenho, gravura e tapeçaria, mas abriga também expressões arrojadas, como objetos e instalações, entre outras manifestações.

O acervo iniciou-se com a herança das obras pertencentes ao Museu de Arte do Paraná (MAP) desativado em 2002 e espe-cializado em obras paranaenses. O MAP surgiu em 1987 com o intuito de criar um novo espaço cultural na cidade e democra-tizar o acervo do Paraná, agregando, em um mesmo espaço, as obras dispersas das se-cretarias e órgãos estaduais.

“Acrescentou-se a essa herança um traba-lho efetuado por críticos e pesquisadores que realizaram uma verdadeira garimpagem no espólio do Palácio Iguaçu e também do extinto Banestado, fazendo uma escolha criteriosa e soman-do-a ao acervo do MON”, explica a crítica de arte Maria José Justino.

Maria José destaca algumas coleções do acervo, como as

A importância de um museu é medida não só pelas expo-sições que apresenta, mas também pelo próprio acervo, que varia de acordo com a ca-racterística do espaço. O MON reúne atualmente um patri-mônio de artistas nacionais e internacionais de diferentes épocas e especialidades, onde se destaca a rica diversidade de formatos e temas. Conhecer o acervo do MON é passear pela trajetória que a arte tem percor-rido no último século.

Comparado a outros espaços consagrados, como a Pinaco-teca, o Museu de Arte de São Paulo, o Museu de Arte Mo-derna do Rio de Janeiro e a Fundação Iberê Camargo, o acervo do MON pode ser con-siderado pequeno. Mas essa afi rmação é injusta se analisar-mos o tempo de existência de cada um deles, bem maior que os dez anos recém-completados pelo Museu Oscar Niemeyer.

O acervo do MON é formado por obras nas tradicionais

The importance of any museum is not only weighed by its exhibi-tions, but also by its permanent collection, which varies according to the characteristics inherent to the institution. MON currently counts on a set of works by national and international artists of diff erent periods and areas of expertise and which stand out for their wide range of formats and subject diversity. Getting to know MON’s collection is to tour the trajectory art has traveled in the last century.

Compared to other renowned cultural centers in Brazil, such as the São Paulo Pinacotheca (picture

gallery), the São Paulo Museum of Art, the Rio de Janeiro Muse-um of Modern Art and the Iberê Camargo Foundation, MON might seem small. But such assertion is unfair if we take into account how long each one of them has been around — they are all much older than MON, which recently completed ten years of existence.

MON’s collection comprises works from traditional categories of painting, sculpting, draw-ing, engraving and tapestry, but is also home for bold and diverse art expressions, ranging from objects to installations.

The collection started with works inherited from the Paraná Museum of Art (MAP), which was specialized in local works and closed in 2002. MAP came to life in 1987 to create a new cultural space in the city and to make Paraná’s collection more accessible, gathering under the same roof pieces no longer in use by state bodies and agencies.

“This legacy has been further enhanced by the work of art critics and researchers who carried out a thorough selection from works previously owned by Palácio Iguaçu (seat of Paraná state) and Banesta-do (a former state-owned bank)”,

explains art critic Maria José Justino. “After that rigorous selection was performed, some pieces were added to MON’s collection.”

Justino points out some parts of the collection, such as Michaud and Lechowski watercolors; Wong, Stenzel and Jeff erson César drawings; Brzezinski objects; Calderari engravings; and Chro-miec paintings; among others. By means of that rapid incorporation by MON, it is possible to high-light its most important feature: heterogeneity. “Today MON is a reference in the art fi eld in Brazil. Despite the emphasis given to art

from Paraná, national and inter-national artistic movements are not overlooked”, adds Justino.

Among thousands of works com-prised by the collection, one can stumble upon works like Brugnera’s Belly (2007), Estanislau Traple’s Woman Portrait (1939), Paul Garfunkel’s Santos Choir (1963), Domício Pedroso’s Winter in Paris (1957/1960), Di Cavalcanti’s Woman with Dog and Flowers (1935), The-odoro De Bona’s Clearing (1945), Bruno Giorgio’s The Athlete (1951), Poty Lazzarotto’s Self-Portrait (1988), Francisco Brennand’s Rocca Birds (2004), and many more.

aquarelas de Michaud e Lechowski, os desenhos de Wong, Stenzel e Jeff erson César, os objetos de Brzezinski, as gravuras de Calderari e as pinturas de Chromiec, entre outras. Por meio dessa rápida in-cursão pelo acervo do MON, é possível ressaltar sua mais importante característica: é eclético. “O MON é hoje, no Brasil, referência no campo artístico. Em-bora haja uma ênfase na arte paranaense, não exclui o movimento artístico nacional e internacional”, diz a crítica de arte.

Entre as milhares de obras existentes no acervo, é possível deparar-se com trabalhos como Barriga (2007), de Brugnera, Retrato de Mulher (1939) de Estanislau Traple, Coral de Santos (1963), de Paul Garfunkel, Inverno em Paris (1957/1960), de Domício Pedroso, Mulher com cachorro e fl ores (1935), de Di Cavalcanti, Clarera (1945), de Theodoro De Bona, O Atleta (1951), de Bruno Giorgio, Autorretrato (1988), de Poty Lazzarotto, Pássaros Rocca (2004), de Fran-cisco Brennand, entre tantos outros.

Além das exposições itine-rantes que entram em cartaz no MON, há sempre uma sala ou espaço dedicado ao acervo. Afinal, visitar um mu-seu é também conhecer as obras que “vivem” lá. Inad-missível seria visitar o Museu de Arte Moderna de Nova Ior-que (MoMA) e não encontrar Noite Estrelada e Retrato de Joseph Roulin, ambos de Vin-cent van Gogh, ou passear pelo Museu do Louvre, em Paris, e não se deparar com MonaLisa, de Leonardo da Vinci, ou a Vênus de Milo.

Este verdadeiro universo de obras históricas ainda conta com preciosidades de Guido Viaro, Fernando Velloso, Beatriz Milhazes, Siron Franco, Flávio Shiró, Luiz Carlos de Andrade Lima, Hermann Schiefelbein e tantos outros artistas do mundo, que contribuem para tornar a visita ao MON uma ex-periência inusitada, profunda, verdadeira e sensorial.

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UNIVERSO

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A saúde das obras

O Museu Oscar Niemeyer conta com um espaço dedi-cado ao restauro e conservação do acervo. Eventuais danos causados pelo transporte das obras, ou ainda mofo e fungo são tratados por especialistas que contam com materiais especiais para o trabalho.

Quando uma obra de arte chega ao setor de restauro, a equipe realiza o registro foto-gráfico do material e a análise com o uso de uma lâmpada ul-travioleta para verificar se ela passou por alguma interven-ção, como retoques de tinta.

Em seguida é realizado um laudo técnico, em que serão

Besides all itinerant exhibits presented by MON from time to time, the permanent collection is continuously displayed in one of the museum rooms. After all, visiting the museum is also about getting to know the work that “lives” there. It is like visiting New York’s Museum of Modern Art (MoMA) and not having a meeting with Vincent van Gogh’s Starry Night or Portrait of Joseph Roulin; or going for a stroll in the Louvre in Paris and not seeing Leonardo da Vinci’s Mona Lisa or the Venus de Milo — it is simply inconceivable.

Last but not least, this true uni-

verse of iconic works counts also on preciosities by Guido Viaro, Fernan-do Velloso, Beatriz Milhazes, Siron Franco, Flávio Shiró, Luiz Carlos de Andrade Lima, Hermann Schiefel-bein and many other artists from around the world who contribute to turn your visit to Oscar Niemeyer Museum into an unexpected and deep, true and sensorial experience.

Works Maintenance Oscar Niemeyer Museum counts

on a dedicate space for the col-lection restoration and preserva-tion. Occasional damage caused during transportation or due to

mold and other fungi is handled by specialists who make use of proper tools and materials.

When a piece of art is sent for restoration, the responsible team performs photographic record of the material and checks it with ultraviolet light for any intervention, such as retouch.

Following, a technical report is issued including the work record, current state, and restoration form and purpose. All is registered into the work record. More than one person assesses what type of process is to be used so that every step may be discussed.

Restoration is done in a specially adapted environment and by using appropriate materials, including proper chemicals. There is also a specific department for works in pa-per, with driers, washers and prod-ucts that drain humidity, avoiding oxidation and formation of fungi.

According to historian and specialist in restoration, Humber-to Imbrunisio, fungi and cracks are the most common problems. “Solution is simple in both cases as long as carried out within the time span in which the work can be restored”, he explains. For that to happen, the team verifies the

collection on an ongoing basis and all pieces are stored in a special room which is set from 20ºC to 22ºC and 50% to 55% humidity.

Currently, the team is working into making an Oscar Niemeyer Museum scale model to be used by blind people. The mockup will be created in plaster and painted with cement, and glass will be used the same way as in the real construction so visitors’ tactile perception can be heightened. All different levels of the building will also be reproduced and will feature their respective subdivisions.

mais comuns. “Em ambos pro-blemas a resolução é simples, desde que realizada em tempo suficiente para recuperar a obra”, explica. Para isso, a equipe faz a vistoria frequente das obras do acervo, que ficam armazenadas em sala especial, com temperatura entre 20 e 22 graus e 50 a 55% de umidade.

Atualmente a equipe tra-balha na montagem de uma reprodução da maquete do MON, que vai ser usada para visitantes com dificuldades vi-

suais. Ela será construída em gesso, pintada com cimento, utilizando vidros onde eles realmente existem na construção real, para que a percepção tátil do visitante seja acentuada. Ainda serão pro-duzidos os diferentes andares do prédio, com as respectivas subdivisões.

Afinal, visitar um museu é também conhecer as obras que “vivem” lá.

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abordados o histórico da obra, qual seu estado atual, a ficha e a finalidade do restauro. Tudo catalogado para o histórico da obra. A análise do que será realizado é feita por mais de uma pessoa para que possa ser discutido o passo a passo do trabalho.

O restauro é feito em um ambiente especialmente adaptado, com materiais adequados, incluindo reagentes químicos. Há também um setor específico para obras em papel, com secadores, lavado-ras e produtos que sugam a umidade, evitando assim a oxidação e a formação de fungos.

Segundo o historiador e especialista em restauro responsável por este setor no MON, Humberto Imbrunisio, o fungo e as obras craqueladas são os problemas

ART, EDUCATION AND EXPERIENCE

arte, educação e

experiênciapor / by ANA NEUMANN

Learning through observation and practice, having contact with the artist and his/her technique, going beyond experience of contemplation and transforming the viewer’s experience into the artist’s expression; these are the roles of the Centre for Educative Action. The centre seeks to serve as a bridge between the visitor and the artist’s universe and his orher works. It is done through workshops, guided tours and monitoring.

prender por meio da observação e prática. Ter

um contato intenso com o artista e sua técnica.

Ultrapassar a experiência de contemplação e levar o

espectador a vivenciar a expressão do artista. Esse é

o papel do Núcleo de Ação Educativa que busca, por

meio de ofi cinas, visitas orientadas e monitorias, ser

uma ponte entre o visitante e o universo do artista e

suas obras.

O setor, implantado em 2003, trabalha com esse universo por meio de exposições, ofi cinas, palestras, seminários, capacitações, simpósios e cursos, conce-bendo o museu como centro de formação aberto.

By defi nition, the museum is an institution that continuous-ly serves society through the conservation and amplifi cation of its collection, preserving its history and culturally developing what is around it. Having this concept as a premise, the Os-car Niemeyer Museum’s Centre

for Educative Action has been working to form a social, cultur-al and pedagogical character. It also promotes contact between the institution and the public.

The sector, implemented in 2003, does its work through exhibi-tions, workshops, presentations, seminars, trainings, symposiums

and courses. It makes the museum work as an open training centre.

Since its creation, ONM (Oscar Niemeyer Museum) has re-ceived 200 national and inter-national shows. The highlights are: ‘Rembrandt and the art of engraving’, ‘Dreaming with Open Eyes – Dadá and Surre-

alism’, ‘Aff ective Path – Tarsi-la’, ‘Modigliani – Life Images’, among others. Such exhibitions caused the public great interest.

It has received over a million visitors and issued over a hundred catalogues. It comprises approx-imately 4 thousand works in its collection and has received more

than 120 thousand participants in its free educative activities.

This expressive number is the confi rmation that the activities promoted by Educative Action act as an extension of the museum, contributing with the cultural iden-tity not only of Curitiba’s society, but also that of Parana and Brazil.

Pela defi nição ofi cial, museu é uma instituição permanente em serviço da sociedade pela conservação e ampliação de seu acervo, da preservação de sua história e do desen-volvimento cultural do seu entorno. E com essa premissa, o Núcleo de Ação Educativa do Museu Oscar Niemeyer vem trabalhando incessantemente, ao longo dos anos, para ter um caráter social, cultural, artístico e pedagógico e promo-ver o contato entre a instituição e o público em geral.

Desde sua estruturação, o MON já recebeu mais de 200 mostras nacionais e internacionais, das quais se destacam “Rembrandt e a arte da gravura”; “So-nhando de Olhos Abertos – Dadá e Surrealismo”; Percurso Afetivo – Tarsila”; “Modigliani – Imagens de uma vida”, entre outras, que despertaram grande inte-resse do público.

Foram mais de 1 milhão de visitantes, mais de 100 catálogos editados, mais de 3 mil obras no acervo e mais de 120 mil participantes em atividades edu-cativas gratuitas.

Esse número expressivo é a constatação de que as atividades promovidas pela Ação Educativa agem como uma extensão do MON, contribuindo com a identidade cultural não apenas da sociedade curiti-bana, mas também da paranaense e brasileira.

ARTE

EDUCAÇÃO E

EXPERIÊNCIA


Com uma equipe formada por estudan-tes de Artes, Turismo, História e Design, os monitores são os responsáveis pelo aten-dimento ao público e pela “tradução” da linguagem usada pelo artista em suas obras. Num primeiro momento o MON faz um trabalho junto às escolas, e depois com a família, para a formação e integra-ção desse público. Também são elaborados materiais pedagógicos, relacionados às ex-posições, que são doados às crianças e aos professores das escolas municipais e esta-duais, prolongando a experiência da vinda ao museu na sala de aula.

As monitorias são direcionadas de acordo com o público, respeitando a faixa etária e as diferenças individuais. “Como monitores temos contato com vários públicos, desde

crianças, idosos, deficientes visuais e cadei-rantes. Dessa forma podemos levar a arte e a educação para a população em geral. Mostrar às pessoas a importância de irem ao museu é fundamental”, diz Fernando Scholz, estudante de História e um dos mo-nitores do museu.

Além da experiência de ver a mensagem do artista atingir cada indivíduo, de dife-rentes formas, o monitor é desafiado, por vezes, a expor ao visitante uma nova ma-neira de transmitir esse conhecimento. “Uma vez atendi uma menina que era deficiente vi-sual. Eu a peguei pela mão e a levei ao Pátio das Esculturas, onde as pessoas podem to-car nas obras de arte e ler as inscrições em braille. Ela reconheceu todas as característi-cas da obra e ficou muito feliz ao descobrir

que o museu também é um lugar acessivel a todos”, completa Scholz.

O trabalho de monitoria é feito com prévio treinamento e em conjunto com os curado-res e com os artistas expositores, que dão o embasamento teórico, qualificando-os para as visitas orientadas.

O departamento também está preparado para oferecer atendimento personalizado, que deve ser solicitado previamente, a es-tudantes de nível superior, professores e profissionais especializados que estiverem desenvolvendo trabalhos e projetos. O nú-cleo atende por dia, em média, 700 pessoas de grupos agendados, o que faz do museu uma alternativa enriquecedora, atraindo a participação efetiva da população para toda a programação oferecida pelo MON.

Monitoring: the bridge be-tween public and institution

The monitors (a team formed by students of Art, Tourism, History and Design) are responsible for customer service and for trans-lating the artist’s language of his or her works. Firstly, ONM works alongside with schools, and then

with families, in order to integrate this public. Pedagogical material regarding the exhibitions is also elaborated, and is then donated to the children and teachers of municipal and state schools. Thus, it takes the experience of visiting the museum into the classroom.

However, monitoring is carefully

thought according to the visiting public, taking ages and individual differences into consideration. “As monitors, we have contact with dif-ferent kinds of public: children, el-derly, visually impaired and wheel-chair users. In this way, we can take art and education to the population. “To show people the importance of

going to the museum is fundamen-tal”, said Fernando Scholz, History student and museum monitor.

Besides the experience of seeing the artist’s message reaching each individual, the monitor is at times challenged to pass the knowledge on to the visitor in different ways. “Once, I guided a girl who was

visually impaired. I took her by the hand and we went to he Sculpture Court, where people can touch the works of art and read the captions in braille. She recognised all char-acteristics of the work and was very happy to find out that the muse-um was also a place for visually impaired people”, said Scholz.

Monitoriaa mediação entre público e instituição

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Outro viés de integração entre o museu e o público é feito por meio das oficinas de criação que normalmente são vincula-das às mostras. As oficinas são ofertadas gratuitamente para o grande público, inde-pendente da faixa etária, e dialogam com as exposições em cartaz. “Dentre as técnicas utilizadas, as mais apreciadas são aquelas ligadas à pintura, recorte, colagem e modela-gem”, conta Rosemeri Bittencourt Franceschi, pedagoga, especialista em Educação e coor-denadora do núcleo há quatro anos.

The monitoring work is done with previous training and together with curators and artists, who teach them about the theory. Thus, qual-ifying them to do the guided tours.

If it is required beforehand, the department is prepared to offer customised service to graduate

students, teachers and special-ised professionals who have been working on projects. The sector receives around 700 people per day, which turns the museum into a rich alternative, attracting participation of the population to all programs offered by ONM.

Workshop for all Another form of integration be-

tween the museum and the public is done through creation workshops, which are normally connected to exhibitions. The workshops are open to the public of all ages. They talk about the exhibitions on

display. “Among the most com-monly used techniques are those of painting, cropping, collage and modelling”, said Rosemeri Bit-tencourt Franceschi, pedagogue, specialist in Education and coordi-nator of the centre for four years.

The project ‘Artist of the Month’

highlights the exhibitor artist, creating the opportunity of a direct contact with the artist. Thus, promoting the learning of different techniques and artistic expressions. “Art is meant to be felt. Speech and theory don’t work if you don’t feel”, said Marcos Bento, draughts-

Oficina para todos

O projeto “Artista do Mês” pres-tigia o artista expositor, criando a oportunidade do contato direto, promovendo a aprendizagem de diferentes técnicas e expressões ar-tísticas. “Arte é sentir. Não adianta discurso e teoria se você não sente”, afirma Marcos Bento, desenhista, pin-tor, designer gráfico, produtor cultural e Artista do Mês de outubro/2012.

Para participar das oficinas, pri-meiro as pessoas visitam a exposição e depois descem para realizar o exer-cício criativo, fazendo com que o visitante vivencie de maneira mais concreta o procedimento usado e os materiais com que o artista se en-volve. “Quando uma criança vai para a oficina e entende o meca-nismo, essa exposição passa a ter uma clareza muito grande para ela, quebrando toda a aridez. Ela tem a possibilidade de se lançar e de se sentir segura para produzir”, com-pleta a coordenadora.


man, painter, graphic designer, cultural producer and ‘Artist of the Month’ in October, 2012.

To participate in the workshops, people first visit the exhibition and after do a creative exercise. In this way, making the learner experience the used procedures and materials, with which the artist gets involved.

“When a child visits the workshop and understands the mechanism, the exhibition becomes a lot clearer to him or her, dissolving the initial dryness. She or he has the possibil-ity to release her or his work and to produce more”, said the coordinator.

New ProjectsThe Centre for Educative Action

and the Museum created for three years the Social Sunday. It takes place on the first Sunday of each month and the admission is free. Artistic workshops, guided tours, music shows, dance and theatre presentations are planned for this day. The program is available to the whole society and aims to facilitate

public’s access to the museum and to the artistic universe.

The centre has been investing in projects, which aim to turn the mu-seum into a space for experimenta-tion. So, the visitor can create, build and represent the new knowledge. Partnerships are made in order to link the museum’s calendar to the

schools and companies’ programs and to the city daily life. In the next years, there will be other proposals of taking entertainment and debate from the museum to the population. Thus, creating a way of sharing knowledge in a public space, in order to preserve, restore and spread art as a society heritage.

Novos projetos

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O Núcleo ainda tem investido em projetos que visam conceber o museu como um espaço de experi-mentação, para que o visitante possa criar, construir e representar novos conhecimentos. Ainda nesse contexto, estão sendo realizadas parcerias que vincu-lem o calendário do museu aos currículos escolares, às programações das empresas e ao cotidiano da

cidade. Para os próximos anos, outras propostas permeiam as intenções do museu de levar entrete-nimento e debate à população, criando assim uma forma de compartilhar o saber no espaço público, de maneira a preservar, restaurar e disseminar a arte como patrimônio da sociedade.

Sob a coordenação do Núcleo de Ação Educativa, o MON criou há três anos o Domingo Social, que ocorre no primeiro domingo de cada mês com en-trada gratuita. Para o dia são programadas oficinas artísticas, visitas mediadas, apresentações de mú-sica, dança e teatro. A programação é aberta a toda a comunidade com o objetivo de estimular o acesso do público ao museu e ao universo artístico.

O Museu Oscar Niemeyer com-

pletou dia 22 de novembro de

2012 dez anos de atividade.

Mais de 250 exposições foram

realizadas neste período, que

receberam por ano um público

superior a 200 mil visitantes.

MON1O ANOS

MON 10 YEARS

Para comemorar esta data especial, o MON trouxe as exposições:

“Múltiplo Leminski”, “Degas: Poesia geral da ação. As escultu-

ras – Coleção MASP”, “PR/BR – Produção da imagem simbólica

do Paraná na cultura visual brasileira” e “Di Cavalcanti, Brasil

e Modernismo”. São mostras signifi cativas que compreendem

artistas da história da arte mundial e da arte paranaense, dan-

do destaque também para obras que estão no acervo do museu

– o que o consolida como um espaço de grandes exposições

nacionais e internacionais.

The Oscar Niemeyer Museum (MON) completed, on November 22, 2012, ten years of activities. Over 250 exhibitions were performed during this period , which together received an audience of more than 200 thousand visitors.

To celebrate this special date, MON has brought the exhibitions: “Múltiplo Leminski”, “Degas: Poesia geral da ação. As esculturas – Coleção MASP”, “PR/BR – Produção da imagem simbólica do Paraná na cultura visual brasileira” and “Di Cavalcanti, Brasil e Modernismo”. These signifi cant shows that bring artists of world art history and Paraná’ State, highlighting also the works that are in the Museum’s collection, which consolidate MON as a space of major national and international exhibitions.

Paulo Leminski permanently marked his name in Brazilian poetry, but his biography announc-es an artist who went way beyond the verses. With a plural work, the Curitiba-born poet explored the limits of literature in full. Lyricist of folk songs, translator of authors such as Samuel Beckett and James Joyce, essayist, teacher, novelist, advertiser and biographer, Lemins-

ki explored language in almost all ways possible. Some facets of such a singular artist can be seen in the exhibition “Multiple Lemins-ki”, the largest on him in Brazil.

In all, the exhibit comprises 14 different areas spread throughout Oscar Niemeyer Museum Main Hall (the “Eye”), and which condensate the writer’s vast production. There is one Leminski for every taste. The

literary work, by which he became known nationwide, is presented in all genres: there are reproductions of book covers, enlarged manu-scripts of Catatau — experimental work with which Leminski started in literature — and an exclusive area for the poet’s translations. Another sector is dedicated to books Lemins-ki wrote in partnerships with Jack Pires, 40 clicks em Curitiba, and

João Virmond Suplicy, Winterverno. Other renowned works are also present, such as the series Vida, collection of four biographies pro-duced by the author in the 1980s.

“In the text industry, Paulo acted in all imaginable genres”, says Alice Ruiz, Leminski ex-wife and curator of the exhibition. Also a poet, Alice dug the writer’s work and came up with a thorough selection of the material

which, according to her, features his artistic plurality. “I think what’s really cool in the exhibit is that all of Paulo’s facets are comprised here.”

A poet who masterfully conjugated both high and popular literature, Leminski had a library which was as vast as diverse. Some of the works, very important to him, have been picked up by the curator, who gave preference to titles

Multiple Leminskipor / by LUIZ REBINSKI JUNIOR

Múltiplo Leminski

Paulo Leminski marcou a ferro quente seu nome na poesia brasileira, mas sua biografia denuncia um artista que foi muito além dos versos. Com uma obra plural, o poeta curitibano explorou os limites da literatura em sua plenitude. Letrista de canção popular, tradutor de autores como Samuel Beckett e James Joyce, ensaísta, professor, romancista, publicitário e biógrafo, Leminski explorou a linguagem em quase todas as suas possibilidades. Algumas das facetas deste artista tão singular podem ser conferidas na mostra “Múltiplo Leminski”, a maior exposição sobre o poeta realizada no Brasil.

Ao todo são 14 espaços, dis-tribuídos por todo o Salão Principal (“Olho”) do Museu Oscar Niemeyer, que con-densam a vasta produção do escritor. Há Leminski para to-dos os gostos. A obra literária, pela qual o escritor ficou co-nhecido nacionalmente, é apresentada em todos os gê-neros: há reproduções das capas de seus livros, manus-critos ampliados do Catatau – a obra experimental com a qual Leminski fez sua estreia na literatura — e um espaço ex-clusivo para os trabalhos de tradução feitos pelo poeta. Ou-tro ambiente é dedicado aos livros que Leminski fez em par-

Exposição Leminski no salão principal “Olho” foto / photo: MarcIel Conrado

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that contributed to the writer’s intellectual build up. “The books exhibited represent an attempt to make a cut — a very modest one, that is — that shows the wide range of subjects that interested him.”

The poet’s iconic image, with his notorious mustache, is explored in dozens of photos that help tell the story of his intense journey on Earth, which lasted 44 years.

Audiovisual registers captured Leminski’s eloquence and enable visitors to understand the essence of the artist. Literary works also appear on screens, with adaptations by Paulo Munhoz, for Guerra dentro da gente (Belowats), and by Cao Guimarães, for Catatau (Ex-isto).

Leminski’s notable work as a popular composer also stands out in the exhibition. Estrela Lemins-

ki, daughter, compiled 89 songs written by her father and performed by artists such as Moraes Moreira, Paulinho Boca de Cantor, Caetano Veloso and the bands A cor do som and Blindagem. The tracks are continuously played in one of the exhibition areas. “I gave preference to songs originally set to become music, and overlooked those made from poems”, explains

Estrela, highlighting that the selection also brings a few songs performed by Leminski himself.

“Multiple Leminski” will be open to visitation until March 31st, 2013, the year in which the poet’s complete and published works will come to market once again through publisher Companhia das Letras. Also in that year, a DVD called Acervo Digital Paulo Leminski (Paulo

Leminski Digital Collection) will be made available to libraries all over the country. “Everything my father produced, from poetry to newspaper and magazine articles, alongside his bold criticism, will be accessible to researchers and fans”, points out Áurea Leminski, older daughter and person in charge of the project.

ceria com Jack Pires, 40 clicks em Curitiba, e João Virmond Suplicy, Winterverno. Estão lá também outros trabalhos mar-cantes, como a série Vida, conjunto de quatro biografias que o escritor produziu nos anos 1980.

“Na área de texto, o Paulo atuou em todos os gêne-ros imagináveis”, diz Alice Ruiz, ex-mulher de Leminski e curadora da exposição. Tam-bém poeta, Alice vasculhou o acervo de Leminski e fez uma seleção minuciosa do mate-rial que, segundo ela, mostra a pluralidade artística do es-critor. “Acho que o grande barato da exposição é que to-das as facetas do Paulo estão contempladas.”

Poeta que conjugava de forma habilidosa a alta litera-tura com a cultura de massa, ou pop, Leminski era dono de uma biblioteca tão vasta quanto diversificada. Algumas obras, bastante importantes para o escritor, foram sele-cionadas pela curadora, que deu preferência aos títulos

que ajudaram na formação in-telectual do poeta. “Os livros expostos são uma tentativa de fazer um recorte – muito mo-desto, é verdade – que mostre a vasta gama de assuntos que o interessavam.”

A imagem icônica do poeta, com seu célebre bigode, é ex-plorada em dezenas de fotos que ajudam a contar a sua in-tensa jornada na Terra, que durou 44 anos. Registros au-dovisuais, que captaram a eloquência de Leminski, au-xiliam o visitante da mostra a entender a essência do ar-tista. A obra literária também aparece nas telas, com as adaptações de Paulo Munhoz para Guerra dentro da gente (Belowars) e de Cao Guimarães para Catatau (Ex-isto).

A atuação de Leminski como compositor popular tam-bém ganha destaque. Estrela Leminski, filha do poeta, com-pilou 89 músicas compostas pelo pai e gravadas por ar-tistas como Moraes Moreira, Paulinho Boca de Cantor, Cae-tano Veloso e os grupos A cor

do som e Blindagem, que são executadas de forma ininter-rupta em um dos ambientes da mostra. “Dei preferência às composições que foram fei-tas originalmente para serem musicadas, e deixei de fora as canções feitas a partir de poemas”, explica Estrela, en-fatizando que na seleção há, inclusive, algumas músicas em que Leminski aparece como intérprete.

“Múltiplo Leminski” fica em cartaz até 31 de março de 2013, ano em que o poeta voltará à tona com suas obras completas publicadas, em edição única, pela editora Companhia das Letras. No mesmo ano, um DVD chamado Acervo Digital Paulo Leminski será disponibilizado a bibliotecas de todo o Brasil. “Tudo o que meu pai produziu, da obra poética aos artigos de jornais e revistas, além da for-tuna crítica de sua obra, estará à disposição de pesquisado-res e fãs”, diz Áurea Leminski, filha mais velha do poeta e res-ponsável pelo projeto.

1. Estela Sandrini e Alice Ruiz na abertura da exposição. 2. Aurea Lemiski, Paulino Viapiana e Estrela Leminki na abertura da exposição.fotos / photos: Kraw Penas

Painel “Palpite, o grafite é o limite” - Jorge Galvão, M.Conrado e Thiago Syenfoto / photo: MarcIel Conrado

O gravurista, pintor e escultor francês Edgar Degas (1834-1917) tinha o espírito livre. Não se comprometia com nada, a não ser com as próprias ideias e com a arte. Apreciava tudo o que era fora do comum. Por isso, cho-cava a sociedade parisiense da época com uma paleta discor-dante, em que colocava lado a lado cores contrastantes e representações quase fotográ-ficas da realidade.

Degas nasceu em uma famí-lia abastada que lhe apoiou quando decidiu largar a faculdade de Direito para dedi-car-se exclusivamente à arte. De natureza reclusa e língua ferina, trabalhava preferen-cialmente dentro do próprio ateliê, ao contrário dos de-mais impressionistas que preferiam espaços ao ar li-vre. Influenciado pela estética naturalista, a escolha dos te-mas era frequentemente pouco convencional.

Foi com essas característi-cas que Degas apresentou, em 1881, uma de suas esculturas mais emblemáticas, a Bailarina de catorze anos, que provo-

Degas Tridimensional Poetry por / by DIOGO CAVAZOTTI

A poesia tridimensional de Degas

Known for his printmaking, paintings and sculptures, French artist Edgar Degas (1834-1917) was free-spirited. He did not commit to anything except his own ideas and art. He appreciated every-thing that was out of common place. For that reason, he shocked the Parisian society of the time with conflicting colors put side by side and quasi-photograph-

ic representations of reality.Degas was born to a wealthy

family who offered him support when he decided to drop Law school to dedicate himself entirely to art. Reclusive and foul-mouthed, the Frenchman worked prefera-bly in his own workshop, going against the trend among other impressionists, who preferred open air spaces. Influenced by

the naturalist aesthetic, he often chose unconventional themes.

It was with those characteristics that Degas presented, in 1881, one of his most iconic sculptures, the Little Fourteen-Year-Old Dancer, which caused a greatly negative reaction from the public. Parisians’ feelings had once again been pro-voked while the public visited the VI Impressionist Exhibition, during

which the sculpture was displayed.While one decade before,

Claude Monet had been accused of assassinating painting with “basic” works such as Impression, Sunrise, the shock caused by the ballerina was big. “The dancer had been compared to a monkey or an Aztec (she was made of wax, not white as the traditional ones nor in bright bronze) and de-

scribed as a ‘flower of precocious depravity’, submerged in a sea of ‘hateful promise of every vice’”, explains curator Teixeira Coelho.

With its feet in the fourth posi-tion, the controversial sculpture spent two and a half years on a world tour and then returned to the São Paulo Museum of Art (Masp) collection in 2011. In this work, De-gas reassumed the impressionist

Exposição “Degas: Poesia geral da ação. As esculturas - Coleção MASP” foto / photo: Marcello Kawase

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cou uma reação negativa em grande parte do público. Mais uma vez a sensibilidade dos parisienses fora provocada, ao visitarem a VI Exposição Impressionista, quando a es-cultura foi apresentada.

Uma década antes, Claude Monet fora acusado de as-sassinar a pintura com telas “primárias” como Impres-são, sol nascente. O choque diante da Bailarina foi grande. “A dançarina foi comparada a um macaco ou a um índio as-teca (ela foi feita em cera, não branca como as tradicionais, nem de bronze brilhante) e descrita como ‘uma flor de pre-coce devassidão’, afogada num mar de ‘odiosas promessas de todos os vícios’”, explica o curador do Museu de Arte de São Paulo (MASP) e da exposi-ção em cartaz no MON Teixeira Coelho.

Com os pés na quarta po-sição do balé, a controversa escultura passou dois anos e meio em turnê mundial e vol-tou ao acervo do MASP em 2011. Na obra, Degas retomou

a estética impressionista que aperfeiçoou nos quadros de bailarinas, outro ponto alto de sua produção. Segundo histo-riadores, a famosa escultura é inspirada em Marie van Goethen, que dançou na Ópera de Paris e serviu de modelo para outros trabalhos de Degas. Historia-dores encontraram no ateliê do artista inúmeros esboços de Marie, feitos em carvão e giz.

Pela primeira vez o Paraná recebe as 73 esculturas fundi-das em bronze que fazem parte do acervo do MASP. São to-dos os trabalhos que puderam ser aproveitados, após a morte do artista, de um total de 150 achados no ateliê. Na exposi-ção “Degas: Poesia geral da ação. As esculturas – coleção MASP” é possível conhecer os temas centrais nos quais ele se concentrou em seus trabalhos esculturais, como bailarinas, nus e cavalos. Esta mesma exposição já percorreu a Espa-nha, Alemanha, Chile e Estados Unidos.

“Tudo ou quase tudo foi dito sobre a arte de Edgar Degas.

Então, em vez de insistir na aproximação tradicional de sua escultura por meio da histó-ria da arte, que cada vez mais requer ampla revisão para veri-ficar se não foi ela que morreu e não a arte, melhor recorrer à própria arte. A arte como modo de aproximar-se da arte”, diz Coelho.

A exposição de Degas no MON, que integra as comemo-rações de dez anos do museu, traz a suavidade e a leveza das esculturas do artista. Ele é considerado um dos grandes nomes da escultura figurativa, no mesmo patamar de outros imortais, como Auguste Rodin.

No início da carreira, Degas gozou de prestígio na aristocra-cia parisiense, até por já fazer parte da alta sociedade local. Mas, como ocorreu com tantos outros artistas, o reconheci-mento mundial veio apenas após sua morte.


aesthetics which he had enhanced through his ballerina paintings, reaching another milestone of his production. According to histo-rians, the famous sculpture was inspired by Marie van Goethen, who danced at Paris Opera and also served as a model to Degas other works. Historians found countless coal and chalk sketches of her in the artist’s workshop.

For the first time, Paraná re-ceives all 73 bronze sculptures that are part of the Masp collec-tion. These are all the works that could still be savaged after the artist’s death from a total of 150 found in his workshop. In the exhibition “Degas: Action General Poetry. The Sculptures — Masp collection”, it is possible to get to know the core themes in which

he focused his sculpture works, such as ballerinas, nudity and horses. This very exhibition has also been to Spain, Germany, Chile and the United States.

“All or almost all has already been said about Edgar Degas’ art. Therefore, instead of insisting on the traditional approach to his sculpture through art history — which requires ongoing revision to

make sure it was not the one that died, rather than art — it is better to use art itself. Art used to get closer to art”, declares Coelho.

Degas exhibition at MON, which is part of the museum’s 10th anniversary celebrations, features the smoothness and lightness of the artist sculptures. He is con-sidered to be one of the great names in figurative sculpture, at

the same level as other immor-tals such as Auguste Rodin.

At the beginning of his career, Degas enjoyed a high status at the Parisian aristocracy, espe-cially for already being a part of the local high society. However, as it happened to a large portion of artists, international recogni-tion came only after his death.

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“A tina (“Le Tub”)”, 1919-1932 | Bronze com pátina marrom, fundição a cera perdida. | 21 x 41,5 x 47 cm Exposição “Degas: Poesia geral da ação. As esculturas - Coleção MASP” foto / photo: Marcello Kawase

Paraná Art Dialog with the Worldpor / by DIOGO CAVAZOTTI

Um diálogo entre os campos artísticos do Paraná e a cena brasileira e internacio-nal. Assim pode ser definida a exposição “PR/BR – Produção da imagem simbólica do Paraná na cultura visual brasileira”, que integra as comemorações dos dez anos do Museu Oscar Niemeyer. Os curadores Paulo Herkenhoff, Paulo Reis e Maria José Justino fizeram uma verdadeira garimpagem pelo acervo do MON, do Museu de Arte Contem-porânea do Paraná (MAC-PR), de outros espaços públicos e também de coleções particulares.

PR/BR é um projeto que foi desdobrado em diferentes formas, aportes e atitudes. “Ti-nha-se a intenção de realizar uma mostra que propusesse não uma tese explicativa de processos históricos, artísticos e culturais, locais ou nacionais, mas o modo dinâmico de poder concebê-los e traçá-los”, ex-plica Herkenhoff.

Desenhos, objetos, instala-ções, pinturas, publicações, esculturas, fotografias, gravu-ras, vídeos, primórdios da arte eletrônica, linguagens híbridas e expandidas são mostrados em estreita proximidade. Logo de cara é possível reviver o confronto entre os simpatizan-

Conversa da arte paranaense com o mundo

A dialog between artistic fields in Paraná and the Brazilian and in-ternational scene. That is how the exhibition “PR BR — Production of the symbolic image of Paraná in the Brazilian visual culture” can be defined. The event is part of Oscar Niemeyer Museum’s 10th anniversary celebrations. Curators Paulo Herkenhoff, Paulo Reis and Maria José Justino have performed

a thorough selection involv-ing collections at MON, Paraná Museum of Contemporary Art (MAC-PR) and other public spaces, as well as in private collections.

The PR BR project has been split in several forms, approaches and attitudes. “The intention was to carry out an exhibition aiming not to propose an explanatory thesis on historical, artistic and cultural

processes, either local or national, but to present the dynamic way through which to conceive and trace them”, explains Herkenhoff.

Drawings, objects, installations, paintings, publications, sculp-tures, photographs, engravings, videos, first steps of electronic art, hybrid and expanded lan-guages are all featured in close connection between one another.

One can, from the start, relive the confrontation between paranis-tas (supporters of a regionalist movement known as paranismo) and the Joaquim Magazine group, which defended the concept that art could not be regional, it had to be universal. It was at this moment when artist and scientist Lange de Morretes was remembered. He was one of the

first names in Paraná to pene-trate the environmental issue and talk about the destruction of pine trees, back in 1944.

Flows and conflicts in the visual arts medium do not stop there. Magazines and news-papers raised debates based on a wide range of cultural passages as public spheres for the discussion of ideas.

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Exposição PR/BR – Produção da imagem simbólica do Paraná na cultura visual brasileirafoto / photo: Maíta Franco


tes do movimento Paranismo e o grupo da revista Joaquim, que defendia a postura de que a arte não podia ser regional, mas universal. É nesse mo-mento que o artista e cientista Lange de Morretes é lembrado. Ele foi um dos primeiros nomes do Paraná a entrar na ques-tão ambientalista e falar sobre a destruição dos pinheiros, já em 1944.

Fluxos e embates no meio das artes visuais não param por aí. Revistas e jornais le-vantam debates a partir de paisagens culturais diversas, como esferas de discussão de ideias.

O visitante fará um passeio pelo Paraná moderno, onde aparece Alfredo Andersen, no-rueguês radicado no Estado. Outro espaço apresenta a obra de Bruno Lechowski, que veio ao Paraná em 1926, conside-rado uma das cabeças mais modernas que o Estado já teve. Em Curitiba, chegou a mon-tar uma grande tenda na Praça Zacarias e fazia as próprias ex-posições lá dentro.

Ainda é possível ver a obra de Theodoro De Bona, que vi-veu dez anos na Itália e trouxe ideias modernas, por volta de 1935. Fernando Velloso faz uma incursão próxima ao cubismo, passando pela abstração. O modernismo de Frederic Kirch-gässner não é esquecido. Em suma, foram convidados artis-tas que apontam criticamente para novos territórios em suas múltiplas geografias, numa arte de etnografias.

“O MON é um dos raros mu-seus brasileiros a dotar sua comunidade de uma visão histórica da arte do próprio Es-tado como contribuição para a arte brasileira, sem dispensar eventuais diálogos com a Amé-rica Latina”, diz Herkenhoff.

“PR/BR é, em sua franca especulação de ideias, um lu-gar propositivo de construção e sentidos da individuali-dade. Um lugar preciso entre diferentes espaços e tempora-lidades”, opina Paulo Reis. Já Maria José Justino explica que não ouve uma preocupação cronológica na montagem da

exposição. “A arquitetura cons-trutiva conversa com as artes visuais também construtivas. Guido Viaro, Poty Lazzarotto, Alfredo Volpi, Domício Pedroso, Hermann Schiefelbein. Tudo está lá. E muito mais”, lembra. Uma verdadeira conversa sobre a modernidade com ricas e di-versificadas visões.

Visitors will see a modern Paraná, where the works of Nor-wegian Alfredo Andersen, who made this state his home, came to life. Another room presents the work of Bruno Lechowski, who came to Paraná in 1926 and was considered one of the most modern minds the region ever produced. In Curitiba, he would build a big tent at Praça Zacarias

and hold his own exhibits there.It is still possible to see the

creations of Theodoro De Bona, who lived in Italy for ten years and brought modern ideas from Europe, circa 1935. Fernando Velloso in turn made an incur-sion into cubism, with a stopover at abstraction, while Frederic Kirchgässner’s modernism has not been overlooked. In short,

many artists who critically point out to new territories in their multiple geographies, making up art of ethnographies, have been invited to the event.

“MON is one of the rare Brazilian museums to provide its communi-ty with a historical view of the art from its own state as a contribu-tion to Brazilian art without letting go of occasional dialogs with

Latin America”, says Herkenhoff.“PR BR is, in its open speculation

of ideas, a place which proposes the construction and meanings of individuality; a defined spot be-tween different spaces and times”, points out Paulo Reis. In addition, Maria José Justino explains that there was no chronological con-cern surrounding the exhibition. “Constructive architecture talks to

visual arts, also constructive. Gui-do Viaro, Poty Lazzarotto, Alfredo Volpi, Domício Pedroso, Hermann Schiefelbein, and many more — they are all here”, she stresses.

The exhibition is a true conversa-tion on modernity with the input of rich and diverse points of view.

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Exposição PR/BR – Produção da imagem simbólica do Paraná na cultura visual brasileirafoto / photo: Maíta Franco

foto / photo: Marciel Conrado

Com aquarelas, nanquins, grafites, crayon e pinturas sobre tela de um dos artistas que mais vivenciou e registrou a boemia, a mostra “Di Cavalcanti, Bra-sil e Modernismo” revela muito do País no século 20

As sensuais mulatas em tons quentes e fortes precisam divi-dir espaço com a malemolência de marinheiros, pescadores, garçons, seresteiros e artis-tas circenses. A causa, além de nobre, é curiosa: entregar ao público uma das característi-cas mais marcantes, porém não tão revelada, do modernista Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo (1897-1976) ou simplesmente Di Cavalcanti. Muito antes de es-tampar figuras femininas em tela, o carioca usou a tinta ne-gra do nanquim e a colorida aquarela para contar como tran-sitava a sociedade brasileira do bucólico para o urbano a partir do começo dos anos 1900.

Além de alguns dos trabalhos mais famosos e importantes, como as Cinco Moças de Guara-tinguetá, pertencente ao Museu de Arte de São Paulo Assis Cha-teaubriand (MASP), há pinturas inéditas que moravam escondi-das em coleções particulares e podem ser conferidas na retros-pectiva “Di Cavalcanti, Brasil e Modernismo”, uma das mos-

Na intimidade da alma popular brasileira

Watercolors, Indian ink, graphite and painting on canvas by one of the art-ists who lived and painted bohemian lifestyle, the show “Di Cavalcanti, Bra-sil e Modernismo” reveals much more of the country on the 20th century

The sensual “mulatas” in warm and strong tones needs to share room with the rhythm of sailors, fishermen, wait-ers, serenade ensemble and circus performers. The reason, beside being

noble, is also curious: to deliver to the audience one of the most striking features, however not so revealed, of the modernist Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo (1897-1976), or simply Di Cavalcanti. Before swage feminine figures on canvas, the artist, who was born in Rio, used the black Indian ink and the watercolor to show how the Brazilian society was, from the bucolic to the

urban lifestyle, from the early 1900s. Besides some of his most famous

and important works, like Cinco Moças de Guaratinguetá, which belongs to Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP), there are un-published paintings that were hidden in private collections and now can be checked in the retrospect “Di Cavalca-nti, Brasil e Modernismo”, one of the chosen shows to celebrate a decade of

the Oscar Niemeyer Museum (MON).“Several works on paper, draw-

ings and watercolor are exposed, to prove how Di was an excellent designer, with a remarkable and fluent hand, and a neoclassical flavored and virtuous gesture, able to understand the Picasso demand: the hand must to sing”, says Olívio Tavares, curator of the show.

It was the death of his father, in 1914,

that made Di Cavalcanti to start in the artistic universe. Before the family’s financial situation worsened, the boy began to draw illustrations for the magazine Fon-Fon, which published, most of the time ironically, drawings of the Brazilian daily life. He was just a step away from this publication to other ones. When he landed his full of personality traits and opinions to a several of magazines and journals, he

The intimacy of the Brazilian popular soulpor / by THAISA CAROLINA MERAKI

Exposição “Di Cavalcanti, Brasil e Modernismo” no MONFoto / photo: Marcello Kawase

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tras escolhidas para celebrar uma década do Museu Oscar Niemeyer.

“Numerosas obras sobre pa-pel, desenhos e aquarelas são expostas provando o quanto Di foi um excelente desenhista, com uma mão exímia e fluente, e um gesto virtuosístico de certo sabor neoclássico, capaz de atender àquela exigência de Picasso: É preciso que a mão cante”, conta Olívio Tavares, curador da mostra.

Foi a morte de seu pai, em 1914, que fez Di Cavalcanti se iniciar no universo artístico. An-tes que a situação financeira da família piorasse, o garoto co-meçou a fazer ilustrações para a revista Fon-Fon, que tratava, quase sempre ironicamente, do cotidiano brasileiro. Da pri-meira publicação para outras, foi apenas um passo. Ao em-prestar seus traços cheios de personalidade e opinião para um sem número de jornais e revistas, passou a conhecer e tomar gosto pela vida noturna do Rio de Janeiro. Em 1917, já considerado um dos principais

ilustradores de sua geração, seguiu para São Paulo onde frequentava as aulas do curso de Direito e o ateliê do pintor alemão impressionista Georg Elpons, sem deixar, no entanto, de dialogar com a noite paulis-tana. Os títulos de suas obras sugerem bem os temas que ocupavam sua atenção: A Dú-vida, Coqueteria, Intimidade e Boêmios.

Dois anos depois, ou era a responsabilidade com o pra-zer ou a paixão pela academia. Foi-se o Direito. Cavalcanti lar-gou o curso pela metade, foi convidado para ilustrar livros, como a “Balada do Cárcere de Reading”, de Oscar Wilde, e se tornou cada vez mais ha-bitante da boemia local. Foi nesse ambiente que conheceu os escritores Oswald e Má-rio de Andrade e as artistas Anita Malfatti e Tarsila do Ama-ral. A amizade logo se refletiu na Semana de Arte Moderna de 1922. Di Cavalcanti não só foi um dos principais articula-dores, bem como produziu o programa, o catálogo e 12 telas

especialmente para o movi-mento modernista.

Da viagem que fez à Eu-ropa, de 1923 até 1925, deixou sua visão de mundo exposta em Londres, Bruxelas, Ams-terdã, Paris e Berlim e de lá trouxe influências vanguar-distas dos encontros que teve com Picasso, Matisse, Eric Sa-tie e Jean Cocteau. Retornou ao Brasil em 1926 e ingres-sou no Partido Comunista. Junto da política, a vivência de bar em bar o impulsionou a continuar sua crítica social mostrando, por mais de qua-tro décadas, sua opinião por meio de ilustrações e carica-turas, contrastando com as pinceladas fortes nas telas que registravam não só mulhe-res, mas também os morros e o início das favelas cariocas, a natureza e as festas populares, como o Carnaval. A abordagem cordial, o flerte com a sensua-lidade e a escolha por tipos mestiços fazem de Di Caval-canti “o pintor mais brasileiro dos artistas”, como definiu o crítico Mário Pedrosa.

came to know and to enjoy the night-life of Rio de Janeiro. In 1917, already considered one of the main illustrator of his generation, he moved to São Paulo where he attended classes in law school and also the studio of the german impressionist painter Georg Elpons, however without leaving the São Paulo nightlife. The titles of his works suggest quiet well the themes that caught his attention: doubt,

enthusiasm, intimacy and bohemians. Two years later, he had to choose

between the responsibility alongside with the pleasure or his passion for the academy. The law school was gone. Cavalcanti dropped the course by half and was invited to illustrate books, like “Balada do Cárcere de Reading”, of Oscar Wilde and became increasingly an inhabitant of the local bohemian lifestyle. It was in this environment

that he met writers like Oswald and Mário de Andrade and the artists Anita Malfatti and Tarsila do Amaral. This friendship was soon reflected in the Modern Art Week of 1922. Di Caval-canti was not only one of the main articulators, but also produced the program, the catalogue and 12 canvas specially for the modernist movement.

From his trip to Europe, from 1923 to 1925, he left his vision of the

world exposed in London, Brussels, Amsterdam, Paris and Berlin and brought from there some avant-garde influences of the gatherings he had with Picasso, Matisse, Eric Satie and Jean Cocteau. He returned to Brazil in 1926 and joined the Communist Party. Along with the politics, the experience from bar to bar push him to continue his social criticism and, for over four decades, showed his opinion through

illustrations and caricatures, con-trasting with strong brushstrokes on canvas that shows not only women, but also the hills and beginning of the slums in Rio, the nature and the festivals, like the Carnival. The friendly approach, the flirtation with the sensuality and the choice for cross-breed types make him, Di Cavalcanti, “the most Brazilian painter”, as defined by the critic Mário Pedrosa.

Di Cavalcanti | Cinco moças de Guaratinguetá, 1930Óleo s/ tela | 92 x 70 cm | Coleção MASP - Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand

Exposição “Di Cavalcanti, Brasil e Modernismo” no MONFoto / photo: Marcello Kawase

A L O T M O R E M U S E U M

MUITOmaisMONfoto / photo JOEL ROCHA

MON’s exhibition agenda leaves no doubt as to the dynamism of the museum. Each year, more than 20 exhibitions are made. It receives a public bigger than 200 thousand visitors. However, the museum’s activities involve more than what takes place at the exhibition

rooms. Since its creation, ONM (Oscar Niemeyer Museum) has become an open venue to differ-ent sorts of cultural expressions, interests and tastes. Dance, music, art workshops, lectures, shop-ping, a place for resting, a good café: it is a true convergence spot

of the city’s cultural landscape. Free SundayOn the first Sunday of every

month the admission is free and everything happens in the MON. It is open to everybody. There are art workshops for families, guided vis-its, music and dance shows as well

as theatre. The aim is to stimulate the public’s access to the museum and to the artistic universe through different kinds of expressions.

Thursdays until 20h On the first Thursday of every

month, the museum remains open until 20h. The public can partici-

maisA agenda de exposições do MON não deixa dúvidas

sobre o dinamismo do museu: a cada ano são

realizadas mais de 20 mostras, que juntas recebem

um público superior a 200 mil visitantes. Mas as

atividades do museu vão muito além daquilo que

ocorre dentro das salas expositivas. Desde a sua

criação, e cada vez mais, o MON vem se afirmando

como um espaço aberto a diferentes expressões

culturais, interesses e gostos. Dança, música,

oficinas artísticas, leitura, compras diferenciadas,

descanso, um bom café – é um verdadeiro ponto de

convergência na paisagem cultural da cidade.

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DOMINGO G R A T U I T O No primeiro domingo de cada mês a entrada é gratuita e

tudo acontece no MON: oficinas artísticas para famílias, visitas mediadas, apresentações de música, dança e teatro abertas à par-ticipação de todos. O objetivo é estimular o acesso do público ao museu e ao universo artístico por meio de diferentes expressões.

P A R Q U EO amplo gramado na parte de trás do museu, próximo ao Bos-

que João Paulo II, não tinha nome quando o MON foi criado há dez anos. Mas a frequência assídua de um tipo muito especial de público – cães de todas as raças, tamanhos e disposição para cor-rer – acabou lhe dando um apelido que se popularizou depressa: parcão. Ponto de encontro de muitas famílias curitibanas e dos apaixonados por cães, o jardim do MON é também um lugar de descanso e convivência para os frequentadores do museu.

QUINTAS-FEIRAS ATÉ AS 2 0 HNa primeira quinta-feira de cada mês o museu permanece

aberto até as 20h. Depois das 18 horas a entrada é franca e o público pode participar gratuitamente de palestras, mesas-redondas, visitas mediadas, performances e apresentações musicais no espaço das exposições.

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B I B L I O T E C AO conhecimento sobre a arte e o estudo das manifestações ar-

tísticas podem ser aprofundados no Centro de Documentação e Referência do MON, que possui uma biblioteca com cerca de cinco mil publicações e 1.300 periódicos para pesquisa relacio-nada às artes visuais, design, arquitetura e urbanismo. Também estão disponíveis para consulta livros sobre a história da arte, catálogos de exposições, vídeos com depoimentos de artistas e curadores, e um arquivo fotográfico com obras de artistas na-cionais. O acesso à biblioteca é gratuito e os usuários recebem acompanhamento especializado.

pate in presentations, round-ta-bles, guided visits and music shows in the exhibition rooms.

Store and bookstore specialised in art

A selection of books about art, design, photography, architecture and urbanism are sold at the ONM

Store. It comprises a bookstore specialised in art in its space. Publications for kids and cata-logues organised by the museum are also to be found here. There are also design objects, artwork pieces and special products carrying the trademark ONM.

CaféIt is rich and can please anyone’s

eyes. The different ways of serv-ing a good coffee and a special selection of pies and savouries can cheer up any visitor. The green of the neighbouring woods and the privileged view of the build-

ing’s architecture make ONM Café a unique place. It has free Wi-Fi connection that is available during the museum’s opening hours.

Park The ample ground at the back of

the museum, near Joao Paulo II Wood, had no name as MON was

created 10 years ago. However, the assiduous frequency of a very special kind of public – dogs of all races, sizes and disposition to run around – gave it a nickname that soon became popular: parcão (big park – or hound park). It is a meet-ing point for many families of Curi-

tiba who have a passion for dogs. It is also a place for rest and social life for the museum’s visitors.

Library The knowledge of art and the study

of artistic expressions may be stud-ied at the Centre for Documentation and Reference of the museum,

which comprises in its library around five thousand publications and 1,300 magazines for research related to visual arts, design and architecture. This material is also available for research. There are books on the history of art, exhibi-tion catalogues, and videos with

testimonies of artists and curators, as well as photography archive by national artists. Access to the li-brary is free of charge and qualified personnel accompany the users.

Auditorium Theatre plays, conferences, film

presentations and music concerts

take place at the Poty Lazzarotto Auditorium. It can hold 372 people. The space is used to add up to the cultural activities of the museum and may be rented for events which are not connected to the museum.

Tours Having the mission of spreading

art and bringing the public closer to the artistic universe, the mu-seum has taken its exhibitions to other exhibition centres. Pictures of the museum’s collection and the exhibition ‘Helena Wong – The Path of a Passion’ have been shown at museums of Parana

LOJA E LIVRARIA ESPECIALIZADA EM A R T EUma seleção de livros sobre arte, design, fotografia, arquitetura

e urbanismo estão à venda na MON Loja, que possui em seu es-paço uma livraria especializada em arte. Também são encontrados na loja publicações para crianças e os catálogos das exposições or-ganizadas pelo museu, além de objetos de design, peças artísticas e produtos especiais com a marca MON.

C A F ÉO cardápio é variado e os pratos são de encher os olhos. As di-

ferentes formas de servir um bom café e uma seleção especial de tortas e pratos salgados animam qualquer visitante. O verde do bosque vizinho e a vista privilegiada da arquitetura do edifício fazem do MON Café um lugar único. Possui ligação wi-fi gratuita e funciona durante o horário do museu.

A U D I T Ó R I O Peças de teatro, conferências, apresentações de filmes e

shows musicais acontecem no Auditório Poty Lazzarotto. Com capacidade para 372 pessoas, o espaço é usado para comple-mentar as ações culturais do museu e pode ser alugado para eventos externos.

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and Brazil, whereas the shows ‘Bruno Lechowski’ and ‘The Path United by Art’ have been exhibited internationally. In 2012 (as part of the project of spreading the collections of museums linked to the Culture State Secretary), the exhibition ‘Collection of the Oscar

Niemeyer Museum’s Engravings’ visited Rio Negro, União da Vitória and Paranaguá, comprising 22 works which illustrate different techniques of the art of engraving by artist such as Poty Lazzarotto, Guido Viaro, Erbo Stenzer and Fernando Calderari among others.

Catalogue Editions In ten years of the museum’s ac-

tivities, it has published more than 100 catalogues regarding the ex-hibitions it has organised. It com-prises a variety of titles and artists. Two publications stand out due to their uniqueness: the catalogue

of the exhibition ‘The State of Art’, which comprises examples of Para-na’s artistic production in the peri-od of 1970-2010; and more recently the catalogue of the exhibition ‘Poty of us all’, which is a com-prehensive register of the graphic work made by the artist. More than

representing the memory of the exhibitions, the catalogues serve as instruments that democratise access to the museum’s contents and heritage. Moreover, they con-tribute to the informative accessi-bility of visitors and researchers.

I T I N E R Â N C I A SCom a missão de divulgar a arte e aproximar o público do universo artístico, o MON tem levado suas exposições para outros museus e centros expositivos. Nesta década, as mostras “Trajetória do Olhar”, “Estanislau Traple – A Obra do Mestre”, “Helena Wong – A Trajetória de uma Paixão”, “Gravuras do Acervo”, “Paisagens”, “Séries do Porto”, “Bernie DeChant – Brasil além Brasil” percorreram museus do Paraná e do Brasil, enquanto as mostras “Bruno Lechowski”, “Brasil X Japão — O Caminho Unido pela Arte” e “Art in Movement” foram apresentadas internacional-mente. Em 2012, como parte do projeto de divulgação dos acervos dos museus vinculados à Secretaria de Estado da Cultura, a exposição “Gravuras do Acervo MON” foi levada a Rio Negro, União da Vitória e Paranaguá, com 22 obras que ilustram as diferentes técnicas da arte da gravura de autores como Poty Lazzarotto, Guido Viaro, Erbo Stenzel, Fernando Calderari entre outros.

EDIÇÃO DE C A T Á L O G O SEm dez anos de atividades o MON publicou mais de 100 catálogos sobre as exposições que organizou. Entre a variedade de títulos e artistas, duas publicações se destacam pelo ineditismo dos seus conteúdos: o ca-tálogo da exposição “O Estado da Arte”, que reúne exemplos da produção artística realizada no Paraná no período 1970-2010, e mais recentemente o catálogo da exposição “Poty, de todos nós”, com um amplo re-gistro da obra gráfica do artista curitibano. Além de representarem a memória das exposições realizadas, os catálogos são instrumentos de democratização do acesso aos conteúdos e ao patrimônio conservado pelo museu, e contribuem para a acessibilidade informativa dos visitantes e pesquisadores.


Ampliar as oportunidades de acesso público aos bens culturais e apoiar iniciativas educacionais fazem parte das diretrizes do Programa Petro-bras Cultural. Nesse sentido, a parceria com o Museu Os-car Niemeyer se justifi ca pela relevância como instituição multidisciplinar e de alcance regional e nacional.

Extending opportunities of public access to cultural assets and supporting educational initiatives is part of Petrobras’ Cultural Program. With that in mind, the partnership settled with Oscar Niemeyer Museum is explained by its relevance as an interdisciplinary institution with regional and national range.

PETR

OBR

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O acesso à arte e à cultura possibilita de-senvolver e promover a cidadania. É com satisfação que a Cia. de Cimento Itambé se une ao MON nessa importante iniciativa.

Paulo AguiarDiretor-Superintendente da Cia. de Cimento Itambé

Access to art and culture as a whole helps de-velop and foster social integration. It is with great satisfaction that Cia. de Cimento Itambé teams up with MON in this important initiative.Paulo Aguiar, Superintendent-Direc-tor — Cia. de Cimento Itambé

CIM

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Nós, da Tintas Coral, nos sentimos muito honrados em partici-par da comemoração dos dez anos do Museu Oscar Niemeyer, referência nacional em projeto arquitetônico. É com imensa satisfação que atuamos em parceria e com a nossa maior inicia-tiva socioambiental, o projeto Tudo de cor para você, que tem como objetivo levar cor e alegria a importantes locais do nosso imenso e colorido Brasil.

Benito BerrettaDiretor de Marketing da Tintas Coral

We, at Tinta Coral, feel very honored to take part in the celebra-tion of Oscar Niemeyer Museum tenth anniversary, an institution whose architectural project is a national reference. It is with the greatest satisfaction that we conduct this partnership and our ma-jor social and environmental initiative, project “Tudo de Cor para Você” (All Colors to You), which aims to take colors and joy to the most important corners of our immense and colorful Brazil.

Benito Berretta, Marketing Director — Tintas Coral

TINT

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Ser parceiro do MON e apoiar suas iniciativas é ser parceiro da sociedade na ampliação do acesso à cultura e da qualidade de vida dos paranaenses. Essa é uma tarefa comum a todos nós.

Fernando GhignonePresidente da Companhia de Saneamento do Paraná (Sanepar)

Being one of MON’s partners and supporting its initiatives is being part of a society that seeks to enhance access to culture and the quality of life to the people of Paraná. This is a taskforce that needs to be addressed by all of us.

Fernando Ghignone, President — Companhia de Saneamento do Paraná (Sanepar)

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Além de ser uma obra arquitetônica de primeira grandeza, em sua trajetória o Museu Oscar Niemeyer se afi rmou como importante espaço de acesso às inovações e à arte. Ao apoiar as iniciativas culturais promovidas pelo MON, a Copel sente-se honrada em investir em projetos culturais de reconhecido valor e em contribuir para o desenvolvimento da arte e da sua apre-sentação à sociedade paranaense e aos turistas que visitam a nossa cidade.

Yára Christina EisenbachDiretora de Gestão Corporativa da Copel

Other than being a fi rst class architecture development, Oscar Niemeyer Museum has, throughout its lifetime, earned its place as an important access platform for innovations and art. By supporting cultural initiatives promoted by MON, Copel feels honored to invest in such renowned projects and to contribute with the development of art and its presentation to paranaenses and tourists alike.

Yára Christina Eisenbach, Corporative Management Director — CopelCOPE

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A Volvo tem grande orgulho em fazer parte desta história. Cartão-postal de Curitiba imor-talizado pela genialidade de Oscar Niemeyer, o MON tem papel decisivo no turismo de Curitiba e na disseminação da cultura brasileira. Um olhar que encanta e engrandece a alma dos curitibanos e de milhares de visitantes de outros estados e países que o visitam.

Solange FuscoGerente de Comunicação Corporativa

Volvo is very proud to be part of this history. One of Curitiba’s postcards, immortalized by Oscar Niemeyer’s ingenuity, MON plays a vital role in local tourism and in spreading the Brazilian culture. It is about a look that delights and broadens the souls of curiti-banos and thousands of visitors from other states and countries.

Solange Fusco, Corporative Commu-nications Manager Volvo Corporativa

VOLV

OEm dez anos de atividades muitas instituições já se associaram ao Museu Oscar Niemeyer na missão de levar ao público

grandes exposições nacionais e internacionais. O MON agradece o apoio das empresas parceiras que contribuem na promoção do acesso à arte e na difusão do conhecimento junto à comunidade.

In ten years of activities, many institutions have joined the Oscar Niemeyer Museum (MON) in the mission to bring to the public major national and international exhibitions. MON appreciates the support of the partner companies, that contributes in promoting access to art and dissemination of the knowledge along the community.


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Em apenas uma década, o MON já conquistou um espaço de des-taque no cenário museológico brasileiro e, para nosso orgulho, figura entre os museus mais bo-nitos do mundo. O que faz um grande museu não é simples-mente a sua beleza arquitetônica, mas a relevância do seu acervo e das exposições que realiza. O MON colocou o Paraná definiti-vamente no circuito das grandes exposições internacionais. É mo-tivo de prestígio para a Itaipu vincular sua imagem a uma ins-tituição cultural tão admirada e visitada. Parabéns ao MON e a todos os seus colaboradores! Bravíssimo!

Jorge Miguel Samek Diretor-geral brasileiro

In one decade alone, MON has stood out among the most prominent Brazilian museums and honors us for being listed among the most beautiful in the world. What makes it a great museum is not solely its architectur-al beauty, but also the relevance of its collection and exhibitions. MON has once and for all placed Paraná in the circuit of great international exhibitions. Itaipu feels privileged to lend its image to such an ad-mired and frequently visited cultural institution. Happy Anniversary MON and to all its employees! Well done!

Jorge Miguel Samek, BrazilianGeneral-Director — Itaipu Binacional

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LA Renault acredita na transformação da sociedade por meio da cultura e da edu-cação. O Museu Oscar Niemeyer é uma instituição de referência na difusão da arte e da cultura dentro e fora do país e por isso merece o nosso reconhecimento. Parabéns ao MON por esses dez anos de atividades!

Olivier MurguetPresidente da Renault do Brasil

Renault believes in transforming society through culture and education. Oscar Niemeyer Museum is a reference in the spreading of art and culture nationally and internationally and, for that, deserves our recognition. We congrat-ulate MON for these ten years of activities!

Olivier Murguet, President — Renault do Brasil

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A CSN comemora os dez anos de vida do MON certa de que investir em cultura é um legado que desperta olhares e fazeres em nossa sociedade, ampliando sua capacidade crítica e seu re-pertório estético.

Monica FogazzaDiretora da CSN e Presidente da Fundação CSN

CSN celebrates MON’s tenth anniversary knowing that, by investing in culture, an eye opening and action calling leg-acy will be built in our society, widening critical capacity and the aesthetical repertoire.

Monica Fogazza, Direc-tor — CSN; President — the CSN Foundation

CSN

O Banco do Brasil se orgulha de ser parceiro desta instituição que há dez anos contribui para o crescimento e fortalecimento da arte paranaense. Neste período o MON se conso-lidou como um expoente cultural em todo o país, o que nos honra e nos faz acreditar que juntos estamos no caminho certo.

José Roberto SardelariSuperintendente Estadual do Banco do Brasil

Banco do Brasil is proud to be a partner of this institution that, for more than ten years, has been contributing to the growth and strengthening of art in Paraná. During that period, MON imposed itself as a cultural icon nationwide, honoring us and making us believe we are on the right track together.

José Roberto Sardelari, State Superintendent — Banco do Brasil

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Em nossos mais de 65 anos de atividades na área da constru-ção, muitas obras se constituíram em marcos importantes na história da nossa empresa. O MON, pela sua visibilidade e pelos desafios impostos pelo prazo de seis meses de sua execução se constitui em um destes marcos que muito nos orgulha.

Carlos de Loyola e SilvaPresidente do Grupo Cesbe

Over our 65 years and more of activities in the construction business, a lot of works have represented important mile-stones to our company. MON, for its exposure and due to the challenges faced during the six month execution term, is one of these milestones that make us so proud.

Carlos de Loyola e Silva, President — Grupo Cesbe

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A parceria entre a CAIXA e o MON sempre foi muito positiva e relevante para o cenário cultural nacional. Ao longo destes dez anos, o MON se tornou referência de artes plásticas no país, democratizando o acesso à cultura e gerindo com ex-celência projetos culturais. O museu já se consolidou como um dos principais cartões-postais de Curitiba, beneficiando de forma significativa o turismo na cidade. A CAIXA, empresa que apoia as genuínas manifestações da arte e da cultura nacionais, parabeniza o MON pelos dez anos de sucesso!

Jorge Kalache FilhoSuperintendente Regional

The partnership between CAIXA and MON has always been positive and relevant to the national cultural scene. Through-out these ten years, MON became reference in fine arts in the country by making culture accessible and by managing cultural projects par excellence. The Museum has already marked its place as one of Curitiba’s most notable postcards, benefiting tourism in the city significantly. CAIXA, as an institution that supports all genuine manifestations of national art and cul-ture, congratulates MON for these ten successful years!

Jorge Kalache Filho, Regional Superintendent — Caixa

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Beto RichaGovernador do Estado do ParanáGovernor of Paraná State

Paulino ViapianaSecretário de Estado da CulturaSecretary of State and Culture

Valéria Marques TeixeiraDiretora-Geral da SEECGeneral Director of SEEC

Christine Vianna BaptistaCoordenadora do Sistema Estadual de MuseusCoordinator of the State’s System of Museums

Thaísa M. Teixeira SadeCoordenação de Comunicação - SEECCoordinator of Communication – SEEC

Rita Solieri BrandtCoordenação de Desenho Gráfi co - SEECCoordinator of Graphic Design - SEEC

MUSEU OSCAR NIEMEYEROscar Niemeyer Museum

Diretora / DirectorEstela Sandrini

Diretor Administrativo e Financeiro Chief Executive and Financial Offi cer Cristiano A. Solis de Figueiredo Morrissy

Assessoria Jurídica / Legal AdviserJanaina Bertoncelo de Almeida

Assessoria de Comunicação Press Offi ceMarianna Camargo

Design Gráfi co / Graphic DesignMarcello KawaseMarciel ConradoMaico Amorim

Coordenação de Planejamento CulturalCoordination of Cultural PlanningSandra Mara FogagnoliDanielly Dias Sandy

Coordenação de Produção e Montagem Coordination of Production and InstallationFabiana WendlerJacson Luis TrierveilerVanderley de Almeida

Gestão MuseológicaCoordinator of MuseologyCristine Pieske

Coordenação da Ação EducativaCoordination of Educative DepartmentRosemeri Bittencourt FranceschiSirlei Espíndola Suely YamamotoTelma Richter

Coordenação de Acervo eConservação / Coordination ofCollection and ConservationHumberto Imbrunisio Ricardo FreireTaff arel Rômulo Vieira

Documentação e Referência Documentation and ReferenceIolete Guibe Hansel Maita Pantaleão Franco Lêda Godoy Gomes Salles Rosa

Coordenação Administrativa e Financeira/ Management and Finance CoordinatorElvira Wos

Coordenação de Infraestrutura Coordinator of InfrastructureHelio Figlarz

Manutenção / MaintenanceAlceu ChmilukAlaete José Alves Giomar Guandahim José Edson Ribeiro José Carlos Cordeiro de OliveiraLuiz Ferreira de Almeida

Assessoria de Eventos Coordinator of EventsPaula Moreira

Apoio Técnico / Technical SupportFrancieli IantasJéssica Mayumi SantosKarina Marques CanhaLucas Murilo dos SantosSabrina Ellen de SouzaTatiane Canalle

Informática / IT Claudio Osadczuk

Segurança / SecurityDivinalva Gomes SantosSandro de Almeida Cardoso

M U S E U O S C A R N I E M E Y E RRua Marechal Hermes, 999Centro Cívico | CEP 80.530-230Brasil, Curitiba (PR) | Tel.: +55 41 3350-4400

www.museuoscarniemeyer.org.br

f facebook.com/monmuseu

t twitter.com/monmuseu

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museu oscar niemeyer em revista - edicão especial 10 anos

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