BANCO DE ARTE MODERNA

FICHA TÉCNICA

Nome do Jogo: Banco de Arte Moderna Público: Ensino Fundamental 6° ao 9° ano Formato: Jogo Foco Principal: Propiciar um breve conhecimento sobre algumas obras e Vanguardas do Modernismo. Sendo assim, as

obras apresentada no tabuleiro, terão cartões, com suas respectivas imagens contendo as fichas técnicas correspondentes. O jogo também terá cartões que apontam um breve conceito sobre cada vanguarda abordado no jogo.

Desafio Proposto: A disputa pode ser feita entre 2 a 5 pessoas, cujo vencedor, será quem conseguir comprar o maior número

de obras. Metodologia de Desenvolvimento e aplicação do material: Joga-se da seguinte maneira: Um dos jogadores fica com a responsabilidade de ser o banco; ou seja faz as transações bancarias,

distribuir o dinheiro. Inicia-se o jogo decidido quem será o banco. É distribuído a cada jogador uma quantidade x de dinheiro. Em seguida lança os dados para saber quem começará a partida onde quem obtiver o maior numero

começa o jogo. Cada um em sua vez joga os dados e avança o numero de casa no valor dos dados, e tem decidir se quem

comprar aquela obra se estiver disponível, pagar pra ver se já for de alguém, ou pegar a carta de sorte ou revés, assim se encaminha o jogo a cada jogada de cada jogador.

Um jogador só poderá comprar uma obra no momento de sua jogada. O jogador que parar na prisão ficará preso por 3 rodadas exceto que tire dados iguais , na terceira jogada o

mesmo deverá pagar um valor x ao banco podendo assim sair da prisão. Um jogador irá para prisão se tirar dados iguais por três vezes seguidas na mesmo jogada, Isso

porque quando um jogador tira dados iguais tem mais uma jogada. Sai do jogo o jogador decreta falência. E no caso de só dois jogadores o outro automaticamente é o

vencedor. O jogo termina com a falência dos jogadores ou se todos decidirem contar seus bens e descobrir quem

possui o maior valor em dinheiro e obras. Instrumento de Construção: Computador e Pesquisas Bibliográficas.  

SURREALISMO

O Surrealismo surgiu em 1924, através de um manifesto liderado por André Breton (1896-1966). O movimento Surrealista associa a criação artística ao automatismo psíquico puro. Dessa associação resulta que as obras criadas nada devem a razão, à moral ou à própria preocupação estética. Portanto, para os surrealistas, a obra de arte não é o resultado de manifestações racionais e lógicas do consciente. Ao contrário, são manifestações do subconsciente, absurdas e ilógicas, como as imagens dos sonhos e das alucinações, que produzem as criações artísticas mais interessantes.

Às vezes, as obras surrealistas representam alguns aspectos da realidade com excesso de realismo. Entretanto, eles aparecem sempre associados a elementos inexistentes na natureza, criando conjuntos irreais.

Entre os surrealistas figurativos destacam–se Salvador Dali (1904-1989) e Marc Chagall (1887-1985). Já entre os surrealistas Abstrato destacam-se Joan Miró (1893-1983) e Max Ernest (1891-1976).

   

Salvador Dali - A persistência da Memória, 1931 - Óleo sobre tela. 24,1x33 cm

Museu de Arte Moderna Nova York

Salvador Dali, Mae West (1934-1936) Institute af Art , Chigago.

Salvador Dali, O rosto da Guerra 1940-1941

- óleo sobre tela 64x79 cm _ Museum Boijmans Van Beiuningen – Roterdã, Holanda.

DADAÍSMO

O dadaísmo foi um movimento artístico que surgiu na Europa cidade suíça de Zurique, no ano de 1916. Possuía como característica principal a ruptura com as formas de arte tradicionais. Portanto, o dadaísmo foi um movimento com forte conteúdo anárquico. O próprio nome do movimento deriva de um termo inglês infantil: dadá (brinquedo, cavalo de pau). Daí, observa-se a falta de sentido e a quebra com o tradicional deste movimento.

A característica principal do dadaísmo era a apropriação de objetos utilizados no cotidiano. Dessa forma, os dadaístas propunham que a craição artística se libertasse das amarras do pensamento racionalista e sugeriam que ela fosse apenas o resultado do automatismo psíquico, selecionando e combinando elementos ao acaso. Na pintura, essa atitude foi traduzida por obras que usaram o recurso de colagem, não com intenção plástica, mas como sátira e crítica aos valores tradicionais tão valorizados na Europa.

O principal artista deste movimento foi Marcel Duchamp (1887-1968).

 

Marcel Duchamp. A fonte. 1917. Ready-made, urinol invertido. Altura 60cm.

 

Marcel Duchamp. Roda de bicicleta. 1913. Ready-made, madeira e metal, altura 126 cm.

Marcel Duchamp. Nu descendo uma escada nº2. 1912. Aquarela, tinta, lápis e pastel sobre papel fotográfico147x89cm.Filadélfia, Museum of Art

FUTURISMO

Esse movimento teve uma forte ralação com a literatura do início do século, influenciada em 1909 pelo Manifesto Futurista do poeta e escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti.

Na pintura, assim como na literatura, os futuristas exaltavam o futuro e sobretudo a velocidade, que passou a ser reconhecida e admirada a partir da mecanização das indústrias e da crescente complexidade social que ganhavam os grande centros urbanos.

Para os pintores ligados ao Futurismo, os outros artistas tinham uma visão estática da realidade ignorando o aspecto mais evidente dos novos tempos: o movimento veloz das máquinas, que procuravam a superação do movimento natural.

Dentre os artistas destacam-se Umberto Boccioni (1882-1916) e Giacomo Balla (1871-1958).

Umberto Boccioni. Ruídos da rua invadem a casa,1911. Óleo sobre tela.100x107.

Umberto Boccione. Formas Únicas na Continuidade do Espaço,homem a Caminhar,1913. Escultura em bronze. Museu de Arte Contemporânea, São Paulo.

Dinamismo de um Ciclista:Autor: Umberto Boccioni Onde ver: Acervo particular Ano: 1913 Técnica: Óleo sobre tela Tamanho: 70cm x 95cm Movimento: Futurismo

ABSTRACIONISMO

O abstracionismo surgiu no começo do século XX, na Europa, dentre os movimentos conceituados Arte Moderna. O precursor da arte abstrata foi o artista russo Wassily Kandinsky (1866-1944). Com suas pinceladas rápidas de cores fortes, transmitindo um sentimento violento, Kandinsky marcou seu estilo abstracionista.

A principal característica da pintura abstrata é a ausência de relação imediata entre as cores e as formas e cores de um ser. Por isso, uma tela abstrata não representa nada de realidade que nos cerca, nem narra figurativamente alguma cena histórica, literária, religiosa ou mitológica.

Dentro do abstracionismo informal, qual predominam os sentimentos e emoções, seu principal artista foi Wassily Kandinsky.

   

Wassily Kandinsky, Composição VII, 1913, óleo sobre tela – 200 x 300cm, galeria estatal Trej´jacov, Moscou

Wassily Kandinsky, Amarela, vermelho - Azul, 1925, óleo sobre tela, 127 x 200 cm,- centre Georges pompidou, Musée national dárt Moderne, Paris.

Wassily Kandinsky, Mancha vermelha I,I 1921, óleo sobre tela, 131 x 181 cm – Städtische Galerie im Lenbachhau, Munique, Alemanha 

EXPRESSIONISMO

 O Expressionismo é a arte do instinto, trata-se de uma pintura dramática, subjetiva, “expressando” sentimentos humanos. Utilizando cores irreais, dá forma plástica ao amor, ao ciúme, ao medo, à solidão, à miséria humana, à prostituição. Deforma-se a figura, para ressaltar o sentimento. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930.

Principais características: 

• pesquisa no domínio psicológico; • cores resplandecentes, vibrantes, fundidas ou separadas; • dinamismo improvisado, abrupto, inesperado; • pasta grossa, martelada, áspera; • técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem, fazendo e refazendo, empastando ou provocando explosões; • preferência pelo patético, trágico e sombrio

EDVARD MUNCH 1863-1944 Foi um dos primeiros artistas do século XX que conseguiu

conceder às cores um valor simbólico e subjetivo, longe das representações realistas. Seus quadros exerceram grande influência nos artistas do grupo Die Brücke, que conheciam e admiravam sua obra. Nascido em Loten, Noruega, em 1863, Munch iniciou sua formação na cidade de Oslo, no ateliê do pintor Krogh

Uma de suas obras mais importantes é O Grito (1889). O Grito é um exemplo dos temas que sensibilizaram os artistas ligados a essa tendência. Nela a figura humana não apresenta sua linhas reais mas contorce-se sob o efeito de suas emoções. As linhas sinuosas do céu e da água, e a linha diagonal da ponte, conduzem o olhar do observador para a boca da figura que se abre num grito perturbador. Perseguido pela tragédia familiar, Munch foi um artista determinado a criar "pessoas vivas, que respiram e sentem, sofrem e amam". Recusou o banal, as cenas interiores pacíficas, comuns na sua época. A dor e o trágico permeiam seus quadros.      

"MADONNA", DE EDVARD MUNCH, ÓLEO SOBRE TELA, 36

5/8 POR 29 1/8 POLEGADAS, 1894-5, COLEÇÃO DE STEVEN A. COHEN, © 2006, O MUSEU

MUNCH / O GRUPO DE MUNCH-ELLINGSEN / ARTISTS RIGHTS

SOCIETY ( ARS), NOVA IORQUE

"O Grito", de Edvard Munch, litografia com adições de aquarela, 91x73 cm, 1895, museu olslo

"Desespero", de Edvard Munch, óleo sobre tela, "(92 x 67 cm), 1892, Thielska Galleriet, Estocolmo. © 2006 Os Munch Museum / The

Munch-Ellingsen grupo / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

FOVISMO Em 1905, em Paris, no Salão de Outono, alguns artistas foram chamados de

fauves (em português significa feras), em virtude da intensidade com que usavam as cores puras, sem misturá-las ou matizá-las. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles, pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista. 

Os princípios deste movimento artístico eram:

• Criar, em arte, não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos. • Criar é seguir os impulsos do instinto, as sensações primárias. • A cor pura deve ser exaltada. • As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares, no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens. 

Características da pintura:

• Pincelada violente, espontânea e definitiva;• Ausência de ar livre;• Colorido brutal, pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva, não correspondendo à realidade;• Uso exclusivo das cores puras, como saem das bisnagas;• Pintura por manchas largas, formando grandes planos;

HENRI MATISSE (1869-1954), pintor francês, Nas suas pinturas

ele não se preocupa como realismo, tanto das figuras como das suas cores. O que interessa é a composição e não as figuras em si, como de pessoas ou de naturezas-mortas. Abandonou assim a perspectiva, as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor comovalor em si mesma. Dos pintores fovistas, que exploraram o sensualismo das cores fortes, ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas, sem profundidade. Foi, também, escultor, ilustrador e litógrafo. 

A DANÇA – (1909-1910)óleo sobre tela dimensões 2,60x3,91

le musique-Óleo sobre tela, 115,2 x 11, Albright-Knox Art Gallery,

Buffalo, NY 

Le Rifain Assis (Sentado Riffian) 1912 - 1913 , Óleo sobre tela, 200 x 160

cm , Fundação Barnes, Merion, PA 

o cubismo é o movimento que representa os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. É como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador.  O pintor cubista tenta representar os objetos em três dimensões, numa superfície plana, sob formas geométricas, com o predomínio de linhas retas. Não representa, mas sugere a estrutura dos corpos ou objetos. Representa-os como se movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os ângulos visuais, por cima e por baixo, percebendo todos os planos e volumes.  Principais características: 

• geometrização das formas e volumes• renúncia à perspectiva• o claro-escuro perde sua função• representação do volume colorido sobre superfícies planas• sensação de pintura escultórica• cores austeras, do branco ao negro passando pelo cinza, por um ocre apagado ou um castanho suave

CUBISMO

PABLO PICASSO  (1881-1973)

  Tendo vivido 92 anos e pintado desde muito jovem até próximo

à sua morte passou por diversas fases: a fase Azul, entre 1901-1904, que representa a tristeza e o isolamento, são evidenciados pela monocromia e representação da miséria e o desespero humanos; a fase Rosa, entre 1904-1907, o amor origina muitos desenhos sensuais e eróticos, com a paixão de Picasso pelo circo, iniciam-se os ciclos dos saltimbancos e do arlequim. Depois de descobrir as artes primitivas e africanas compreende que o artista negro não pinta ou esculpi de acordo com a tendência de um determinado movimento estético, mas com uma liberdade muito maior. Em 1907, com a obra Les Demoiselles d’Avignon começa a elaborar a estética cubista que, essa tela subverteu o sentido da arte moderna. Também destacamos a obra Guernica que foi mostrada pela primeira vez na Exposição Internacional de Paris, em 1937. Foi concebido e executado com grande rapidez em seu estúdio em Paris. Picasso pretendia que seu quadro fosse uma denúncia contra a s mortes que estavam destruindo a Espanha na terrível Guerra Civil (1936-39), e contra a perpétua desumanidade do Início

le musique-Óleo sobre tela, 115,2 x 11, Albright-Knox Art Gallery,

Buffalo, NY 

Guernica

Dimensões: 3,5 m x 7,8 m

Criação: 26 de abril de 1937–junho de 1937

Material: Tinta a óleo

LE DEMOSIELES DAVINHON (1906-1907)óleo sobre tela

dimensões2,43x2,33

ABSTRACIONISMO GEOMÉTRICO NEOPLASTICISMO

A arte abstrata tende a suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro, entre as linhas e os planos, as cores e a significação que esses elementos podem sugerir ao espírito. Quando a significação de um quadro depende essencialmente da cor e da forma, quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade visível, ela passa a ser abstrata. Abstracionismo Geométrico ou Formal, as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica. Neoplasticismo, seu criador e principal teórico foi Piet Mondrian. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho, azul e amarelo). O ângulo reto é o símbolo do movimento, sendo rigorosamente aplicado à arquitetura. 

PIET MONDRIAN(1872-1944)

Pintor holandês. Depois de haver participado da arte cubista, continua simplificando suas formas até conseguir um resultado, baseado nas proporções matemáticas ideais, entre as relações formais de um espaço estudado. O artista utiliza, como elemento de base, uma superfície plana, retangular e as três cores primárias com um pouco de preto e branco. Essas superfícies coloridas são distribuídas e justapostas buscando uma arte pura. Segundo Mondrian, cada coisa, seja uma casa, seja uma árvore ou uma paisagem, possui uma essência que está por tráz de sua aparência. E as coisas, em sua essência, estão em harmonia no universo. O papel do artista, para ele, seria revelar essa essência oculta e essa harmonia universal. Ele procura, pesquisa e consegue um equilíbrio perfeito da composição, despojado de todo excesso da cor, da linha ou da forma. Em 1940, Mondrian foi para Nova York, onde realizou a última fase de sua obra: desapareceram as barras negras e o quadro ficou dividido em múltiplos retângulos de cores vivas. É a série dos quadros boogie-woogie. 

Composition No. II; Composição em Linha e Cor-1913 

Óleo sobre tela -88x115 cm Museu Kroeller-Mueller, Otterlo

Composição com cinza e marrom claro-1918- oleo sobre

tela-dimensões 80,2x49,9

Mondrian, PietComposição A: Composição com preto, vermelho, cinza, amarelo e azul -1920-oleo sobre tela-91,5 x 92 cm Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Roma